Las mil y un caras del Genio en Aladddín. Crítica ADELANTOS, CRITICA, ESTRENOS, UNCATEGORIZED La película estadounidense gira alrededor del carismático actor Will Smith quien compone al notable personaje salido de la lámpara color azulado. La mítica historia animada pasó a la pantalla grande ahora encarnada por intérpretes reales y giran un relato oral parte de un compendio de cuentos con un autor anónimo. Por Florencia Fico. El filme contó con la producción de Walt Disney Pictures con un tinte propio del emporio cinematográfico la gran escala de animación en los típicos animales de la historia animada tanto el león que defiende a Jazmín como el mono capuchino que es guardián de Aladdin fueron piezas más que dulces donde se pudo ver una relación muy tierna y contenedora de los animales con los actores. El guión de John August y Guy Ritchie se basa en la historia de un entrañable pero sin fortuna ladrón enamorado de la hija del sultán, la princesa Jasmine. Conseguir tener un acercamiento con ella, lo hará por medio del hurto que le propone Jafar(Marwan Kenzari). Se trata de ingresar a una cueva dentro del desierto y así obtener una lámpara mágina que le dará tres deseos. Ahí es donde Aladdín se reune con Genio y emprende una exploración a sus más íntimos sentimientos y travesías. Zenzari compone al visir real que es un hechicero malvado pero pasa desapercibido; un personaje que quiere el poder absoluto del territorio árabe. Sólo lo destaca su bastón en forma de cobra que le da sus poderes y un ave cómplice de sus perversiones. En remakes de Clásicos de Disney el nuevo giro fue en rememorar la unión entre Genio y Aladdín, cuando Aladdín casi muere Genio aparece y busca los grises para salvarlo, también cuando quiere acceder al trono y quiere aparentar ser príncipe entre ambos hay un constante consejo entre los dos. El guión es un ida y vuelta entre los sueños de Genio y Aladdín. La energía está cargada en Will Smith como genio, convertido en: asistente de moda, sirviente de aladdin, bailarín de danza árabe, cantante de rap, una voz de la que uno no se pude escapar. Es un ser que propaga alegría y concede fantasías. En torno a la fotografía a cargo de Alan Stewart reflejaron con tomas panorámicas grandes instantes en desiertos, selvas, ciudad en ruinas y majestuosas tomas en el palacio del sultán. Hubo un momento brillante cuando intentó romper con la cuarta pared cuando Will Smith en personaje de “Genio” habla con los espectadores. En las acrobacias de Aladdin (Mena Massoud) se vio la capacidad de entrega al papel pero no brilló; se trata del personaje central el contaba con experiencia en “Let’s Rap” como gran promesa de transferirle a su protagónico la virtud de ponerse al frente de las coreografías. Sin embargo, el guión lo desplazó a ser un simple títere del Genio. En cambio Naomi Scott como Jazmín obtuvo un carácter más pronunciado por ahí por tomas en contrapicado aunque en éste filme se repite en su cabeza y en canciones “no me dejarán sin palabras”, es una nueva postura de la princesa, alza su voz, es terca, desconfiada y rompe con el esterotipo de mujeres de la realeza. La dirección de Guy Ritchie acostumbrado al género de crímenes y comedia pudo acompañar con suspenso y humor las apariciones descabelladas y locas de Will Smith y Mena Massound. Ritchie afirmó su estilo en duetos cómicos como lo hizo en Sherlock Holmes(2009) con: “Genio” y “Aladdin”; desarrolló en ellos una dupla chistosa, familiar y de hermandad. La música de Alan Menken se vio muy influenciada por la cultura árabe, ritmos típicos del lugar, pop y rap. Además tuvo los instrumentos típicos como panderetas, platillos, timbales, chinchines, tambores de copa como el: “derbake” y laúd. El ritmo fuertemente marcado por cuerdas y percusión, asimismo, se agregó guitarras más occidentales. Lo que delimita la melodía árabe es el estado de ánimo de los personajes. Los temas abarcaron temáticas más referidas al conflicto social entre clases más altas y bajas, los anhelos, el empoderamiento femenino y la fantástica canción originaria “A Whole New World” en la voz de Zayn y Zhavia Ward. Los cantantes con chasquidos y agudos recorrieron la teatrelidad del conflicto en mundos idealizados que cuando se confrontan trascienden las leyes de la tradición. Puntaje: 60.
Sus ojos desprenden fuego como dos soles y la pelea por su descubrimiento en el mundo de los superhéroes de Marvel son las campanas que suenan en su cabeza con control alienigena y su humanidad sin recuerdos. La directora Anna Boden y Ryan Fleck plantean en “Capitana Marvel” (Carol Denvers )una mujer que no se deja llevar por la corriente y desafiante; una narrativa que promete dejarte sorpresas en un intrincado entramado. Una película para lo inesperado y una muchacha que aparece para seguir el rompecabezas de los héroes. Sus ojos desprenden fuego como dos soles y la pelea por su descubrimiento en el mundo de los superhéroes de Marvel son las campanas que suenan en su cabeza con control alienigena y su humanidad sin recuerdos. La directora Anna Boden y Ryan Fleck plantean en “Capitana Marvel” (Carol Denvers )una mujer que no se deja llevar por la corriente y desafiante; una narrativa que promete dejarte sorpresas en un intrincado entramado. Una película para lo inesperado y una muchacha que aparece para seguir el rompecabezas de los héroes. A ella la llaman “Verse”, porque en su chapa como piloto de las Fuerzas Aéreas la chapa quedó cortada a la mitad con una identidad aún incompleta. En esa sociedad ella es graciosa, agresiva y competidora como humana devenida en Kree que adquiere habilidades como guerrera e intelectual, sin embargo su costado emocional la ubica en dos situaciones, por un lado su sentido instintivo y lógico. Ambos novatos en el Universo Marvel pero bien reconocidos por sus trayectorias como intérpretes. En el caso de Larson ella posee un Oscar como actriz en “La Habitación” y él británico en los BAFTA como mejor actor de reparto The Talented Mr. Ripley. Brie para éste personaje tuvo que sostener pesas de 100 kilos por 9 semanas, mover un Jeep de abajo hacia arriba en pendiente y como en su personaje hace de una piloto de la Fuerza Aérea hizo vuelos en jets F16. Se preparan para el ataque de los Skrulls otra comunidad alienígena quienes son pintados como criaturas despiadadas y nocivas para la sociedad Kree para Carol pero lo que encierra otro sub trama bien hilado en el guión con la aparición de Talos – Keller aquí se hacen notorias las sesiones de maquillaje y producción con máscaras, disfraces y efectos especiales en un alienigena. Los sets de maquillaje para éstos sujetos de otros planetas duraban 3 horas al menos. Larson como Carol y próximamente Capitan Marvel tiene recuerdos y se cuestiona de dónde provienen. Por ejemplo en un diálogo en sus sueños: “¿Donde tienes la cabeza?”le pregunta alguien y ella contesta: “En las nubes. Más rápido y veloz”. Hace un recuento de su trayecto en la Tierra estando en la locación de un circo. Su padre la menospreciaba, a su hermano lo dejaba conducir, aunque ella también tomaba el volante se caía pero se volvía a levantar. La cargaban cuando practica en las Fuerzas Aéreas cuando trepaba. Le decían “No eres para esto”, “no eres bastante fuerte, no tienes fuerza”, “No podrás” o “No es una piloto”. Un poco el mensaje que subyace la desigualdad de género y el bullyng frente a ello con dignidad, temple y firmeza luchaba contra los esterotipos machistas y misóginos. En una misión ella queda desorientada y se pierde en el planeta tierra y perfora el techo de un Blockbuster mira las películas no toma las románticas de hecho le dispara a un póster de una pareja porque no reconoce su pasado. Lo ve como un lugar desconocido a pesar de ser nativa de la tierra. Ve a un oficial que es seguridad del la estación de nafta y le consulta sobre como puede comunicarse con una nave del espacio. El la ve con su armadura y piensa algo raro de ella, y llama a la policía. Ella se comunica desde un teléfono público con la nave y le dice su ubicación a Jude Law: Yon-Rogg. “Los elegidos de la gloria” es un filme estadounidense de 1983, su título original expresa “lo que hay que tener”, en relación a la valentía involucrada al ponerse en situaciones riesgosas o conflictivas. La película es acerca de pilotos en ensayo tras la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos. El filme ganó el Premio Oscar en 1984 en mejores efectos, al mejor montaje, a la mejor música y sonido. Ella el primer contacto que tiene en la tierra es cuando sale del BlockBuster y conversa con un oficial de seguridad de la estación de nafta cercana a la casa de videoclub a quien le consulta dónde está pero éste sospecha de una mujer vestida con una vestimenta tan avanzada pareciera una armadura de otro planeta y lo confunde aunque su rostro sea de una persona. Entonces decide llamar a la policía estadounidense; la persigue en una emboscada y le piden que se identifique y ella le dice como si fuera un robot su nombre Vers. Ella detecta presencia de un Skrull y lo mata. Toda esta secuencia de escenas mezclan humanos con especies metamorfas. El que se hace cargo de la investigación es llamado “Buchon Nocturno” o Nick Fury(Samuel L. Jackson) un oficial detective de S.H.I.E.L.D. y Pihil Coluson. Carol Va a un cyber, en las computadoras teclea letra por letra, como un autómata. “Bicho raro”, le dicen. Prevee la infiltración de los Skrulls a la tierra. El actor Samuel Jackson en ésta película saca toda su comicidad y se hace amigo de ella en compañía de su gato “Goose”(él le daño un ojo y he aquí la explicación de su parche). Es evidente que es el origen de su brigada para hallar otros superhéroes y ese encuentro con Carol en la persecución e invasión. Lo que gestará la saga de Los vengadores en un futuro desde un Iron Man hasta el final que pronto se estrenará “New Avengers: end game”. Samuel tiene 70 años pero aparenta un rejuvenecimiento facial en la compostura con peluca y marcas de edad son imperceptibles. Sus líneas lo hacen un personaje amigable y accesible “Reconozco a una soldado relegada cuando la veo. Nunca pensé que podía venir del cielo”, un gran elogio de tal envergadura a Carol. Un Fury cansado de su trabajo se ve sensibilizado y renovado con ella. Las charlas chistosas donde él se presenta como agente de S.H.I.E.L.D. con su gorra con logo, y ella se burla pero el remata: “dijo el soldado espacial que lleva un traje de goma”. Una invasión espacial. Una persecución. Sinceramente estaba por renunciar hasta que te conocí hoy. Los guiños al pasado son muchos ya desde que Carol se comunica desde una cabina telefónica pública, el uso de ordenadores con Internet lento, autos de época, la vestimenta con remeras impresas de la banda rockera “Guns and Roses”. El localizador de Nick en formato viper que es transformado por Denverse como un artefacto más sofisticado con capacidad y tecnología de otra generación capaz de traspasar planetas enteros para encontrar personas. Y en lucha contra Talos (Ben Mendelsohn) un cambia formar se hace pasar como el jefe de Fury Keller; en la invasión Sckrull a la Tierra. El que está trabajando de manera encubierta. Con el chasquido de sus dedos hace desvanecer a una persona hasta dejarla en cenizas y/o matarla como hizo en Avengers: Infinity War con Fury. Durante una misión para rescatar a un agente Kree encubierto se infiltra en un grupo de Skrulls forasteros con quienes los Kree han estado luchando durante siglos. Vers es secuestrada por el comandante Talos y sujeta por la fuerza a una sonda de memoria. Ella logra escapar y, sin darse cuenta, pilotar a la Tierra, estrellándose contra el techo de un Blockbuster, en Los Ángeles. Su presencia atrae la atención de los agentes de S.H.I.E.L.D., Nick Fury y Phil Coulson, cuya investigación se ve interrumpida por un ataque Skrull. En la persecución posterior, Vers recupera un cristal que contiene sus recuerdos extraídos y Fury mata a un Skrull que se hace pasar por Coulson. Fury luego se encuentra y acepta trabajar con Vers, mientras que Talos se disfraza de agente de S.H.I.E.L.D. Keller. Hay un cameo del animador fallecido Stan Lee sonriendo leyendo un comic. “La guerra es un idioma universal”, comenta Fury a Carol con el contexto de fines de la Guerra Fria(1991). El agente pone música en su auto con ella y la acompaña en su búsqueda por la verdad sobre su aparición en la tierra. El tiene sentido del humor, le va acercando sus sentimientos, sus recuerdos, y la hace acercarse a su costado humano. Como cómplices, amigos y luchadores por la justicia en el mundo. Van a ver a un archivo los expedientes de una científica pero descubren que es una humana y no una Kree que buscaban hacerla un arma que destruyera a una comunidad con su uso. Era piloto que cree que se murió con ella o su profesora su ejemplo a seguir. Pero ella se ve en las fotos con su vida pasada, lee su fallecimiento, sus pertenencias, sus amistades. Su mejor amiga “María Rambeau”(Lashana Lynch), mamá soltera, colega piloto y Carol es la madrina de su hija “Mónica”. Ve a su profesora en las imágenes es parecida a Inteligencia Suprema, su mentora en la comunidad Kree, asimismo científica y su docente en aviación. Los acompaña siempre un gato. Parece inocente y mimoso; pero es una bestia que devora como un pulpo todo lo que se le interponga. La mejor amiga la recibe en su casa quien puede convertirse con ella en agentes para parar ésta guerra. Con toda su preparación y energía. Aunque su amiga lo duda por su hija no la quiere dejar sola. Aunque su hija le da valor. Ella la encuentra a su amiga distante como si la desconociera, tiene que mostrarle sus pertenencias y ella empieza a enlazarse con el mundo su verdadero nombre. Carol Denvers y los flashes de su pasado vuelven como un flashback. Sus bailes juntas, sus andanzas, toda su vitalidad en la tierra la separa de la comunidad Kree. Ya que descubre que la Inteligencia Suprema de los Kree era una piloto muy engañosa. Algo había oculto. Una intención con ella, en particular darle poderes alienígenas para destrozar a otra comunidad los Skrulls. Ella ya pasa a ser: “Tía Carol”, le manifiesta la niña. Cuando ambas amigas se ponen al día emprenden su lucha contra toda fuerza negativa sea Talos o los Krees. María su amiga la reconstruye como mujer, Le dice que la extraño tanto y llora, se abrazan. Juegan en las carreras en Camaro. La pequeña Mónica la ve a Carol como una “una gran heroína” . Su sobrina le hace un traje nuevo con los colores de su remera y su lema es salvar vidas. “Terca hasta para morir”, un chiste sobre su personalidad. “El núcleo de energía le dio poderes” y pudo sobrevivir otra vez más murió y revivió. Y aunque le saquen un chip con la identidad Kree, ella renace con poderes propios que se le han hecho piel y fuente de energía para recalentar metales, volar, recubrirse de escamas en las profundidades marinas, enojarse con fuego en sus manos, una fuerza que al liberar sus emociones y sentimientos se impregnó de su valentía. Al reconocer que con cada caída, burla, chiste, risas y raspones ella se levantaba y se ponía de pie para seguir luchando con una mirada enfurecida y hasta en una edad de 6 años. Esa ira contenida se volvió una coraza para su espíritu intimidante. En cuanto a la musicalización Pinar Topark se situó en el surgiemiento del grunge que significa “Sonido de Seattle”, es una música cruda y rebelde, con versos siniestros continuados de un potente estribillo. Eso se dio con el tema “Come as you are” de Nirvana, “Just a girl” de la banda ska “No Doubt” y la banda femenina Hole con su rock alternativo o indie; por último “Garbage” con su vocalista Shirley Manson cuyo guitarrista y productor musical es el que realizó el disco “Nevermind” de Nirvana. Su vestuario típico es un jean, una camiseta de la banda de rock industrial Nine Inch Nails , una campera de cuero, zapatillas, una gorra y va en moto. Ella logra salvar a la tierra y aniquilar a los infiltrados reales los Kree y darles su verdadero hogar a los Skrulls; quienes solo sufren las mentiras de los Kree que los hicieron ver como los horrores o villanos de la película cuando ellos solo se defendían de sus constantes asesinatos. Pelea con todos ellos con su puño de acero, su mente despiadada y una convincente dignidad. Tras haber sido engañada por Inteligencia Suprema y solo formarla como soldado de sus filas Kree, y hacerla desaparecer de su vida en la tierra con sus afectos que tanto la hacen plena y vigorosa para no descartar todo lo que se viene en frente porque al otro se lo cuida hasta que se demuestre lo contrario). No era una máquina para matar, era una mujer desconectada con el amor que es más brillante que el sol como sus combates y formas de defensa. El avión de Carol Denvers lo nombro “Vengador” en inglés “Avenger”. El próximo proyecto de Fury “Los Vengadores” para encontrar más héroes como ella. La piedra infinita( del universo) en forma de cubo eléctrico brillante, creada por la doctora alias “Wendy Lawson”(Annette Bening), cabecilla de los Kree, asimismo científica le dieron los poderes ahora “Capitana Marvel “o Carol Denvers, no se los brindaron los Kree. Se trata de una investigación que hizo sobre un motor de velocidad de la luz. Éste personaje de tantas identidades distintas era Inteligencia Suprema perteneciente a los Kree y a su vez la jefe de las Fuerzas Aéreas; un ejemplo para Carol en el manejo de aviones. Annette su intérprete tuvo habilidad para ser una multifacética actriz desde una guía espiritual para “Denvers Starfoce”, el nombre Kree de Carol, una instruida doctora en ciencias, una enigmática presencia que se vuelve cada vez más oscura y engañosa, y la fundadora accidental de los dones de “Capitana Marvel”. Esto se ve plasmado en una conversación que la pone como impostora en el papel de “Inteligencia Suprema”; lider de los Kree. ” Eres solo una víctima de la invasión de Skrull que ha amenazado nuestra civilización durante siglos. Los impostores que se infiltran en silencio, luego se apoderan de los planetas”, le expresa a Carol con la meta de confundirla. Hay escenas con grandes tomas donde Ben Davis encargado de fotografía se destaca en una enmascarada Skrull vestida de abuela en un tren que hace secuencias dentro del transporte con planos generales y con guiños a las peleas a lo “Spider Man” esas coreografiadas escenas de pelea con movimientos de cámara de traveling. Tomas de espaldas de Carol que la muestran con gran porte y musculosa. Capturas de cámara en mano de la visión de Denver, primeros planos a la cara de la anciana inquietante, Todas las partes de batalla son tan detallistas y minuciosas que reflejan lo más vívido de la guerra. Se nota el despliegue de cámaras giratorias y grúas dando en la tecla 360°. La historia de la génesis en cómic de Carol Danvers fue en 1968 en el volúmen” Marvel Super-Heroes #13(Carol Denvers)”, luego en 1977 como “Ms. Marvel #1″ y posteriormente en 2012 como !Capitán Marvel”. Sus creadores fueron: Roy Thomas y Gene Colan. Sus talentos son: vuelo, fuerza superhumana y disparo de energía. El mensaje que deja ésta película es que ella es una heroína con los pies en la Tierra pero es una conexión entre el espacio y la humanidad terrestre que procura la justicia, verdad y el fin de las guerras. Frases del guión la componen a Carol ; “Más alto, Más lejos, Más bajo”(estratégica), “¡Alcánzame!” (movediza), “Sigo teniendo esos recuerdos, esas imágenes”(melancólica), “Creo que tengo una vida aquí. Pero no puedo decir si es real”(introspectiva), y “¿Dónde está la furia?” (efusiva y provocativa).
Diane Keaton está en la cima y lo refleja en “Mejor que nunca”. Crítica ADELANTOS, CRITICA, ESTRENOS La película inglesa “Poms” afianza la impronta de Zara Hayes directora del filme quien visualiza el destrato a las mujeres mayores de edad pero con diversión y baile. Las compañeras de la protagonista “Martha” apoyarán un sueño en la vejez, ella quiere ser porrista. Por. Florencia Fico. La directora Zara Hayes fue encargada del documental deportivo “La batalla de los sexos” sobre la partida de tenis que confrontaba al campeón Bobby Riggs y hoy premiada en Wimbledon femenino Billie Jean King en 1973. En esta pieza cinematográfica la cuestión de género demuestra la superación y potencia femenina al alcanzar la victoria; a pesar de la poca difusión, financiamiento y burlas sobre su dudosa fortaleza. El título oficial en inglés es: “Poms” en español “Mejor que nunca” un filme que expone la historia de Martha (Diane Keaton) una mujer de tercera edad vendedora de objetos en remante, sin hijos y viviendo 45 años en el mismo departamento se cansa y decide alojarse en una residencia de ancianos. Impulsada por su amiga Sheryl (Jacki Weaver) emprenden realizar un grupo de animadoras con mujeres de su misma franja etaria. Aunque lo que empieza como un momento de recreación se transforma en una actividad profesional y tienen la idea de ser miembros de una competición. Con esta meta se asocian a una joven cheerleader (Alisha Boe) que coordinará al equipo y las ejercitará y ” ¡Ellas demostrarán que nunca es tarde para darlo todo!”. Haynes en “Poms” muestra otra discriminación de género pero por edad donde las mujeres dependen de la aprobación de sus hijos para contar con su dinero para los uniformes; es decir la sumisión económica. “Nadie quiere ver a un montón de ancianas con falda corta”, comenta un hijo de las mujeres. Asimismo las demandas por parte del hogar de residencia que las obliga a ser al menos ocho y las ven como una ocupación promiscua, obscena y fuera de los estándares morales del espacio. Además cuando inician participando en un pequeño duelo entre ellas y unas muchachas adolescentes son filmadas en su performance; el video pasa a ser viral y las críticas son más fuertes, risas y comentarios poco felices. El guion de Shane Atkinson (Historia: Zara Hayes) propone también darles poder a aquellas mujeres. Por un lado, cuando Martha les propone mirarse en frente de un espejo y observarse para luego decir que les gusta de sí mismas. Ellas responden: su pelo, manos, muñecas, sonrisa, sus pechos. Por otro, en el momento de la audición cada una propone su talento en la danza o destreza entre las aptitudes se encuentran: tango, rock and roll, disco, yoga y bastoneo. Una escena que pone especial atención a las canciones elegidas por Pedro Bromfman ellas son: “Man, I feel like a woman” y “American Woman”. También la aceptación de sus propios límites físicos aunque para cuidado de ellas mismas. Muchas de ellas enfrentan mareos, reposición de pierna, dolor al levantar los brazos, cáncer, inflamación en el ciático e inestabilidad. Con esta lista de antecedentes médicos hacen entrenamientos apropiados y aconsejados para seguir en ritmo para la competencia sin bajar la guardia a su anhelo ganar una competencia regional de baile como porristas. El género que desborda lo da la dupla cómica Sheryl – Martha. Ambas distintas pero complementarias. Sheryl es profesora de Educación Sexual, juega póker a altas horas de la noche, tiene una sensualidad que atrae a todos, segura, directa, abuela y muy colaboradora. En cambio Martha es silenciosa, retraída, poco sociable, muy rígida, rutinaria, sarcástica e irascible. En una de las locuras de Sheryl, al no permitirles que ensayen en la residencia de ancianos, va al secundario de su nieto donde ella da clases y desarrollan sus coreografías con su joven jefa animadora. Se ve perjudicada por el video que pasó por las redes sociales; sin embargo ella no lo subió si no una compañera y se compromete a prepararlas en poses osadas, sexys y arriesgadas. Ésta combinación da como resultado un humor irónico lleno de conversaciones íntimas que las sacan de sus personalidades originarias. Asimismo se mezclan y generan una amistad de mutua contención y esperanza. Martha le comenta a Sheryl su quimioterapia abandonada, un deseo pendiente y el cuidado que tuvo con su madre que la alejó de su aspiración. Lo que hace que su amiga Sheryl sea más consciente, implicada con su salud y cuidadora sin querer de su compañera. En un momento de recaída Martha es llevada a un sanatorio y se despierta con Sheryl abrazándola en su cama una escena imperdible que evidencia la mixtura de una tragicomedia y amor entre pares. El reparto completo lo conforman: Diane Keaton, Jacki Weaver, Pam Grier, Celia Weston, Rhea Perlman, Charlie Tahan, Bruce McGill, Alisha Boe, Phyllis Somerville, Suehyla El-Attar, Sharon Blackwood, Carol Sutton, David Maldonado, Frank Hoyt Taylor, Charles Green, Patricia French, Robert Larriviere, Alexandra Ficken, Maxwell Highsmith, Henardo Rodriguez, Karen Beyer, Kevin Petruski Jr. y Wesley Williams. La producción fue una coproducción entre: Reino Unido-Estados Unidos; Sierra Affinity, Mad As Birds y Green Rose Pictures. Puntaje: 85
Mocha Celis el pensamiento trans tras la exclusión violenta al sistema educativo, laboral y social El documental ficción “Mocha: Nuestra lucha, su vida, mi derecho” activa a la producción casera de un filme que enriquecido por la pluralidad de voces y la colaboración entre autoridades y estudiantes . Los protagonistas de pre producción, confección y tratamiento final convergen en un gran caudal de voces que de forma comunitaria se proponen hablar sobre problemáticas: sociales, injusticias es el caso del ingreso a derechos esenciales como la educación, vivienda y trabajo; marginados para los travestis y transgénero. Por. Florencia Fico. El documental argentino “Mocha” dura 63 minutos y cuenta con la dirección de Francisco Quiñones Cuartas y Rayan Hindi. El filme abarca la compleja situación de la transexualidad y transgénero. El resumen de la película es la historia de la creación del primer Bachillerato para personas Trans a nivel global. La institución está en la localidad de Chacarita en la provincia de Buenos Aires allí se desarrollan sus clases. En éste filme los estudiantes elaboran el filme relatando un cuento acerca de indentidad, aprendizaje, inclusión y su militancia de la integración a los derechos que el resto de la sociedad tiene. La productora Groncho se define: “el entrecruce de lo popular y lo profesional: ahí estamos” y eso se refleja en su planeamiento previo a la creación del documental. Donde alumnos y docentes en un pizarrón anotan los entrevistados, las recreaciones en ficción, las y los estudiantes que van a hablar. Se amplía la mirada de una película cuando los mismos intérpretes pueden participar o colaborar en la confección del filme. La escuela porta el nombre por Mocha Celis una trans tucumana no letrada que fue asesinada por la policía en época de dictadura según relata su amiga Flavia Flores . En su recuerdo y honor hicieron éste colegio público y gratuito, luego de 30 años de lucha social en compañía del movimiento “Diversidad Divino Tesoro”. Flores también admite que en la actualidad no son visibilizadas en los medios de comunicación; además “en lo que va del año 12 chicas fueron asesinadas. Hay mucho transvesticidios y travesticidios”, concluye Flavia. La película cuenta con una animación de Santiago Bungni de un Domingo Faustino Sarmiento pincelado con pelo rubio, labios rojos y cachetes en rosa, estilo comic y pop art. Es decir un líder de la educación intervenido para un cambio de paradigma en la ilusión de distintos sectores sociales. El guión lo redactaron estudiantes del Bachillerato Popular Trans Mocha Celis en coordinación con los directores Francisco Quiñones Cuartas y Rayan Hindi. Todos hicieron una fórmula que combinó testimonios en primera persona, escenas figurativas de la vida de Mocha Celis y los alumnos. Por ejemplo: un desalojo, la celebración del aniversario de nacimiento de la escuela frente a una detención de una compañera, una procesión con velas para glorificar a Celis, la humillación de una farmacéutica a una transgénero, la intimidación policíaca y el desarrollo de las clases en el colegio, su función social, enseñanza e inserción laboral. Los estudiantes pudieron contar sus padecimientos tales fueron: detención, tortura, falta de respeto, desprecio, desalojo, un trato excluyente en el acceso a la salud , (medicamentos) para transgénero, falta de reconocimiento de sus identidades en las entidades bancarias y/o otras, la pobreza, prostitución, el hacinamiento, la violencia institucional,adicciones, poca cobertura en el tratamiento de sus enfermedades simples o de transmisión sexual(SIDA) exclusión familiar, carentes de jubilaciones, el maltrato y corrupción policial, vivencias en las cárceles(golpes), muerte, acosos, abusos, violaciones a sus derechos constitucionales, incomodidades, genocidios trans, censura y machismo. Los profesores, es el caso del Licenciado en Periodismo Miguel Nicolini, narró que los alumnos no proyectaban más de una semana de asistencia a clases pero al finalizar la cursada terminaban tomando mate y queriendo ser: Instrumentadoras quirúrgicas, periodistas, abogadas, actrices o trabajadoras sociales. Por un lado ven que los alumnos sienten que no son dignos para estar en la escuela pero en ella encontraron contención, unión, pertenencia, puestos laborales ya sea como preceptoras, miembros del buffet, docencia, secretaría académica, administrativas. Nicolini como Coordinador de Gestión Institucional del Bachillerato Trans Mocha Celis apunta al ingreso de éste sector a los derechos de educación, salud, vivienda y trabajo desde una mirada integral. “Es la primera escuela que se plantea construir un espacio educativo libre de discriminación sexual, de género y cultural. No es un lugar exclusivamente para los compañeros y compañeros trans, si no abiero a todas, todes y todos los que hayan sido expulsados del sistema educativo por cuestiones discriminatorias, violentas, culturales. Tenemos un estudiantado muy variado en términos de edades lo cual es hermoso e identidades, eso es lo que hace maravilloso el aula”, afirma Nicolini. Asimismo el documental manifiesta confeccionar la diversidad, la identidad trans como un lugar no exclusivo y su reclamo permamente de participar de una ciudadanía de primera no de segunda. Asimismo alberga tanto abuelos como a adolescentes. “Un espacio libre de discriminación, libre de sexismo, libre de estigmatización. Se ha dicho que es una escuela para “chicas travestis”, pero decimos que es mucho más; primero porque identidades trans no somos solamente “chicas travestis”, hay varones trans, mujeres transgénero, transexuales, hay maneras muy diversa de nominarse y autopercibirse”, describe a la institución su sitio web Comunicar Igualdad. La Fotografía de Ariel Contini y Sandra Grossi se basa en primeros planos a los entrevistados sean autoridades, estudiantes, docentes, trabajadores, actores y se tomó material de archivo de su fundación es el caso de presencia de Alberto Sileoni ex Ministro de Educación de la Nación en donde declara: “No puede haber silencio pedagógico contra la discriminación, contra la falta de respeto, contra el abuso. Y estamos discutiendo que tipo de sociedad queremos”. Lo mismo sucede con la activista trans Lohana Berkins recientemente fallecida que relata la convivencia con Mocha Celis y su amistad con el lema: ” Nuestra lucha, su vida, mí derecho”. Se hacen tomas del backstage y la puesta en escena de distintas recreaciones basadas en malas experiencias del colectivo y la vida de Mocha. Alma Catira sanches es licenciada en Ciencias Políticas, y en el instituto es docente en las asignaturas:”Politica – Ciudadanía y Derechos Humanos”, su primera instancia laboral formal como trans el resto de sus trabajos tuvo que hacerlos con su anterior identidad. Otra docente ve a las masculinidades muy apricionadas con poca abertura y ella les enseña a hacer cartas de quejas a los estudiantes para protestar si fueron vulneradas en algún momento. La escuela se originó en 2012 se posiciona como la primera Escuela Pública avalada por el Ministerio de Educación de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires ya que históricamente fueron las identidades trans privadas y discriminadas en su formación educativa. Sus directivos son: Francisco Quiñones Cuartas y Vida Morant académica y militante trans. La proyección documental ya fue galardonada con el Gran Premio del Jurado en el Festival Asterisco 2018, y el mismo premio en el Rio Festival de Gênero & Sexualidade no Cinema de Río de Janeiro. Puntaje: 70
Happy Hour, dale espacio al deseo destila comedia y encierra enigmas en su interior Una corriente de agua entrelazándose es el aperitivo que pone principio a la película “Happy Hour, dale espacio a tu deseo”. El entrecruzamiento de personajes e historias es el pié fundamental de éste filme. Con mucha carga pasional en la voz del actor Pablo Echarri quién se dispone a ser un profesor de literatura con muchas ganas de salirse de las estructuras matrimoniales; y ver si su esposa se sube a su idea que pinta la intriga fundacional de la proyección. Por Florencia Fico “Happy Hour: Dale espacio a tu deseo”, es el título oficial de la película brasilera que se estrenó en 2017 con la producción compartida entre Brasil y Argentina. El resumen de la película es la estancia de Horacio un profesor argentino de literatura latinoamericana que se radica en Rio de Janeiro se transforma totalmente a base de un hecho imprevisto. Este altercado lo conduce a identificar sus impulsos más instintivos y a comentarle a su mujer Vera, que tiene ganas de estar con otras mujeres, sin embargo no deja de estar enamorado de ella no quiere distanciarse tampoco. Su concubina no acata esta propuesta pero está entre la espada y la pared en su vocación como diputada donde Horacio es una pieza importante para su posicionamiento como alcaldesa en su asenso político. Todas las afirmaciones de una vida conservadora se ponen en tela de juicio cuando es tiempo de afrontar la realidad. La película brasilera dura 104 minutos un poco larga para una comedia con tintes amargos, apta para mayores de 16 años. Su director Eduardo Albergaria supo cautivar con diversos elementos la atención de lo que se considera comedia dramática. En principio con tomas aéreas en las terrazas de edificios, una familia envuelta en telaraña, una puesta en escena de un supuesto ladrón(Pablo Morais) quien trepa como un hombre araña los pisos de un departamento. La película se sumerge en Brasil desde sus playas,morros, paneos al Cristo Redentor, la frondosa y laberíntica zona de Pan de Azucar. En caminatas frecuentes la palabra “escape” se encuentra con éste lugar donde el equipo técnico del filme desplegó tomas de una flora y fauna resplandeciente. La constante aparición de monos capuchinos que se mezclan con su elenco es el caso de una escena con el actor argentino Luciano Cáceres como Ricardo que no lo toma como una plaga o un estorbo si no como un animal a quién contemplar y alimentar; aunque su parloteo con el animal inequívocamente se transforma en risas en el público. En la sociedad brasilera se advierte como un espécimen a esa especie que devora la comida de la sociedad brasilera. Horacio imagina y tiene sueños con Ricardo como amante de su esposa cuestión que pone en jaque a sus emociones. Por otro lado ha dicho que tiene fantasías con una alumna con la que su esposa enloquece. ¿La liberación es cierta o es una nueva ficción – alucinación de Horacio?, se explora en esas sensaciones o deseos y surrealismo. Aunque Ricardo demostrará lo contrario ya que descubrió su homosexualidad allí. O como hace alusión un fragmento musical: “así va la caravana dedicándose a fingir”. Cáseres interpreta a Ricardo un amigo y alumno becado de Horacio en la universidad, al principio entre argentinos con compinches y cómplices de sus pensamientos sobre las relaciones. Con los conceptos brindados en clase de Horacio: “Dale espacio al deseo”, se abre la ventana donde el espectador Horacio tras quince años de casamiento con Vera una diputada pone en marcha una desenfrenada idea de dar apertura a su relación con otros y otras. En torno a la actuación de Echarri ya no muestra señas de galán en cambio rota a un carácter más introspectivo, donde se lo ve con panza y no es el eje del asunto si no que es parte de un vívido hombre en la edad de los 45 años. Tiene escenas de lo más provocativas y pone de él toda su trayectoria como carril para componer un señor enojado, con pesar y reflexivo. La embestidura y personalidad de Vera(Leticia Sabatella) no le permite vislumbrar un pensamiento tan complejo para ella ya que ella lo mira desde un pasado; como si fuera su padre de una manera figurativa. Aunque su madre rompe con su idealismo de pareja de a dos, su papá ya había tenido un romance con otra mujer. Y su hermana Jo(Leticia Persiles) coincide en un matrimonio abierto es doctora y es más relajada con su pareja actual con la que está a punto de casarse. Sabatela es una actriz versátil puede pasar de puritana a bestial; carismática para un rol tan cambiante y maleable. Leticia Persiles es el afrodisíaco de las cámaras ya sea cantando a capela una rica canción que hace que su hermana se desinhiba de sus tradiciones y sus coqueteos con los pacientes a quienes parece llevar al clímax. La ilusión es parte de ésta película que cuenta con el guión de un gran grupo de autores como: Eduardo Albergaria, Ana Cohan, Carlos Arthur Thiré y Fernando Velasco. El hacer de un argumento un truco donde cada mago hace visible o invisible su pluma, ya sea con la voz en off de Echarri, en los monólogos de Horacio consigo mismo, sus inquietudes y reflexiones. Su tono y los cambios temáticos ya sea para hablar de: política pasión, impulsos carnales con otras mujeres, romanticismo, impaciencia intelectual y sugestivas iniciativas. Sus susurros y la forma de ser un testigo participativo de las tramas con los espectadores. La musicalización estuvo en manos de Darío Eskenazi quien deposita en los tangos tarareados por Horacio sus melancolías y sus orígenes. Asimismo pone un vinilo en espacios donde los amantes Vera y Horacio hacen el amor al ritmo de “Balada para un loco” una melodía compuesta por el artista Astor Piazzolla se vuelve una coreografía de danza. “Con un poema y un trombón a desvelarte el corazón.(…)sobre el abismo de tu escote hasta sentir que enloquecí tu corazón de libertad”, recita Roberto Goyeneche. El tema musical que transforma a la pareja a una sesión visceral de sexualidad impulsiva. Albegaria en su debut en el cine compone escenas de agitación, lleva al guión a un grado de desenfoque. El libreto no siempre es la guía, sin embargo sí la acción de los personajes es el caso de Vera la mujer, en ella se desatan los arriesgados enigmas de una diputada en aprietos por asesores políticos que arman su imagen para que se postule como alcaldesa. El eslabón clave para el filme es la aparición de un: ¿ Héroe o ilusionista? depende la secuencia y versiones del que puede contarlo. La narración del protagonista Horacio(Pablo Echarri) un docente de letras latinoamericanas se ve en tensión cuando en un accidente automovilístico el cuerpo de éste trepamuros cae en su coche y termina con grandes lastimaduras. Aunque los medios de comunicación lo toman como un justiciero aunque no apunten a la verdad. Tras su próxima candidatura por el hipotético acto heróico de Horacio la toman en cuenta para liderar la comunidad dejando entrever el machismo explícito dentro de un recinto minado de hombres que no la toman en cuenta. La prensa hace ver que el accidente los liberó de un malhechor que estaba en la localidad; pero solo fue una coincidencia que la expone a tomar grandes decisiones. Un cambio de look, peinado, maquillaje, atuendos más coloridos en tonos negro, con géneros aterciopelados en gris o borgoña el tono del vino que siempre acostumbra tomar con su esposo. La propuesta de Horacio no le viene en gracia y se dan discusiones que terminan en bofetadas, insultos y golpes de portazo; la decadencia del matrimonio y sus miserias ya que a veces no hablar pero tienen que aparentar, las cámaras que lo atosigan a Horacio y perturban su intimidad. Ellos tienen un hijo que refleja la inocencia de Horacio al primero confesarle sus nuevas preferencias eróticas que prefiere pedirle su permiso que andar con otras. El lado enternecedor cuando juega con su pequeño con huevos de chocolate, las morisquetas que ambos hacen en una video llamada con él que se encuentra de viaje con su abuela y las travesuras que se le pueden ocurrir a un chico como no hablarle a su esposa para que reconsidere su idea. El director Albergaria juega con la idea de la presencia y ausencia de este niño, ¿Está vivo o muerto?, son dejos de enigma que causa el filme. La fotografía de Marcelo Camorino con el empleo de Key Grip o iluminista a cargo, el subtitulado porque en gran parte de la película se habla en idioma portugués. Es un encanto la fluidez con la que Echarri conversa y personifica como si residiera en ese país. Un gran labor como actor lo destacó como una de las figuras más preponderantes en el campo escénico. Y la ubicación de cámaras fijas en momentos de tristeza e incertidumbre de Horacio. El reparto tuvo dos actores argentinos y el resto brasileños es el caso de la famosa Leticia Sabatella que estuvo gran tiempo en la programación de la televisión argentina “El Clon” como “Latiffa” prima de “Jade”, personaje estelar. Los actores argentinos : Pablo Echarri y Luciano Cáceres. Y el reparto de los personajes secundarios de: Aline Jones, Marcos Winter, Letícia Persiles, Chico Díaz, Juliana Carneiro da Cunha. PUNTAJE: 90.
La sonoridad autóctona no tiene desperdicio en "La nostalgia del centauro" La concentración y conservación del sonido por medio de la naturaleza y las coplas de Juan Armando Soria hacen de un documental de observación, el más rico folclore tucumano. Además, una celebración a los ritmos campestres y gauchescos con tramas de tristeza y soledad. Por. Florencia Fico El documental argentino "La nostalgia del centauro" dura 70 minutos, posee la dirección y guión de Nicolás Torchinsky. La música compuesta por Pablo Butelman y la fotografía de Baltazar Torcasso. Los intérpretes fueron: Alba Rosa Díaz, Juan Armando Soria, Fabián Moya y Roberto Moya. La producción en manos de Cabeza Negra Cine. Y aborda el género documental, argumentos sobre la vejez y la vida rural. El resumen del filme es en un punto alejado de los cerros tucumanos residen Alba y Juan, una relación de adultos mayores que contestan a cánones y rituales de una costumbre gauchesca que los sobrepasa. Con cierta edad madura donde no queda mucho por contar, y el repetir sus relatos repiquetea para dar directivas a sus cabras o para volver a mencionar las rimas viejas de la construcción imaginaria de la existencia rural. La fusión entre Butelman y Torcasso hacen un escenario de un fogón el panorama de los pensamientos de un anciano como Juan. Se complementa con el ruido de grillos, ronquidos de un caballo y primeros planos de un caballo relinchido. El ocaso de una noche donde el animal y el hombre conjugan una mismo ser; el mítico "centauro". Esas dos partes son el hilo conductor del guión y dirección que dispone Nicolás donde, por un lado, hay la esencia de los animales por todos lados ya sean: pájaros, cabras, obejas, vacas, cerdos, terneros, crias y asimismo insectos ya sean larvas o grillos. Por otro lado, la mano del hombre que manipula la naturaleza para hacer fogones, limar cuchillos, despellejar animales, matanza de especies, hacer coplas y rimas, rezos y manifestar sus historias de vida. Es chocante para un público defensor de las criaturas, el quejido de un corte a uno de ellos ya basta para pararse e irse de la butaca aunque así es como se gana la vida la comunidad, un mensaje subliminal del padecimiento de la fauna. Juan canta una melodía originaria en plano americano. El suelo arenoso rojo y espejado con el fuego anaranjado espejándose en un piso colorado. Su vestuario es una bufanda de lana y anteojos. Torcasso da tomas opacas o sepia, en lugares cerrados como su casa de adobe y en los momentos más fríos de estaciones invernales. Dando lugar al dejo de una época pasada o sin ánimo. La pisada en el hielo lenta y las palabras por fragmento demuestran la palidez de los años transitados. Los accesorios de Juan como el bastón, un bigote canoso y sus lentes con aumento personificaban sin dudas a un anciano apocado. Los planos detalle o en plena jineteada de los caballos son un espectáculo que regala el documental donde el ring de los gauchos como Juan se autoperciben como triunfadores. La fauna gloriosamente capturada por Torcasso entre árboles pelados la niebla tapa todo con su manto blanco y se desata la tormenta impiadosa con un trueno estruendoso. La música de Butelman es envolvente en un inicio con guitarras criollas tono de balada folclórica y al final con un toque redoblante donde suenan: bombo leguero, caja de percusión, arpa popular y/o charango. También aprovecha el canto de aves, voces de niños gritando, el choque de cuernos en peleas de ganado, el zumbido de un panal de abejas, el encendido de un fósforo. El tratamiento especial picado y contrapicado de Alba orando desde arriba y su rezo abajo ante la cruz muestra la mixtura de Torcasso y el oído de Butelman quien registra que se queda sin aliento al parecer. "Para San Antonio para que me haga encontrar todas mis cosas, que uno necesita o haya perdido", la voz en off de ella. Las escenas domésticas separan a Juan y Alba sólo se juntan para dormir. Ella teje, lava la ropa y el en una toma a contraluz con sombrero de gaucho mira al horizonte. Las caminatas aisladas de ambos él zigzaguea y ella camina para rezar el Ave María o el Padre Nuestro. El afila su cuchillo, arma el pastorea. Desde los 20 años que Juan trabaja en ingenios, luego en el servicio militar, posteriormente en pastorear al ganado, se hizo carrerista, se peleaba con algún gaucho y participaba de fiestas o desfiles rurales. En cambio ella barre su casa recorre el pastizal " tantas cosas habíamos de hablar", comenta como desganada. Confesaba que él se iba al norte y la dejaba sola, no tenía qué comer y les pedía a los vecinos. "Plata que agarraba la ponia en caballo y ponerles zapatos", atestiguaba Alba por su fanatismo por la especie, pero a ella le gustaba más vacas ya que con eso alimentaba y vendía a los lugareños. En escenas silvestres Nicolás toma el espíritu llamativo de dos personajes que conversan por separado con él y recupera la narración oral proveniente de la tradición de las leyendas o fábulas rurales. Es el caso, de su agradecimiento especial al "Gauchito Gil". Rememora el trabajo manual con las leñas del anciano, una pava y haciendo mate él sentado, rechina su silla, sorbe y casi mira a cámara. Es notoria la caída del chorro de agua y enfoque en detalle a sus manos de laburante. Su esposa barre el piso y le murmura a alguien, la escoba rasga el piso, mira su casa y apaga la luz. En todo momento se hace alusión al caballo en decoraciones de la casa, galopes, el trote del ganado, las rondas y cabalgatas. Alba y Juan comparten su religión cristiana en palabras de Soria: "Dicen que los caciques amparan a los cristianos, los tratan como hermanos, el que se va por su gusto y que pasan el susto y vamos pasando el poncho y vamos. Gracias le doy a la virgen y al señor en medio de tanto rigor no perdí mi amor por el canto y mi voz como cantor", esboza Juan en su época más amarga y penosa. Sus coplas y rimas lo aseguran: "Me dicen que no me quieren después de haberme querido, que pasa con esa prenda que jamás entendí. Me han dicho que tengo dueño, mentira no tengo nada. Solo duermo en la cama abrazando la almohada" La marcha con los caballos y la bandera nacional están presentes en el filme como un símbolo patriótico - gauchesco tras una gran peña donde comen los chicos entre los ruidos de moscardones. La única vez que el documentalista aparece es en una pregunta que hace aflojar la sensibilidad en Juan su costado más querible: "Extrañaba a mi madre y padre, pero más a la madre es pa' todo punto de vista". El pasó muchos tiempos angustiantes, mientras estaba en el ingenio Ledesma Sociedad Anónima. Su paso por su entrenamiento militar a fines de los años 50', aún soltero y sin su familia era doloroso. Puntaje:80
Un continente incendiándose hizo del vacío una melodía de vida y desamparo Una superposición de imágenes hacen una composición ilustrativa patagónica argentina, a la vez hace de portada a un documental cargado de reflexiones implícitas en lo que “Un continente incendiándose” se configura como un cine – ensayo. Por Florencia Fico La dirección del filme documental estuvo a cargo de Miguel Zeballos el proponía una narrativa sobre la historia de una mujer en soledad en una región bajo un clima helado y el abandono, Zeballos como una voz omnipresente piensa mientras prueba los conceptos de: vacío, memoria y muerte. La iniciativa de Zeballos es ir y volver con la cámara, se detiene en detalles insignificantes que luego se transforman en situaciones enigmáticas. El filma como si fuera todo un recuerdo o la memoria, cosas que aparecen y desaparecen el juego de una cinematografía en incomprensión hasta llegar a la meditación de los movimientos intolerantes casi en desvelo. “No había cuadro que no sea del viento y la inutilidad de la puesta en escena”, comenta Miguel. Lo que lo hace tener una visión introspectiva pero a la vez participativa del desarrollo del relato de la historia de vida de Mercedes. Cada fragmento de su obra es amalgama su viaje itinerante, lo poético de sus señalamientos y sus indagaciones personales. Su presencia casi nula en el documental pone en manifiesto su compromiso y recorre el mundo que indaga para elaborar razonamiento. La protagonista es la cantora Mercedes Muñóz que aceptó que el lente la persiguiera en todo su recorrido. Su trabajo como mujer rural al ser pastora de vacas, distribuidora de ganado, manipulando la naturaleza con una destreza innata. El seguimiento de sus animales y los senderos de su territorio. La dirección fotográfica de Luis Mirás Vegas propone proyecciones de archivo del director en formatos más antiguos como de videocasetera, con tratamientos vintage. Indicó una vídeo instalación dentro de la región con tomas panorámicas de cada montaña congelada, copa de los árboles en movimiento. Un armado en fundido en los primeros 5 minutos que deja la sensación del acompañamiento autóctono del espacio. Por la secuencia de tomas fijas a: un río en plena lluvia y el sol se refleja esfumado, las nubes en crepúsculo entibiadas por el sol que las incendia y el rojo se hace vital, un arroyo con el punto de fuga de una choza, la flora en movimiento o desvanecida. La figura humana y protagónica de Mercedes se da en primeros planos en pequeñas conversaciones, sus tareas, el andar, su rostro y su irrepetible mirada al horizonte. Vegas manipula las sombras de su cuerpo e iluminación natural de su esplendor en la preparación de un recital. La música instrumental a base de piano y guitarra se posan en cada palabra dicha por los personajes de la historia. Lucía Linares encargada de la melodía del documental reflejó en tonos graves apropiados para los momentos en los que Mercedes recuerda en estrofas entonadas, cuánto buscó a su madre y a su hermano. “Caminé tanto que empecé a caminar por el aire (…) quién es, qué hace, a donde va. Soy el corazón del desierto, soy el corazón del viento blanco, a todos pregunte en el pueblo, cuanto caminé mamita para encontrarte”, esboza parte de su melancolía cuando la vocaliza y más cuando el director le hace que la lea. Brotan lágrimas de una acorazada Mercedes que demuestra su tristeza. A su vez cuando hace memoria de un tema romántico a sus amistades. Las guitarras se propagan al final del filme, para cargar a la película con una búsqueda más entusiasmada de Mercedes. Cabe destacar que no hubo bandas sonoras, ni canciones solo la voz a capela de Muñóz. El sonido de la dupla Federico Billordo y Fernando Ribero ambientan la película en tonos de la brisa, los ladridos de perros o zorros, el desguazar una gallina, la respiración acalorada y extenuada de una vaca al cabo de parir una ternera. Los ruidos de la paja, el cargar una bolsa, los pájaros despertando a mercedes, las gotas de lluvia al caer una lluvia, la lucha de Mercedes encauzando al ganado, el silencio como comodín en los muchos momentos de añoranza y apartamiento de la protagonista. El guión de Miguel Zeballos es un tobogán de expresiones: artísticas, líticas, conciencia de una canción interminable y gélida en las palabras de Mercedes. Se aprecia que ella se olvida de las cámaras y resuelve su vida cotidiana sin problemas, muestra su belleza y sus desgracias a flor de piel. El género documental incentiva el rol de la imagen costumbrista y el potencial de las fotografías para contar sobre otras. La averiguación de términos tan amplios como: el fallecimiento, el recuerdo y lo desierto de una región; da lugar a una visión y estilo filosófico de Zeballos con respecto a diversas situaciones sociales. La aparición de un gaucho que rasura el pelo de un caballo que conserva Mercedes, transmite ese toque rupestre. Aunque cae su fundamento del vacío en el cual halla en Mercedes, la imposibilidad de esto por su relato de: esa hija, madre, abuela, compositora, trabajadora que lo es y fue. Su constante rememorar su vida hicieron del filme una conmovedora carta de pasado con desapariciones, lo llena de vigor que está ella en su región aunque quiera irse. El acompañamiento de su hija y nieta con la que juega. El color de sus vestimentas cuando regresa a los escenarios con camisas coloradas y estampadas y maquillaje, como contrapunto de su ropa en la zona rural. Su tonada seca al cantar a medio tono ponen alma al filme y el viento es la capa que protege el espíritu de la película que dura 72 minutos. Puntaje: 75
Mary Poppins regresa con su incondicional fantasía y guía familiar Una flauta suena, un farol se apaga, una bicicleta, tipografía amarilla igualita a otra que en un tiempo lejano. Distintas pinturas impresionistas aparecen de Londres en los años 30′ y despliegan todo el potencial artístico enmarcado en la película “Mary Poppins returns”. Además de la conversión de “la niñera” a una mujer con menos delicadeza y más determinación, fortaleza e inventiva. Por Florencia Fico La nueva versión de Mary Poppyns Returns con la interpretación de Emily Blunt pone su papel principal con un comportamiento de liderazgo innato casi tácito; en las decisiones de la familia Banks. Ella viene ya resolver problemas más grandes y dejar andar a los niños que ya no son Jane Banks o Michael Banks. Se trata de los hijos de Michael. Tras tres décadas Mary Poppins vuelve para seguir el legado en esta secuela que no desperdicia el mensaje trillado “no pierdas al niño interior”. Mientras la primera película se basaba en plena monarquía de Eduardo VII(1901-1910) y la vida de una familia británica compuesta por un padre bancario, una mamá sufragista y dos chicos revoltosos – que apelarán a que detengan su mirada en ellos creando una convivencia insostenible para todas sus “niñeras”-, se mostrará revuelta con la aparición de Mary Poppins en la célebre actriz Julie Andrews, una llamativa institutriz que proviene de la nubes usando su paraguas parlanchín como soporte. Fue el ópera prima no solo para los autores Bill Walsh, Don DaGradi (Historia: P.L. Travers) si no un Oscar para la intérprete. En la cinematografía se convirtió en una obra clásica familiar que en su momento rompió taquillas. La iniciativa de una mujer que cuidaba a niños rebeldes e invocaba a la magia y celebraba la vida con temas musicales y frases que provocará en los pequeños un efecto domino para encaminarse en sus experiencias de aquí en más. Ahora en su secuela Poppins se aproxima otra vez sin tantos preámbulos, sí para los nuevos personajes de ésta oportunidad que serán los hijos de Michael: Annabel (Pixie Davies), Georgie(Joel Dawson) y John (Nathanael Saleh). La misión ahora es distinta es colaborar a la próxima generación Jane Banks( Emily Mortimer) y Michael Banks (Ben Whishaw) para hallar entusiasmo y magia ausentes en este momento ya que la madre de los niños a fallecido y era el equilibrio de su hogar tanto económico como doméstico. Marry tendrá como siempre su mano derecha a su amigo Jack(Lin-Manuel Miranda), un efervescente farolero que ayuda a poner luz – y ánimo – a las apagadas calles de Londres en los años de La Gran Depresión(1930). Ambas películas son originarias de Estados Unidos una estrenada en 1964 y ahora en 2018, duraron dos horas y minutos. Los géneros no variaron estuvieron se aproximaron al musical, fantástico, cine familiar aunque en el su primera versión hubo más comedia y era más infantil. En cambio ésta vez apostaron al drama, la animación constante, los efectos especiales en diseño de iluminación y colorimetría, coreografias, Royal Doulton Music Hall. El director Rob Marshall ya tenía un haz en la manga contaba con dos grandes joyas del cine neoyorquino ellas son: Meryl Streep y Emily Blunt quienes ya lo conocían por su participación en la película “In to the Woods”. La primera fue ganadora en MTV Movie Awards como Mejor Villana componiendo a “La Bruja”. Cabe mencionar que ambas actrices compartieron protagonismo en “El diablo viste Prada”. Asimismo el filme salió victoriosos como Mejor Película familiar en la “Asociación de Críticos de Phoenix”. Las producciones en materia de musical son encantadoras, atrayentes, apabullantes y triunfantes como lo fueron: “Chicago” y “Nine”. Su trayectoria lo evidencia con un estilo muy atractivo, osado pero a la vez irrefrenable y emprendedor de grandes cuentos, locaciones, adaptaciones, puesta en escena y rodaje. El elenco completo es: Nathanael Saleh, Pixie Davies, Joel Dawson, Julie Walters, Colin Firth, Meryl Streep, David Warner, la participación estelar de Dick Van Dyke, Angela Lansbury, Jeremy Swift, Kobna Holdbrook-Smith, Christian Dixon, Craig Stein, Bernardo Santos, Bern Collaco e Ian Conningham. La novedosa Mary Poppins, en la piel de Emily Blunt propicia climas alegres, transmite enigma, realza lo chiflada que puede notarse a la vez. Es estratega, pone acción y aventura. Es el caso de cómo hace dichoso el baño a los niños con toques extraordinarios como sumergirse en un océano de delfines, bucles de agua, pompas de jabón, burbujas, la bañadera es un trampolín. La presentación de un acto de higiene personal se convierte en un juego y en el eslogan “Todo es posible”. Se compara con la escena primera de la Mary Poppins anterior con Julie que entre frases y canciones hace reconfortante el ordenar una habitación. “Todo trabajo tiene algo divertido y ya en ese instante se convierte en un juego. Hacerlo divertido es el truco, el ser feliz un truco es al fin”, decía las letras Julie Andrews como Poppins. Hay detalles de puesta en escena o montaje como el paraguas que le charla con Mary Poppins que se conserva, la cometa con la que se divertían Jane y Michael que es el punto de fuga y arranque del filme. Es el anzuelo para que Poppins retome su lugar en la tierra. Cuando uno de los niños Georgie no quiere perderlo y lo sigue hasta una plaza; sus hermanos se preocupan porque no está. Georgie sostiene el barrilete y como si el cielo fuera una pecera acerca a Mary Poppins a ellos. En la punta del barrilete está prendido la banda “Votos para mujeres”, ésta estaba en la original perteneciente a Mrs. Banks(Glynis Johns), madre de Jane y Michael. Los adultos Jane y Michael están en problemas económicos y pueden perder su casa. Ahí Ben Whishaw aporta una sensibilidad a su personaje compone a un hombre en depresión, angustia, frustración, si poder ejercer de su pintura. Y tener que trasladarse al antiguo trabajo de su padre el puesto de bancario no le satisface. Sin embargo, la que se le ve resplandeciente es a Jane, quien ha seguido los pasos de su madre. En su oficio como luchadora de los derechos humanos. Emily Mortimer como Jane se viste siempre con trajes marrones, con pancartas en la calle, resistiendo al embargo de su casa. La impronta de toda activista como su mamá y se ha abocado a la situación de un organismo de trabajo de nombre: SPRUCE (la Sociedad para la Protección de los Derechos de los Ciudadanos Inseguros de Inglaterra). Aunque Mortimer es arriesgada, genuina en su movimiento, más activa. Menos aristocrática que su madre y más movilizada a las demandas sociales. Se puede notar la capacidad de comprensión y empatía con las causas justas. Gran cómplice de Mary Poppins en su búsqueda de consuelo. El personaje de Jack en manos de Lin-Manuel Miranda es una carta de amor a Bert (Dick van Dyke). Quien hace un cameo, ambos en diferentes momentos hacen el baile inconfundible con los pinguinos animados. Jack dentro de un circo que hace de teatro musical con distintas canciones desarrollando Music Hall. Dicho género posee: temas populares, comedia, danzas y actos humorísticos. Jack es copiloto de las andanzas de Poppins con números especiales ya que el compuso varias sesiones instrumentales de la película. Sabe de baile y canto, es una alegoría a la inspiración que despertaba Bert. “Jack tiene toda la imaginación de un niño pero es adulto”, dijo el actor para una entrevista. El director estuvo detrás de él, en la creacion de una coreografía muy: acrobática, con antorchas, implementa objetos como escaleras; de deshollinador tarea que tenía Bert. Por eso el tratamiento de la imagen dispuso jugar con las sombras, figuras y los claroscuros. Los niños quieren ayudar a su padre y piensan que el bol de su madre es de gran valor. Lo terminan rompiendo. Mary Poppins les sugiere visitar a su tía Topsy que dirige un taller de reparaciones, ella es interpretada por Meryl Streep. Topsy es una pelirroja señora con la gestualidad de Streep es divertida. Pero fueron un día un tanto particular un miércoles cuando su mundo se ha dado vuelta. Esa metáfora del mundo del revés es tan maravillosa que hace marear al público pero enseguida ponerse a ritmo de su locura tanto la de Topsy como la de Meryl. Por último y no menos importante se recuperó la tipografía original de apertura y cierre de créditos en conmemoración a Peter Ellenshaw que confeccionó una tanda de pinturas al óleo de Londres a la vez era un afamado diseñador mate, inventor de efectos especiales de Disney. Su estilo era pintar sobre lienzo y vidrio para combinar en sus creaciones de fondos para las películas, entraba en los movimientos “Mate”. Además le gustaba plasmar paisajes marinos y la fuente de su aliento estuvo en sus viajes a Irlanda. La productora Walt Disney Pictures lo consideró una leyenda de su industria. PUNTAJE: 70
Sueño Florianópolis, una sonrisa como consuelo y amor en brasas El rasguido de guitarra criolla hace de introducción a la película "Sueño Florianópolis" y el ruido de un tren en funcionamiento ponen en marcha un film revolucionado por la música, comicidad y miradas psicológicas de diferentes personajes en depresión. Por Florencia Fico La película argentina fue una coproducción: Argentina-Brasil-Francia; asimismo El Campo Cine, Laura Cine, Prodigo Films, Groch Filmes, INCAA, Ancine y Programa Ibermedia. Lo que impulsó la fotografía de Gustavo Biazzi es un gran escenario paisajístico - turístico con sus playas, sus prácticas náuticas, los servicios de coctelería, actividades como zamba y karaoke son un enlace directo en sus costas. También espacios de caminata sin calzado entre arroyos. Tomas panorámicas y subacuáticas, por lo general planos abiertos. El tratamiento específico de época los 90': sin celulares, poca televisión, vestuarios acorde, vinilos en las locaciones, cabinas telefónicas, mallas enterizas, mosquiteros en las habitaciones. En esa época podían aprovechar el cambio por la convertibilidad monetaria. La fuerza de un mirador natural para plantear o contemplar distintas tramas de la película. Una charla de una pareja que ve a otras, asimismo, una que recién surge ahí mismo. Ahí están Pedro(60) interpretado por Gustavo Garzón y Lucrecia(59) por Mercedes Morán quienes decidieron separarse; ambos psicólogos observan a pacientes que viajaron al mismo lugar discutiendo. Un poco su esencia ese espejo que es duro de ver es una genialidad cuando ellos sí resuelven su pelea con abrazos y besos. Se conjugan guión y dirección en Ana Katz y Daniel Katz los hermanos buscaron que los actores: Mercedes Morán, Gustavo Garzon, Andrea Beltrão, Marco Ricca, Joaquín Garzón,Manuela Martinez, Caio Horowicz tengan un ensamble amable, armonioso y una rica mezcla de etnias. El argumento se centra en 1990 a cuestas de estar al menos dos años en separación. Sin convivencia Pedro y Lucía personificados por Mercedes Morán y Gustavo Garzón enmprenden un viaje a Florianópolis (Brasil). El matrimonio contó con 22 años de unión y padecen el interrogante acerca de continuar juntos o divorciarse finalmente. Sin embargo pospondrán esa determinación frente a su plan de vacaciones que tenían pautadas. Lo concretan y se trasladan al otro país con sus dos hijos jóvenes en un coche Renault 12 sin ventilación. Cuando se sitúan allí Lucrecia y Pedro comenzarán relaciones amorosas con su casero Marco (Marco Ricca) y la ex esposa de éste Larissa (Andréa Beltrão) y lo que en un inicio aparenta un amor veraniego brasilero se trasformará en una interpelación urgente: "¿ Se han enamorado por completo de otras personas? o ¿ Es un encubrimiento del sostén de su propia relación que los lleva a motivar la pasión que tienen entre ellos?". Sol (Manuela Martinez) y Julián (Joaquín Garzón) sus hijos intentarán aislarse del nerviosismo de sus padres, aunque cada uno vive sus situaciones dramáticas en igual medida. Este lapso de tiempo da una alternativa para reconocer sus conflictos íntimos tanto en la pareja adulta como en los vínculos con sus hijos con el lema: " Juntos pero separados". Hacen dinámicas destinadas a verse para conversar sobre sus historias, problemas, charlas sensuales, amoríos, infidelidad, libertad y censura sexual, miradas conservadoras y más despojadas. En esas reuniones se hacen propuestas, reflexiones sobre sus actitudes frente a la vida, el manejo de distintas soledades, el humor argentino y brasilero se amalgaman como amantes de verano. Son libres de un pasado y un futuro, el sentir la naturaleza que los lleva a su transformación personal de cada personaje. La musicalización de Érico Theobaldo deslumbra en el personaje de Marco protagonizado por Marco Ricca; casero de la cabaña que alberga a Pedro y Lucrecia. En una toma nocturna, él los llama para que canten en un bar de karaoke; Marco se siente embelesado por Lucrecia y le canta a capela una canción "Castelhana" de Rui Biriva conocida por el rítmo de los cantantes "Julio César e Augusto". En la composición le dice entrelineas a ella: "Esperé toda la semana para ver la castellana mi hermosa flor", " Vemos el peligro del peligro" y "Si usted me ama, me ama, me ama. La gente puede ser felíz"; fragmentos que pueden verse sentimientos encontrados entre los personajes: el principio de un romance, el riesgo de ser amantes y como pueden vislumbrarse en un futuro un poco incierto entre alegría y la distancia de hacerlo realidad. La película dura 106 minutos y desarrolla en su amplitud el género de la comedia con las intervenciones magistrales de Mercedes Morán con su humor agridulce, ácido y chocante; un estilo propio de la actriz. Hay un manejo lúdico entre la familia en escenas de juegos con el agua y el arena en las costas brasileñas que capturan las cámaras y Ana Katz con su poder de ensamblaje entre la comicidad y la angustia que llevan los personajes. La angustia Katz la demuestra en tomas a Lucrecia navegando sola en la playa casi yéndose al océano a la deriva escenas en contrapicado casi sumergidas que expone la depresión del descubrimiento de su falta de fidelidad y sin saber qué hacer. Las caminatas en soledad de Pedro y su introspección en al no querer hacer sociales con el resto lo pone en un carácter conservador, rutinario y poco cautivador. La comedia se da en los accidentes ya sea por no tener combustible para el Renault, una rata paseándose por una habitación, la mixtura de idiomática, al ser estafados por la empresa de viajes que los derivó a un asentamiento de cuatro paredes sucio y destartalado, terminar en un hotel apretado un ambiente con una cama matrimonial y una cucheta. "Horrible pero barato", opina Lucrecia; pero se da una escena de sexo entre ellos en el baño; una de la cuantas que habrá en la película no faltará espacio y tiempo para hacerlo. "Está bien estamos en Brasil, el clima tropical pero éste tipo está todo el día en zunga", forma parte del pensamiento un poco risueño y conservador de Pedro que busca entender el estilo de vida en aquel país. "¿Cómo se llama la gente que toma cerveza todo el día?", le pregunta desde una hamaca paraguaya Lucrecia y Marco le contesta "Brasilero", ella sonríe tan acogedora y esa soltura típica que le imprime Morán a sus personajes. Éste personaje le valió el Premio Especial del Jurado a Mejor actriz a Mercedes Morán en la localidad checa del Festival Internacional de Cine Karlovy Vary. El desenfreno que demuestra que las edades se abrazan tanto en sus hijos jóvenes que están en pleno apogeo sexual y sus padres que comulgan con la experimentación de sus placeres para re alimentar sus deseos. Pero con distintos enfoques en Lucrecia parece ser llamado de atención a su belleza y romanticismo como mujer adulta, Pedro como un desafío para romper su rutina y Florencia que quiere explorarse en las relaciones. Los mandatos patriarcales de sus padres que no le permiten vincularse con muchos hombres. Aunque ella sale con el hijo de Marco; César (Caio Horowicz) con el que transita un amor inocente y naif. A Julián le permiten salir del lugar para formar una banda y vivir de ello, hacerse tatuajes, vivir una sensación de libertad y no de culpa como lo vive su hermana. Este filme está anclado al libro "Cae la noche tropical" del autor Manuel Puig. El relato se ubica en Río de Janeiro en la época de los 80, dos mujeres mayores conversan sobre sus tragicomedias y sus entretenidos encuentros fogosos. PUNTAJE: 80
Spider Man: un nuevo universo, la creación infinita de Stan Lee La gestación de múltiples universos es el motor de la película "Spider Man: un nuevo universo que ya ganó Globos de Oro éste año. En una dimensión contigua donde Peter Parker ha fallecido, un muchacho de preparatoria de nombre: Miles Morales es el novedoso Spider - Man. Aunque al momento el villano Wilson Disk (a.k.a Kingpin) elabora un gigantesco colisionador. Lo enlazará a una figura más vieja de Peter Parker y 4 versiones más de él que le harán aprender sus habilidades a Morales para combatir la máquina aniquiladora de Kingpin. El filme es dirigido por: Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman con ellos se fue pautando la expresión y emoción con movimientos acelerados fuera del set de filmación. Spider-Gwen es un personaje adolescente como Miles quién parece gustarle. Pero hace referencia a la Gwen Stacy la novia de Peter Parker qué había muerto. En ésta actualización ella es estudiante en la escuela privada en la que asiste Miles. Ella es una especie humana - arácnida también y compartirá la lucha contra KingPing. KingPing es un empresario que acusa a Spider Man de la muerte de su esposa e hijo tras huir de él por que lo vieron estrangular al superhéroe. La doctora Ock lo acompañará en sus planes de venganza. Aparece Spider - Han un cerdo que en otra dimensión era una araña que residía en el sótano de una investigadora. También Spider-Man Noir es otro de los protagonistas de Spider-Man Un Nuevo Universo da un clima de época en blanco y negro aparentemente en 1930 en la Gran Depresión. Articula muy bien con armas de guerra y da un toque oscuro al universo Spider. La más chica de los Spider es Peni parker quién maneja un robot que su padre fabricó y está confeccionada como animé. La fotografía en composición animada creó acción, distorsión, grafiti, intervenciones, puntos de atención fuera de los ya conocidos. La utilización de viñetas, pop art, granulado, colación de revistas de Marvel hacen homenaje a Shan Lee. "Es como un cómic llevado a la vida", dice Pablo Holcer animador argentino que participó del filme. La película estadounidense tiene como título original:Spider-Man: Into the Spider-Verse y dura117 minutos. El Guión fue redactado por: Phil Lord, Rodney Rothman, Dan Slott, Meghan Malloy. Los protagonistas son Stan Lee, Brian Bendis, Sara Pichelli, Steve Ditko. Y el relato de: Phil Lord. La transferencia cinematográfica que dejaron los artistas Stan Lee y Steve Diko en la invención del superhéroe Peter Parker mas conocido como Spider Man en los 60.Ha contribuido a hacer llegar al trepamuros y empolvada telaraña al cine con intérpretes como: Tobey Maguire, Andrew Garfield y Tom Holland. Miiles Morales es un joven de 13 años, hijo de un policía roestadounidense y una enfermera puertorriqueña, que tuvo superpoderes luego de ser mordido por una araña genéticamente manipulada en los laboratorios de Norman Osborn. Sus diseñadores fueron el redactor Michel Bendis y la artista Sara Pichelli. Las expectativas de Miles son las de ser un Grafitero y DJ y su tío Aaron lo sigue con él encontrará su nueva identidad como héroe y muralista. En éste caso tendrá el poder de la invisibilidad. A las ya tradicionales trepar muros y sostenerse en hilos de telaraña; dones arácnidos. Hacen pequeñas escenas con Mary Jane, la tía May en la voz de la feminista Lily Tomlin quién es una abuela ya pero arriesgada, alocada, atrevida y comprometida con llevar paz al mundo. La musicalizacion de Daniel Pemberton puso énfasis en el rap, hip hop, electrónica y algunas melodías de archivo propio Spider Man hasta una relacionada con la Navidad. La fotografía se salió del lugar común de la animación en computadora con técnicas alternativas artísticas como el comic y plásticas. Las productoras encargadas y distribuidoras son: Sony Pictures Animation,Marvel Animation, Marvel Entertainment, Columbia Pictures, Pascal Pictures, Sony Pictures Entertainment, Lord Miller y Avi Arad Productions. En torno a Sony Animation trabajaron 600 personas y completaron el filme 900. Los géneros que más imprimieron en la proyecciónfueron: aventuras, fantástico, adolescencia, superhéroes y Marvel Cómics. Puntaje:90.