La receta milagrosa para quitarles el dolor es confusa. Crítica de “Otra ronda” El director Thomas Vinterberg toma la crisis de la mediana edad y proyecta su esencia almibarada y agridulce Florencia Fico Hace 2 horas 0 13 El filme “Otra ronda” aborda la reinvención personal de cuatro docentes exponiéndolos a un renacer recreativo. El cineasta Thomas Vinterbeg satura los límites conductuales y etarios, para un lúdico intercambio generacional, con el fin de hallar una nueva percepción del mundo que los rodea. Por. Florencia Fico. Otra ronda: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe El argumento de la película danesa “Otra ronda” se centra en las figuras de cuatro docentes de un colegio ellos se lanzan en un experimento sociológico donde cada uno tendrá que sostener el nivel de alcohol en su organismo al mismo grado, mientras su vida cotidiana, les muestra que de esa forma les da la oportunidad de progresar en sus esferas sociales. La dirección de Thomas Vinterberg da paso a un filme dramático efervescente, incitador y políticamente incorrecto, que naufraga en el cóctel liberador que brinda el alcohol; en las vidas: rutinarias, solitarias, infelices, abrumadoras y deprimidas en una Dinamarca sin filtro; con un dejo de su vieja época en cofradía vikinga. El guion de Thomas Vinterberg y Tobias Lindholm desarrolla una narración que combina diálogos ingeniosos con placas negras; que van mezclándose como las copas que los personajes van tomando. En ocasiones; las conversaciones fluyen con dinamismo, a veces marea y en otras ocasiones se cae. Vinterberg y Lindholm manifiestan problemáticas que se dan en Dinamarca; que ya es nombrada como: la capital mundial del cáncer y es uno de los países nórdicos con mayor tasa de mortalidad por el consumo de alcohol. Donde los mismos padres dan el permiso para beber alcohol desde los 16 años. Asimismo en los papeles de sus protagonistas como ser: la paternidad frustrada, las familias que penden de un hilo o quebradas sentimentalmente, el aislamiento, la vida configurada que aplasta los deseos personales y el suicidio. La fotografía de Sturla Brandth Grøvlen captura en desenfoques los estados que provoca el alcohol como la visión nublada. Las tomas de carreras jóvenes tomando cerveza; que es tradicional en Dinamarca; quienes vomitan a mitad de camino. Los planos en detalle de las copas y los travelings físicos en la típica fiesta de graduación. En la cual adultos y jóivenes siguen tomando alcohol. Los studentekorsel que son: una especie de caravana etílica naturalizada en Dinamarca; en los cuales los estudiantes alquilan una camioneta y se la pasan de juerga. Otra ronda El departamento de sonido y musicalización emplea instrumentación a base de cuerdas como el piano, en etapas de desconsuelo, sufrimiento y descontento. En momentos de fiesta, la guitarra eléctrica y el estilo electrónico, pop y urbano; se predispone para tiempos de recreación y soltura de los personajes. En el reparto estuvieron el actor Mads Mikkelsen como el Martín un profesor de historia con un porte sombrío, angustiado, desplomado asimismo le dio un matiz osado y violento. El actor Thomas Bo Larsen como Tommy un entrenador solitario, desolado e irreverente. El artista Magnus Millang en la piel del docente de filosofía Nikolaj quien le dio una personalidad despreocupada y aniñada. El actor Lars Ranthe maestro de música le dio a su papel una faceta intrépida y creativa. En torno al elenco femenino, destacan las actrices Helene Reingaard Neumann(Amalie) y Maria Bonnevie(Anika); ambas con una composición contestaria y determinadas. Esposas que soportan fuertes agresiones, desplantes y los estragos del alcoholismo de sus esposos.
Por el encuentro de alguien que los ayude a mirar lo que nadie se atreve. Crítica de “Ojos de arena” La cineasta Alejandra Marino con un thriller poético simboliza el abandono a las familias en la búsqueda de sus parientes perdidos Florencia Fico Hace 38 mins 0 2 La película “Ojos de arena” dirigida por Alejandra Marino, aborda un tema complejo la desaparición de niños; con toques de misterio, dramas introspectivos y alarmas sobre casos de redes de prostitución de menores o trata. Por. Florencia Fico. Victoria Carreras y Paula Carruega en "Ojos de arena" El argumento de la película “Ojos de arena” se centra en las figuras de Carla (Paula Carruega) y Gustavo(Joaquín Ferrucci) quienes se encuentran separados desde que Carla, psicóloga forense, perdió a su hijo en el momento que estaba asistiendo a una joven capturada por la trata donde el denunciado es Salinas (Pablo Razuk). La fotografía de una chica pequeña perdida a pocos días luego de la desaparición de su hijo puede ser una pista y se reúne con Gustavo para seguirla. Van a la casona de Inés(Ana Celentano) y Horacio (Manuel Callau), papás de la chica. Una vidente Graciela(Victoria Carreras) circula por la zona queriendo hallar a su nieta secuestrada y descree de Horacio. Ojos de arena”, ausencia y búsqueda La dirección de Alejandra Marino se desplaza en un thriller dramático con giros poéticos, metafóricos y consigue una mirada desenmascarada de la trata de personas. La ignorancia inoperante del Estado en los casos de desaparición de personas y las consecuencias psicológicas, económicas y vinculares en las familias. Un registro que sigue la impronta de Marino cuando enlaza historias y problemáticas como lo hizo en: El sexo de las madres(2012) y Hacer la vida(2020). Ese sello de Marino cuenta inevitablemente con lazos azarosos o premeditados asimismo esa correspondencia empática por la justicia social. Cines Argentinos | La web de cine más visitada de Argentina El guion de Marcela Marcolini y Alejandra Marino cuenta con una narración literaria que rastrea los puntos críticos de un tema multicausal como es la ausencia de una persona. Marconi y Marino convergen en su película segmentos retóricos, simbólicos y alegóricos. Como pueden ser las plantas de Ines en representación de lo que nace, crece y se va como su hija, una casa en miniatura que construye Gustavo es la idea de cómo se ve convulsionada la estructura familiar, un tren o una remera como amuletos que conectan a Carla con su hijo desaparecido. Un rosario de Graciela que lo trae en su trayecto para depositar su deseo de ubicar a su nieta. Todos ellos Ines, Carla, Gustavo están unidos por una misma causa, surge entre ellos una comunión de intereses comunes y se arriesgan a meterse en los espacios oscuros y relacionarse con personas del círculo criminal o testimonial para saber dónde están sus parientes. En Carla, es recurrente la utilización de flashback que le hacen repasar sus momentos más críticos y a veces las ensoñaciones cuasi pesadillas que se mezclan en su búsqueda desesperada. Cines Argentinos | La web de cine más visitada de Argentina El texto de Marconi y Marino deja espacio para la revisión de los casos de desaparecidos en especial; los menores de edad en los cuales los jueces, policias, fiscales y militares miran para otro lado. Las denuncias por trata o prostitución de niños son subordinadas, archivadas y se suman las irregularidades en los casos y las complicidades de autoridades con los delincuentes. Las víctimas de ello, por presiones deben quitar las denuncias por extorciones y aprietes de los proxenetas. Lo que anula las investigaciones y su curso que a la vez es ineficaz. Aunque Marconi y Marino no escapan a la realidad y lo demuestran con sus diálogos punzantes, interpelantes e inquietantes. Ojos de Arena', una película de Alejandra Marino. Estreno: 15 de Abril – Con Pochoclos La encargada de la fotografía, Connie Martin emplea tomas giratorias en el parque que se perdió Lucas el hijo de Carla y Gustavo. Lo que se vuelve una espiral recurrente en los pensamientos de los familiares. Las tomas cenitales en distintos momentos se vuelven un toque distintivo ya que en las miradas se deposita: el anhelo, la esperanza, el descontento, el llanto, la alegría, las frustraciones, la ira, la furia, el impulso, la observación constante, la desilusión y la añoranza. Los traveling físicos dan dinamismo a las secuencias de peritaje que hacen Gustavo y Carla en su investigación sobre el paradero de su hijo. Y los fundidos, en los pies de Carla sobre la arena, que se le escurre en la travesía de su viaje para descubrir dónde está Lucas; como las gotas de sus lágrimas que se son tan escurridizas, resbaladizas y esquivas como el seguir los rastros o pistas sobre su hijo. La iluminación roja en algunos fragmentos pone en relieve al sospechoso y su desenvoltura irritante. Una toma realmente conmovedora es cuando, Carla se acerca a un cuarto, con un centenar de fotografías de niños perdidos; y en una toma en detalle de sus manos, sobre el retrato de su hijo y su reacción desgarran el corazón del espectador. Ojos de arena”, ausencia y búsqueda La musicalización de Pablo Sala utiliza instrumentación a base de cuerdas como piano y violín lo que da una sensación más abrumadora, triste e intrigante. Crítica de “Ojos de arena”, film que denuncia el entramado detrás de la desaparición de niños | EscribiendoCine El elenco está compuesto por la actriz Paula Carruega en la piel de Carla quien dota a su personaje de un carácter contestatario, sensible, increpante y provocativo. Su colega, la artista Ana Celentano, como Inés, le aporta a su papel una personalidad enigmática, indescifrable y arrebatada. El actor, Joaquín Ferrucci , como Gustavo le da un porte enternecedor. La actriz, Victoria Carreras en el papel de Graciela la vidente y adivina entrega un personaje una esencia magnética, mística y espiritual. El actor, Manuel Callau como Horacio el esposo de Inés compone un papel duro, malévolo y desinteresado. En el mismo tono de su colega Pablo Razuk; quien interpreta a Salinas el mayor sospechoso le agrega una gestualidad despiadada y una corporalidad salvaje. Entrevistas | EscribiendoCine El filme de Alejandra Marino vivifica en un filme de suspenso dramático el trasfondo de las redes de trata y proxenetismo en niños, con trazos de realismo social y refleja una crónica comunitaria que se forma entre los familiares de desaparecidos y sus averiguaciones. Puntaje:75
El progreso está en la familia . Crítica de “Minari” El cineasta Lee Isaac Chung traza un espejismo intimista y realista de la inmigración coreana Florencia Fico Hace 3 mins 0 0 El filme “Minari” perfila el panorama emigrante con un registro dramático, humorístico y bien acompañado musicalmente, delineado por el director Lee Isaac Chung. Sobre una familia que atraviesa, el mismo escenario de unas miles que vienen, por el sueño estadounidense y se encuentran, con el único motor certero de su residencia: sus parientes. Por. Florencia Fico. Crítica de Minari Historia de mi familia: Película de Lee Isaac Chung El argumento de la película estadounidense, “Minari”, se ancla acerca del personaje de David un chico coreano – americano de 7 años, quien observa a mediados de la década de los 80′ su vida transformarse del día a la noche; en el momento que su papá toma la decisión de trasladarse con toda su familia a una región rural en Arkansas para iniciar una granja con la meta de llegar al sueño americano. Minari. Historia de mi familia (2020) crítica: una pequeña gran película que muestra otra cara del sueño americano La dirección de Lee Isaac Chung entabla un filme con notas semi – autobiográficas en el que la comedia, el drama familiar y una cierta dosis de musical; se conjugan para resultar en una película conmovedora, donde el espectador y su familia se van a ver identificados genuinamente. Premios Oscar: La Sexta Nominada 9x10 - Análisis de 'Minari' El guion de Lee Isaac Chung dispone una narrativa por medio de conversaciones que sitúan al público sobre el contexto de la transición, que tienen muchos emigrantes en éste caso coreanos instalándose en Estados Unidos en la época de los años 80′. Donde la mano de obra barata era necesaria en el territorio estadounidense y de ellos se servían por su potencial económico y productivo. En la película de Chung se amplían los diversos márgenes en los cuales él en su ficción; exhiben a la inmigración que anhela “salvarse” financieramente. Y se encuentra con una realidad alejada a la idílica vida estadounidense. Donde los padres Jacob y Mónica luchan por establecerse y conformar una familia; en empleos temporales y precarios en fábricas agrarias. Aunque con su inventiva quieren desarrollarse autónomamente; iniciando su propio negocio con una granja y cosecha coreana. Con la sabiduría de la vida rural no se quedan con las ofertas estadounidenses; si no que buscan alternativas propias para obtener los recursos y crecer en su emprendimiento. Los contratiempos y las dificultades también aparecen ya sea por su asentamiento carenciado. El déficit de agua, inundaciones e incendios lo que a veces perjudica el riego de la siembra. La cancelación de los pedidos y el costo de la vida diaria. Los servicios médicos también para la enfermedad cardíaca de David son elevados y más en Estados Unidos donde se lo considera una inversión aparte. Chung pone en discusión la tan promocionada imagen exitista por sobre la permanencia familiar. Minari: ¿la película que la Academia no incluirá en la categoría como Mejor Película? - Diamond Films - Noticias - Noticias
Los giros inesperados de una vida preconcebida. Crítica de “De la noche a la mañana” El director Manuel Ferrari en su nueva ficción rompe la escena costumbrista en una cinta cómica e intimista La película “De la noche a la mañana“, se conecta con un drama que conjuga comedia y suspenso. Donde el cineasta Manuel Ferrari y el actor Esteban Menis se vinculan en su justa medida para retratar, cuando cambian los estilos de vida repentinamente y sus efectos: desorientadores, inquietantes y asombrosos. El filme se encuentra disponible desde el 22 de mayo en las plataformas Amazon Prime y Claro. Por. Florencia Fico. El argumento de la película argentina, “De la noche a la mañana”, se centra en el personaje de Ignacio Roma(Esteban Menis), un arquitecto de la capital federal; que tiene una novedad sorpresiva: su esposa está embarazada. La noticia lo descoloca, lo que desemboca en una idea rápida irse a Chile, siguiendo una carente oferta laboral. La dirección de Manuel Ferrari resuelve en su filme una película dramática tragicómica, a su vez el realizador concreta un thriller psicológico con el protagonista, asimismo como en sus anteriores registros: Las expansiones, Crónicas de Solitude, Cómo estar muerto/Cómo estar muerto. La geografía y el retrato intimista de un personaje se funden en una cinta introspectiva.
Fuera del radar y la estampa estadounidense. Crítica de “Nomadland” La cineasta Chloé Zhao traspasa los límites de la postal neoyorquina prototípica y se aproxima a realidades poco tradicionales La película “Nomadland” representa una comunidad subterránea al retrato habitual de Estados Unidos. Bajo la dirección de Chloé Zhao quien se sumerge en la inédita expedición nómada con la insinuante y provocativa interpretación de la actriz Frances McDormand. Por. Florencia Fico. Nomadland: Tráiler oficial y fecha de estreno en España El argumento de la película “Nomadland” se centra en la figura de una mujer llamada Fern(Frances McDormand) lo pierde todo mientras se da un periodo de recesión en Estados Unidos. Comienza un trayecto al Oeste norteamericano experimentando la vida de una nómada en una procesión multitudinaria. Después de la crisis financiera que impactó a su localidad rural en Nevada, ella conduce su camioneta y se lanza en un viaje para descubrir una existencia no convencional en una comunidad nómade novedosa. Nomadland triunfa en la gran noche del cine británico La dirección de Chloé Zhao en su tercera entrega fílmica prolonga su exploración por las comunidades en tensión, como lo hizo en “Songs My Brothers Taught Me” y en “The Rider” donde se perfila el drama personal de una persona y sus consecuencias. En Nomadland hay una nueva estructura social a recorrer con la perspectiva crítica y contextualizada de Zhao. Reseña AP: “Nomadland” es una odisea americana distinta - San Diego Union-Tribune en Español Lanza un filme que pone en discusión la forma de vida actual estadounidense y mundial. Asimismo expone los efectos de la crisis económica que se dieron a partir del 2008 por la Gran Recesión. Debido a ello la población afectada decidió tomar otra alternativa en sus vidas y conformar comunidades nómades y así hallar empleos temporales y subsistir. Jessica Bruder y la investigación profunda que derivó en la película Nomadland – El Quid De La Cuestión Así lo narra el libro de la periodista y autora Jessica Bruder “Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century”, publicación con la que se basa el filme de Zhao. La película atraviesa el corazón de los espectadores con un road movie empático, catártico y revisionista de las condiciones sociales de Estados Unidos. La historia real tras 'Nomadland', la película estrella de los Golden Globes | AL DÍA News El guion de Zhao y Jessica Bruder atrapa al espectador con conversaciones y diálogos que forman un rompecabezas; de la transición que toma Fern frente a sus problemas íntimos. Cuando los manifiesta en una nuevo círculo de recién conocidos. Quienes también ponen a rodar sus propias dificultades ya sea: un veterano en la Guerra de Vietnam, al que le quedaron secuelas como el estrés postraumático. Una joven afrodescendiente quien perdió a sus padres por el cáncer. Algunos en situación de adicción y muchos mayores adultos, con complicaciones en su salud o alejados de sus familiares; por la débil situación financiera. Nomadland - Película 2020 - SensaCine.com Por un lado, en la narración de Zhao y Bruder, el enmarcar a los personajes a la realidad social es crucial para dar credibilidad, autenticidad e iluminar los senderos oscuros que oculta Estados Unidos al mundo. Por ello, se cuenta que a muchos de los más grandes, de la comunidad han sido obligados a jubilarse anticipadamente o tener un seguro de vida incipiente. Tras el recorte laboral; que hubo en su momento. En el caso de Fern, por ejemplo, en enero del 2011 por la baja demanda de yeso, la compañía US Gysum cerró su planta de Empire; donde su marido y ella eran empleados; en Nevada. Después de 88 años de funcionamiento y la localidad empezó a ser deshabitada.
Robert De Niro eleva el ritmo de una comedia infantil y monótona. Crítica de “En guerra con mi abuelo” El cineasta Tim Hill presume un filme con grandes figuras que le sostienen una cinta graciosa aunque predecible Florencia Fico Hace 1 min 0 0 El salvavidas de la película cómica “En guerra con mi abuelo” es el actor Robert De Niro en la séptima entrega fílmica del realizador Tim Hill. Su protagónico sube la vara en un filme que solamente entretiene. Por. Florencia Fico. En guerra con mi abuelo, nueva comedia con Robert de Niro El argumento de la película estadounidense se centra en la figura del joven Peter (Oakes Fegley) debe dejar su cuarto para su abuelo Ed (Robert De Niro) quien enviudó hace poco, se traslada a su hogar. Con la colaboracíon de sus compañeros de escuela, Peter le anuncia a su abuelo una guerra para que le devuelva su habitacipon, aunque Ed es tozudo y la batalla no será fácil. En guerra con mi abuelo”, o cuando Robert De Niro se puede permitir hacer lo que quiera – Xplocine La dirección de Tim Hill formula una comedia infantil con pequeños retazos de drama, humor payasesco y reminiscencias de un filme familiar. Hill tras elaborar películas animadas como: Bob Esponja: al rescate y Alvin y las ardillas, es probable que, al incursionar en una faceta más adulta de sus obras. Se sienta una película: tímida, insatisfactoria; aunque con el protagonismo de los actores Robert De Niro, Uma Thurman y Christopher Walken remonten el filme con grandes momentos de risa, sensibilidad e intrepidez. En guerra con mi abuelo - Trailer español (HD) - Vídeo Dailymotion El guion de Lisa Addario, Tom J. Astle, Matt Ember y Joe Syracuse adaptan una novela de Robert Kimmel Smith con tópicos de auge en la esfera adolescente como el bullying escolar. Otros más complejos a la vez: la reconfiguración familiar luego de insertar a un familiar de la “tercera edad” a sus vidas, los duelos inconclusos, la vejez sin horizonte. Sin embargo se ve renovada con los nietos como Peter, Mia y Jennifer quienes le transfieren actualización a la vida del abuelo Ed, sus juegos y él les proporciona una visión experimentada y sabia de sus aprendizajes de vida. En guerra con mi abuelo , horarios y entradas La música de Christopher Lennertz emplea una múltiple instrumentación: trompetas, percusión, piano y teclado en los gags , guitarra electrónica, mezclas electrónicas que dan diversas olas de percepción ya sea; los ritmos propios del western en contiendas divertidas entre abuelo y nieto. Marchas de guerra cuando se dan las estrategias de lucha cómica. Y un espíritu pop, rapero, hip hop juvenil que le da movimiento al filme. VER ~ En guerra con mi abuelo pelicula ~ online espanol completa | by Itemkopi | Medium El encargado de fotografía Greg Gardiner emplea tomas en cámara lenta para generar algún detalle gracioso. Tomas en detalle sobre los rostros y los bloopers característicos de las películas con slapstick. Tráiler en español de En Guerra con mi Abuelo, la nueva película de Robert de Niro El reparto estuvo encabezado por el actor Robert De Niro como Ed, el abuelo interpretando su rol con miles de disparates y carismático a todo minuto. La actriz Uma Thurman como la madre de familia Sally quien le dio un porte serio y chistoso al filme. El trío de nietos Peter encarnado por Oakes Fegley el más pícaro de todos, la adolescente revoltosa Mía compuesta por la actriz Laura Marano y la inocente soñadora Jennifer en la piel de la actriz Poppy Gagnon. El otro triángulo actoral que demuestra todo su desparpajo e histrionismo son los amigos de Ed compuestos por: Christopher Walken, Jane Seymour y Cheech Marin. En guerra con mi abuelo - cine - familiar - ocio - buhozon El filme de Tim Hill concreta una comedia juvenil donde el actor Robert De Niro irradia humor físico y chistes desopilantes, en compañía de su colega revelación, Oakes Fegley quien saboriza la película con trampas ocurrentes. Puntaje:55 Dirección Guion Reparto Música Fotografía
Secuelas de la indecencia. Crítica de “Pequeños secretos” El realizador John Lee Hancock desarrolla un filme con un thriller psicológico enigmático, demencial y terrorífico Florencia Fico Hace 20 mins 0 2 La película “Pequeños secretos” promete una obra con toques de policial negro donde los oficiales de la ley ponen a prueba su ética profesional y personal mientras un asesino serial en la piel del actor Jared Leto moverá sus bajos instintos. Por. Florencia Fico. The Little Things (Pequeños secretos) (2021) | Cine Didyme-Dôme El filme estadounidense “Pequeños secretos” trata sobre un sheriff (Denzel Washington) y un detective de homicidios (Rami Malek) tendrán que ser compañeros de investigación para hallar juntos a un curioso asesino serial. La dirección de John Lee Hancock transporta al espectador a un rompecabezas detectivesco, con toques de filme Neo Noir. Retoma la esencia de las películas oscuras y duras sobre dramas policiales. Rami Malek archivos | La Estatuilla El guion de John Lee Hancock narra un filme donde la jerga investigativa hace de marco para el seguimiento de los casos delictivos. El filme está impregnado de la cobertura policial. Donde los principales protagonistas Joe “Deke” Deacon, alguacil adjunto del condado de Kern y el detective Jim Baxter exponen los tras bambalinas, que los operativos de investigación dejan en la psiquis ya sea: traumas no resueltos, paranoia y trastornos obsesivos en los oficiales de la ley. Asimismo, con la presencia de los delitos, se marca cómo es la situación en el ámbito de seguridad estadounidense; si bien la película está ambientada en los años 90′ es tan cercana a la actual; exhibe una frecuente delincuencia ligada a: los agresores sexuales, asesinos en serie y la desaparición de mujeres. Además el encubrimiento de las fallas en las pesquisas, las negligencias detectivescas que terminan siendo escondidas, las fuerzas de seguridad en convivencia con el crimen casi aproximándose en su texto Hancock propone un amplio margen para el policial negro. Pequeños secretos con Denzel Washington, Jared Leto y Rami Malek - TVCinews La fotografía de John Schwartzman emplea capturas aéreas en plena persecución entre detectives y los presuntos asesinos asimismo aprovecha las diversas locaciones en la naturaleza. Captura figura y fondo lo que causa una constante vigilia para el el espectador. La iluminación es fría y juega con las luces – sombras o la penumbra en la que viven los personajes. La posición de la cámara es vertiginosa e inestable como la película. La musicalización de Thomas Newman usa instrumentación a base de cuerdas como pianos en diversas potencias que aumentan la sensación atemorizadora y violines dando mas intensidad a la atmósfera aterradora, a la vez una percusión que intimida al público. También se recolecta los temas hit de la época en los 90′ como Roam de la banda The B-52’s y otros ritmos más provenientes del jazz, disco y melódicos para contextualizar un filme de época. Cines Argentinos | La web de cine más visitada de Argentina Los que se destacan en el reparto son los actores: Denzel Washington como “Deke” quien con su gestualidad y mirada indescifrable provocan intranquilidad en cualquiera, dotando a su personaje de una personalidad intrigante y curiosa. Rami Malek en la piel del detective Baxter brinda un porte elegante, intelectual y sensible; y Jared Leto completa la película con una composición estruendosa como un delincuente sarcástico, impetuoso y excéntrico. Jared Leto busca papeles extraños El filme de John Lee Hancock entrega una película policial zigzagueante, donde el componente psicológico de los protagonistas, enriquecen la experiencia cinematográfica. Una cinta que mantiene el suspenso y suma pizcas de terror para favorecer una trama difícil de entender. Puntaje:65 Dirección Reparto Guion Música Fotografía El filme de John Lee Hancock entrega una película policial zigzagueante, donde el componente psicológico de los protagonistas, enriquecen la experiencia cinematográfica. Una cinta que mantiene el suspenso y suma pizcas de terror para favorecer una trama difícil de entender. User Rating: Be the first one ! FacebookTwitterGoogle+LinkedInCompartir por correo electrónico Florencia Fico Licenciada en Periodismo. Especializada en rubros como: cultura, televisión, científico e investigación. Asistente de Cátedra en Arte y Estética UNDAV. Miembro del Club de Graduados. Redactora en Revista Combativas. “Pinocho”, de Matteo Garrone, con el regreso de Roberto Benigni. Crítica Publicaciones relacionadas ¿Testigo del castigo, activista para la próxima lista o cómplice para la muerte?. Crítica de Que sea ley. 1 octubre, 2019 Netflix 2021: Los primeros estrenos del nuevo año 30 diciembre, 2020 WandaVision llegó a Disney+ 15 enero, 2021 Deja una respuesta Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con * Nombre * Correo electrónico * Web Guardar mi nombre, correo electrónico y web en este navegador para la próxima vez que comente. Mira también Cerrar Entrevistas Gonzalo Calzada: “Hay un apogeo del cine de género de terror en Argentina” 21 marzo, 2018 Reciente Popular Comentarios Secuelas de la indecencia. Crítica de “Pequeños secretos” Hace 20 mins “Pinocho”, de Matteo Garrone, con el regreso de Roberto Benigni. Crítica Hace 15 horas “El refugio” de Sean Durkin. Crítica. Hace 16 horas Magui Bravi, la actriz, bailarina, conductora y modelo terminó de rodar una nueva película. Hace 23 horas “Freaky” de Christopher Landon. Crítica. Hace 23 horas Síguenos en Instagram Can not fetch the images! Seguinos Populares Critica “Implosión” de Javier Van de Couter. Crítica. Hace 2 semanas Crítica de “El silencio del cazador” de Martín Desalvo. Hace 7 días “El refugio” de Sean Durkin. Crítica. Hace 16 horas La película de Kimetsu no yaiba se convierte en la más taquillera a nivel mundial en su primer fin de semana 21 octubre, 2020 Luis Miguel, La serie. Hace 1 semana © Copyright 2021, Todos los derechos reservados | Cine Argentino Hoy Botón volver arriba
Inquietos por el tiempo, los cánones y el prejuicio. Crítica de “Una casa lejos” La directora Mayra Bottero revisa y repasa las condiciones que impone la sociedad sobre el envejecimiento Florencia Fico Hace 2 horas 0 10 El filme “Una casa lejos” de Mayra Bottero describe en la cinta dramática los avatares de distintas franjas etarias en las cuales, Bottero inscribe la soledad, el abandono y la segregación social en diversos contextos económicos y ciudadanos. Por. Florencia Fico. UNA CASA LEJOS” : CINE ARGENTINO INDEPENDIENTE – Novedad Cultural El argumento de la película “Una casa lejos” se basa en la figura de Graciela(Stella Gallazzi) quien está a punto de retirarse e irse fuera de la ciudad luego de jubilada. Aunque se entera que su papá “Rodo”(Carlos Rivkin) posee ideas para el futuro, tiene un raro vínculo con Sabrina (Valeria Correa) una jóven de la calle. Esto es el principio de una serie de acontecimientos que transformarán el destino de Graciela. La marginalidad y la vejez hacen foco en el filme Una casa lejos La dirección de Mayra Bottero siempre tan anclada la realidad social como lo hizo en: “La lluvia es también no verte”, continúa su rasgo documental. Pero en éste caso elabora un filme ficcional donde el drama es el puntapié inicial, para recoger diversas crisis personales, de los personajes y de la comunidad argentina. Bottero conecta realismo crítico y costumbrista con toques de humor y sensibilidad los vínculos parentales y comunales. Cines Argentinos | La web de cine más visitada de Argentina El guion de Mayra Bottero cuenta con una narrativa emotiva donde los diálogos irradian múltiples visiones del abandono, la soledad, frustraciones y desilusiones. El texto acompaña al personaje de “Rodo” el vocero de una generación “la tercera edad”, aquella que se torna una manera de volver a empezar con otros proyectos o retomar los viejos con mejor puntería, ayudar al otro a la vez de necesitar asistencia para el mismo, construir lo no elaborado, resolver lo inconcluso. Una casa lejos – Funcinema Mediante el protagónico de Graciela en sus líneas aparece el principio de su retiro de la docencia y con ello su jubilación lo que ya vive su padre Rodo. Sin embargo Graciela aún sigue en la “mediana edad” y continúa con las preocupaciones y responsabilidades que ella trae: el pago de deudas, el hacerse cargo de su padre que más bien parece un hijo, asumir ese rol materno – paterno con su papá es para ella prioridad, la tensión que supone romper con las jerarquías de familia en los mandatos patriarcales y las ganas de iniciar un camino nuevo, en Graciela está continuamente en su pensamiento. La quebrada vinculación que tiene con su padre es tangible cuando recibe constantes desplantes de él y le falta el respeto, aunque comprende la situación de la salud de su padre es ya deficitaria. Crítica de "Una casa lejos", una historia mínima de Mayra Bottero A través del personaje de Sabrina una chica sin techo que vive a escondidas con Rodo se despliegan una ola de interrogantes. Su embarazo y el apoyo de Rodo se ven teñidos de las observaciones de Graciela y los vecinos de su departamento que la estigmatizan, discriminan y la amenazan reiteradamente. La paternidad de su futuro hijo está en duda, su hogar también, su mundo es la incertidumbre total y el desamparo la persigue. Las denuncias pronto le llegan ya sea por aprovecharse del padre de Gabriela o los vecinos que la toman como una persona peligrosa. Su relación con Rodo llega al punto de ser paternal y eso a Graciela la desubica y la enfurece. Y hasta remueve los sentimientos de su maternidad impedida y reprimida. Una casa lejos: entrañable historia sobre sueños personales y cambios de planes - LA NACION El elenco está compuesto por la actriz Stella Gallazzi en la piel de Graciela, la artista le da un porte contestatario, auténtico, fuerte y emocional. El actor Carlos Rivkin como Rodo brinda a su papel un carácter enternecedor, inquietante y bravo. La actriz Valeria Correa interpreta a Sabrina de forma visceral, combativa, arremetedora e impulsiva. La artista Alicia Muxo como la mejor amiga de Graciela le aporta comicidad y desparpajo a su composición. Crítica de "Una casa lejos", una historia mínima de Mayra Bottero | EscribiendoCine
El dolor más grande es el olvido . Critica de “Nosotras también estuvimos” El cineasta Federico Strifezzo recupera, cura y hace memoria de las que fueron menospreciadas, desconocidas y silenciadas en la Guerra de Malvinas Florencia Fico Hace 42 mins 0 13 El documental observacional y reconstructivo “Nosotras también estuvimos” del realizador Federico Strifezzo incorpora a las enfermeras que recibieron la subestimación en la historia, las víctimas del horror bélico y los efectos psicológicos del combate a su vez la resiliencia que significa hablar con pares y hermanas de resistencia. El filme se estrena el jueves 1 de abril por la plataforma Cine.ar, el viernes 2 de abril se transmitirá por el Canal Encuentro, incluido en el ciclo No Ficción el mismo día por TV Pública Argentina. Por. Florencia Fico. Nosotras también estuvimos El argumento del documental “Nosotras también estuvimos” se centra en las figuras de tres enfermeras que fueron miembros del Conflicto del Atlántico Sur (referido correcta del conflicto bélico) en el Hospital Reubicable de Comodoro Rivadavia. En la época de 1982 Alicia Reynoso, Stella Maris Morales y Ana Massitto, fueron partícipes como enfermeras de la Fuerza Aérea trasladadas a Comodoro Rivadavia al centro hospitalario recién instalado asimismo la pista de aterrizaje del aeropuerto con el fin de darles albergue a los combatientes heridos en la zona isleña. Se proyectará el documental "Nosotras también estuvimos" La dirección de Federico Strifezzo registra el material documental con la esencia de un road movie testimonial. Donde las mismas Alicia, Stella y Ana son las voceras de un relato inédito de sus vivencias en la Guerra de Malvinas. Strifezzo elabora una producción que explora el antes y el después mediante fotografías. Lo que llega a ser un mapeo de los lugares donde estuvieron las enfermeras. Federico es un recolector presente a través de charlas en profundidad. Por las cuales obtiene: conmovedores anécdotas, comentarios, críticas y desgarradoras experiencias de las veteranas. El guion de Federico Srtifezzo coopera con la lucha de Alicia, Stella y Ana que desean ser identificadas como parte de la historia. Valorizadas como tres de las 14 enfermeras; que en la actualidad aguardan tener la categorización que merecen; como veteranas en la guerra. Al llevarlas nuevamente a Comodoro Rivadavia, Strifezzo consigue ser guiado por ellas en un visceral recorrido de sus experiencias acumuladas allí. Nosotras también estuvimos - Ideame El texto de Strifezzo saca a relucir las personalidades de las ex combatientes, sus pensamientos, las opiniones y reflexione de su paso en la guerra. Expone la desinformación que se daba en los periódicos sobre las enfermeras. Los estereotipos reforzados de machismo en la prensa. La invisibilización de la situación real en Malvinas. El material de archivo que no solo tenía un tono patriarcal si no, que sesgaba la tragedia verídica que sucedía puertas adentro del Hospital Reubicable. Nosotras también estuvimos - ShortsFit Los jefes de operaciones las subestimaban cuando aparecían en revistas con comentarios como: “Ahí están, ahí tienen, pero no van a hablar”, o las mandaban a realizar labores domésticas. Las mismos artículos periodísticos las rebajaban a “voluntarias”. También comentan las veteranas, que se inventaban noticias para rellenar a través de fotos; el amarillismo y el sensacionalismo florecían en aquel momento. Lo mismo sucedía con los reportajes a capitanes del combate que minimizaban los efectos dramáticos en los soldados en su condición sanitaria. No eran simplemente heridos. Ellas manifestaron que llegaban a los módulos de terapia intensiva, algunos con consecuencias como: la amputación, las cirugías sucias que debían practicar por la falta de higiene, por las circunstancias atípicas que vivían, baleados, quemados, fracturados, realizaban trincheras y el constante peligro de necrosis por el frio. Ellas tenía una misión curar o rescatar a los heridos no pensaban en los muertos hasta que un oficial les hizo una pregunta: “¿Ustedes cuántas bolsas traen?” y ellas ingenuamente pensaron de residuos y no eran las mortuorias.
Ella es el grito de la revolución . Crítica de “Juana” La cineasta Daiana Rosenfeld compone un documental poético, performático e interpelante sobre el rol de la mujer en la resistencia y educación social en épocas de división ciudadana El registro exploratorio sobre la activista española Juana Rouco Buela esboza el imparable espíritu de lucha contra el capitalismo salvaje, la inagotable tarea para generar conciencia en la sociedad de la escritora y la relevancia de la voz femenina en diversos ámbitos de la realidad. El filme se estrena el jueves 25 de mayo disponible en la plataforma Cine.ar. Por. Florencia Fico. Esta semana se conoce “Juana”, una película que retrata la vida de Juana Rouco Buela – Diario El Ciudadano y la Región El argumento del documental “Juana” se centra en la figura de Juana Rouco Buela quien tenía el anhelo en principios del siglo XX de liberar a las mujeres de un esquema económico y una autoridad patriarcal a la que estaban subyugadas y halla en las ideas libertarias el lugar y la contención para su lucha. Formó los primeros periódicos de y para mujeres de la Argentina. Pasa a ser una de las primeras presas políticas. De esta manera, sienta precedentes para las bases en la renovación y cambio de las mujeres presente hasta la actualidad. JUANA, DE DAIANA ROSENFELD - YouTube La dirección de Diana Rosenfeld en su quinta entrega documental expone a la activista y escritora Juana Rouco Buela; mediante una dramatización sensible en la piel de la actriz Lucía Montenegro. Quien le da todo el carácter de la obrera anarquista seria, meditabunda, con una mirada particular y enunciativa. Rosenfeld también brinda, por medio del relato oral, de María Eugenia López un reflejo declarativo, entusiasta y manifestante de Juana. Con éste filme Rosenfeld completa una trilogía(Los ojos de América, Salvadora) que viene planteando con biografías sobre mujeres, en las que indaga los mundos libertarios, las evoluciones que traen sus ideas y la configuración combativa del anarquismo. Juana – Daiana Rosenfeld El guion recolecta una pluralidad de voces autorizadas como las investigadoras Dora Barrancos y Gisela Manzoni asimismo la escritora Elsa Calsetta. Este trío contextualizó los eventos más resonantes de la trayectoria de Juana Rouco Buela. La aplicación de la voz en off de María Eugenia López alberga los escritos de las diferentes esferas de Juana Rouco Buela: ya sea como sus orígenes, los principios como militante anarquista, la constante resistencia a las ideas de explotación laboral, su presencia en las manifestaciones, las reiteradas expulsiones de diversos países, el perseguimiento y hostigamiento que sufría por parte de la policía. Su escapes por distintos puntos geográficos. El seno familiar que construye, su faceta como emprendedora