Descarga esta App Otra película que se suma al listado de films de terror, que son de terror sólo por ser malas, y no respetan el género. Una interesante idea en estos tiempos en donde la tecnología cobra gran protagonismo que atrae el espectador y lo engaña. Nada falta aquí: la bella, víctima y solidaria protagonista, su amado de turno que es el único que le cree, y los dramáticos motivos de ambos por los cuales están juntos padeciendo. Pero todos estos elementos no funcionan en este caso, debido a que no se logró explotar la idea con todos los elementos en sus manos. Lo que menos provoca es miedo. En La hora de tu muerte (Countdown, 2019), el director y guionista estadounidense Justin Dec sigue a la enfermera Quinn (Elizabeth Lail) quien descarga una aplicación que dice predecir el momento en que una persona morirá. Esta augura que solo le quedan tres días de vida. Con el reloj corriendo y una figura obsesionándola, debe encontrar una manera de salvar su vida antes de que se agote el tiempo. La premisa básica de Justin Dec es demasiado interesante. Resulta extraño ver cómo se logra arruinar una gran idea. Faltó creatividad en el guion y una buena dirección. Sin embargo, es entretenida y a cierto público le puede atraer. El film se mueve a un ritmo sin sentido con demasiadas incongruencias. Existen evidentes errores, tales como que todos tengan el mismo aparato celular. ¿Raro no? Sin bien en esta clase de cine, lo predecible no desencaja, acá nos causa gracia y son demasiadas las casualidades, subestimando de esta manera al espectador en el afán de que empatice con la protagonista, que por supuesto está en el lugar indicado y en el momento justo. Cantidad de escenas y situaciones que no aportan y nos confunden pero sin un fin. Todo esto combinado con el desencaje natural de piezas y con un sustento independiente, fruto de la base de un mal guion que da como resultado una película que promete, pero no cumple. La omnipresencia de las inmediatas y falsas "soluciones con un click" nos convierten en cómodos zombies apretando un botón desde un sillón, idea de este film. Pero se perdió en el camino dando como resultado una película que sólo puede entretenernos y no aterrorizarnos a la hora de descargar una App.
por Laura Pacheco Mora Un nuevo desafío, una nueva aventura Una secuela de Jumanji con un videojuego en lugar del juego de mesa, es la propuesta de esta secuela que nos invita a entretenernos sin mayores novedades con respecto a las anteriores, dejando en claro, que la primera Jumanji de 1995, será irremplazable. Con la participación de Danny DeVito y Danny Glover. Jake Kasdan, dirige y co-escribe esta secuela de Jumanji: Welcome to the Jungle (2017), Jumanji: The Next Level (2019). El equipo conformado por Dr. Smolder Bravestone (Dwayne Johnson), Professor Sheldon 'Shelly' Oberon (Jack Black), Franklin 'Mouse' Finbar (Kevin Hart) y Ruby Roundhouse (Karen Gillan) ha regresado, pero el juego ha cambiado. La aventura comienza cuando ingresan para rescatar a uno de los suyos y descubren un mundo completamente inesperado. Desde desiertos áridos hasta montañas nevadas, los jugadores tendrán que enfrentarse a espacios desconocidos e inexplorados para salir del juego más peligroso del mundo. Existe una mayor consistencia debido a que el Director Kasdan, se suma a los escritores, combinando de manera exitosa diferentes elementos. El guión es más sincero si lo comparamos con la anterior película, no es burdo y respeta al espectador. Dándole así más sentido al juego que resulta cercano a uno real, las escenas más exitosas y aprovechan algunos diálogos irresistibles que juegan en la comedia del ensayo y la incomprensión total de las apuestas. La premisa que los roles cambien durante toda la trama es sólida y quizás la mejor idea de la película. Las actuaciones, representan un desafío, ya que de manera permanente deben lidiar con la dinámica de cambio de roles y lo consiguen con armonía, aportando credibilidad y solidez. Las locaciones son muy atractivas, nos pasean por gran variedad de paisajes. Los mensajes de esta película son muchos, los más importantes tienen que ver con el permanente paralelismo del juego con la vida, las elecciones que tomamos, nuestras debilidades y fortalezas, etc., "la vida es un eterno juego" es una frase que aplica a este film y nos invita a reflexionar al respecto. Hay un corazón latente que logra emocionarnos de manera genuina. Calificación: 7/10 Título original: Jumanji: The Next Level Año: 2019 Duración: 123 min. País: Estados Unidos Dirección: Jake Kasdan Guion: Scott Rosenberg, Jake Kasdan, Jeff Pinkner (Libro: Chris Van Allsburg) Música Henry Jackman Fotografía Gyula Pados Productora: Matt Tolmach Productions / Seven Bucks Productions / Hartbeat Productions / Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuida por Columbia Pictures Género: Aventuras. Fantástico. Comedia. Acción | Secuela. Videojuego. Cine familiar Grupos: Jumanji
Frozen 2 por Laura Pacheco Mora "Confía en tu magia" De la mano de los Directores Chris Buck, Jennifer Lee, Walt Disney debuta el 2020 con esta secuela Frozen 2 (2019), una dulce animación musical para niños, pero con relevantes mensajes para toda la familia, así que los adultos no se aburrirán. El agua tiene memoria, es una frase que se repite y considero que es un mensaje universal y muy importante para que todos lo tengamos en cuenta y logremos transmitir a los niños. También arriesgarse e ir mucho más allá, es otra frase que se repite, con infinidad de connotaciones. ¿Por qué nació Elsa con poderes mágicos? La niña sueña con aprenderlo, pero la respuesta pone en peligro su reino. Con la ayuda de Anna, Kristoff, Olaf y Sven, se embarca en un viaje tan peligroso como extraordinario. En Frozen (2013), Elsa temía que sus poderes amenazaran al mundo. En Frozen 2 , ella espera que sean lo suficientemente poderosos como para salvarlo ... Las canciones están muy presentes en el film, las mismas otorgan la magia necesaria y esperada por su público. El guión mantiene entretenido al espectador de principio a fin, aportando una cuota de humor, además de la acción para acompañar a los personajes en su aventura. Logran que empaticemos con todos. La animación es genial, los efectos del agua y el hielo, son realmente mágicos y justamente los elementos más difíciles de animar. Volvemos a conectarnos con estas hermanas, la reina y la princesa, que se adoran y protegen, transmitiendo una unión valiosa para todos. Olaf (el muñeco de nieve), es el personaje gracioso. Junto al enamorado Kristoff y el reno se embarcan en una nueva aventura, con la finalidad de reparar daños del pasado en el bosque encantado, siguiendo el canto de una supuesta sirena... Entre los mensajes más importantes, destaco que para lograr lo que sueñas, es necesario arriesgarse, aprender a estar solo, soltar, dejar ir a quiénes amas para avanzar en tu camino; poner a prueba tu fortaleza para así conocer tu capacidad, tu coraje y adquirir confianza en ti mismo; mantenerse conectados por el amor. Calificación: 6/10 Título original: Frozen II Año: 2019 Duración: 103 min. País: Estados Unidos Dirección: Chris Buck, Jennifer Lee Guion: Jennifer Lee (Novela: Hans Christian Andersen. Historia: Jennifer Lee, Chris Buck, Marc Smith, Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez) Música: Christophe Beck, Frode Fjellheim (Canciones: Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez) Fotografía: Animation Reparto: Animation Productora: Walt Disney Animation Studios / Walt Disney Pictures Género: Animación. Fantástico. Musical. Aventuras | Cuentos. Secuela. 3-D Grupos: Clásicos de Walt Disney | Adaptaciones de Hans Christian Andersen | Frozen (Disney)
Bacurau “Humano vs Humano” Crítica: Laura Pacheco Mora Los realizadores consiguen relatar una realidad distópica y en simultáneo, en lo que se constituye como una asombrosa mirada arriesgada del mundo actual. Es inevitable provocar en el espectador una opinión por dos motivos fundamentales: se trata de un cine auténtico que no busca complacernos por un lado, y por otro, funciona como espejo, al enfrentarnos con nuestro propio punto de vista y postura. Es una propuesta para salir de nuestra zona de confort. Una misión compleja, quizás a eso se deba su éxito mundial y para los amantes del cine bien logrado, una pulsión de rever este fantástico film que funciona a muchos niveles y es digno de ser analizado. Kleber Mendonça Filho -Aquarius (2016)-, presenta esta controversial película, junto a Juliano Dornelles en dirección y guión. Con las actuaciones de Sonia Braga interpretando a Domingas, Udo Kier en el papel de Michael, y gran elenco. Fue galardonada con el Premio del Jurado en la competencia oficial del Festival de Cannes y aclamada por la crítica. Bacurau (2019) En un futuro cercano el pueblo de Bacurau al sur de Brasil, llora la muerte de su matriarca Carmelita, que falleció a los 94 años. Algunos días más tarde, los habitantes se dan cuenta de que el pueblo está siendo borrado del mapa y se encuentran incomunicados. Algo impensado está por suceder... Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles consiguen un relato íntegro sin tiempo, bien podría haberse realizado hace diez años, cuando nació la idea de Bacurau o dentro de diez años; es un film que no pasará de moda, dado su estilo tan personal. Fusión de acción, intriga, ciencia ficción, western, con gore, sed de venganza, y, acompañando esta unión una alternancia de múltiples tópicos que nos movilizan, con un impulso dramático vehemente. La dirección es impecable, la paleta de colores funciona como contraste, al igual que las locaciones, la música en su perfecta medida, travellings, primeros planos, planos detalle a lo western y generales. La iluminación y su connotación, juega un papel preponderante, para adentrarnos en una historia que se vale de un guion insuperable, jamás predecible, que logra confundirnos e interactuar con la historia. Son de destacar las excelentes interpretaciones de todo el elenco. Todos los elementos de este film, simbolizan algo más. El detonante es una real muerte, las posteriores son ficticias o no, en tal caso, son fruto de un deseo inconsciente-colectivo, manchado de rabia e impotencia. Infinidad de cuestiones se plantean, que invitan a la reflexión. ¿Quién/es impusieron la famosa grieta y lo que genera? Depende del lado en que nos ubiquemos, Bacurau nos increpa y da cuenta de los límites del ser humano, de lo brutales que podemos ser. En definitiva todos somos guerreros y quien declaró la guerra primero, ya no importa, puesto que estamos destinados a pelear. La guerra está declarada y para que eso pase, es necesario dividir las aguas, enfrentar la dualidad humana: "o estás de un lado, o estás del otro"... Esto provoca el film, una profunda tristeza, el no poder elegir porque y cómo llegamos a vivir "anestesiados" por una supuesta verdad. Lo único real y verdadero, es lo que sucede en la intimidad de tu hogar y en la historia atesorada en un museo y sus paredes. Calificación: 10/10 FICHA TECNICA Título original: Bacurau Guión y Dirección: Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles Música: Mateus Alves, Tomaz Alves de Souza Fotografía: Pedro Sotero Empresas Productoras: CinemaScópio Produções / SBS Films / Símio Filmes / arte France Cinéma Género: Drama Año: 2019 Duración: 132 min. Países: Brasil, Francia Distribuye: MACO Cine
Mirada panicosa Con reminiscencias a Poltergeist: juegos diabólicos (1982), film que recordamos por su originalidad y el terror que vivimos, y también a El manicomio (Heilstätten, 2018) y Gonjiam: Hospital maldito (2018), ambos débiles y olvidables, se presenta El Aro (Sadako, 2019). La saga del famoso fantasma de cabello largo que supo aterrorizarnos, ahora muy lejos está de hacerlo y hasta podríamos decir que ridiculiza al género. Nos aburrimos y hasta corremos el riesgo de reírnos. El japonés Hideo Nakata añade un nuevo título a la saga de La llamada (The Ring, 2002), la exitosa remake de terror psicológico estadounidense del mismo Nakata: Ringu (1998). El Aro es la parte final de esa trilogía. Sigue a la psicóloga Mayu Akikawa (Eliza Ikeda) cuya atención se focaliza en una niña (Himeka Himejima) quién tiene custodia policial. La niña no recuerda nada, incluido su propio nombre. Los casos misteriosos comienzan a ocurrir alrededor de Mayu, mientras tanto, su hermano menor Kazuma (Hiroya Shimizu), un YouTuber que tiene como finalidad obtener más espectadores, decide colarse en un sitio incendiado donde murieron 5 personas. El realizador nipón nos invita a descubrir lo que tiene para contarnos. Sin embargo y luego de la presentación, comienza una historia que tiene serios problemas de comunicación entre el director y su guionista. La historia se descarrila y a pesar de los intentos de salvarla, solo abundan escenas que rellenan vacíos irrecuperables. Esto conlleva a confundir al espectador y también a los actores, cuyas interpretaciones son muy malas y forzadas. La paleta de colores es sugestiva y las escenografías sirven de contraste. No obstante, nada parece salvar esta disgregación entre la trama dramática y la dirección, dando como resultado un fatal film de terror. Lo predecible no es bien recepcionado por el espectador. Algo positivo como reflexión personal, es la crítica a la sociedad japonesa, en especial hacia los jóvenes, cuya comunicación verbal se muestra inexistente. El director critica a través de su film a la sociedad consumista, que se vincula por medio de aparatos electrónicos, similar a la sociedad occidental.
Nosotros tres "Juega conmigo" Por Laura Pacheco Mora Esta comedia bien francesa y con tono sutil, relata lo que le sucede a una pareja luego de 35 años de casados, las verdaderas personalidades de cada uno salen a la luz y es hora de tomar decisiones que determinarán una nueva oportunidad. La buena noticia, es que lejos de sentir tristeza por un quiebre, la idea del film es reflexionar, comprender que siempre se puede crecer sin importar la edad y avanzar. Qui m'aime me suive! (2019) del Director José Alcala, relata la historia de Gilbert (Daniel Auteuil) y Simone (Catherine Frot) que viven una conflictiva relación en un pueblo del sur de Francia. El enfado permanente de su marido, la falta de dinero y la partida de Étienne (Bernard Le Coq), empujan a Simone a abandonar su hogar. Ambos tienen personalidades opuestas, ella es atraída por la divertida, que disfruta de la vida. Es entonces cuando Gilbert se da cuenta de que está dispuesto a todo con tal de recuperar a su mujer, su verdadero amor. En paralelo, sucederán acontecimientos -que lo sacarán de su zona de confort- con los que deberá lidiar y gracias a ello, contemplará un nuevo punto de vista de la vida. El Director José Alcala, se mueve como pez en el agua con la dirección de actores, no es tarea fácil, dirigir a actores de potente trayectoria y fuerte carácter. Se destacan la fotografía, los sugerentes planos y la música, todos estos, elementos que acompañan muy bien a la trama dramática. Por cierto es de destacar el guión a cargo del mismo Alcala y se le suman Agnès Caffin y Antoine Lacomblez, por su prolijidad y la creación de personajes, cuyas características contrastan de manera perfecta, esto contribuye a que el espectador participe y comprenda al personaje femenino protagonista y no la juzgue, sino que acompañamos a este trío en una aventura. Sin lugar a dudas, las interpretaciones de los tres protagonistas son impecables, al igual que los diálogos. Por otro lado, la elección de los personajes secundarios, aportando una cuota de sensibilidad y de relevancia a la trama dramática. Siempre es refrescante jugar y divertirse pero cuidando a las personas que amás, o, puede ser además, una llamadita de atención para recuperar algo de esa magia del comienzo del amor. Estancarse en una vida que aburre, saca lo peor de vos, vivir enojado y preocupado nos aleja de la felicidad, lo que puede ser el motivo por el cual ciertas personas busquen un recreo fuera de la relación. Calificación: 6/10 Título original: Qui m'aime me suive! aka Año: 2019 Duración: 90 min. País: Francia Dirección: José Alcala Guion: José Alcala, Agnès Caffin, Antoine Lacomblez Música: Fred Avril Fotografía: Philippe Guilbert Reparto: Daniel Auteuil, Catherine Frot, Bernard Le Coq, India Hair, Dioucounda Koma, Anne Benoît, Thomas Walch, Olivier Loustau Productora: Ex Nihilo / France Télévisions / France 3 Cinéma / Agat Films / SofiTVciné 6 / Région Languedoc-Roussillon-Midi Pyrénées / Sofica Manon 9 / Cinémage 12 Développement / CNC / OCS Género: Comedia | Vejez
Cuentos y canciones para crecer Adornar una triste realidad con la inocencia que transmite un niño, es la misión de Lejos de Pekín (2019), el último largometraje del director y guionista Maximiliano González, con el que cierra la trilogía misionera -de donde es oriundo- iniciada con La soledad (2006) y La Guayaba (2012), manteniendo un hilo temático vinculado a la problemática de la mujer en esa zona. La película relata la historia de María (Elena Roger) y Daniel (Javier Drolas), quienes pasaron los 40 años tras 8 años de casados y no han podido cumplir el sueño de ser padres. Intentan entonces con la adopción, para lo cual viajan hacia una ciudad del norte argentino y continuar allí los trámites. Al llegar, la asistente social los acompaña para iniciar el periodo de vinculación, pero en ese encuentro, tan esperado y deseado, las cosas no suceden como lo anhelaban. Recientemente se estrenó en Argentina En buenas manos (Pupille, 2018), un film francés que informa sobre el complicado proceso de adopción. Lejos de Pekín nos relata de manera lineal, las vivencias de un matrimonio que desea adoptar un niño. Una historia dividida en actos que, aunque presente dificultades con la continuidad en dirección y en la trama dramática, a través de la presencia de la lluvia de principio a fin y en sus diferentes formas, connota fluidez. Los reflejos en el agua y la forma de presentarlos, resultan atractivos y poéticos. La música que acompaña el relato, el melódico piano, aporta armonía y emoción a las escenas y diálogos. El desgaste quizás buscado por el director de la pareja se hace evidente a través de sus interpretaciones, y en los diálogos, que muestran cierta lejanía. Son pocas las locaciones, recurso que se convirtió en favorable, optimizando los interiores, con una estética interesante, en la que predomina la utilización de los colores que aportan alegría cual contraste de una dura realidad, representada por la oscura y estruendosa tormenta, que algunos niños deben atravesar. Se podría decir, que el lugar en donde se encuentran los niños, es el único lugar feliz en el film. Hay varias subtramas, se destaca la preocupación del rol femenino en la sociedad. Los mensajes como “las personas no podemos ser cobardes toda la vida” o “promete algo en lo que creas”, son los más importantes de este drama, y funcionan como una suerte de tímidos consejos para vivir la vida y aprender a ser padres.
Revelación interior El Recordador (2019) es la ópera prima de Ariel Guntern, en la que Matías De Stefano, nacido en Venado Tuerto en 1987, cuenta su historia. Desde el momento en el que nació, tiene la capacidad de recordar todo lo que ha hecho antes de su nacimiento y puede entender, de una manera simple, cómo funciona el Universo. Los recuerdos de Matías sobre sus vidas pasadas, lo llevan a viajar por el mundo y compartir sus conocimientos con miles de personas. Sus viajes lo ayudan a descubrir su propósito en la vida y cumplir una misión que dice no pudo completar hace miles de años. Términos tales como índigo, cristal, plano sutil, dimensiones, universal, energía, alma, matrix, etc, son palabras que ya suenan familiares. Pero, ¿qué significan realmente y cuál es el motivo? Cuando comenzaron a llegar los niños índigo y cristal (cuya diferencia radica en su personalidad), no eran tantos, pero se multiplicaron a partir de los años 70 y 80 -cuando fueron un verdadero boom-. Estos chicos, que ahora son adultos, abrieron el camino con su temperamento auténtico. Ya de pequeños eran rebeldes, crecieron sintiéndose raros/diferentes y en soledad, no soportaban la manipulación ni la deshonestidad y rechazaban la autoridad creada a través de la culpa o el temor. Aunque nada de esto se ha probado por la ciencia, por lo que para ciertas personas todo esto no será verdad. No obstante, muchos habilitaron la posibilidad de creer y tener fe en eso que presienten y a lo que no se puede poner en palabras. Al abrir el abanico a otras posibles realidades, la pregunta: ¿En qué creemos de manera fehaciente?, resulta muy profunda e importante. Este documento otorga particulares respuestas a ciertas personas que cuestionan la existencia desde un lugar, quizás, más cercano a la intuición y que en cierta forma, luego del año 2000 en particular, sintieron un llamado a "abrir los ojos por primera vez". La premisa de este documento en el que Matías De Stefano se describe como índigo, tiene como finalidad acompañar a la humanidad en ese "despertar". Creamos o no en sus relatos, no pasarán inadvertidas sus palabras, que resonarán en mayor o menor medida en nuestro interior. Durante todo el documental, el encargado de la narración es el mismo Matías De Stefano, que se constituye en un testimonio no-lineal de sus recuerdos, por momentos con su voz en off y por otros, mirando a cámara. Por su parte, el director Ariel Guntern acompaña su relato, con planos detalle y generales de imágenes majestuosas de la naturaleza. La música genera una sensación mística, esto acompañado por tomas de paisajes grandilocuentes, ruinas ancestrales y travellings que acompañan al protagonista, completan la experiencia trascendental buscada para el espectador. Técnicamente excelente, la paleta de colores elegida, genera calidez, dando la sensación de hogar, invitándonos a seguir a Matías que viaja con una compañera: su mochila. Los pensamientos y reflexiones sobre sus vidas desde tiempos muy lejanos, están presentes en la historia. El director, representa de manera atractiva, los cuatro elementos de la naturaleza: la tierra, el agua, el fuego y el aire, significando y potenciando la narración. Se ha generado en muchos de nosotros, una tremenda confusión y desconfianza en estos temas, dada la cantidad enorme y variada de información que existe al respecto, que puede verse en otros trabajos como Planeta Libre (La Belle Verte, 1996), HIM: Más Allá de la Luz (2010), ¿¡Y tú qué sabes!? (2004) o Creer es crear (2008). Sin embargo, existen personas que encaran la generación de conciencia y el desarrollo espiritual, individual y colectivo de manera seria y cabal. En definitiva, se trata de una cuestión de fe y lo que en realidad importará, será el valor de su testimonio y el mensaje.
Hasta que la muerte nos separe El día más esperado de tu vida, puede convertirse en una verdadera pesadilla y en una bizarra comedia. Todas las novias tienen cierto miedo a la hora de querer encajar con su futura familia política, el famoso mito de la suegra mala, etc. Pero en este caso, esto es llevado a un terrorífico y gracioso extremo. Boda sangrienta (Ready or not, 2019), es un comedia negra con matices de terror, acción y gore que sigue a Grace (Samara Weaving), una bella y joven novia, enamorada de Alex (Mark O'Brien). Él pertenece a una familia acaudalada y excéntrica y ella, para ser aceptado realmente por dicha familia, deberá cumplir con una antigua tradición que se convierte en un juego mortal donde todos luchan por sobrevivir. Para ganar, de inocente debe pasar a convertirse en la más fuerte y estratega del clan. Los directores Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin presentan su estilo muy personal y creativo con Boda sangrienta, que se convierte en una cacería humana con reminiscencias a 12 horas para sobrevivir (The Purge, 2018). Es así que nos relatan, con un guion dinámico, esta historia que sucede en un solo día/noche en una misteriosa locación (la enorme mansión con pasajes secretos). Comenzando con un breve flashback informativo, para luego sumergirnos rápidamente en la historia, el inteligente y ágil guion, peca de predecible y por tramos cae en una meseta. Sin embargo, nos mantiene curiosos aun sabiendo lo que esta por acontecer, porque nos atrapa ver cómo se desarrolla la película articulada con una combinación de géneros que funciona, logrando mantenernos expectantes durante todo el film y pasar por diferentes estadios de ánimo. Una atmósfera acorde envuelve la construcción de personajes, sobre todo en la curva dramática de la protagonista. La ambigüedad en cada integrante del reparto se relaciona con los permanentes contrastes que dan forma a la historia. Boda sangrienta se construye sobre el miedo de la mujer a no ser aceptada por su familia política, se ríe de esta situación mediante la comedia negra de terror, y elabora un placentero festín sangriento.
Identidad camuflada. Un thriller de misterio y suspenso, con personalidad y estilo inglés; dos potentes y sofisticadas figuras con las que el espectador se deleitará, debido a las exquisitas interpretaciones. Nos sentiremos atrapados por ambos personajes, desde el comienzo en esta interesante y elegante historia. The good liar (2019) es un film dirigido y coproducido por Bill Condon, escrito por Jeffrey Hatcher y basado en la novela de Nicholas Searle. El consumado estafador profesional Roy Courtnay (Ian McKellen) ha conocido online a la adinerada viuda Betty McLeish (Helen Mirren). A medida que ella le abre su corazón, Roy se sorprende a sí mismo al darse cuenta de que alberga sentimientos hacia ella, convirtiendo lo que debería ser una estafa fácil y sencilla en una de las situaciones más complejas de su vida. Bill Condon dirige muy bien este film, generando una atmósfera de tensión, misterio e incertidumbre. La película se destaca por su estética de contrastes en los colores, en las locaciones y el vestuario muy atractivos, describiendo así, las personalidades del protagonista y del antagonista. Además la música acompaña muy bien y contribuye con el ritmo del desarrollo del relato. El guión puede pecar por ciertos tramos de previsible, no obstante, las performances del inmejorable y encantador dueto de actores, sobrepasan la pantalla, consiguiendo credibilidad en el relato. El guión además da ciertos giros inesperados, alimentando así, el suspenso. Incluye a un personaje, "el tercero en discordia", se trata del sobrino de Betty, quien desconfía de Roy, aportando una cuota de obstáculo en la relación que se genera. Las locaciones londinenses son muy interesantes, al igual que las de Berlín, en donde sucede parte de la trama. Sin lugar a dudas, lo mejor de este film, son las interpretaciones de Ian McKellen y Helen Mirren. Todos somos dueños de secretos y mentiras; de traumas que no pudimos sanar y alimentamos con odio y rabia a lo largo de los años. A veces, pensamos que la venganza es lo que nos libera y, en todo caso, nuestras oscuridades y luces, forman parte de lo mismo, como el ying y el yang. No podría existir luz sin oscuridad y viceversa, tanto en el interior de una persona, como en el motivo que une a dos personas que desean lo mismo, con la misma fuerza, pero de manera inconsciente. Seres supuestamente opuestos que se necesitan más de lo que imaginan.