Pies negros "Lo que debería ser un lugar plácido para vivir, fruto de un acto de amor, se convirtió en víctima del capitalismo y sus intereses relacionados, en desmedro de la salud de sus habitantes, y como consecuencia, el enfrentamiento entre los obreros empleados de las fábricas con la necesidad de alimentar a sus familias; y la desmesurada cantidad de tumores, de los habitantes del pueblo. Material impactante Y dificultoso de digerir, sin embargo, imprescindible de ver." TARANTO (2021) Escrita, dirigida y producida por Víctor Cruz. El cierre parcial de la acería más grande de Europa, a causa de la contaminación que produce, divide a una ciudad entre aquellos que denuncian el desastre sanitario ambiental y los que temen perder sus empleos. Salud y trabajo colisionan en el sur de la Italia industrial, víctimas de la codicia empresarial y la desidia estatal. Cruz nos muestra, con un estilo directo y frontal, lo que sucede en la ciudad de Taranto, a través de un notable trabajo de investigación. Por un lado, la zona industrial y en otro el pueblo, (barrio Tembore), con una desestructurada cámara e interesantes planos, que a su vez, sigue a ambientalistas y a vecinos confrontados discutiendo con vehemencia, cada uno con sus justificados motivos, el testimonio de un granjero quien sufrió la pérdida de sus animales, y como no podían faltar, los políticos que ignoran la situación. Se destacan en dirección de fotografía, Matteo Vieille y Víctor Cruz, mitigando con suaves y poéticos planos de bellos paisajes del campo abierto y de la enormidad del cielo, con la intención de transmitir esperanza y trazando un paralelismo con nuestras vidas y pensamientos tan contaminados. Por otra parte, el contraste con la fábrica Ilva, supuestamente, la que iba a ser la mayor planta siderúrgica de Tembore, ilustrativos videos de archivo a color de protestas de trabajadores, testimonios desgarradores de obreros y lugareños, con fotografías, muchas de ellas, muy sensibles y crudas escenas que denotan la impotencia con la que deben lidiar debido a la contaminación. También como material de archivo, un video de 1960, que nos muestra como nada cambió, solo continuó empeorando, además de cuáles eran las ilusiones de los que esperaban con ansias la apertura de la fábrica para obtener un mejor porvenir económico. Mientras que en sonido, la música es original de Francisco Seoane, quien realizó un impecable trabajo acompañando el relato. Cabe destacar, un prolijo montaje de Marcos Pastor, Víctor Cruz. "Vida y muerte juntas, somos personas y no cosas, que prefieren morir de cáncer y no de hambre, niños muertos antes de nacer, no poder descansar en paz ni cuando estás muerto. Monstruosas y contaminantes son las personas que proceden bajo la protección de empresas movilizadas por adueñarse del "vil metal". Estamos cada vez más alejados del aire libre, suelos y cursos de agua agonizan debido a nuestra codicia. Es urgente prestar atención y tomar conciencia, es nuestro deber como seres humanos. Lo único que nos queda es revelarnos en contra de nuestra cosificación, por parte de los grandes conglomerados de poder, insaciables y sin escrúpulos, con un profundo desprecio por la vida. El mensaje es contundente y nos involucra a todos."
Verano "Ver es poner el acento, ver trae consecuencias. La directora francesa relata una historia sobre un amor obstruido. Ser visto por otro, saber captar las reacciones." “Portrait de la jeune fille en feu” (2019), es un largometraje francés dirigido y escrito por Céline Sciamma; ganó el premio a mejor guión en el festival de Cannes. Año 1760. Marianne (Noémie Merlant) es una pintora francesa. En una clase de dibujo una alumna (Armande Boulanger) le hace una pregunta. La respuesta de la protagonista nos introduce a su historia secreta en las Bretañas francesas; una condesa (Valeria Golino) le encargó que pinte a su hija Hélöise (Adèle Haenel). Ella recién salió del convento, tiene que casarse con un noble de Milán y no debe enterarse que su nueva “acompañante” va a hacerle un retrato de bodas. Marianne, recibida por la sirvienta Sophie (Luàna Bajrami), se instala en su lugar de trabajo y piensa en las mejores maneras de dibujar a Hélöise. El problema es que poco a poco se enamora de su modelo. Tiene poco tiempo. La banda de sonido es muy buena, dada la calidad del sonido captado, las fuentes sonoras elegidas y el empleo justo de música diegética. En este sentido, las locaciones son pocas, son naturales y se trabajan en profundidad. El argumento es sencillo y el guión le da un giro interesante, porque menciona la leyenda de “Orfeo y Eurídice”; esa mención explica parte de lo que se ve en la banda de imagen. Lo malo del guión es que trabaja un conflicto secundario que merece abordarse de otra manera y en otro film. Las actrices son muy buenas, condensan tensión e intención en cada mirada; no hacen ninguna acción de más. La estética es impecable, la fotografía y la iluminación denotan esmero en cada encuadre elegido; las texturas llegan al tacto: olas, fuego, madera, lienzo, piel, ropa, pintura. Entre los recursos tenemos planos detalle, primeros planos, grandes planos generales y juegos entre campo y contra campo. La dirección de arte y de vestuario proponen una reconstrucción de época y llega a buen puerto.
Narrador aquiescente "Obra en donde poco acontece, sentimientos y reflexiones que los personajes van creando lentamente en tragedia. Creación que abarca varios tópicos, amor, arte, melancolía, aspiraciones, cuestionamientos personales y sueños irrealizables, lo que ya no se cuestiona a modo de representación del actual momento "burbuja". Treplev,2020 Una compañía de teatro argentina parte de gira por distintos pueblos de Francia, representando La Gaviota de Anton Chejov dirigida por Daniel Veronese. El actor que interpreta a Treplev -el escritor enamorado de Nina- y Perroud, un joven director de cine, registran este viaje. Lo que empieza como una bitácora de viaje se transforma en un duelo de puntos de vista: el de la cámara de Perroud versus el de "el Actor que hace de TREPLEV". “El Cine” versus “El Teatro”. La actriz principal de la compañía será el detonante de éste duelo: ambos hombres se disputan su amor. El registro de la gira se transforma entonces en otra cosa. ¿Pero en qué? Una road movie ee este documental que transcurre en trenes de Europa, Italia, Francia con un crisol de imágenes mágicas y vestidas de nieve. Obra relatada en tres actos. La puesta en escena le imprime a la adaptación y a la acción una gran dinámica y poética. El trabajo de utilería y casting se transforman en el fuerte del film. La música cobra un papel preponderante, acompañando cada momento. Rompiendo estructuras y caminando por los canales del cine y del teatro, desde los cimientos del cine con los Hermanos Lumière, hasta François Truffaut. Sin embargo, resultan excesivos los permanentes subtítulos y pueden confundir a cierto tipo de espectador o conseguir su apatía. Destaco entre el gran elenco la interpretación de María Onetto. SOBRE LOS DIRECTORES Lautaro Delgado Tymruk (1978, CABA) es actor de cine, teatro y televisión; por sus trabajos recibió numerosos premios y participó en giras y festivales internacionales de cine y teatro. Egresó de la Carrera de Dramaturgia de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y estudió Dirección de Cine en la Universidad del Cine y en el IDAC. En 2019 estrenó "El corazón del mundo" de Santiago Loza su primera obra como director teatral. Treplev es su ópera prima como director de cine. FICHA TÉCNICA Realización, Montaje y Dramaturgia: Lautaro Delgado Tymruk y Esteban Perroud Guión: Lautaro Delgado Tymruk y Esteban Perroud Producción ejecutiva, Fotografía y Cámara: Lautaro Delgado Tymruk y Esteban Perroud Dirección de Sonido: Ignacio Viano Música original: Daniel Melingo Producción ejecutiva: Christoph Behl y Pablo Robert Una producción de Subterránea Films Ficha artística “Los hijos se han dormido” (Versión de “La gaviota" de A. Chejov) Director y autor: Daniel Veronese Asistente de dirección: Felicitas Luna Niña del afiche: Juana Veronese Perroud: Esteban Perroud Ángel de la gira: Victoire Berger-Perrin Stage manager en gira: Remi Rose Actores y actrices de la obra: María Figueras, María Onetto, Lautaro Delgado Tymruk, Javier Rodríguez Cano, Pablo Finamore, Marta Lubos, Ana Garibaldi, Claudio Da Passano, Ernesto Claudio, Osmar Nuñez "Treplev rompe con las estructuras del teatro y del cine -aplausos y silencios indefinidos para reflexionar- e ilumina la misteriosa trastienda que como espectadores, nos ubica en un un lugar de espías. Una grata y recomendable sorpresa"
INJUSTICIA LABORAL "El mensaje universal y antagónico, es lo que funciona en este extraordinario film del Director británico Ken Loach (I, Daniel Blake (2016) Palma de Oro, Cannes). En una suerte de mitigar la injusticia social, dejando en claro quien está de un lado y quien del otro." Sorry We Missed You, 2019 sigue a Ricky y su familia que han luchado por salir adelante económicamente desde la crisis del 2008. Un día se presenta una nueva oportunidad, ofreciendo a Ricky la posibilidad de tener un trabajo independiente. Sin embargo, esa independencia tan ansiada podría ser precarización laboral disfrazada. "No trabajas para nosotros, trabajas con nosotros" es la frase que no podrá sacar de su cabeza. Ken Loach se destaca en la Dirección, enfatizando con cada plano y movimientos de cámara y de esta manera, su puntilloso estilo estilo. Dejando en claro su inquietud y compromiso hacia la problemática social. Por otro lado, cuenta con un extraordinario e impredecible guion, a cargo de Paul Laverty quien acierta al ezbozar el contraste entre el protagonista y su antagonista. Su ritmo es el atinado, manteniendo al espectador activo y consiguiendo su inmediata empatía durante todo el filme. Respetando de esta manera, la trama dramática en tres actos. Aunque sin lugar a dudas, lo extraordinario, es la puesta en escena, paleta de colores y la utilería. Destacando los contrastes entre los respectivos trabajos del matrimonio, para comprender sus universos. La música cobra un papel relevante, construyéndose en un gran trabajo de casting. Si bien, las interpretaciones son excelentes, los protagonistas Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone y Katie Proctor son las mejores, lo que queda claro al interactuar con todo el elenco. "Sensacional y recomendable film para ver/vernos como espejo, en la tan popular "burbuja" en la que estamos atrapados. Gran chance para una profunda reflexión con respecto a lo que proyectamos en nuestros hijos"
Ficticio desafío "Sobrestimado cocodrilo en Amenaza en lo profundo, 2020 reúne a un grupo de bonitos amigos para ponerse al día con sus confidencias. Sin embargo y estimulados en mayor medida por la música y una excelente dirección, mantendrá entretenido al espectador fanático del género." Abyss, 2020, Eric (Luke Mitchell) y Jennifer (Jessica McNamee) son una pareja de aventureros que convencen a sus amigos, Yolanda (AmaliGolden) y Viktor (Benjamin Hoetjes), para que les acompañen a explorar las cuevas de un bosque al norte de Australia. Mientras una tormenta tropical se acerca, los jóvenes hacen rappel en la boca de la cueva intentando ponerse a salvo. Pero, de pronto, las cuevas comienzan a inundarse y las tensiones aumentan a medida que el oxígeno se reduce y ellos se encuentran cada vez más desorientados. Sin embargo, todo se complica aún más cuando una manada de hambrientos cocodrilos se siente atraídos hacia ellos. A medida que los peligros aumentan, comienzan a salir a la luz múltiples secretos que provocan un gran enfrentamiento entre ellos en mitad de la lucha por la supervivencia. Andrew Traucki, exhibe su estilo, e implementa en el momento oportuno, el uso de los jump scares, logrando una herramienta muy eficaz. Los directores más hábiles los usan para incrementar la tensión y la intensidad de la película generando en la atmósfera la sensación atinada entre el espectador y el relato. Abundan los grandilocuentes planos aéreos, los primeros planos que enfatizan la figura de los protagonistas y los movimientos de cámara, para generar tensión, suspenso y terror. Con respecto al guion, si bien es predecible, respeta los tres actos y suma de manera constante, situaciones y contenido dramático, que aunque parezcan ridículas, aquí funcionan y atrapan al público. Tanto en montaje, como en puesta en escena, música, efectos especiales producción, y casting, el realizador, realiza una excelente ejecución. "Amenaza en lo profundo, resulta una excusa, para que un grupo de carilindos amigos, relaten sus confidencias a lo largo de todo el film, en un ataque por un subestimado cocodrilo. Sin embargo, mantendrá entretenido a cierto espectador fanático del género."
ANDAMIO DEL SÉPTIMO ARTE "Utópico y recomendado filme, sobre todo para estudiantes de cine interesados en el origen del detrás de escena y sus secretos. Emocionante entrega y ejemplo sobre el Cine dentro del cine" Mes provinciales, 2018 Étienne se muda a París para estudiar cine en la universidad. Allí conoce a Mathias y a Jean-Noël, que comparten su misma pasión. Sin embargo, a lo largo del año, sus aspiraciones se verán truncadas, ya que deberá atravesar pruebas de amistad, amorosas y artísticas. Jean-Paul Civeyrac se destaca en realzar los claroscuros y el byn de sus protagonistas, trazando su estilo en un magnífico trabajo, valiéndose de sutiles planos y movimientos de cámara. Con respecto al guion, se sostiene gracias a sus elocuentes diálogos. Si bien es de ritmo lento y extenso para cierto tipo de espectador, bien podría afirmar que es una extraordinaria lección para otro avezado público. El Director y Guionista no deja pasar detalle alguno, consiguiendo empatía de manera inmediata. Por otra parte se destaca una inmejorable puesta en escena. El trabajo de utilería es extraordinario. Y por último, las interpretaciones, la permanente interacción de sus protagonistas entre sí y con todo el reparto es inmejorable, destacando a Andranic Manet y Diane Rouxel. " En conclusión, considero que es una excelente e imperdible película, con un impredecible guion y con la oportunidad de bucear en el mágico universo cinematográfico"
Divertidos perritos "Para aprovechar junto a los más pequeños, en estas vacaciones, la cinta de los cachorros más esperados. Y siempre que se traten de pelis infantiles, hay que tener muy presente, el público hacia al cual está dirigida, para aprovechar en familia y a los adultos nos compete la no crítica, pues ellos no pretenden lo predecible, al contrario. La fantasía y el mundo mágico nos esperan a todos." Algunas salas: Cinema Devoto Cinema Adrogué Boulevard Shopping Multiplex Palmas del Pilar imax cinépolis Showcase Cinemas IMAX, Belgrano, Haedo, Quilmes, Córdoba (Villa Cabrera y Villa Allende) y Rosario Paw Patrol: Mighty Pups, 2021. Un mediometraje dirigido por Charles E. Bastien, inspirado y también llamado spin-off de la exitosa serie televisiva Paw Patrol. En esta ocasión, Humdinger quiere ser el primer alcalde en pisar la luna. Para llevar a cabo su plan, construirá junto a su sobrino Harold (Chance Hurstfield) un cohete que viaje hasta el satélite. Pero como era de esperar, algo saldrá mal, el artefacto saldrá volando hacia el espacio y terminará desviando la ruta de un meteoro, que ahora chocará contra la tierra. Los cachorros más adorados de la TV: Chase, Marshall, Rocky, Rubble, Zuma, Skye y Everest se convertiran en superhéroes con poderes súper especiales, demostrando que están siempre listos a la hora de cumplir una nueva misión junto a su líder, el niño Ryder (Jaxon Mercey). La patrulla está preparada para una nueva aventura, donde deberán hacer uso de sus nuevos poderes para convertirse en los héroes de Bahía Aventura. La música es entretenida, pegadiza y la historia simple. La trama funciona, tiene los condimentos para mantener intrigados a los niños y divertir a ciertos adultos. Lo admirable de estas series de animación es justamente eso, el trabajo de animación tan bien logrado y que capta la naturaleza de estos animales. Es obvio que dejan abierta la puerta a una secuela y promocionan a los Migthy pups. Muchas películas comerciales y taquilleras para adultos tienen la misma finalidad. ¿Porqué no se puede realizar lo mismo para el público infantil?
ESPEJOS "Interesante alegoría en tiempos de observación interna. Encantador y fuerte filme serbio. Basado en hechos reales. Relatado desde una perspectiva soberbia y excepcional crítica hacia la sociedad" Šavovi (Stitches), 2019 Es la historia de Ana, una mujer que después de dieciocho años de haber dado a luz a su hijo, sigue buscando respuestas sobre su paradero tras la sospecha de que a ella -como a otras mujeres serbias- le robaron sus bebés recién nacidos para entregarlos en adopción ilegal. Basada en hechos reales, el film muestra la lucha de una madre desesperada quién deberá emprender un largo y duro camino en busca de la verdad. Miroslav Terzic brilla con cada plano y sutiles movimientos de cámara, realzando la figura de la protagonista y trazando su meticuloso estilo. Luces y oscuridades a medida que avanza el film. El guion, a cargo de Elma Tataragic, es el fuerte de la película. Cada personaje está construido de una manera inmejorable. La trama dramática resuelta en tres actos y la voz del autor se presenta en cada escena. Brindando en su profundidad, pistas, generando cierta incertidumbre en el espectador y consiguiendo su inmediata empatía, en una atmósfera intrigante. Con respecto al majestuoso Diseño de Arte, cada recurso está muy bien aprovechado, contrastes y paleta de colores en sus locaciones interiores y en exteriores. La utilería y fotografía de la mano de Damjan Radovanovic son impecables. Por otra parte, es importante mencionar, la dramática música de Aleksandra Kovac, quien sigue de manera apasionada la armonía del filme. Además, las inmejorables interpretaciones, destacándose la de la protagonista Snezana Bogdanovic, con un elenco que acompaña, en una gran labor de casting. "Se agradecen películas como estas, que se pueden tomar como lecciones de guion y por otro lado, representan y expresan el rol de la lucha de las mujeres en la sociedad. Interna y externamente, un conflicto actual y vetusto. Recomendable para reflexionar e imperdible mirar en pantalla grande."
PELÍCULAS MENTALES "Extraordinaria manera de relatar el deterioro de una enfermedad, en paralelo a su tormento. Respuestas atrasadas para el paciente y para los que lo asisten. El cómo se enfrentan y transforman en enemigos, funcionando como espejo de sus luces y de sus oscuridades, quebrantando el amor, quizás con la intención de mitigar ese irremediable dolor. Con un mensaje universal, recomiendo este film para reflexionar y meditar" The Father, 2020. Anthony Anthony Hopkins (The Silence of the Lambs, 1991), un hombre de 80 años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de las cuidadoras que su hija Anne, Olivia Colman (Serie THE CROWN Desde 2016), contrata para que le ayuden en casa. Está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. Anne sufre la paulatina pérdida de su padre a medida que la mente de éste se deteriora, pero también se aferra al derecho a vivir su propia vida. The Father es una adaptación de Le Père (El Padre), una obra teatral del propio Florian Zeller estrenada en 2012. Con respecto a la dirección, la película es un éxito. Las lentas tomas de seguimiento en el pasillo del apartamento, que se expande y transforma, según las circunstancias. En la sala de espera de un médico o en el ala de una residencia de ancianos, las habitaciones cuyo mobiliario y luz cambian según la hora del día, o de su estado de conciencia, figura la prisión mental en la que el personaje de Anthony lucha y hace del escenario una parte central de la película. Con respecto al guion, el público se verá increpado de manera rápida y fluida, logrando su empatía. Quizás pueda hacer algo de ruido para cierto espectador, debido a sus ávidos cuestionamientos. Sin embargo, debo decir, que esta adaptación superó ampliamente mis expectativas como cinéfila. Los actos son prolijos, cada escena, cada frecuencia, con estilo sensible y fino, en donde está presente la voz del autor. La interacción entre los personajes es magnífica, quedando planteada la premisa e idea del film, con una insuperable construcción de personajes. No solo del protagonista y su antagonista. Sino que se destacan las interpretaciones de todo el elenco, dando cuenta de que se necesita talento y con pocos elementos es posible realizar un gran filme. Con escenas tan duras como reales, y con un elemento simbólico perteneciente a cada uno de sus protagonistas. Funcionando como nexo entre ellos y como vínculo, brindando armonía a la continuidad de la trama dramática. Qué decir del recurso tan atinado, como la fina música de Ludovico Einaudi acompañando a Anthony en sus momentos a solas, de disfrute y de remembranza. Un montaje y una edición admirables y cuidadosos. Otro recurso, espléndidamente empleado, es la maravillosa puesta en escena. Dirección de Arte, sus contrastes para cada personaje, situación, locaciones en interiores y exteriores, en donde existe el oxígeno, un respirar fresco y abierto. Un extraordinario trabajo, loable de admiración. Paletas de color pastel, blanco o celestes como pistas, y elementos como cuadros, y utilería, si son observados con atención, con el transcurrir del film, comprenderemos el porqué y el cómo de la disposición de los mismos, realmente de muy buen gusto e inteligencia. Se puede decir mucho más, no obstante lo cual, le dejo al espectador que viva esta experiencia y considero injusto spoilear, siempre, aún más con esta semejante obra maestra. Que sobra aclarar, la recomiendo como una de las mejores películas que vi en toda mi vida. De las tablas al cine, Florian Zeller Director, co Guionista junto a Christopher Hampton. En una adaptación de su propia obra, ha pasado con la misma simulada destreza que acompañó su debut como Dramaturgo, haciendo de cada una de sus obras un éxito muy importante. Adaptado de uno de ellos, Le Père , y rodado en inglés, su primera película como Director se estrenó en Francia con dos premios Oscar, uno por su guion coescrito con el traductor de sus obras de teatro, Christopher Hampton, el otro por la interpretación. Actuación del brillante Anthony Hopkins. De palabras de Florian Zeller, quien claramente ha sabido utilizar todas las herramientas del cine, demostrando tener un gran dominio formal. “Mi intención no era hacer cine”, enfatiza. "Fue al contrario intentar hacer lo que solo el cine permite." "Ante la negativa de enfrentar al mundo tal cual es, toda enfermedad es un enorme aprendizaje, que, te colma de desesperanza, odio, irritación, impotencia y rabia. En su recorrido hacia la sanación, tanto la persona que la padece, como su oponente, nos enseñarán como el mundo se convirtió en un lugar hostil para siempre. Transformándose en un mundo salvaje, sin importar que tan fuerte seas, para enfrentarla. Porque la vida, seguirá golpeando duro y solo uno mismo es el responsable de lo que atrae, nadie más es culpable. Solo queda un halo de esperanza o consuelo. Repetir como un mantra, que se encuentran en el lugar perfecto y están a salvo en todo momento, es incomprensible, tan solo una cuestión de fe. Entre tanta batalla y agotamiento, estas grandes lecciones, de las cuales, todos debemos estar perceptivos a aprender y salir de la zona de confort mental y aprovechar que no existen padecimientos similares, solo te los tienen que contar sus protagonistas y este es el caso"
Crisis Existencial "Druk inicia con una secuencia que regenera, de forma enérgica, una tradición danesa que lleva a grupos de adolescentes hacia una laguna para participar en una recorrida, aunque en realidad el reto se aleja de toda atmósfera deportiva. El que triunfa es el que toma una caja de cerveza antes de completar el recorrido. El festejo continúa por toda la localidad, con los jóvenes alcoholizados y sueltos." Druk, 2020. Cuatro profesores de instituto se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel, durante su vida diaria, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Dogma 95 (Dogme'95, en danés, y conocido en español simplemente como Dogma), fue un movimiento fílmico vanguardista, iniciado en 1995 por los directores daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg, quienes crearon el Manifiesto del Dogma 95 y el Voto de Castidad. El movimiento fue una propuesta enraizada en Europa y en el autodenominado «complejo danés» que surgió con la idea de plantear algo similar al retorno de la Nouvelle Vague. Las reglas que establecieron servían para hacer un cine inspirado en los valores tradicionales de historia, actuación y tema, y que excluía el uso de elaborados efectos especiales o tecnología. Más tarde, se unieron Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen, también daneses, y se formó el Colectivo Dogma 95, también llamado Hermanos Dogma. Dogville es una excelente ejemplo, película de 2003 dirigida por Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman. Otra película para destacar de Lars von Trier es Breaking the Waves. Jagten (traducida en Hispanoamérica como La cacería y en España como La caza) es una película danesa de 2012 dirigida por Thomas Vinterberg y protagonizada por el mismo Mads Mikkelsen. Se exhibió por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2012. Ganó 16 premios y tuvo más de 20 nominaciones. Todas Por supuesto muy recomendables, aunque no se encuentren entre las más populares.