La película estrenada en el 2012, Magic Mike, fue una grata sorpresa para no solo la platea femenina. El film tuvo un presupuesto acotado en comparación con las grandes potencias de Hollywood y más teniendo en cuenta quién estaba en la dirección: Steven Soderbergh. El film protagonizado por Matthew McConaughey y el ascendente Channing Tatum, contenía humor, baile, sin abusar del recurso teatral de mostrar las coreografías enteras, y podía mechar, sin quedar fuera de lugar, escenas dramáticas. La historia de Mike encajaba a la perfección en el film y la mayoría de los espectadores quedaron sorprendidos por el resultado final. Fue divertido y un poco más. Con mayor presupuesto y Soderbergh alejado de la dirección pero con un puestito de productor ejecutivo, llega la segunda parte. La secuela está dirigida por Gregory Jacobs, el habitual asistente de dirección del director de Traffic (2000) y responsable de Criminal, la remake de Nueve Reinas. Pensada como una manera de expandir el universo de estos “animadores masculinos” y relatar el karma de aquellos que deciden elegir la vida de stripers, la cinta no es buena pero tampoco defrauda. Entretiene y eso no es sinónimo de algo malo. Magic-Mike-XXL-Locoxelcine Mike Lane (Channing Tatum), el ahora dueño de una empresa de diseño y reparación de muebles, se lo puede ver desde el primer plano de la película un tanto reflexivo y amargado pero con una vida lejos de las preocupaciones económicas que lo perseguían en la primera entrega. Esta calma es interrumpida por la vuelta de sus amigotes (Matt Bomer, Joe Manganiello, Kevin Nash y Adam Rodriguez) que, con la excusa de que Dallas (Matthew McConaughey) había muerto, lo engañan y lo arrastran a una de esas fiestotas americanas llenas de alcohol, cuerpos esculturales y una gran piscina, para hacerle una proposición. Hay que reconocer que hay varios aciertos: no tantos shows, momentos más intimistas y, sobretodo, la inclusión Andie MacDowell, Donald Glover, Amber Heard, Elizabeth Banks y Jada Pinkett Smith, que interpretan a personajes que aparecen en el camino de este grupo de stripers hacia su show de despedida y terminan colaborando con la causa. El film tiene fragmentos de road-movie, una carretera llena de percances muy divertidos y oportunos. Promediando la cinta, luego de su paso por una mansión destinada al placer femenino, una especie de Netflix pero de stripers, la meta de los protagonistas adquiere importancia y las escenas empiezan a cobrar sentido. En la segunda mitad, la película es todo más concreto y esperable, pero no por eso malo. Como se dijo antes, lo entretenido está bien y es lo que logra, con escenas de baile y canto más ostentosas, que dejan en evidencia el incremento en el presupuesto, pero también con el desarrollo de los personajes que no se pudo disfrutar en la primera entrega porque la trama ocupaba mayor espacio. Joe Manganiello y Matt Bomer se lucen en sus momentos, muy divertidos ellos y bastantes simpáticos hasta para la platea masculina. En resumen, carece de una trama sólida, pero no decepciona. Entretiene, te hace mover los pies en reiteradas ocaciones y te saca varias sonrisas. Esta vez, solo es divertida a secas.
“Abarajame la bañera, nena” puede que sea algo que pase por tu cabeza al ver esta película. No porque haya referencias a la banda integrada por Dante Spinetta y Emmanuel Hourviller, sino porque uno de los protagonistas, como muchos deben saber y otros no, se llama Ilya Kuryakin, de ahí surge parte del nombre de la banda de funk argentina, Illya Kuryaki and The Valderramas. Terminemos con la pavada. Inspirada en la serie homónima de los 60, El Agente de C.I.P.O.L. (The Man From U.N.C.L.E.), film dirigido (luego de pasar por 5 directores que entraban y salían del proyecto) por Guy Ritchie, refleja de buena manera el espíritu de la exitosa serie que finalizó en 1968 y que estuvo al aire por la cadena NBC durante cuatro años. La serie contaba la historia de dos agentes de la agencia internacional U.N.C.L.E. (United Network Command for Law and Enforcement), por estos pagos se conoció como C.I.P.O.L. (Comisión Internacional Para la Observancia de la Ley), que debían unir fuerzas para enfrentar a la organización enemiga, T.H.R.U.S.H. Esta película marca la vuelta al cine de Ritchie luego de la segunda entrega de Sherlock Holmes, con un estilo que evidencia un pequeño cambio en la forma de narrar del director de Snatch. Posee fragmentos donde se acerca hacia un nuevo modo de interpretar el cine. El cambio tal vez puede darse por las presiones de entregar un productor redituable comercialmente. De todos modos la calidad está. Con la inclusión de elementos de otros géneros, como la escena del reloj muy a lo spaghetti western, o gags extensos propios de la comedia de enredos mezclados con la estética sesentosa, el film se convierte en disfrutable y simpático para mirar en pantalla grande. Hay que resaltar que el metraje se vuelve pesado e invade el tono solemne en dos momentos. Raro de Ritchie que siempre supo impregnar agilidad a sus obras. henry-cavill-armie-hammer-man-from-uncle Aplausos para Henry Cavill. El actor que interpreta a Napoleon Solo demuestra que no es duro como el acero -como demostró en The Man Of Steel-, sino que puedo encarnar a un seductor, creído, soberbio y, sobretodo, divertido agente que hará cambiar de opinión a sus duros detractores. Armie Hammer, en el papel de Ilya Kuryakin, si bien se luce más en las escenas que comparte con Cavill, en soledad le cuesta la interpretación de un resentido agente que va en busca de la redención de una vida pesada y cargada de infortunios desde muy temprana edad. También es un desperdicio el amorío con el personaje de Alicia Vikander, Gaby. No se siente la química entre ellos. Una elección acertada hubiese sido que Solo tenga un romance con la protagonista femenina. Vikander te deja sin palabras y no solo por su hermosura. Por momentos sobreactúa, sí, pero cumple en el papel de hija de un científico nazi que pasó a trabajar para los Estados Unidos pero acaba de desaparecer con los secretos para armar una bomba nuclear. La escena del hotel donde se emborracha y se crea un clima juguetón con el personaje de Hammer, es la mejor participación en la cinta. Divierte, seduce, pelea y queda inmersa en un sueño profundo, como para llevársela a la mesita de luz. Hugh Grant, correctísimo y atractivo como siempre. D3S_2026.DNG Entre los defectos, hay que destacar su mejor fragmento. ¿Cómo es eso? La ubicación de la mejor secuencia del film se encuentra al comienzo, donde Solo va en busca de Gaby y trata de evitar que se la lleve un agente de la KGB, Ilya Kuryakin. Encuentros, desencuentros y persecuciones en la noche berlinesa. De lo mejor de la película. El problema es que marca una pauta que después no se sostiene. La intensidad de la escena no se refleja a lo largo del film. Locaciones, fotografía, ambientación y vestuario, los puntos más altos. Un buen año para las películas de espías, sin lugar a dudas. Hace menos de un mes, la frescura de la franquicia Misión: Imposible irrumpía en los cines para entrar en lo mejor del 2015. En enero, lo mismo sucedió con Kingsman: Agente Secreto (Kingsman: The Secret Service). Con respecto a esta, en la serie de El Agente de C.I.P.O.L., los integrantes de esta organización ingresaban al cuartel central, ubicado en la ciudad de Nueva York, por un pasaje secreto ubicado en la sastrería Del Floria, del mismo modo que lo hacían los agentes en Kingsman. Spy, protagonizada por Melisa Mccarthy y Jason Statham, también paso por las salas de cine y en dos meses hará lo propio 007: Spectre, el broche de oro para cerrar un año lleno de agentes secretos.
No valorado, menospreciado y subestimado una y mil veces por la industria y la crítica especializada. Ese es el karma de Tom Cruise a lo largo de los años. y en estos días será un nuevo tema de conversación entre los cinéfilos que por un lado hablaran maravillas de sus interpretaciones y por otro, sus eternos detractores, dirán que está oxidado pese a los resultados en pantalla. Luego de disfrutar la quinta entrega de Misión: Imposible es inevitable evaluar los riesgos que toma el actor en el plató para darle vida al agente de la Fuerza Misión Imposible. Con 53 años y una figura envidiable, Tom Cruise le pone el pecho al personaje y no duda en hacerle frente a las escenas de riesgo. Se cuelga de un avión, se sumerge durante prolongados lapsos de tiempo, da clase de manejo y acrobacia arriba de una motocicleta y pelea como pocos en la pantalla grande. ¿Dobles de riesgo? Nada de eso. Antes de empezar con el repaso del film que se estrena en Argentina con 200 copias, vale aclarar que ninguna de las entregas de la franquicia es una obra maestra del séptimo arte, ni siquiera la de Brian De Palma, pero la adaptación cinematográfica de la serie de los 60 representa de lo mejor del cine de género de espías y sin fecha de vencimiento. Grandes directores han pasado por cada una de las cintas y este no es el caso contrario. Es más, en el continuo relevamiento de director radica la frescura de las cinco entregas. MisionImposible_Locoxelcine En esta oportunidad la silla la ocupa Christopher McQuarrie, responsable de Al calor de la armas (2000), con Benicio del Toro y Juliette Lewis. El director oriundo de Princeton, New Jersey, también fue guionista de Los sospechosos de siempre, Operación Valkiria y Al filo del mañana. En las últimas dos mencionadas, trabajó con Cruise pero Jack Reacher fue el primer encuentro de ellos como director y actor. La fórmula resultó y dejó una gran película de acción también protagonizada por Tom. Insisto, el tipo es inoxidable para este tipo de papeles. Misión Imposible: Nación secreta es “una de espías”, lo que se va a buscar al cine cuando se habla de traiciones, agentes, contragentes, espionaje y el uso de nuevas tecnologías para la resolución del caso. En ese sentido, siempre estuvo a la vanguardia. Además, esta quinta parte de la saga toma los mejores elementos de las entregas de De Palma y John Woo para brindar uno de los más grandes tributos que se le hicieron al cine de James Bond. Sí, Misión Imposible y el agente 007 están ligados por muchísimos puntos. A favor y en contra de cada una de las franquicias, hay muchos lugares comunes donde uno está claramente influenciado por el otro pero en diferentes etapas. Bourne sería el más fresco entre los agentes de élite que llenan salas con el género. Estrenos-DVD-Misión-imposible-Nación-Secreta-escena ¿Qué cuenta Nación Secreta? El IMF, el grupo al que Ethan Hunt lidera (y que componen Renner, Ving Rhames y Simon Pegg) es cerrado por la CIA debido a los métodos poco ortodoxos que emplean para resolver sus misiones. Un “Sindicato” fantasma parece estar amenazando el mundo con diferentes actos de terrorismo que en apariencia parecen aislados y Ethan se ve involucrado cuando se acerca hacia la verdad. Ya con el grupo desmantelado, Hunt queda a la deriva y sin ningún tipo de apoyo. Pero su carácter y sentido del deber siempre son más fuertes en este tipo de personajes y el descubrir quienes se infiltraron en su programa matando a una chica inocente y dejándolo en una situación límite, se vuelve su prioridad absoluta. Ilsa Faust (Rebecca Ferguson) se convierte en una inesperada aliada ya que lo ayuda a escaparse de la muerte a manos de sus captores. Pero ¿quién es esta mujer? Las entradas y salidas de esta actriz aportan al film ese toque de distinción que recuerda a las femme fatale de otro tiempo. Esa mezcla de rudeza y seducción que tanto alegra a la platea masculina. A lo largo del film, la relación de confianza/desconfianza entre Ethan e Ilsa son el motor que empuja esta historia de intrigas y secretos de estado. El malo, interpretado por Sean Harris, es el líder del Sindicato, Solomon Lane. Si bien es uno de los puntos más flacos de la trama, su tono de voz y su manera de expresarse le da una aura de misterio que genera cierta empatía en el espectador, de esos malos que son queribles, pero no mucho más. En esta ocasión, el villano no tuvo el peso que si se disfrutó en las precuelas. Grata sorpresa el estreno de Nación Secreta, una película que no defrauda si lo que buscas es acción, femme fatale, intriga, agentes secretos, contraespionaje y otros elementos propios del género. Un reparto que no se renueva (gracias a todos los dioses) y que sostiene el éxito de esta franquicia: Tom Cruise atlético y comprometido corporalmente, la confirmación de Jeremy Renner (que también protagonizó la última entrega de la saga de Bourne) como parte del equipo, el humor de Simon Pegg y, hay que reconocerlo, un apagado Ving Rhames, un elemento infaltable si se habla de Hunt y su equipo de trabajo. De lo mejor del género en 2015, que aun lidera, sin lugar a dudas, la nueva de Mad Max de George Miller y, unos escalones más abajo, la hilarante Kingsman: Servicio Secreto dirigida por Matthew Vaughn que se pudo disfrutar a principio de este año. ¿Quedará algún sorpresa más en lo que resta del año?
Esta película es una declaración de amor hacia los inicios, cuando Goku era un jovencito, donde todo era nuevo y divertido, la comida y las aventuras eran lo más disfrutable y nada, pero nada, podía salir mal. Debe haber sido nostalgia el motor de esta producción o, como se mencionó antes, amor incondicional hacia la historia y hacia los fans de todas las edades, especialmente para los más grandes, para los nostálgicos dispuestos al lagrimón. Akira Toriyama retoma su obra maestra en vísperas de la nueva serie, Dragon Ball Súper, y continúa con la historia que inicio en “La batalla de los Dioses”, esa que dejó mucho que desear como largometraje. “La resurrección de Freezer”, dirigida por Tadayoshi Yamamuro y distribuida por 20 Century Fox, es la decimonovena película de la franquicia y la decimoquinta desde que Gokú es adulto. Al finalizar la proyección, la sensación no es diferente a la que deja su precuela: una historia larga, donde las peleas se hacen demasiado extensas, no por eso aburridas, y sin puntos de tensión como nos tiene acostumbrados los grandes enfrentamientos de los guerreros z contra los más malvados demonios y androides que supo enfrentar en la serie. Pero el tirano Freezer volvió. Su paso no tuvo ni ton ni son, lejos de ser el amenazante enemigo de la primera saga, este provocó más risas que temores. Pero hay que ser justos, es muy difícil concentrar una buena historia de Dragon Ball en 93 minutos de película, sobre todo cuando existen más de 150 episodios de anime para contar un conflicto como el del film. maxresdefault Los esbirros de Freezer, lejos de ser la potencia universal que solían ser, siguieron luchando en otros planetas. Al enterarse de la muerte de su jefe, no dudaron en poner manos a la obra para buscar a los residentes de Namekusei, mejorar la tecnología regenerativa y juntar las esferas del dragón para revivir a su líder. Luego de realizar largos viajes con un ejército menguante, Sorbet, sin más opciones, le queda viajar a la tierra aterrorizado por el poderoso guerrero que derrotó al tirano hijo de King Cold. Una vez allí, se encuentran con unos viejos “jóvenes” conocidos: Pilaf, Shu y Mai (la ahora nuera de Bulma), que siguen en su afán de juntar las siete esferas del dragón. Los Guerreros Z, con la notoria ausencia de Yamcha, Chaoz y los pequeños Goten y Trunks, llevaban sus tranquilas vidas sin sospechar el peligro que se acercaba. Por otro lado, Gokú y Vegeta estaban entrenando como siempre, pero ésta vez a las órdenes del glotón Wiss y a espaldas del enfadadizo Bills que disfruta de una plácida y larga siesta. En este contexto, Freezer reaparece con un as bajo la manga y con un deseo de venganza que fue incrementando en el infierno de la tierra. La película está llena de chistes, emoción y grandes batallas. En cuanto a los personajes que le hacen frente a la invasión alienígena: Krilin, Ten Shin Han, el maestro Roshi, Gohan y Piccolo, se los nota más débiles pero con un mayor protagonismo que otras historias. Estos ya no están al borde de la muerte y tiene que ser rescatados por Gokú, sino que todo lo contrario, de lo mejor del film son las batallas de estos cinco más la aparición de Jaco, miembro de la patrulla galáctica. Dentro de estos cambios, también hay una notoria actitud por parte Gokú y Vegeta, diferente a lo que nos tienen acostumbrados. Pero esto es preferible no describirlo y que usted, señor lector, saque sus propias apreciaciones. ¿Quién es Jaco, el Patrullero Galáctico? el personaje surge de la serie homónima creada por Akira Toriyama que conecta con Dragon Ball. El 13 de Julio de 2013 fue estrenada en la revista japonesa Weekly Shonen Jump número 33 y cuenta la historia de una especie de policía intergaláctico, al estilo Nova Corps de Marvel o Linterna Verde de Dc, que queda varado en la Tierra pero no por casualidad, su misión era detener a un saiyajin del planeta Vegeta. Tight, la hermana mayor de Bulma, es otra de las protagonistas de la serie. De esta manera, une franquicias, y por qué no, una prueba para incluir a este nuevo y carismático personaje para la serie que se estrena el mes que viene: Dragon Ball Súper. 1280x720-0oS Guste o no, esta nueva película de Dragon Ball Z no aporta nada nuevo y es más de lo mismo en términos generales. Una fina mezcla entre batallas y humor, y como se mencionó al principio, un marcado esfuerzo por volver a las carcajadas que provocaba la obra de Akira Toriyama en sus inicios, sobre todo en el carácter del villano. Pero definitivamente, las artes marciales y el ki, enriquecidos visualmente por las nuevas tecnologías, una mixtura entre imágenes 2d y 3d, son de los mejor de la película. Sobre todo la de los guerreros z contra el ejercito de Freezer y la de Goku y Vegeta contra el, ahora dorado, hermano de Cooler. Las transformaciones (uno de los puntos más criticados a priori) parecen más una parodia de sí mismos que algo pensado y justificado. Dos cambios en muy corto plazo, para colmo ascienden a los principales héroes al nivel de dioses, y dejan muy poco margen para que un enemigo los ponga realmente en peligro, sobre todo porque el Dios de la Destrucción, Bills, tampoco parece tener serias intenciones de rivalizar. Porque la identificación auditiva es necesaria, los actores de doblaje son los de siempre: Mario Castañeda gritando el kame hame ha, no tiene precio. Las voces que tanto conocemos y caracterizan a los personajes están de vuelta salvo la del Maestro Roshi, quién posee un destacada participación en las batallas. Una pena. Review-de-Dragon-Ball-Z-La-Resurreccion-de-F3.jpg ¿Qué se espera para el futuro? Muchas son las pistas que se pueden extraer en las últimas películas, y también son muchos quienes sueñan que en la nueva temporada animada de Dragon Ball Z, Gokú se enfrente a otros dioses y se convierta en alumno definitivo de Wills, caso que haga enojar por completo a Bills y se convierta en el enemigo definitivo. En conclusión, La resurrección de Freezer es recomendable para cine, sin ser una obra maestra, los fans deben pagar la entrada para pasar un momento para el recuerdo por el despliegue de los personajes, por las nuevas pequeñas novedades y, sobre todo, las risas, efectivas como hace más de dos décadas. Además, sirve para aplacar la ansiedad por el inminente comienzo de la serie, que está a menos de 15 de su estreno en Japón por la cadena Fuji Tv.
Por fin los fans de Naruto podrán disfrutar de una película en la pantalla grande. Y vaya que será bueno el debut de Uzumaki Naruto en el cine Argentino, ya que la película es, por lejos, el mejor film de la serie creada por Masashi Kishimoto. Pero aquellos que nunca han visto nada ni leído ninguno de los mangas del joven huérfano y aspirante a ninja de la Aldea Oculta de La Hoja, esta es una oportunidad para conocerlo y disfrutar de su comicidad y valentía. Naruto, junto a One Piece, es una de las series que nació para ocupar el lugar que había dejado vacante Dragon Ball. No solo por la similitud de elementos, sino por la fama que ha ganado en los últimos años a nivel mundial. Cabe destacar que Kishimoto es fan confeso de la serie de Akira Toriyama y a lo largo de la historia, muchos han sido los homenajes a Goku y sus amigos. Naruto, La Película, es el décimo largometraje de la franquicia y el séptimo de la saga Naruto Shippuden. Esta película fue estrenada en los cines japoneses el 6 de diciembre de 2014 bajo el nombre de The Last: Naruto The Movie y es la primera que se proyecta en Argentina en los 15 años de existencia de este anime. Entre los muchos atributos para ser recomendada a sus fans se destaca el cierre de historias que habían quedado inconclusas al finalizar el manga el pasado mes de noviembre. Además fue realizada como un homenaje por el decimoquinto aniversario de la serie, razón por la cuál se duplicó la apuesta y se realizó este film tan ambicioso. Para los seguidores del género anime, es una buena oportunidad para apoyar su difusión ya que en los cines argentinos este tipo de películas no abundan y hay un gran número de seguidores. The-Last-Naruto-The-Movie La película está dirigida por Tsuneo Kobayashi y guionada por el propio Masashi Kishimoto, quién también lideró la renovación visual de los personajes y se encargó de la coordinación general del proyecto. Pierrot, famosa empresa que fue y es parte fundacional del anime en Japón, estuvo a cargo de la animación. Naruto, La Película, se convirtió en la más taquillera de la franquicia, solo en su país natal recaudó US$16.5 millones. El argumento se define en pocas líneas: dos años después de los acontecimientos de la Cuarta Guerra Mundial Shinobi y durante el Festival de Rinne, que tiene lugar en la aldea de Konoha, Hinata Hyuga espera a Naruto para darle un regalo personal como símbolo de su amor. Pero un nuevo mal amenaza la paz de los habitantes de la tierra: la luna, que Hagoromo ?tsutsuki creó para sellar el cuerpo de Kaguya ?tsutsuki, comienza a descender hacia la órbita terrestre e impactar con la misma. El enemigo de turno, Toneri ?tsutsuki, determinado a cumplir con el legado de su antecesor, es el causante de esta fenómeno y la humanidad corre riesgo de ser exterminada. Naruto, Hinata, Sakura, Sai y Shikamaru deberán correr en contra del reloj y volver a convertirse en lo héroes de La Aldea Oculta de la Hoja y de toda la Tierra, y detener esta amenaza que proviene del espacio exterior. La mejor película de todas las realizadas sobre este hiperactivo, impredecible y ruidoso joven llamado Naruto Uzumaki. Posee un marcado salto de calidad en comparación a los anteriores largometrajes. Se puede apreciar como ha mejorado la animación japonesa en los últimos 10 años con las nuevas técnicas que mezclan la animación 2D y 3D. En el prólogo del film, donde se realiza una especie de resumen sobre la mitología de este mundo basado en enseñanzas y preceptos de la cultura ninja, y en las escenas de batalla, es donde más se puede apreciar la calidad de la animación. No solo por el enfrentamiento marcial de los personajes, sino también por las grandes cantidades de descargas de energía corporal llamada Chakra. Un gran espectáculo para los ojos. Narrativamente tiene una extensión no habitual en las películas de anime del estilo Shonen -series con grandes dosis de acción, situaciones humorísticas y compañerismo entre protagonistas- y eso se nota promediando el film. Nobleza obliga, le sobran unos 20 minutos. Pero hay que destacar que la historia de amor de Naruto, que Kishimoto no supo explicar, acentuar y cerrar en 15 años de serie, lo hace de una manera cinematográficamente hermosa en esta película. Advertencia para los fans más acérrimos: lleven pañuelos descartables. Por otro lado, es preciso destacar que la película sucede entre el final de la Cuarta Guerra Mundial Shinobi y la última escena del manga donde se puede observar a Naruto como Hokage de la aldea y padre de dos hijos: Boruto y Himawari. Naruto_TheLast_Locoxelcine El enemigo a vencer en esta oportunidad es un tanto forzado desde su ideología y origen. Hasta en el final uno se pregunta si en verdad era necesario. Pero no hay que olvidar que es simplemente una excusa para poder ver a los shinobis de Konoha en acción y saber como han sido esos dos años de paz luego de la Cuarta Guerra Mundial Shinobi. En ese sentido, la película hacer recordar mucho a Dragon Ball: La batalla de los Dioses. Naruto, la serie de Masashi Kishimoto, debutó en la Shonen Jump -revista semanal de manga orientada al estilo Shonen- en noviembre de 1999 y está compuesta por 70 tomos compilatorios ya publicados y una longeva adaptación al anime que inició en octubre del 2002 en Japón y actualmente sigue en emisión con su segunda serie “Naruto: Shipp?den”. Suele haber un desfasaje entre el manga y el animé de la misma historia. Lo mismo sucedió con series como Dragon Ball y otras historias ya conocidas en Argentina: Supercampeones, Ranma 1/2, Pokemon, Digimon, etc, etc. Mirando hacia adelante, Masashi Kishimoto ha confirmado que estará involucrado como productor, supervisor ejecutivo, escritor y diseñador de personajes en la historia de la próxima generación de Naruto que involucra a sus hijos, Boruto y Himawari. La película, Boruto: Naruto The Movie, tiene fecha de estreno para el 7 de agosto en Japón y la web oficial del film está disponible desde diciembre. Además, en el mes de abril se estrenó el nuevo manga, que tiene como protagonista a Boruto y se llama Naruto Gaiden: Nanadaime Hokage to Akairo no Hanatsuzuki.
Las conflictivas historias de amor de tres parejas ubicadas en Nueva York, París y Roma están levemente conectadas en Amores Infieles , la última exhibición de narración múltiple, en este caso media enroscada, del director y guionista británico Paul Haggis (Crash). Con un excelente elenco, encabezado por Liam Neeson , Adrien Brody , Mila Kunis y James Franco, que intenta mantener la historia en un alto nivel de dramatismo pero solo lo logra de manera dispar. Aunque hay momentos de goce y gran nivel cinematográfico, solo son eso, momentos. La historia que más se destaca es la de un escritor llamado Michael (Neeson) que desde su suite en un hotel de París, intenta reescribir una novela. Un trabajo que es interrumpido por la llegada de su amante, la joven llamada Anna (Olivia Wilde). Distanciado de su esposa (Kim Basinger, correcta), y viviendo este apasionado y juguetón affaire, Michael convive con los vaivenes de inspiración, una vieja tragedia familiar y las manipulaciones de la joven, la cual decide someter al escritor a más de una situación que se irritante. Ambos actores desempeñan bien su papel y Haggis se reserva los mejores diálogos del film para esta pareja. Wilde protagoniza una hermosa escena, divertida, que hace sentir la atracción y química que existe entre ellos dos, cuando ella trata de seducir al escritor llegando al cuarto de este y ofrece devolverle la bata que se había llevado, Luego de que ella queda completamente desnuda, él le cierra la puerta en su cara y ella, como dios la trajo al mundo, debe cruzar los pasillos del hotel; en ese momento brilla la actriz plasmando el placer por la broma que él le jugó, de los momentos más divertidos de la película y que definen a los personajes a la perfección. tercera_persona_Enfilme_4l585_675_489 Como si fuese el cuento de la Cenicienta, el episodio de Roma comienza en un bar bastante añejo, donde Sean (Brody), un diseñador de ropa norteamericano que roba diseños de grandes marcas italianas, conoce a una hermosa gitana de origen rumano (la israelí Moran Atias) vestida como una bailarina de flamenco. Monika, además de una hermosa mujer, emana dignidad altiva y rechazo por todo lo que representa la imagen de Sean. Luego de un confuso hecho con el bolso de ella y el dinero en el interior de este, él se enreda en una historia que comienza como una comedia y finaliza como un drama. De lo más flojo del film. En la tercera historia, la de New York, Julia (Mila Kunis) mantiene una contienda legal con su ex pareja para intentar ver a su hijo. Ella fue acusada por su ex, un pintor reconocido (James Franco), de golpear al niño en el pasado y debido a ese hecho, pierde la tenencia. Una gran actuación de parte de Kunis, en la cual su personaje debe mantener a raya los demonios internos y conservar un trabajo estable, requisitos exigidos por su abogada (María Bello) para mejorar poder alcanzar el objetivo de recuperar a su hijo. Aunque en esta historia el papel de malvado le haya tocado a Franco, lejos de interpretar a un villano en toda su filmografía, una escena destacable es la que el pintor intenta conectar con su hijo, un jovencito disconforme con el presente que le toca vivir y donde el arte y la pintura no logra unir esos lazos forzados de padre-hijo. Esta historia es la más parecida a la atmósfera generada en Crash (2005), film que le valió a Haggis un Oscar a Mejor Película, Mejor guion y Mejor Edición. AmoresInfieles_Locoxelcine Conclusión: Neeson está bien elegido para el papel, un hombre tan lleno de luces y sombras que resulta interesante su historia con la hermosa aprendiz interpretada por Wilde. Ella en un alto nivel actoral pero desperdiciada. Kunis y su personaje le aportan a la historia una inyección de intensidad, el viejo concepto de cruda realidad y sostiene, sin esfuerzo, la clave de película ambigua, que conduce al bien y el mal todo el tiempo. Una película que depende de momentos, donde la construcción global no llega a concretar una gran obra y menos con un final forzado y anunciado.
Joss Whedon volvió a hacer de las suyas. Realizó una película sin precedentes. Una épica de superhéroes donde no se priva de nada. Avengers 2: Era de Ultrón superó a su predecesora. Pero esperen, para entender por completo la cinta, es necesario haber visto casi todas las obras cinematográficas de Marvel, sobre todo Avengers (2012) y Capitán América: El soldado de Invierno (2014), ya que sus líneas argumentales van de la mano con esta Avengers 2. Si la primera entrega parecía excelente por sus diversos condimentos: divertida, explosiva, narrativamente prolija y de grandes momentos humorísticos, esta secuela eleva su apuesta desde las primeras escenas. Este grupo no está en proceso de ensamble como en la entrega anterior, sino que es una formación consolidada a la cual se le presenta una nueva amenaza, y para colmo, inventada en casa. Con una duración de 141 minutos, Age Of Ultron no da un respiro, salvo promediando el film, pero inmediatamente vuelve al frenesí y el desenlace llega muy rápido por lo entretenido del contenido. La película tiene muchos más hallazgos que carencias y cierra la fase 2 del Universo Cinematográfico de Marvel en un gran nivel, al igual que la mayoría de los films de esta etapa. La trama es sencilla: luego de que el equipo completo encabezado por Tony Stark/Iron Man (Robert Downey Jr.) y compuesto por Steve Rogers/Capitán América (Chris Evans), Bruce Banner/Hulk (Mark Ruffalo), Thor (Chris Hemsworth), Natasha Romanoff/Black Widow (Scarlett Johansson), y Clint Burton/Hawkeye (Jeremy Renner) ataquen a la fortaleza del Baron Von Strucker (Thomas Kretschmann), estos deben enfrentarse por primera vez a los modificados: los mellizos Pietro (Aaron Taylor-Johnson) y Wanda (Elizabeth Olsen) Maximoff. Una vez que estos escapan, Iron Man decide hacerse de las investigaciones realizadas por Barón Struker con el cetro que había pertenecido a Loki y que poseía el cubo mágico. Todo estos elementos le sirvieron a Tony para reactivar un programa que funciona mediante Inteligencia Artificial, el cual serviría para mantener la paz en el mundo. Como resultado, nace Ultrón (con la voz de James Spader). Este sistema de protección, decide interpretar en modo libre lo impuesto por su creador y así llegar a la conclusión que la raza humana merece ser exterminada. Ahí es donde los héroes más poderosos de la tierra deben aunar fuerzas y volver a combatir una amenaza que los verá victorioso o derrotados, pero ¿unidos? Locoporelcine_EraDeUltron Entre las razones por la cual esta película sube un peldaño respecto de la anterior entrega, se pueden enumerar tres puntos importantes. Primero la expansión. Los nuevos personajes: Ultrón, Pietro, Wanda y La Visión (enorme elección la de Paul Bettany), son el claro ejemplo de como Marvel ya tiene planificado más historias basadas en el mismo universo y cada elemento que adhieren, lo hacen con intención de agrandar el contexto que los rodea. Hasta este casillero, luego de 7 años, ya han mostrado que saben como anexar historias y personajes. Segundo, repite la fórmula narrativa que tanto éxito le dio en Avengers 1: acción y humor. Pero como es levemente superior a la entrega anterior, le agrega algunos momentos dramáticos con la historia de Hulk y Natasha Romanoff, como se vio en los trailers. A su vez, otra de las historias que adquiere esta atmósfera sorprende por el grado de importancia que adquiere el personaje que protagoniza esa subtrama. Avengers-Era-de-Ultron_Vision_2 Tercero, Whedon vuelve a demostrar que es un gran director por el manejo de actores que exhibe. Cada integrante del grupo superheroico posee su momento de lucimiento, tanto a nivel cómico, como en términos de despliegue combativo y ninguno de ellos queda opacado. Hasta los nuevos integrantes poseen su propio segmento y se integran muy velozmente al cast, sobre todo La Visión. Para resaltar, la escena donde Hulk confronta con el Iron Man Hulkbuster, y el climax de la historia, una representación fiel de un combate que salta de las viñetas a la pantalla grande y no entiende de desajuste o mala interpretación. Alucinante. En conclusión, Avergers 2: Era de Ultrón posee algunos puntos flojos como su versión 3D (no aporta demasiado a la historia), lo episódico de esta entrega, o sea que se convierte en una aventura más y corre el riesgo de pasar inadvertida con futuras nuevas películas, y que estructuralmente es muy parecida a la primera. Sin embargo, este despelote de héroes, villanos y androides es entretenido, rítmico y absolutamente llevadero. Recomendada para aquel que sigue la saga, para el que no, debería ponerse al día e ir a disfrutar de este blockbuster. Si lo que se vio hasta ahora fue épico, lo que planea hasta el 2020 puede ser descomunal.
Un nuevo capítulo de la saga Rápido y Furioso llegó a la salas de todo el mundo y antes de su estreno el éxito en la taquilla estaba asegurado. No solo por la cantidad de fans que tiene alrededor del globo, sino por el dinero que había recaudado solo en la venta de anticipadas. Aquí en Argentina, más allá de que en los primeros cuatro días de estreno no se iba a poder comprar entradas con ninguna promoción, el número fue abrumador: 788 mil espectadores en solo tres. Hasta este punto, ninguna novedad en el terreno comercial, en ese aspecto “el partido se había ganado desde el vestuario”. Lo que si fue revelador y noticioso es el ascenso en calidad, tanto narrativo como visual, que se va dando secuela a secuela. La historia de Dominic Toretto (Vin Diesel) y su familia, porque así le gusta llamar a sus socios y amigos, suma condimentos en cada nueva entrega. En el año 2006, por darle una exprimida más a esta franquicia que parecía extinguirse, Justin Lin dirigió la tercera entrega con nuevo protagonista y en otro continente. Si bien fue la más carente de emoción y entretenimiento, el haber variado algunos factores generó un cambio de aire y nuevas ideas. La renovación estaba por llegar y director que se haría cargo de los tres episodios siguientes de la saga, tenía pensado grandes historias para las próximas secuelas. Si hasta filmó una muerte que es el eje central de esta última. Con la introducción de diferentes escenarios y nuevos personajes a lo largo de las siete entregas, la trama fue mejorando, no solo porque había más personajes para desarrollar sino porque las misiones, aunque rozando lo inverosímil, crecieron en complejidad y le dieron un tinte James Bond por momentos y Misión Imposible por otros, algo impensado en las dos primeras cintas. El caso de Dyawne Johnson (más y mejor conocido como The Rock), Elsa Pataky, y los que ya no están pero que si participaron en más de un film, Sung Kang y Gal Gadot, son parte de la expansión del universo de Rápido y Furioso. Furious 7 En el caso de la séptima, la incorporación de Jason Statham como el implacable Deckard Shaw, ex asesino a sueldo entrenado por los servicios secretos que viene a vengar a su hermano, el villano de la entrega anterior interpretado por Luke Evans, aporta escenas de altísimo despliegue físico, un denominador común en la mayoría de sus papeles, pero a la vez un rival a la altura del grupo protagónico; un asesino sin escrúpulos, un fantasma difícil de confrontar. Otra buena incorporación fue el caso de Kurt Russell, ícono del cine de tiros y explosiones, que encarna a un misterioso agente que les brindará ayuda para vencer al enemigo de turno, pero si a cambio rescatan a Ramsey, una hermosa hacker que tiene acceso a un programa único capaz de monitorear cualquier dispositivo electrónico. Nathalie Emmanuel, conocida por su actuación en Game Of Thrones como la asistente personal de la Khaleesi, se pone en la piel de Ramsey y se suma a la familia de Toretto, por lo menos en este film. Ojalá la morocha continúe. La misión los llevará por locaciones exóticas, rutas de complicada trayectoria, y a enfrentar nuevos enemigos como el terrorista que interpreta Djimon Hounsou (Diamantes de Sangre, Guardianes de la Galaxia) que poco miedo impone con sus apariciones en comparación con el personaje del pelado Statham. Con un nuevo director, el malayo James Wan, de conocida trayectoria en el cine de terror pero también en acción con el film Sentencia de muerte, protagonizado por Kevin Bacon, poco hay para quejarse y mucho para disfrutar en Rápidos y Furiosos 7. Dos puntos a favor para el cineasta que viene de brillar en el cine de terror con El Conjuro, entre otras. El primero es como aumentó en intensidad la historia de amor entre Dom y Letty (Michelle Rodriguez), algo que había quedado inconcluso en el anterior film y que ameritaba una vuelta de tuerca más. El segundo es como distribuye el tiempo para que todo sea atractivo: autos, carreras, pelea, explosiones, tecnología y humor, todo en su justa medida. Dos horas y un poco más que pasan volando, donde el director supo no alejarse de los orígenes y darle vuelo propio a las historias nuevas. 687883034_4142367161001_fast---furious-7-digital-paul-walker-clip Para finalizar, Rápidos y Furiosos 7 es una película que mantiene la temática autos/códigos callejeros/familia, el humor, el goce visual en hermosas y esculturales mujeres,y en atractivos caballeros que se baten a golpes con sus grandes músculos, autos lujosos y, sobre el final, una emotiva carta de despedida para Paul Walker. El actor, fallecido el año pasado antes de terminar el rodaje, recibe un homenaje hermoso, artístico, para las lágrimas. El director pone todo y Vin Diesel se luce con su sentida actuación, regalándole una cálida despedida a su amigo y compañero de estos últimos catorce años.