Dulce y Melancólico. Esa máquina de crear que es el director neoyorquino, que puede estrenar una película por año regularmente hace más de 30 –pese a que en la argentina ya suman tres en 2011 dado la demora en estrenarlas– ha logrado uno de sus films más frescos y posiblemente más queridos de los últimos años. “Todos dicen te quiero” fue una película con ribetes musicales de 1996 que Woody filmó y protagonizó en Paris, donde enamoraba a nada menos que Julia Roberts (si, no hay que olvidar, que todo puede ocurrir en las películas). Años después y sin musical de por medio la acción transcurre también en Paris. Todo lo mejor que la Ciudad Luz tiene para ofrecer y significa en la historia de la cultura (y por que no, también del cine) parece reunirse en “Medianoche en Paris”. Decenas de tomas sobre los íconos de la ciudad abren la película: Allen logra ponerse en el bolsillo a los espectadores. Gil (Owen Wilson) e Inez (Rachel McAdams) son una pareja de Beverly Hills que viaja a Europa junto a los padres de ella (unos republicanos recalcitrantes) para realizar algunas compras para su futuro casamiento. Gil quiere ser algo más que un guionista exitoso de Hollywood, desea escribir una muy buena novela. No sólo debe luchar contra sus propios límites si no también contra la falta de apoyo de Inez. Gil es, como todos los personajes de Woody: neurótico, automedicado, inseguro pero también –como su creador– talentoso. Owen Wilson logra estar a la altura de los alter-egos del director. Cuando Gil se pierde por las calles de París en una noche de copas, sucede un inesperado suceso: al tocar las doce la ciudad vuelve al glamour de los años 20 y lo transporta a ese mundo de bohemia y ebullición cultural, donde compartirá noches de conversación, tragos y bailes con: Cole Porter, Scott y Zelda Fitzgerald, T.S. Eliot, Jean Cocteau, Ernest Hemingway, Pablo Picasso, junto a Salvador Dalí, Luis Buñuel y Man Ray, entre muchos otros. También se deslumbrará por alguna mujer que participa de esos ambientes. Y hasta logrará que su novela sea leída por la mismísima Gerturde Stein (Kathy Bates en un papel encantador). Con el correr de las noches, sus ausencias van sorprendiendo a Inez y su familia. Así el pasado y el presente junto a sus consecuencias se van mezclando en la trama. Woody a sus 75 años, dice presente una vez más, con una visión mucho más optimista que su anterior “Conocerás al Hombre de tus Sueños” sorprendiendo a los incondicionales como así también a los que le han recomendado algún año sabático (incansable, ya está filmando en Roma con Roberto Benigni) Una idea repetida en el cine de Woody, siempre se anhela lo que no se tiene. Los de la Belle Epoque desean vivir en el Renacimiento y los bohemios de los años 20 en la Belle Epoque. Mientras, en una sala de cine, durante 100 minutos, un pequeño (solo en tamaño) director logra conmover una vez más a miles de espectadores, que observan como una lluvia parisina puede resultar tan romántica como sorprendente. No es poco.
Pablo Solarz sale airoso del difícil pase de guionista al director. Es el responsable de exitosas historias como la de “Un Novio para mi Mujer” e “Historias Mínimas”, dirigidas por Juan Taratuto y Carlos Sorín respectivamente. Por primera vez, como declaró en la conferencia de prensa, “ahora puedo contarlo yo. Después de haber aprendido mucho en los sets”, más allá de su formación como cineasta en el exterior. Aunque también declaró que sólo comparte con el protagonista de la película la profesión, él tiene algo de todos sus personajes, incluso los femeninos. “Juntos para Siempre” cuenta la historia de Gross que es tan exitoso como guionista como complejo como persona. Está en pareja con Lucía (Malena Solda) que lo engaña y lo deja el mismo día. Para trata de evitar esto y/o como parte de negarlo concurre a una terapeuta (un viejo reclamo de Lucía) mientras se sucede –como un film en paralelo- una de las tantas historias que su mente en constante proceso desarrolla. Semejante trama, en apariencia muy compleja de entrelazar, sale airosa en su primera mitad, luego no parece dar con el tono para encontrar el elemento dramático que la sostenga, junto a lograr el pase de lo cómico a lo más trágico. Aquel momento en que las grandes comedias dejan sólo de tener excelentes diálogos par ser algo más. Los personajes femeninos son maltratados constantemente y existe un momento muy denso cuando Gross “despierta” a su nueva novia: “Vos hacete la dormida” le pide. Como puntos a favor se pueden destacar la propuesta en tono de comedia y los diálogos hilarantes muy cercano al cine de Woody Allen: la escritura, la negación, el psicoanálisis, lo edípico, etc. En Peto Menahen, Solarz encontró al actor ideal, ya que puede mezclar lo cómico con lo serio en un pequeño instante. La otra figura destacada es Florencia Peña que compone a Laura, el reemplazo que encuentra Gross de su mujer, cambiándola por una “un poco tonta” (como él le declara a la terapeuta). La historia en paralelo es protagonizada por Luis Luque en otro de sus papeles tan taciturnos que dicen mucho sin tener que hablar. Pablo Solarz, fue el creador del estreno más exitoso del año 2009 “Un Novio para mi Mujer” y el de uno de los menos exitosos de 2008 “El Frasco”. Ahora, salta a la dirección y se anima a exponer sus propias historias. Con un muy buen pasado como guionista y un futuro más que interesante como director.
Nuevamente tiene que ser Hollywood el que instala de forma masiva –es verdad, muchas veces es nocivo- la verdad dicha a los cuatro vientos, y cuánto mejor si la historia es real y no sólo una invención de algún gran guionista. Estrenada en el país en momentos en que el mundo aún está conmovido por la muerte de Osama Ben Laden, “Poder que Mata” tiene como núcleo la historia de Valerie Plame (Naomi Watts) una agente encubierta de la CIA que ve modificada abruptamente su vida cuando su marido Joseph Wilson (Sean Penn) –un ex embajador norteamericano en África- denuncia en el New York Times al entonces gobierno de George W. Bush por malversar información sobre las supuestas armas de destrucción masiva para “justificar” la guerra contra Irak. Los laderos del presidente no tienen mejor idea que vengarse filtrando a la prensa la verdadera identidad de Valerie Plame, destrozando en un segundo su vida profesional y poniendo en peligro a los afectados por sus operaciones encubiertas. Cabe señalar que dicha acción realizada por un funcionario se encuentra penada por ley. Incluso aquí en Argentina un ex ministro del interior tuvo que enfrentar una causa judicial por mostrar en TV la foto de un agente encubierto. El film funciona en dos niveles, por un lado el thriller político –narrado de forma vertiginosa por el director de “Identidad Desconocida”, que fue la primera de la saga de Jason Bourne- y en segundo lugar el drama personal, la bomba que se sucede en el matrimonio entre Valerie y Joe. Sean Penn, en un rol que le cabe al dedillo por ser un actor comprometido con los derechos humanos, que denunció al gobierno de Bush y que incluso cubrió parte del drama vivido en la guerra de Irak como periodista, siente y encarna a Joe de una manera que sólo él lo puede hacer. Joe tiene la verdad dentro y la necesita gritar y expulsar en todos los medios de comunicación: es un patriota en el mejor sentido de término. En cambio, Valerie opta por medirse y no exponerse: un gran trabajo de Naomi Watts. Más allá que la historia fue muy conocida, conviene no adelantar mucho más sobre los giros de la trama. Aunque “Poder que Mata” no es “JFK” y Doug Liman no es Oliver Stone existe algún tipo de relación en la visión del mundo de ambas. Quienes tienen el poder no pueden avasallar los derechos de cualquiera y todos como ciudadanos tenemos el deber de defender los valores democráticos incluso por sobre el Presidente y sus hombres. Se quiere creer que a la larga la “verdad” termina triunfando por sobre la difamación y la prepotencia. Sin embargo, pese a esto, el drama que Valerie y Joe protagonizaron entre el 2002 y 2004 y el estreno de “Fahrenheit 911” de Michael Moore, uno de los documentales más exitosos de la historia del cine, no frenaron un segundo mandato de Bush.
De Menor a Mayor. En su segunda película dirigida y escrita, Sebastián Borensztein –uno de los hijos del querido y recordado Tato Bores- ha logrado depurar todo aquello que en su buen debut con “La Suerte está Echada” parecía sobrar. En aquella oportunidad, ya se demostraba su férrea dirección de actores pero pecaba de querer ¡poner todo! Había demasiadas aristas en la historia, incluida una donde un hombre mayor, muy parecido a Tato, recitaba dudosos parlamentos en el final de sus días. Seis años después llega “Un Cuento Chino” que está basada en una historia real. Una de esas noticias locas y poco creíbles que siempre aparecen en los diarios más sensacionalistas: una vaca que cae del cielo –desde un avión- provocando una tragedia. Esa historia es una más de las que Roberto recorta y guarda en una de sus carpetas; un hombre ordinario, sencillo, del montón, lleno de rutinas que el humor de la película explota y les saca jugo. Pero todo su mundo se da vuelta cuando se ve involucrado en el destino de un muchacho de origen chino que es lanzado desde un taxi, para peor no habla ni una palabra de español. El film de menor a mayor va logrando desarrollarse, apoyado en sus actuaciones (especial mención a Ignacio Huang) consiguiendo de una pequeña anécdota construir un mundo en clave de comedia agridulce sobre las miserias humanas y las diferencias entre las etnias de este bendito planeta. Quizás cierto ribete político-histórico que la cinta adquiere hacia el final con la Guerra de las Malvinas como fondo, pueda quedar un poco descolgado de la trama. Por suerte un resbalón no es caída… ¿Qué decir de Ricardo Darín? como los grandes actores es tan versátil que puede hacer tanto una interpretación despojada como en la excelente –y posiblemente mejor película argentina de los últimos años- “El Aura” y una comedia en tono de absurdo como “Un Cuento Chino”. Su registro y sus tempos para la comedia resultan inmejorables. “Un Cuento Chino” ya está encaminado a ser una de los éxitos de taquilla del año. Por fortuna también es un digno producto de cine nacional apoyado en el absurdo sin buscar la risa fácil y chabacana más cara a la TV vernácula.
Terror bailado. Existen pocas películas que se convierten en una experiencia cinematográfica distinta, “El Cisne Negro” es una de ellas. Y esto ocurre porque la cinta es en realidad un cuento de terror, con casi todos los aditamentos del género, que por medio de un thriller psicológico relata la historia de una obsesiva adolescente que hace todo por obtener el papel de su vida: nada menos que el protagónico como bailarina de El Lago de los Cisnes del inmortal Tchaikovsky, en una nueva y polémica puesta en el Lincoln Center de Manhattan. Nina (Natalie Portman) sólo vive para ser bailarina. Tiene una madre sobreprotectora (Barbara Hershey) que comparte la profesión con ella, y que no deja de apoyarla tanto como la presiona. Al mismo tiempo que desea lograr su sueño profesional, Nina, vive y respira el mundo híper competitivo de los bailarines, de las puestas en escena y de la conflictiva relación con el director de la compañía (Vincent Cassel) tan genio como déspota. Él no duda en usar los métodos menos ortodoxos para sacar lo mejor de sus bailarinas. En este caso lleva al límite de lo soportable a Nina cuando la fuerza a actuar tanto al cisne blanco como al negro. Es ahí donde el terror y lo fantasmagórico se adueña del relato para ya no abandonarlo. Es distinta a otras películas porque utilizando elementos conocidos -cámara en mano, efectos especiales- logra mezclarlos para generar en el espectador un nivel de compromiso para con la historia que le convierte en una rara avis en el cine. Esto se refuerza mucho más por el hecho de estar nominada a los Oscars como mejor película. “El Cisne Negro” maneja a la perfección el tema “del doble”. Se nutre para ello de planos y contraplanos donde los espejos juegan un papel especial. En su momento, otro interesante cineasta y actor como Kenneth Branagh lo había logrado con su versión de “Hamlet”, delimitando el drama persecutorio y de fantasmas que el príncipe de Dinamarca soportaba. Vincent Cassel (“Irreversible”) como Thomas, el director de la obra, es tan buen actor como casi revulsivo en su presencia. Es muy difícil generar empatía con sus personajes –siempre en el borde- pero al mismo tiempo son tan fascinantes sus interpretaciones, que no se puede dejar de admirar. Y para el final está ella. Desde que Luc Besson, la vió con los pies colgando en una publicidad y dijo: “esa es la nena que quiero para “El Perfecto Asesino””, Natalie Portman paso a paso fue escalando en su carrera. Firme candidata para ganar el Oscar, su Nina es tan frágil y tan fuerte a la vez, que hará pasar al espectador por todos los estados de ánimo. Su entrega parece total como la de su personaje. El director Darren Aronofsky logra impactar, shockear y remover al cine norteamericano tan inclinado, en general, a la película pasatista que no siguen madurando en el espectador con el correr de las horas. Ya lo había hecho con “Pi” y “Requiem para un Sueño”, ahora por suerte lo vuelve a lograr. También es productor de otro excelente estreno de la semana nominado al Oscar como “El Ganador”. No se puede dejar de mencionar que “El Cisne Negro” cuenta con fuertes escenas, que pueden llegar a ser revulsivas para algunos. Pero de seguro, si se intenta el desafío, se llegará a buen puerto.
Una película para la polémica. Todos esperan más. Todos quieren más del maestro. Pero él es humano, y está aquí en el mundo de los vivos, de los que experimentan y también se pueden equivocar en el trayecto. En esta oportunidad Eastwood cambió de registro. Pasó de “Invictus”, sobre el legado de Mandela, a un thriller sobrenatural. Inicia la acción con un “tsunami” (sí, es una película de Clint aunque usted no lo crea) realizado con la maestría de un director clásico pero con el respaldo de un productor de la talla de Steven Spielberg. Una periodista (Cécile de France) sobrevive milagrosamente a este desastre natural después de experimentar visiones durante los minutos en que estuvo muerta. En otro lado del mundo un psíquico (Matt Damon, siempre con el registro de los grandes actores) trata de cambiar su vida, después de vivir de ayudar a la gente a comunicarse con sus seres queridos en el más allá. Y la tercera historia –por suerte no es “Babel” aunque se le parece en el armado– sucede en Londres cuando un chico pierde a su hermano gemelo. La acción se sucede así entre estos tres personajes y las vicisitudes de sus nuevas experiencias de vida. La periodista intentará investigar sobre sus visiones, el psíquico tratará de mantenerse en su tesitura de “no vivir pensando todo el tiempo en la muerte” y el pequeño londinense intentará llegar a comprender el por qué del trágico final de su hermano. Como logros se pueden destacar el clasicismo de Eastwood a la hora del relato y del final, siempre redentor, como acostumbra. Y los climas, en especial en la historia encarnada por Matt Damon en tándem con Bryce Dallas Howard -la actriz de “La Aldea”- donde la sutileza y el oficio del director como narrador parecen intactos. La polémica se genera por el hecho de que “Más allá de la vida” es sólo una buena película, pero no una gran obra. Y la crítica internacional y la local, junto a los fans no saben (sabemos) donde pararse. Porque no es una historia descollante, que plantee grandes temas o hechos, como tiene acostumbrados el director de “Los Puentes de Madison” y “Los Imperdonables”. Eastwood, desde “Río Místico” pasando por “Cartas desde Iwo Jima” no ha podido regresar a su mejor cine: aquel que pese a lo áspero fue siempre conmovedor. Igual, no parece preocuparle mucho. Sigue filmando, octogenario ya, aunque no es casual que elija un guión sobre la vida después de la muerte, escrito por el británico Peter Morgan, al que le ha ido mejor con historias como “La Reina” o “Frost/Nixon”. De esta manera, el último director clásico, presenta “Más allá de la vida” con sus aciertos y fallas. Ya está pre-produciendo otro film para estrenar en 2012, sobre la vida de John Edgar Hoover, el creador del F.B.I., que protagonizará Leonardo DiCaprio. Eastwood, sigue produciendo. Como dice el dicho: “el que no hace, nunca se equivoca”.
Mr. Butterfly “Me considero totalmente un director europeo y quiero seguir siendo así”. Anton Corbijn. Ya en “Más allá de las Nubes”, el último gran film que Michelangelo Antonioni filmó con la colaboración de Win Wenders, existía un alter-ego que como fotógrafo declaraba que sólo podía captar la realidad de una ciudad –Ferrara, como siempre en Antonioni- si primero la fotografiaba. Algo de ese destino tiene el director holandés de “El Ocaso de un Asesino” Anton Corbijn. Fotógrafo primero, director de videoclips de míticas bandas como Depeche Mode después y más tarde hacedor de “Control” sobre la vida de Ian Curtis, líder de la banda Joy Division. El film relata la vida de un asesino a sueldo que intenta escapar de su sino trágico. Después de un inicio a pura acción y traición en Suecia, la trama se muda a un pequeño pueblo de la zona del Abruzzo italiano. Corbijn filma y “fotografía” esos pueblos con un cuidado, con una maestría que pocas veces se ve en un producto de Hollywood. “El cine es la vida menos las partes aburridas” declaró un gran director. Sin embargo, aquí, una vez más, se intenta contar –con muchos aciertos pero también con algunos deslices– lo que transcurre en el mientras tanto, cuando se debe esperar una directiva. “No hagas nuevos amigos” le sugieren al asesino, que para pasar desapercibido dice ser, ironías del director, fotógrafo. La película se presenta como un western post-moderno, donde el forastero llega al tranquilo pueblo, se hace amigo del cura y se enamora de la prostituta. La atmósfera es sobrecogedora. No falta el bar casi despojado, las noches de garúa, los adoquines que relejan la luz y el suspenso a la vuelta de la esquina. Incluso hay lugar para la cita directa en un televisor donde se emite un spaghetti western de Sergio Leone, “Italiano!” como declara el cantinero antes de que un tiro corte la trasmisión. En uno de sus mejores trabajos, en la sintonía de “Michael Clayton”, George Clooney acierta una vez más en un rol contenido. Su asesino es parco, frío, casi no habla, aunque se le nota en la cara un secreto. Lo llaman “Mr. Butterfly” o “Señor Farfalla”, según la mujer de turno. La prostituta citada o una bella y enigmática mujer que lo contrata para armar un rifle especial. “El Ocaso…” con sus aciertos y fallas termina siendo un producto para celebrar, ya que pocas veces desde Norteamérica se apuesta por una historia tan europea, de climas contenidos y acción a cuenta gotas. Aparte de su performance, sí un mérito tiene Clooney es ayudar con su presencia a que un film así sea posible. Y si a la espera de una mueca seductora a lo “E.R”, alguna desprevenida puede llegar a verla, e incluso disfrutarla, en enhorabuena, misión cumplida.
Mi familia y todo los demás “Si pedís carne a punto en la Argentina te traen una vaca mugiendo. Buenos Aires, es la ciudad más bella del mundo”. La mencionada es sólo una de las hermosas frases que se escuchan en uno de los mejores estrenos del año. Divertida, tierna, ágil y profunda, llega la película de estilo “Indie” que se menciona fuerte para los Oscars de 2011. Lisa Cholodenko es una realizadora de muy buenas historias en general de temática homosexual. De hecho es la primera que se estrena comercialmente en el país. Las otras se han podido seguir sólo en festivales como el de Mar del Plata. Annette Bening y Julianne Moore conforman un tandem actoral impresionante. Cerca de los cincuenta años y al parecer sin operaciones, con la cara y arrugas que el correr de la vida les dejó -Meg Ryan, ¡teléfono para vos!- encarnan a Nic y Jules. Ambas son pareja, y quitando el hecho que son lesbianas, son un matrimonio típico con los esplendores y derrotas de cualquier relación amorosa. Tienen dos hijos Joni (Mia Wasikowska) y Laser (Josh Hutcherson) ambos concebidos por inseminación artificial. Cuando Jovi va a cumplir 18 años y está por partir hacia la universidad, su hermano Josh de 15 le pide que averigüe quién es en realidad el donante de esperma que permitió que ellos estén en este mundo. Dan con el “bio-padre” Paul -Mark Ruffalo en su mejor papel- un excéntrico, soltero y joven dueño de restorants orgánicos. Su llegada modificará la vida de toda la familia. El gran mérito de “Mi Familia” (el título original “The Kids are all right” –los chicos están bien- remite a una canción de “The Who” que es parte de una excelente banda sonora) es tratar los complicados temas sobre el matrimonio, paternidad, homosexualidad, procreación y relaciones sin emitir ningún juicio de valor ni bajada de línea. Aquí no hay nada más ni nada menos que seres humanos, con sus virtudes y miserias. ¡Qué potencia puede tener el cine! “Mi Familia” se debiera haber proyectado en la Plaza del Congreso a los grupos que se manifestaron en contra del matrimonio igualitario. La directora basó el guión en sus propias experiencias, ya que tuvo a su hijo Calder por inseminación artificial de un donante anónimo. Hay una calidez en sus personajes, una textura en el film, que se puede respirar en Buenos Aires. No es casual entonces lo que se dice sobre la ciudad. Es uno de esos regalos del cine, como cuando en la película animada “Yellow Submarine” dicen que “todavía queda un lugar hermoso para vivir: Argentina”. Aunque el final posea un cierto dejo de amargura y no tenga la potencia que el relato llevaba, “Mi Familia” termina siendo, posiblemente sin quererlo, un canto a la diversidad y a la libertad.
Burbujas y más Burbujas. Pregunta: ¿Cuál es un su cifra para retirarse? Vamos! Todos tienen una. Respuesta: Más. Oliver Stone, el hacedor de éxitos y fracasos por igual. El ex combatiente de la guerra de Vietnam que puede cambiar de registro con facilidad, pasando de “JFK” a “Asesinos por Naturaleza”, realizando películas documentales sobre Fidel Castro y la realidad sudamericana, vuelve ahora a desempolvar a uno de sus primeros chiches: “Wall Street”. Pese a que varias veces fue tentado a realizar una segunda parte, la crisis financiera de 2008 fue el detonante que necesitaba. Desde la playa, con un celular que con los años sería llamado “el ladrillo”, Gordon Gekko (Michael Douglas) se comunicaba con Bud Fox, su discípulo en aquel momento, para informarle que le había hecho una transferencia por varios millones de dólares desde algún lugar de Asia. El dinero no dormía y volaba de un continente a otro… 23 años después, con varios años de juicios y otros tantos en prisión, Gekko ya pagó su condena, perdió a su familia y sus millones, pero también ganó algo más, que sólo los años parecen dar: tiempo, para pensar y meditar. Sí Gordon Gekko quedó en el inconciente colectivo como el paradigma del villano de guantes blancos, porque “no mataba” pero realizaba cientos de actos ilegales en la bolsa de comercio, habrá sido ¿por la descollante actuación que le valió un Oscar en 1988 a Douglas? o ¿por la fiebre y posterior depresión que generó en los ´80 el gobierno de Reagan? O ¿por la veloz posibilidad de pasar a ser millonario en pocos años? Quién sabe. En términos de cine hollywoodense el film fue un thriller financiero que no ha sido superado. Jake Moore (Shia LaBeouf) está de novio con Winnie, la única hija y familia que le quedó a Gekko. Jake es un exitoso agente de bolsa en una renombrada firma que se ve envuelta en los escándalos de la burbuja de 2008. La trama, llena de intrigas, hace un recorrido por las supuestas reuniones entre los representantes de las firmas más importantes, la Bolsa de Valores y el Estado Norteamericano. Sin nombrarla, es fuerte la referencia a Lehman Brothers. Winnie (Carey Mulligan) no puede ver a su padre, entre muchas cosas lo culpa por la muerte por sobredosis de su hermano. Gekko hará intentos desperados por llegar a ella. En el camino teje una alianza con Jake, ambos tienen mucho que ganar de la información del otro. Quien ha visto llorar a una mujer cuando se le astilla el corazón, puede reconocer en Carey Mulligan, una actriz cada día más cotizada –nominada al Oscar este año por la excelente “Enseñanza de Vida”– toda la maestría de una profesional. De sólo observar como sus labios tiemblan, mientras caen sus lágrimas, dejará conmovido a más de uno. Es verdad que a Shia LaBeouf le queda un poco grande el papel de Jake, el actor de “Transformers” y la última “Indiana Jones” parece diminuto en comparación que con los pesos pesados de Douglas, Frank Langella y Josh Brolin. Este último que descolló con su protagónico en “Sin lugar para los Débiles”, demuestra una vez más que es “el” actor de la nueva generación a tener en cuenta. En su últimos dos trabajos Michael Douglas (la anterior y aún en cartel, la entretenida “Un Hombre Solitario”) ha transitado el camino de la relación maestro-discípulo. Ambos personajes han pasado del éxito al fracaso y de allí a la prisión, pero han ganado en el camino, cierta sabiduría y han atesorado algo más, algo no material pero que vuelve rico a las personas: “tiempo”. Los fanáticos de la primera “Wall Street”, que con los años se ha convertido en un clásico moderno estarán satisfechos. Esta secuela, ágil y divertida, aunque sin ser una gran película, tiene todos los elementos y aditamentos de un muy buen espectáculo.
Un niña, una portera y una puerta misteriosa “Renée: podemos ser amigos, y todo lo que queramos”. De Ozu a Madame Michel. Paloma, es una especie de niña prodigio, que con sólo 11 años ha tomado una decisión, en un mes cuando llegue su cumpleaños se quitará la vida. “La muerte no puede ser algo tan trágico” enuncia con su voz en off que acompaña todo el metraje. Sin embargo, su vida burguesa en un edificio de lujo en París le tiene guardada varias sorpresas. Su padre es un funcionario de gobierno en problemas, tiene una hermana adolescente conflictuada y una madre depresiva a la que solo parece importarle sus plantas, con las que habla todos los días. Con ese panorama, Paloma, decide registrar con su cámara filmadora su vida y el mundo que la rodea como niña (aunque muchas veces parece más un adulto escondido bajo su forma) al mismo tiempo que dibuja en su pared cuadrados que parecen simbolizar los días de un calendario. El último de ellos, es todo negro. Como un film en paralelo, y aquí reside la habilidad de la directora debutante Mona Achache, se encuentra Madame Michel, la portera, la típica “concièrge” francesa, con el departamento en planta baja a un costado del hall principal. Atenta y cortés, pero siempre malhumorada. Cuando un nuevo vecino llega al edificio, un japonés de apellido Ozu –un homenaje velado al genial director nipón (*) que retrató como nadie los amores y conflictos de las familias orientales en los `40 y `50 y del que se proyectan tramos de uno de sus films más famosos Las Hermanas Munakata– las historias de Paloma y de Madame Michel comenzarán a cruzarse. Occidente y oriente parecen darse la mano aquí. Renée tiene una afición, la lectura, y dedica su tiempo libre a leer en una habitación donde sólo hay lugar para los libros que ama. Guarda celosamente ese secreto. Marguerite Yourcenar decía que las grandes obras, sus palabras y párrafos están unidas por un hilo invisible. No se puede ver, pero está ahí, sosteniendo toda aquello que, en este caso, todo amante del cine percibe, ve y siente en una butaca: ese lugar donde cualquiera puede ser otro, donde las lágrimas aparecen cuando la muerte se toca tanto con la vida. Porque: “es trágica la muerte, sí significa que no podrás ver más a las personas que amas, ni ellos a ti” “El Encanto del Erizo”, entonces, con sus excelentes actuaciones, con todo su devenir y con su final redentor, conmueve con las armas más nobles. Cine francés “en pleine forme”. (*) Yasujiro Ozu (1903-1963) considerado el mejor director que dio Japón y entre lo más importantes del cine mundial. Su plano característico era el filmado a casi un metro del suelo, imitando a la visión que tiene una persona desde un “Tatami”. Realizó más de 50 películas en sus escasos 60 años de vida. La muerte lo encontró en el pico de su fama, ayudada por un reconocimiento que en 1961 le realizó el Festival de Berlín.