Secuela inmediata de de Halloween (2018) y en la línea temporal que arranca con Halloween (1978) e ignora todas las otras secuelas. Halloween Kills (2021) tiene varias virtudes pero se deja arrastrar por sus defectos. Si su inmediata predecesora lograba combinar homenaje, reinicio y secuela, acá solo se ve el desgaste habitual de las continuaciones, con el agregado de ser claramente una transición hacia el desenlace que ocurrirá en Halloween Ends (2022). Después de que Laurie Strode (Jamie Lee Curtis), su hija Karen y su nieta Allyson dejen encerrado y prendido fuego a Michael Myers, se dirigen al hospital para curar las heridas. El espectador obviamente lo sabe, pero ellas ignoran que no han logrado matarlo. El pueblo de Haddonfield, cuyo trauma sigue vivo, deberá enfrentarse una vez más a su monstruo y asesino. Sangre no falta, al contrario, eso siempre se valora. Como novedad, la película trae personajes del film de 1978 pero adultos o incluso ancianos. También nos regala un poco del Donald Pleasence, para armar un rompecabezas lleno de piezas que justifiquen una película del medio dentro de una trilogía final. Atrás ha quedado la película de John Carpenter, aunque estos nuevos títulos busquen rendirle homenaje y ser respetuosos con aquel clásico. En el film del 2018 todo era rendirse frente a la obra maestra que les dio origen a los personajes, acá se busca ir más allá, mezclando tonos, sumando situaciones imposibles de conectar y simplemente postergando el cierre. Por eso Jamie Lee Curtis está en el hospital, como en Halloween II, y es poco lo que hace. Su tarea consiste básicamente en reflexionar sobre Michael y tomar fuerzas para arrasar con su enemigo en la que promete ser una batalla épica. ¿Ven? Ya lograron mantenernos enganchados una vez más, incluso sin hacer una gran película.
Un documental sobre los miembros de un elenco argentino que sale de gira por pueblos de Francia. La obra que están representando es La Gaviota de Anton Chejov, dirigida por Daniel Veronese. Dentro del documental aparece diferentes historias que juegan a distintos niveles acerca de la obra así como también conversan sobre la naturaleza del cine y del teatro. Con momentos de humor, con ideas supuestamente profundas sobre la forma del arte y con un exceso de planos que parecen un video familiar de vacaciones, la película no logra despegar ni estar nunca a la altura de sus ambiciones. Aun así, no se trata de un documental chato o perezoso, simplemente no logra desarrollar todo aquello que se propone.
Cuando se hace mucho hincapié en que una película está basada en un libro hay que asumir que la mayoría de los espectadores no han leído ese texto y que lo único que tienen frente así es la película. Las intenciones, temas, estilo y significado del libro no tienen absolutamente nada que hacer frente a la película. Adivinar sofisticación, complejidad y profundidad, son trabajos vacíos ya que no hay nada más que lo que vamos a ver. Distancia de rescate, como cualquier película, no debe recibir ni festejos ni ataques en relación a su vínculo literario. La película tiene imágenes lo suficientemente poderosas como para que entendamos su uso del lenguaje cinematográfico. El título alude a la distancia que Amanda imagina que debe estar de su hija para poder rescatarla en caso de que sea necesario hacerlo. Ella y la pequeña pasan unas vacaciones en un pueblo pequeño en Argentina y está claro desde el inicio que los temores de la protagonista se convertirán en el centro de este enigmático y enredado film. Una vecina llamada Carola, lejos de ahuyentar los temores de Amanda parece enfatizarlos con lo que le va mostrando de su vida. Todo el clima es de un sueño, de una pesadilla, donde las sensaciones son más fuertes que las resoluciones y donde la ambigüedad está en el corazón mismo de la historia. Marina Valverde interpreta a Amanda y Dolores Fonzi a Carola. Ambas están bien en sus roles pero Fonzi arrasa con su fotogenia absoluta en un papel que solo alguien preparado para el cine puede llevar a buen puerto. La directora consigue grandes momentos visuales pero se termina enredando en elementos crípticos para hacer más complejo algo que no necesitaba serlo. Más en los momentos que en el todo, la película va perdiendo fuerza y termina con un final muy por debajo de las ambiciones iniciales.
Gonzalo Calzada realizó el film de terror Nocturna, donde contaba la historia de Ulises, un anciano atormentado por su mente cada vez más frágil, expuesto a situaciones que no podía saber si eran verdad o solo parte de su cerebro. Esa película lograba su objetivo, generar angustia a partir de esa ambigüedad. Apoyada en una gran actuación de Pepe Soriano, conseguía mantener el suspenso hasta el final. Pero el director realizó un segundo film en paralelo, una versión experimental de la misma historia. El resultado tiene aciertos pero también limitaciones. Es imposible saber hasta que punto funcionaría solo, aunque tenga, debido a las texturas fílmicas y recursos técnicos, momentos de mayor terror. Imágenes sueltas que resultan muy efectivas, pero que no sostienen la lógica narrativa que nos hizo comprender la historia en el lado A de Nocturna. Aun así, quienes hayan disfrutado del primer film no debería perderse este, un verdadero complemento cinematográfico. Es generoso por parte del director mostrar, de alguna manera, el proceso visual y las ideas que lo llevaron a la construcción de su obra.
Ken Loach es un legendario director británico cuyos films están marcados por un fuerte contenido de denuncia social. Desde la década del sesenta su cine se ha caracterizado por un pulso firme para el drama y una ideología muy marcada. Tuvo mejores y peores momentos y un puñado de clásicos entre los que se encuentran Pobre vaca (1967), Agenda secreta (1990), Riff Raff (1991), Como caídos del cielo (1993), Tierra y libertad (1995) o Looking for Eric (2009), además de un gran número de documentales. Pero luego de un marcado esplendor en la década del noventa, Loach comenzó a volverse menos sofisticado, más panfletario y, finalmente, menos cinematográfico. A pesar de su clara decadencia, Loach ha tenido mejores y peores momentos. Lazos de familia (Sorry We Missed, 2019) es una combinación de las virtudes del director y también de sus flaquezas. Ricky y su familia luchan para pagar las deudas mientras se recuperan poco a poco. La oportunidad de tener un trabajo que los saque de sus problemas puede convertirse en un problema. Rick maneja una van y trabaja para una empresa de delivery con una agenda muy apretada. Abbie, la esposa de Rick, se dedica a cuidar gente, pero tampoco suma lo suficiente. Loach fluctúa entre la comprensión y la crueldad, con algunos golpes bajos y trucos que lo exponen como un cineasta algo cansado. Pero hay instantes luminosos, bellos, donde los actores no profesionales consiguen momentos profundamente humanos. En esas escenas la película recuerda a Como caídos del cielo (Raining Stones). Algo de piedad de apodera de Loach y no pone el pie en el acelerador por completo, aunque se trate de una película dura, angustiante y pesimista. Decepcionado con el sistema, pero algo más optimista con respecto a la familia protagónica, Loach perdió el pulso, pero no las ganas de filmar a sus clásicos personajes.
Venom: Carnage liberado es un exitosa secuela del film Venom realizado en el año 2018. Para quienes tengan un doctorado en Marvel no habrá problemas para identificar las conexiones, guiños y adelantos que la película tiene. Para el resto de los mortales, la película sigue siendo tan mala como su predecesora y le agrega un número agotador de efectos visuales feo, incluyendo a los dos personajes principales, que se trenzan en batallas que no podrían ser ni más aburridas ni más rutinarias. El éxito mencionado al comienzo nos llevará una tercera película, lo que es una verdadera desgracia para los ojos y los oídos. Ruidos, voces horribles y una puesta en escena figura entre lo peor del género. El desperdicio actoral del film anterior se justificaba porque necesitan muchas escenas del protagonista entendiendo que era lo que pasaba. Ahora que ya lo sabemos, Tom Hardy tiene menos para hacer y aprovecha para reducir su trabajo, aunque le queda espacio para la sobreactuación. Del otro lado, Woody Harrelson hace su show pero la película no lo acompaña correctamente. Naomi Harris y Michelle Williams también consiguieron, como los dos actores mencionados, un buen sueldo en esta película taquillera y nos alegramos de corazón por ellas. Hay secuencias en los créditos para reforzar la idea de que todo es parte de algo más grande y que todas las piezas son importantes. Venom 2, con su duración de noventa minutos, es una pieza corta y a la vez demasiado larga. El humor de la película es de lo más deprimente que hay y no hay un momento que no sea forzado. Ni la ingeniosa idea de poner dos historias de amor consigue darle interés a esta película.
Era difícil imaginar que luego de la horrible versión animada de Los locos Addams estrenada en el 2019 se pudiera hacer una película peor. Sin embargo no hay que restarle mérito al talento para hacer películas malas que habita en la industria del cine. Nada se parecerá nunca a la serie y los hallazgos de los films de la década del noventa tampoco parecen tener competencia. Con tantos buenos personajes cuesta creen puede hacer algo malo. Pero ahí tienen, hicieron una película espantosa desde todo punto de vista. En una época esto hubiera sido un fallido experimento televisivo, hoy son dos largometrajes estrenados en cine. Así están las cosas. Esta secuela es una road movie de la familia viajando por todos Estados Unidos con todos los gags esperables y algunos peores. Otros no tienen sentido ni coherencia, pero tal vez es demasiado pedir. Como viene ocurriendo desde que Christina Ricci interpretó a Wednesday en el film de 1993, es este personaje, al que nosotros conocemos como Merlina, quien se lleva el interés del guión y la película. No por nada el mismísimo Tim Burton planea una serie de televisión sobre ella. Veremos si en el futuro la situación mejora. Por ahora los Addams están pasando por una etapa cinematográficamente oscura. El Tío Cosa, por otro lado, entrega los únicos chistes aceptables de toda la película.
Natalia Meta, la realizadora de El prófugo, estrenó su ópera prima en el año 2014. Noche en Buenos Aires era un ambicioso policial con resultados aceptables, cuya salida comercial espectacular llamó la atención. Meta tenía una cualidad rara para el promedio de los cineastas nacionales: quería que su película fuera vista por mucha gente. En una cinematografía como la nuestra, donde los realizadores prefieren los créditos a las taquillas, la idea de Natalia Meta era una bocanada de aire fresco. Cine profesional, hecho en serio, con ganas de llegar a la mayor cantidad de pantallas. Aunque no estaba obligada, la directora decidió ir en El prófugo un poco más allá. A un elenco de actores conocidos y una calidad técnica notable, le sumó un guión sofisticado y una puesta en escena precisa y con muchas ideas. Inés (Érica Rivas), sufre una situación traumática estando de vacaciones con su novio (Daniel Hendler). Su vida cotidiana se complica cuando en su trabajo empieza a recibir también señales de una presencia misteriosa que le hace dudar de su propia cordura. Inés trabaja en doblajes de películas y canta en un coro. El sonido y la voz son dos piezas claves de su trabajo, algo raro ocurre en ambas áreas, y sus pesadillas empiezan a meterse en su vida. La película puede que tenga una variedad de influencias cinematográficas, desde el cine de terror italiano a Brian De Palma. La luz, el encuadre, el montaje y, por supuesto, un fantástico uso del sonido, son piezas que arman un film notable en la forma, pero también ayudan a la sofisticada estructura fantástica que la historia propone. Tal vez usar actores menos conocidos para algunos roles hubiera ayudado más a concretar el clima que la película busca todo el tiempo. Nahuel Pérez Biscayart es la excepción, su rostro posee la ambigüedad y la inquietud necesarias para que el fantástico entre en la historia y genere la genuina incertidumbre que la película reclama. Aun sin ser perfecta El prófugo confirma los deseos de la directora: Hacer el mejor cine posible usando al máximo las herramientas a su disposición.
Gonzalo Calzada, el realizador de La plegaria del vidente, Resurrección y Luciferina insiste con el cine de terror pero esta vez consigue una película más redonda. La complejidad de la historia funciona como parte del género y le agrega otros elementos que muestran una madurez por parte del director. Aquí elige a un personaje al que es capaz de darle mayores matices que en sus films anteriores. Ulises (Pepe Soriano) es un hombre de noventa años que vive junto a su mujer (Marilú Marini) en edificio antiguo. La historia lo presenta con problemas de orientación y memoria, probablemente senil. Su vejez es evidente, pero no se sabe hasta que punto esto afectará su percepción de los eventos inquietantes que ocurrirán en su edificio por la noche. Los límites entre la imaginación, la enfermedad y una realidad siniestra son todo el clima y el centro de la película. Un recuperado para el cine Pepe Soriano se luce en su papel y es quien permite que las ambiciones del realizador no caigan en saco roto. En esos momentos de actor y construcción del suspenso de Calzada es que la película alcanza sus puntos más altos. En los efectos visuales, por otro lado, Nocturna se estanca un poco y se vuelve demasiado limitada. Pero eso no le impide conseguir ese retrato de horror que significa la mente humana cuando empieza a construir sus propias ficciones fragmentadas y con una cronología no lineal. Otro exponente interesante del prolífico cine de terror nacional.
Un documental diferente al promedio de los documentales nacionales. Conectado con otros títulos que tal vez hemos visto en otros países pero que no son moneda corriente aquí. La muerte de la madre de la familia activa conflictos en su viudo y en sus cinco hijos, en un drama familiar que conecta con los detalles pero jamás accede a las emociones. Con niveles de autenticidad imposibles de dilucidar, las escenas no terminan de meternos en la historia. Es la familia del director y se nota. Un trabajo lleno de sutilezas que no termina de encontrar la forma total que arme un todo. No es un error ni mucho menos, es claramente su búsqueda y su manera de entender algo de lo que el propio director es parte.