36 horas es una película que funciona en su narración claustrofóbica y sus sólidas actuaciones principales. El protagonista, Pedro, está atrapado en una espiral de deudas. El día previo al cumpleaños de su hija de seis años recibe un ultimátum para devolver el dinero a un prestamista. A eso debe sumarle una crisis con su expareja, con quien comparte una productora audiovisual, y todas las deudas a las que metió también a esa empresa. Tiene treinta y seis horas para saldar algunas de esas deudas y el desenlace puede ser trágico. Si queremos interpretar este film como una crítica social le estaríamos haciendo un daño más que un favor. No sé si hay un discurso político detrás, pero no sería eso lo mejor del film. Pedro tiene deudas y una bola de nieve que en nada se relaciona con el mundo exterior, sino con su psicología y su forma de comportarse. Lo interesante del film es la violencia desesperada del protagonista, sus pequeños y breves ataques de violencia, sus diferentes maneras de reaccionar frente a la desesperación. Allí está el triunfo de la película, su capacidad para describir las contradicciones del personaje. Si hay algo más allá de eso, no tiene ni el peso ni el valor de ese angustiante relato en primera persona.
Yo nena, yo princesa es la versión cinematográfica del libro de Gabriela Mansilla, quien allí contaba la historia de su hija Luana y el recorrido que la familia realizó para entender el conflicto de identidad de esta niña trans. La película comienza con la ignorancia sobre el tema, la angustia de los padres y los primeros indicios que darían con las respuestas que tanto buscaban. En la primera mitad de la película el realizador consigue que todo ese proceso sea comprensible, lógico y emocionante. Los momentos de angustia, soledad y desamparado que poco a poco mutan a una lucha por la identidad. Una hora de película inicial que es convincente y humana, ganando claramente la pelea por la comprensión, aportando luz sobre un tema complejo. Solo algunas escenas con cámara lenta y subrayado musical hacen mucho ruido en esta primera parte del film. La narración convencional, por otra parte, es una aliada de una historia que necesita que el espectador se concentre en los personajes y no en la forma. Justamente por eso las varias escenas en cámara lenta hacen un ruido terrible. Pero la película no cree en su propio discurso ni en la propia historia. Más de un cuarto de película, toda la última media hora final, es una agotadora y vulgar bajada de línea didáctica, cuyo tono educativo es completamente anti cinematográfico. El maniqueísmo de la historia alcanzo un punto de no retorno y la película cae en picada. Antes del comienzo de la película unos veinte carteles indican todos los organismos que quieren formar parte del proyecto y colgarse la cucarda de estar allí. Al final queda claro que esta película es solo un folleto explicativo y que el cine es solo una excusa para el discurso. Tal vez siempre lo es, solo que a veces una obra artística es capaz de darle un envase que vale la pena. Lamentablemente este panfleto no lo es. Borra con el codo lo que había conseguido escribir claramente con la mano al comienzo.
Terremoto 8.5 es una película de cine catástrofe y acción del año 2019 realizada en Corea del sur y cuyo título original es Baekdusan. No es sorprendente que el cine de ese país entregue grandes espectáculos cinematográficos, pero la buena noticia es que están llegando más de estas películas a las salas de estreno de Argentina. Entre los premios al cine coreano y el éxito de sus series, suena razonable que se hayan abierto un poco más las compuertas y se haga un poco de justicia a nivel exhibición. El título de estreno local se centra en el terremoto que dispara el conflicto, pero la película no exclusivamente eso. Corea ha sufrido una catástrofe pero no será la última, en pocas horas habrá otros terremotos que prácticamente arrasarán con el país. Un científico (Ma Dong-seok) tiene una teoría que puede salvar el destino de la nación. Hacer detonar una bomba atómica en unas minas cercanas a donde un volcán hará erupción, centro del desastre. El problema es que ese lugar está entre la frontera entre Corea del Norte y China. Si bien el gobierno norcoreano ha quedado demolido por el terremoto, aun no está totalmente liberado el territorio y, por supuesto, la amenaza de una detonación junto a China puede desatar un desastre aún mayor. El elegido para la misión suicida es Jo In-Chang (Ha Jung-woo) capitán de un equipo de fuerzas especiales, él deberá dejar atrás a su esposa embaraza y adentrarse en territorio enemigo para contactar a Lee Joon-Pyeong (Lee Byung-hun) parte a su vez del Ministerio de las Fuerzas Armadas del Pueblo de Corea del Norte, pero condenado en su país. La película tiene todas las grandes, y siempre un poco pasadas de rosca, escenas de cine catástrofe del cine coreano y también una gran historia de acción y aventuras con el grupo que debe realizar esta misión imposible. Hay más subtramas, porque si algo no le falta a la película es material, aun cuando la acción se centre en pocos personajes. El cine surcoreano juega mucho con las tensiones que posee con Corea del Norte y también las relaciones con Estados Unidos. Esta película tiene un sentido del entretenimiento muy afinado y logra muchos grandes momentos de acción y suspenso. Las piezas funcionan, más allá de los mencionados excesos con los terremotos. Pero el cine catástrofe tiene sus reglas y no se le puede reclamar tanto por ese lado. Lo que funciona, funciona y acá todo va a buen ritmo. Grandes estrellas que trabajan con convicción y le dan más fuerza aun a una película muy divertida.
Una empresa ha creado un nuevo dispositivo que es furor: un amigo robot, como un huevo del tamaño de una mascota, que sabe todo sobre su dueño niño adolescente. Una computadora que simula ser tu mejor amigo y reúne todo tu información y te conecta con el mundo. Todos tienen uno y están obsesionados con él, excepto Barney, un solitario muchacho que vive con su padre y su abuela. Al no tener su robot, queda aislado del resto el día de su cumpleaños. Su padre no llega a comprarle uno en la casa que los vende, por lo que termina adquiriendo uno fallado que se ha caído del camión que los transporta. El niño solitario y el robot aislado tendrán mil problemas, pero obviamente son el equipo perfecto que lo cambiará todo. Esta película no es de Pixar, pero fue realizada con un grupo de personas que parece haber estado espiando a Pixar desesperadamente. Cae en el lugar común de la tendencia anti-tecnología y obviamente la empresa fuera de control es, como siempre, una copia de Apple. No importa tanto, porque un golpe de timón a tiempo sirve para decir que todos tienen un poco de razón, que un poco de aquí y un poco de allá, en un sano equilibrio, servirá para que todos seamos felices. Visualmente aceptable, cae en el mismo problema que varios títulos de Pixar, el arranque es más poderoso que el final excesivo, lanzado a una aventura demasiado grandota como para ser emocionante. Mucha rutina, pero seguramente algún niño la disfrutará, porque el estudio de mercado con el cual la escribieron así lo indica.
Francia, 1770. Marianne, una pintora, recibe un encargo de una condesa que consiste en realizar el retrato de bodas de su hija Héloïse, una joven que acaba de dejar el convento y que tiene serias dudas respecto a su próximo matrimonio. Marianne tiene que retratarla sin su conocimiento, por lo que se dedica a investigarla a diario y armar el retrato a partir de lo que observa. Poco a poco ambas mujeres se acercan y comienzan un romance a escondidas. Céline Sciamma arma un film con la astucia exacta para respetar tanto la tradición del cine francés acartonado y listo para ser premiado como la ideas actuales de lo que debe ser un film valorado ideológicamente. Toda la belleza visual que la película consigue se empantana una y otra vez por estas ideas de la realizadora. El resultado es efectivo para su plan, al film no le han faltado premios y ha sido muy valorado por la crítica. Pero con un poco de atención se le notan todos los clichés del cine qualité y la bajada de línea, que es asombrosamente torpe y anticlimática. Hay varios elementos destacables, instantes que funcionan, pero hay una pesadez que se termina imponiendo. El mejor ejemplo, sin spoilers, es la escena final, que tiene dos planos con los que la película cierra. Uno es inteligente, sugestivo, lleno de inteligencia, melancolía y romanticismo. El otro, por el contrario, es la necesidad de adoptar una postura, sacar conclusiones, obligar a que todos quedemos con una sola idea posible. Es el resumen perfecto de una película que pierde todo su potencial cinematográfico, tal vez sea una síntesis perfecta del cine actual.
Ruby (Emilia Jones) es una joven de diecisiete años y única miembro con audición de una familia de sordos. Ella trabaja por la mañana, antes de ir a clase, con sus padres y su hermano en Gloucester, Massachusetts, tratando de mantener a flote su negocio pesquero. Cuando Ruby, que ama cantar, decide probar suerte en el coro de su instituto, se le presenta frente a sí un nuevo destino que la puede terminar alejando de su familia. Su profesor de canto (Eugenio Derbez) la anima a que se dedique a la música, pero Ruby no puede hacer compatible ambas partes de su vida. Coda, un juego de palabras entre el sentido musical del término y el acrónimo de Hijo oyente de padres sordos (Child of Deaf adults), es una remake de un film francés del año 2014, pero con muchas diferencias, entre las cuales, aparece, por ejemplo, que los tres personajes sordos están interpretados por actores sordos en la vida real y con una extensa filmografía detrás: Marlee Matlin, Troy Kotsur, Daniel Durant. Independientemente de si es obligatorio ser sordo para interpretar a uno, la verdad es que la autenticidad y simpatía de los personajes es inobjetable. La película tiene genuinos momentos de humor vinculado con las diferencias entre el lenguaje hablado y el de señas. Y por supuesto la película no escatima en momentos de emoción. Es una película para sentirse bien y para lagrimear sin culpa. El guión tiene todos los trucos que se pueden imaginar y todos funcionan sin problemas. Nada revolucionario o novedoso, pero siempre efectivo y lleno de humanidad, mérito también del gran elenco que la película tiene.
Cuentos de chacales es un film del año 2017 escrito y dirigido por Martin Farina. En menos de una década este realizador a construido una obra muy valorada, con películas más conocidas que otras y con resultados desparejos. Sus títulos más logrados llevan a sentir por él una admiración y un interés que protege a sus títulos más fallidos. O tal vez la palabra adecuada sea experimentales. Todo cine tiene algo de experimental, en definitiva, pero se usa esa palabra para definir a films no narrativos, con una estructura y mezcla de códigos que queda en primer plano y el espectador no puede obviar. Farina juega con lo autobiográfico y familiar y lo completamente enigmático y abstracto. Construye imágenes sugestivas, capaces de transmitir cosas muy complejas, difíciles de expresar en el cine, una aprovechamiento de los sentidos que son lo más fuerte de este título. Pero eso no arma una película. La mezcla se vuelve tediosa por momentos y poco interesante en muchos otros. Las búsquedas de Farina a veces dan en el clavo y a veces, como aquí, definitivamente no lo hacen. Otra definición posible de cine experimental es justamente eso: experimentos que a veces fallan. Cuando eso pasa, el espectador tiene poco para hacer o disfrutar.
Cuando uno ve Duna se pregunta si se trata de una de las películas más pretenciosas, aburridas y feas de la historia del cine. Al terminar de verla un poco de reflexión lleva a concluir que hay películas más feas, también algunas más aburridas y, aunque no vengan a la memoria, es posible que algo más pretencioso que esto haya existido alguna vez. La memoria, que intenta protegernos de las experiencias traumáticas, es posible que nos haya hecho olvidar de esas películas, pero sin duda Duna es de una pretenciosidad difícil de soportar o perdonar. Dos horas y treinta y cinco minutos difíciles de llevar, más aún sabiendo que en esos 155 minutos solo nos están contando la mitad de la historia. La película termina en cualquier lugar, porque claramente es media película. En el cine clásico hubiera habido un intermedio y por el precio de la misma entrada hubiéramos visto el resto. Y claro, hubiera durado menos, además de ser más bella y entretenida. Pero no hay más cine clásico, solo cineastas sobrevalorados como Denis Villeneuve. Duna Primera parte es realmente media película. Cuesta imaginar que alguien quiera algún día volver por más, porque la experiencia es verdaderamente insufrible por donde se la mire. Los admiradores de los libros podrán argumentar lo que quieran, porque seguramente cuánto más larga sea la adaptación, más cosas entrarán. Pero el chiste de toda buena película, y Duna no lo es, está en que no dependa del libro que adapta para ser interpretada o disfrutada. La historia es bastante sencilla, más allá de los detalles y las ideas detrás del guión. En el año 10191 Arrakis, un planeta desértico, feudo de la familia Harkonnen desde hace generaciones, queda en manos de la Casa de los Atreides después de que el emperador ceda a ésta la explotación de las reservas de especia, una de las materias primas más valiosas de la galaxia y también una droga capaz de amplificar la conciencia y extender la vida. El duque Leto Atreides acepta la administración del peligroso planeta aunque sabe que es una trampa. Atreides se dirige a Arrakis, también conocido como Duna, junto a su concubina Bene Gesserit Lady Jessica, su hijo y heredero Paul, además de sus más fieles asesores. La trama política se combina con la religiosa. El misticismo típico de las películas de ciencia ficción aparece acá repitiendo lo que todos conocemos y disfrutamos en docenas de otras películas, aunque aquí no podemos divertirnos, acá todo tiene una gravedad total, carente de humor, suspenso o acción. Duna tiene algunas referencias a Apocalypse Now. El Barón Harkonnen (Stellan Skarsgård) coquetea con el personaje del coronel Kurtz interpretado por Marlon Brando en el film de Coppola. También hay referencias visuales a Excalibur, Lawrence de Arabia y muchos otros films, aunque en todos los casos los originales son mejores. El timing de cada escena del film de Villeneuve es insólito. Hay una intención de achatar la acción, quitarle nervio, aplanarla y convertirla en un martirio. No hay error alguno, el director lo quiere así y se nota. Las actuaciones tienden a lo mismo. Los actores son muy famosos, así que es evidente que los aplastaron para que vayan con la misma parsimonia de bronce que todo el film tiene. Pero el peor de todos es, como no podía ser de otra manera, el protagonista, que debe cargar sobre sus hombros un personaje que le queda grande, incómodo, poco creíble, fuera de todo lo que él es. Timothée Chalamet puede que tenga algunas buenas actuaciones y no es su culpa el saco que le han puesto aquí. Cargado de gravedad, exento de cualquier simpatía, deambula como un imposible elegido en un mundo de colores apagados, como toda la película. En 1984 todos coincidieron en que la versión de David Lynch era fallida. Con 137 minutos apenas se podía entender lo que el director había filmado. Aparecieron otras versiones pero nada que hiciera la diferencia. Fallida es una palabra interesante, porque es todo lo contrario a la versión del 2021, al menos en esta primera parte. El film de Villeneuve es cualquier cosa menos fallido. Ha dado en el clavo de todo lo que el director ha querido y todo indica que nadie le puso límites ni le amputó su obra. Y lo irónico es que David Lynch fallido es mucho más interesante, divertido y lleno de hallazgos visuales que este mamotreto hecho tal cual su director soñó. El elenco del film de 1984, también descomunal, se divierte más y logra una química con la historia que acá no existe. Podría haber sido de animación esta nueva versión y no hubiera cambiado nada. Un poco de gracia causa Javier Bardem convertido en el Anthony Quinn del Hollywood actual, pero ese es un mérito dudoso, de todas maneras. Cuesta creer que la segunda parte traiga algo mejor que esto, al contrario. Habrá que recordar los eventos narrados acá porque es poco atractiva la idea de un repaso. Será también un acto de generosidad pasar por alto las alegorías políticas acerca de la lucha por el petróleo en oriente medio, porque huelen a progresismo culposo plagado de obviedades. Incluso una referencia a la muerte de Ernesto Guevara hace pensar que el director es más irresponsable y banal de lo que uno creía. En cualquiera de los casos, Duna Primera parte promete ser una de las películas más sobrevaloradas de la historia, lo que no sorprende, ya que su director es uno de los realizadores más sobrevalorados que existen.
El título de estreno en Argentina de Chernobyl es Chernóbil: La película en claro deseo de separarse de la excelente miniserie de HBO del año 2019. Por supuesto que la historia tiene que ver con el desastre nuclear ocurrido en Chernóbil en el año 1986, pero desde los títulos se aclara que se trata de personajes ficticios creados para la película. La pandemia postergó un año el estreno de esta película que en muchos lugares se anunció como la respuesta rusa a la miniserie norteamericana. Dicho así, parece una respuesta política que conversa con la historia que contó HBO, pero no es tan así. Al crear personajes de ficción, la película se libera de los reclamos puntuales y pasa por alto todo lo que llevó al desastre, pero está justificado por tratarse de una historia en primera persona. Chernóbil: La película se concentra en una historia de amor y en el heroísmo de los liquidadores que fueron la primera línea a la hora de combatir una catástrofe sin precedentes. La miniserie ya daba cuenta de ese heroísmo absoluto y del sacrificio que hicieron estas personas para evitar que las cosas se pusieran aún peor de lo que finalmente fueron. Pero en sus cinco episodios ponía también mucho énfasis en los responsables de lo ocurrido y su intento de ocultarlo. La película no lo hace, y tal vez eso podría considerarse una lectura política. Sí hay un par de apuntes sutiles, pero aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos. Irónicamente, la película rusa se construye a partir de las estructuras clásicas del cine de Hollywood. Para contar un evento histórico se elige una pareja protagónica, se incluye un niño, hay romance, heroísmo, sacrificio, drama. A diferencia de un film clásico, la película no conmueve en ningún momento, aun cuando tenga escenas impactantes. Sí es más efectiva a la hora de contar la convicción del protagonista de hacer lo que corresponde en circunstancias inusualmente extremas. Sin embargo, no hay forma de que esta simple película del montón compita con la grandeza de la miniserie, que es emocionante, espectacular, compleja y poderosa en todos los aspectos. La película está dedicada a los liquidadores de Chernóbil, lo que queda claro desde la escena inicial. La miniserie también los honra, pero también saluda a quienes buscaron justicia y, por extensión, fueron los primeros en homenajear a las víctimas al buscar la verdad.
En 1977 Ridley Scott se dio a conocer en todo el mundo por su opera prima, llamada Los duelistas, un film de época basado en el libro de Joseph Conrad. En el 2021, uno de los films que estrenó el realizador se llama El último duelo y vuelve a ser un film de época. En el medio dirigió títulos tan diferentes como Alien (1978), Blade Runner (1982), Thelma & Louise (1991), Gladiator (2000) y The Martian (2015), dentro de docenas de títulos con los más variados resultados. Un realizador con una carrera gigantesca y despareja, que en el 2021 volvió a dar que hablar. El último duelo transcurre en Francia en el año 1386. Comienza con un duelo entre el caballero Jean de Carrouges (Matt Damon) y el escudero Jacques LeGris (Adam Driver), al acusar el primero al segundo de abusar de su esposa, Marguerite de Carrouges (Jodie Comer). El Rey Carlos VI (Alex Lawther) ha decidido que la mejor forma de solucionar el conflicto es un duelo a muerte. El que gane será el poseedor de la verdad y, en caso de que venza LeGris, la esposa del caballero será quemada como castigo por falsas acusaciones, ya que es ella quien denunció al escudero. El guión está basado en una historia real escrita por Eric Jager: The Last Duel: A True Story of Crime, Scandal, and Trial by Combat. El guión lo escribieron Ben Affleck, quien en la película interpreta a Pierre d’Alençon, y Matt Damon, los mismos que ganaron el Oscar a mejor guión por Good Will Hunting (1997). En esta ocasión, sin embargo, sumaron al equipo a la guionista y directora Nicole Holofcener para lograr un punto de vista femenino en la historia. Un guión escrito de a tres para una historia que está narrada tres veces, con tres puntos de vista diferentes. De hecho, ese es el gran hallazgo e interés de El último duelo. Lo que se podría llamar narración estilo Rashomon (1950) de Akira Kurosawa. El prólogo y el epílogo están fuera de esta estructura que es menos ambigua que en otros films de este estilo. Se podría imaginar que toma partido y que de las tres verdades una es la que vale. La escena final, sin embargo, es bastante ambigua, pero no la anticiparemos aquí. Lo que Scott y la historia buscan destacar es la estructura medieval donde las mujeres se encontraban en una situación de mercancía y que, como en este caso, su única posibilidad de defenderse era la victoria de su marido. La derrota de él, puede ser la muerte de ambos. Las ideas medievales, no muy alejadas a las de algunas culturas actuales, están captadas por el guión. Podrá tomarse como un film a la moda y de acuerdo a los vientos que soplan, pero occidente no está tan mal en ese tema, si acaso existe una denuncia, debe ser apuntada a los medievales del siglo XXI, que los hay en muchos países todavía. Sin embargo el corazón de la película, mal que le pese a los guionistas, está en como Ridley Scott filma la acción. El duelo es espectacular, dramático, lleno de suspenso. El director regresa a su mejor forma y demuestra porque ha llegado hasta aquí. Incluso su trabajo le aporta una mayor riqueza al discurso y lo vuelve más complejo. Ridley Scott es un director muy visual, por eso sus mejores películas son las que deslumbran por ese lado. El último duelo, es un espectáculo de primer nivel, de lo más sólido que ha hecho Scott en los últimos años. Qué le haya ido mejor a la mediocre La casa Gucci (2021) que este film, no dice nada malo del veterano director, sino más bien de los espectadores y de la forma en la que actualmente se piensa el cine.