Cosas que pertenecen al cine: grandes cocodrilos con ganas de atacar y/o comer gente. Gracias a todos los que hacen películas con estos animales como protagonistas. Devorado vivo (Eaten Alive, 1976), El cocodrilo mortal (Alligator, 1980), El cocodrilo (Lake Placid, 1999) e Infierno en la tormenta (Crawl, 2019) son algunos ejemplos de películas que supieron explotar el potencial de cocodrilos y afines en el cine. Mucho antes el cine de aventuras en África también los había aprovecha para alguna escena culminante. Mil películas de bajísimo presupuesto también han explorado los límites de la tolerancia de los espectadores al delirio. Amenaza bajo el agua (Black Water: Abyss, 2020) es una secuela de Black Water (2007) y transcurre también en el norte de Australia. Luego de un prólogo que deja en claro el peligro que acecha en las aguas de un sistema de cuevas, la película se centra en un grupo de amigos que exploran el lugar y se meten en serios problemas con los cocodrilos. Sin ningún brillo en particular, la película se sumerge en la rutina y tiene algunos buenos saltos. El final, sin embargo, tiene una esperable y saludable vuelta de tuerca. Un coletazo que es agradecido por los fanáticos de este raro subgénero.
Los Santos de la mafia (The Many Saints of Newark, 2021) es una precuela de la mítica serie Los Soprano (The Sopranos, 1999-2007). Su creador, David Chase, tuvo dudas acerca de este proyecto, pero cuando vio que podía mezclar ciertos eventos reales ocurridos entre fines de los sesenta y principios de los setenta, aceptó que la película se hiciera. Lo cierto es que este proyecto es mucho más que una película, es claramente el puntapié inicial para otros largometrajes o una nueva serie. Esa especulación es lo que le juega un poco en contra a esta película que en líneas generales está bastante bien y tiene vida propia hasta llegar al desenlace y delatar su necesidad de seguir la historia. Una historia de gángsters contada no tanto desde los crímenes en sí mismos, sino desde las vidas personales de los principales personajes. Con un Tony Soprano niño y luego adolescente que está como Michael Corleone al comienzo de El padrino, es decir afuera del lado oscuro de su familia. Una guerra por el poder que crece poco a poco y el origen de los personajes que todos los seguidores de la serie conocen. El verdadero protagonista tal vez sea Dickie Moltisanti (Alessandro Nivola) el tío favorito de Tony, un personaje lleno de conflictos, un criminal que arrastra su culpa y fluctúa entre la necesidad de actores generosos y los peores crímenes. Varias escenas memorables nos regala este gran personaje. Ray Liotta, por otra parte, guarda una sorpresa en su participación en la película que es también brillante. Más sofisticada que un capítulo de una serie de televisión, pero tampoco con categoría de clásico del género. Los apuntes sociales con el levantamiento de los afroamericanos y los saqueos en la ciudad tal vez la sacan de la tradicional historias de mafiosos, pero no necesariamente la vuelven más interesante. Lo mejor de la película son los gángsters, sin duda. David Chase parece decirnos que acá hay material para al menos una temporada completa del joven Tony Soprano y su llegada al poder. Como dato de color, el Tony adolescente es interpretado por Michael Gandolfini, hijo de James Gandolfini, el Tony Soprano de la serie.
Sin tiempo para morir está en una permanente tensión entre ser una película de James Bond y no querer ser una película de James Bond. Esa es la marca de la era de Daniel Craig, por otro lado, una era que ha llegado a su fin. En su más de dos horas y media de duración la película ofrece genuinos momentos de 007, como la escena en Italia, con auto con trucos y todo, pero en general parece avergonzada de su pasado y busca llenar la planilla de la corrección política y la diversidad como la más aplicada y miedosa de las películas actuales. Si tanto les molesta James Bond, entonces hagan otra película, uno podría decirles. Desde el nacimiento del personaje su influencia se ha extendido a todos los países, todas las razas y todos los géneros. Géneros sexuales y cinematográficos, hay que aclarar. Bond cambió la historia del cine y docenas de series y películas extraordinarias nacieron como consecuencia del legendario agente británico. Hay mejores películas de James Bond fuera de la franquicia y de su nombre, pero que no hubieran existido sin el personaje creado por Ian Fleming. Daniel Craig se toma muy en serio todo, tal vez demasiado, pero no se le puede negar que está comprometido con la historia. El villano está interpretado muy mal por Rami Malek, cosa que no sorprende, y hay varios secundarios que son un mamarracho. La película entra y sale del mundo Bond, el director logra grandes planos que lamentablemente están todos anticipados en el tráiler, pero quien no lo haya visto disfrutará esos grandes momentos por primera vez. Los aliados del agente están todos bien, son sólidos, forman parte del mundo de 007, chistes incluidos. Y para los conocedores de la franquicia, la película tiene una fuerte conexión con Al servicio secreto de su majestad (1969) la única película de James Bond protagonizada por George Lazenby, el reemplazante de Sean Connery. Aquella historia no se parecía en nada a lo que venían siendo estos films y ponía el acento en la historia de amor, algo que también ocurre aquí. La frase y la canción We Have All The Time In The World marcan un sello definitivo entre ambos films. Ambos films rompían con la tradición y buscaban algo nuevo. Pero el film de Lazenby igual mantenía el espíritu y no se alejaba del todo de su origen. Sin tiempo para morir consigue momentos de cine. Espectaculares, filmados con estilo, con genuina y efectiva tensión. Son varios y están bien. Renuncia, por otra parte, al humor. Una de las cosas más genuinas de James Bond era su humor. Consciente de sus disparates, los guiones incluían una fuerte dosis de humor y esto hacía todo más divertido. Craig tiene un sentido del humor nulo y sus películas son un bodoque de granito en ese aspecto. Con sus virtudes y defectos, son terriblemente solemnes. Hacer un James Bond que no sea James Bond es una proeza tan difícil como inútil. Pagar la entrada para ver justamente a un personaje al que el cine le ha dado forma y no otra cosa. Como decía un personaje de El hombre quieto de John Ford cuando le ofrecían poner agua en su whisky: “Cuando tomo whisky, tomo whisky, cuando tomo agua, tomo agua”. Bueno, cuando uno mira una película del agente 007 quiere eso, no un melodrama romántico. Y cuando quiere un melodrama romántico, no busca a James Bond. Qué pase el que sigue.
Infidelidad mortal (A Affair to Die For, 2019) tiene el título en castellano que se merece. Esta aberrante, aburrida, absurda y anacrónica película de suspenso parece sacada de lo peor de la década del noventa, pero sin la gracia incorrecta de aquellos años. Un marido que ha descubierto la infidelidad de su esposa obliga a su amante a la que mantenga encerrada en un hotel de lujo mientras él tiene secuestradas a la hija y la esposa del infiel. Plan absurdo, pero no gracioso, inverosímil, pero sin diversión. Con vueltas de tuerca que le permite extenderse pero que no mejoran para nada la trama. Y el sueño, gracias a Dios inconcluso, de hacer de esto una saga. Insólito. Ochenta y dos minutos ridículos desperdiciados no solo por los espectadores sino también por los que participaron de la película. Aunque ellos, debe ser aclarado esto, cobraron un sueldo. A nosotros
Hay algo interesante y rescatable en Ainbo: la guerrera del Amazonas relacionado con la manera en la que muestra la cultura amazónica y su mitología, incluyendo los personajes centrales. Este concepto es muy bueno y la diferencia de otras películas. También los personajes centrales, su vestuario e imagen es muy original, al respetar, en general, las reglas de las comunidades del Amazonas. Pero ahí terminan sus méritos, porque por lo demás se trata de un film de animación de manual, que roba aquí, allá y en todas partes. Reniega de la tecnología y los avances, pero es un film de animación digital para ser comercializado en salas de todo el mundo. En lugar de centrarse en todo lo bueno que quiere reivindicar, se niega a atacar. La combinación entre la magia y el misticismo con el discurso político hace mucho ruido y desarma a una película que, aunque es coproducción entre Holanda y Perú, igualmente está hablada en inglés.
El marido de Beth (Rebecca Hall) se ha suicidado pegándose un tiro en la cabeza. Lo hizo en un bote frente al lago de la casa donde ambos convivían. Ella se queda a solas en la casa mientras intenta entender lo que pasó y una enigmática carta que él le ha dejado. Aunque no cree en fenómenos sobrenaturales debe ceder frente a la evidencia de que hay una presencia en la casa. Decide entonces investigar más sobre su marido para entender su muerte, descubriendo en el camino secretos espantosos. Hay tanto cine de terror en la actualidad que es muy fácil darse cuenta cuando una película del género está por encima del promedio. La manera en la que construye la narración, la rigurosa manera en la que evita los lugares comunes y los golpes de efecto, todos detalles que van sumándole a la historia. En este caso hay que sumarle el poner a una actriz de primer nivel el peso de la historia, algo imposible con alguien menos capacitado para el rol. Algunos momentos genuinamente terroríficos le dan al fanático del género lo imprescindible para aprobar esta apuesta más inteligente que espectacular. Y la muerte, el gran tema del terror, acá aparece en el centro y en los costados. En el pasado, en el presente y en el futuro. La tristeza de la soledad, la angustia del vacío, la posibilidad de que no haya nada más allá de la vida. Con sutiles apuntes la película toca todos esos temas y es allí donde encuentra el verdadero terror que angustia a los espectadores.
El veterano director francés Claude Lelouch alcanzó el punto más alto de su carrera en 1966 cuando dirigió Un hombre y una mujer (Un homme et une femme) protagonizada por Anouk Aimée y Jean-Louis Trintignant, dos verdaderas leyendas del cine francés que también tocaron un punto algo de sus extensas filmografías en esta película. Incluso la música compuesta por Francis Lai se transformó en un clásico absoluto. Un hito dentro de la historia del cine romántico, una película muy popular en todo el mundo. Como los mosqueteros, los tres regresaron veinte años más tarde para seguir la historia. Un hombre y una mujer: 20 años después (Un homme et une femme, 20 ans déjà, 1986) no tuvo el mismo éxito, pero como ejercicio cinematográfico resultó interesante. Pasaron ahora treinta y tres años más y Los años más bellos de una vida (Les plus belles années d’une vie, 2019) los vuelve a reunir. Como la trilogía de Antes del amanecer de Richard Linklater pero extendida aún más en el tiempo. Como la saga de Antoine Doinel dirigida por François Truffaut, pero sin la misma sofisticación. La película apuesta todo al salto de tiempo violento y a meterse con un tema menos habitual para el cine romántico, la vejez y el deterioro físico y mental. Siendo los tres, Lelouch, Aimée y Trintignant personas nacidas en la década del treinta, la película juega con la ficción y la realidad de forma contundente. La película habla tanto de ellos como de los personajes. Con momentos que son dolorosos y algo angustiantes, con otros luminosos y hasta cómicos, vemos a las dos estrellas jugar con la ficción y el documental. Ser ellos y ser los personajes. La película, para enfatizar las ideas, incluye escenas de los dos films anteriores. Pero Lelouch no busca amargar al espectador, más bien lo contrario. Todo resulta emotivo y movilizador. Tal vez no significa nada para quien no los conozca, pero para los que sí los conocen, la cita es obligada.
Christian Petzold es un cineasta alemán que ha logrado estrenar varias películas en Argentina, por lo cual su filmografía es bastante conocida en nuestro país. Valorado por muchos, su cine ha caído bajo la protección de la crítica, aun cuando no ha hecho hasta ahora ninguna película relevante. Aun así, Undine tiene el raro privilegio de ser un peor película. Con un realismo mágico germano nos sumerge en una historia que juega a dos puntas, un melodrama duro que se combina con un imaginario poético incómodo y tonto. Lo que podría haber sido un film complejo u original, es un ejercicio un tanto bochornoso. Queda cubierto por una narración pausada y solemne, alemana en el peor sentido, siempre con aires de importancia. Imposible que se le escape un sentimiento a pesar de tener en su centro una historia de amor. Hollywood ha sabido como manejar el cine romántico y el fantástico mucho mejor de lo que se aquí. Las sirenas han dado un material más profundo a Disney que al Petzold, embriagado su propio juego, deslumbrado por una película tan burda como superficial. Casi todo lo contrario a las posibilidades del cine.
Spirit: Indomable (Spirit Untamed, 2021) es una secuela de la película Spirit: El corcel indomable (Spirit: Stallion of the Cimarron, 2002) que a su vez tuvo una serie en el año 2017. Esta vez la niña protagonista, llamada Lucky, viaja con su tía a reencontrarse con su padre viudo. En el camino en tren verá a un caballo salvaje que se convertirá en su amigo, no sin antes pasar muchas aventuras para finalmente estar juntos. Poco interesante historia con una animación particularmente carente de originalidad o impacto. Historias de amistad entre niñas y diferentes razas, con un espíritu de corrección política que parece genuino. Lucky deberá, además, reconciliarse con la imagen de su madre muerta, la más grande jineta de caballos, amada por todos, pero cuya muerte es un doloroso recuerdo en la familia. Simple, sin demasiada gracia, correcta y aburrida, pura rutina sin aires de clásico del género.
Cincuenta años atrás una estrella del cine llamada Clint Eastwood debutaba como director con Play Misty For Me. Tenía cuarenta años y varios éxitos en su carrera. 1971 también fue el año de otro salto gigante al protagonizar Harry el sucio. El actor y el director crecieron en paralelo durante las siguientes décadas y poco a poco se transformaron en uno. También productor de muchos de sus films, cuando le preguntaron a Clint Eastwood como pudo construir una filmografía tan prolífica, taquillera y personal él solo se limitó a decir: Nunca me pasé de presupuesto, nunca me pasé de los días de rodaje planificados. En un mundo que hace culto del artista caótico, autodestructivo y problemático, Eastwood hizo una carrera extraordinaria sin tanto show ni provocaciones. Esa carrera personal tuvo toda clase de films, más livianos, más siniestros, más ambiciosos o más humildes. Algunos se volvieron clásicos de todos los tiempos, otros pasaron sin pena ni gloria. Pero tanto como actor como director, Clint Eastwood ha logrado construir una obra gigantesca. Cada nueva película es una marca más en ese camino. Cuando uno analiza una nueva película de Clint Eastwood, sabe que con cada papel incluye todos los que ha hecho antes como actor y todos los temas, obsesiones y estética de toda su filmografía como realizador. Él también lo sabe y Cry Macho no es una excepción a esta regla. Cada nuevo film charla con todos los anteriores. Mike Milo (Clint Eastwood) es una vieja estrella del rodeo cuya edad dorada ha quedado atrás hace mucho tiempo, luego de una lesión. Un viejo amigo y empleador, Howard Polk (Dwight Yoakam) quien lo había despedido en 1979, lo llama un año más tarde para pedirle un favor. Mike deberá ir a buscar a Rafael (Eduardo Minett), el hijo de su exjefe, a México, donde vive con su madre. El joven, ahora adolescente, es más problemático de lo que parece y la madre tal vez no quiera que se lleven a su hijo. El trabajo no es tan sencillo como parece. Para Clint Eastwood esta es una historia que le permite volver sobre sus temas favoritos. La idea del legado, de la enseñanza, de la paternidad. Desde Honkytonk Man a Gran Torino, pasando por Un mundo perfecto, Poder absoluto y Million Dollar Baby, Clint Eastwood se pregunta acerca de los modelos que van marcando la vida de los jóvenes. Este tema aparece en más títulos, pero en estos títulos está más presente. Cry Macho invierte algunas de sus fórmulas favoritas, pero siempre juega con ese tema. En algunos de sus films su personaje es capaz de cuidar y salvar a los jóvenes, dándoles un mejor futuro, a veces fracasa y el tono del film es oscuro y desesperado. En la mayoría él se ofrece en sacrificio para la salvación de la siguiente generación. En Cry Macho hay tres personajes importantes, una trinidad que se une y se protege. Mike, Rafael y Macho, el gallo de riña del joven. La ausencia de uno haría la supervivencia de los otros. Mike se convertirá en el maestro de Rafael, quien desde México idealiza y ama la vida de los cowboys. Pero Mike aprenderá también del joven e iniciará un camino hacía su redención. Mike no tiene un pasado malo, tan solo un dolor el cual no ha podido escapar durante años. Ya no es el viejo malhumorado de gran parte de los últimos films de Eastwood, sino más bien un hombre que carga con una angustia que lo ha ido consumiendo poco a poco. Estéticamente la película sigue la línea clásica de Clint Eastwood y en la escena inicial está todo dicho. El viejo cowboy yendo en su viejo pickup a ser despedido. Eastwood hace westerns crepusculares desde el comienzo de su carrera, más allá de algunas despedidas más concretas. Pero se mantiene leal a su estilo y a la nunca llamativa forma clásica de filmar. ¿Cuántos directores revolucionarios llegaron y se fueron en estos cincuenta años mientras Clint sigue adelante? Aquí va, como los grandes veteranos que él tanto admira, a lo sencillo, lo simple, lo esencial. Sus temas y su estética despojadas de cualquier elemento extra. Con citas visibles a varios de sus films, haciendo un film contemporáneo y a la vez dentro del western, entrando en otra nueva década de su obra. Tiene su personaje femenino fuerte y noble, tiene una referencia religiosa poderosa, tiene la sabiduría de dudar y la grandeza de reconocer que las certezas se vuelven complicadas con el correr de los años. Estas son cosas que siempre han estado en su obra, pero aquí se concentran más, aparecen en estado puro. Hay una mirada más optimista que en algunos de los films mencionados. Este giro, paradójicamente, puede ser la señal de una despedida. Pero la verdad es que hace décadas que se despide. En lugar de pontificar y bajar línea, como suelen hacerlo con firmeza los mediocres, Clint Eastwood se sienta a escuchar y aprender. Es el héroe cowboy que siempre ha sido, pero se reserva un lugar más amable y menos espectacular. Sabe que sus años de gloria han quedado atrás. La novedad es que ahora no solo le preocupa su legado, también quiere encontrar un lugar feliz para él. Otro paso en una obra enorme. Clint Eastwood, cincuenta años dirigiendo cine de verdad.