Un ladrón de bancos que ha acumulado una fortuna de nueve millones de dólares en sus robos sin violencia ni armas. Cuando conoce a una mujer de la cual se enamora decide reiniciar su vida y ofrece devolver todo el dinero -que por algún motivo no ha gastado- a cambio de una condena mínima. Pero ese es solo el comienzo, porque cuando intenta hacer un acuerdo se encuentra con agentes corruptos que quieren quedarse con el dinero. El nombre original de la película es Honest Thief, mientras que el falso y estúpido título en argentina es Venganza implacable. Una traducción que explica mal la película y subestima al espectador. El talento de Liam Neeson para estos roles está intacto y Kate Walsh es una de las actrices más carismáticas y talentosas de su generación. Juntos hacen una pareja con mucha química y uno podría creer que con eso alcanza para disfrutar de esta entretenida película. Sin embargo el guión es muy pobre y está llenos de problemas. Situaciones que llaman la atención por lo mal resueltas, situaciones que no se sostienen de ninguna manera y hasta el espectador más distraído se da cuenta de que está mal resuelta gran parte de la trama. Un desperdicio actoral para una película que podría fácilmente haber sido mejor, como hemos visto en otros títulos protagonizados por este actor en los últimos años.
Escape Room 2: Reto mortal (Escape Room: Tournament of Champions, 2021) es una secuela de Escape Room (2019). Como su nombre lo indica, la película es una serie de escenarios creados artificialmente para que los protagonistas escapen antes de un tiempo límite. Si no lo consiguen, mueren. Una vuelta de tuerca le da una explicación a todo pero nada evita que sea una excusa para repetir la fórmula. Imaginación en la dirección de arte, ingeniosos artefactos y enigmas imposibles que los protagonistas resuelven de forma ridícula. En Estados Unidos y otros países del mundo están de moda los juegos de escape. Aunque nunca fui a uno de ellos, la película -salvo por las muertes- parece uno de esos films basados en juegos, es decir cosas no narrativas imposibles de transformar en buenas películas. Al mismo tiempo, la película juega con el sueño de ser una franquicia de muchos films. Difícil imaginar eso, pero peores cosas han logrado sobrevivir más años. Para ver algo más interesante con elementos parecidos recomiendo la serie japonesa Alice en Borderland.
El juego del miedo (Saw, 2004) y El conjuro (The Conjuring, 2013) convirtieron a James Wan en uno de los grandes realizadores de cine de terror contemporáneos. No fue su único vínculo con el terror, pero esas son dos películas que marcaron al género. Lamentablemente la multiplicación de secuelas, algunas buenas, algunas malas, hace que se pierda un poco el legado del realizador. Wan también pasó por la saga de Rápidos y furiosos, dirigiendo el film siete con notable oficio y fue el elegido para desaparecer como auto al quedar tras las cámaras dirigiendo las películas de Aquaman. Maligno (Malignant, 2021) es su nuevo propuesta dentro nuevamente del cine de terror. Madison (Annabelle Wallis) está embarazada y vive en Seattle junto a su pareja (Jake Abel), un hombre golpeador. Una noche, en medio de una violenta discusión él la ataca, golpeando su cabeza contra la pared. A partir de allí Madison comienza a tener visiones de crímenes horribles, particularmente sangrientos. Esas visiones son crímenes que ocurren en la realidad, por lo que Madison tiene una información que la convierte en una posible sospechosa. Nadie puede entender lo que realmente pasa, ni Madison misma. Tal vez algo en su pasado pueda explicar estos eventos. Los espectadores sabemos que es así por el prólogo de la película. James Wan tiene talento y eso se ve en la resolución de muchas escenas. Hay buenas ideas y momentos logrados, muy por encima del promedio. Pero a la vez, Wan hace algo que va en dirección contraria a sus mejores films, se lanza demasiados efectos visuales, es decir aquellos que se hacen con post producción, y no en rodaje. Los combina con los efectos especiales, claro, pero terminan ganando la batalla los primeros. El problema es que el abuso de este recurso vuelve inverosímil el esfuerzo por volver reales las escenas. La historia es un disparate de antología, pero cuando una película está lograda, los disparates los compramos sin dudar ni un segundo. Una buena dosis de sangre y asesinatos violentos renuevan el cariño de James Wan por el gore, pero una vez más, lo digital le gana a los físico y le quita impacto.
Dorados 50 cuenta muchas historias. Cuando su director, Alejandro Vagnenkos, entra en crisis por cumplir cincuenta años comienza a reflexionar sobre los cincuenta años de matrimonio que muchas parejas han alcanzado. Esa es la historia principal, la de la búsqueda del realizador. Pero a ese se le sumarán muchas otras, en particular la de un grupo de parejas que sentadas en un sillón sobre el escenario de un teatro contarán su relación. Con humor, un poco de emoción, con momentos muy logrados y con otros muy simples pero simpáticos. Este sillón con parejas de gente mayor es una idea completamente tomada de las parejas de Cuando Harry conoció a Sally… pero sin Nora Ephron ni Rob Reiner. El cine de Hollywood ayuda a mejorar nuestra cinematografía. No es un plagio, tan solo un punto de partida, después cada situación tiene su propia vida, sus detalles, su propio encanto. Menos efectivo es cuando el director busca ponerle simpatía y humor a su propia historia. Aunque logre transmitir la idea, algunas resoluciones no son tan felices como la dinámica de las parejas del sillón. El cierre es bastante obvio pero allí aparecen por suerte las parejas para derrochar simpatía y cerrar esta película.
Si After (2019) era una película prácticamente intolerable el lector podrá adivinar los caminos que transita esta tercera parte. La idea de un drama romántico erótico juvenil dividido en tres largometrajes es un desafío para el espectador y todo un festín para los fans. Porque sin clientes, no hay estos bodrios. After: Almas perdidas (After We Fell, 2021) narra los conflictos de los protagonistas que incluyen separación por el trabajo, traumas familiares y peleas varias. Todo esto con una asombrosa capacidad de narrar de forma aburrida y sin gracia cada una de las escenas. La tibieza de la película la vuelve imposible, ya que tampoco cae en excesos divertidos o un margen de locura para causar gracia. Es mala sin gracia, un pecado imperdonable. Los cambios de casting que la pandemia provocó la hacen aun más rara, pero el detalle más triste es que Selma Blair tuvo que ser reemplazada por Mira Sorvino. Blair fue diagnosticada con esclerosis múltiple y debió abandonar su carrera. Prefiero terminar hablando de estas dos actrices que de la película. No hay manera de explicar lo aburrida y televisiva experiencia de tener que ver dos horas más de esta saga.
Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos forma parte de la fase cuatro del Universo Cinematográfico de Marvel. Ojalá no lo hiciera, porque así la película podría tener una vida definitivamente independiente que le permita concentrar mejor su energía y sus temas. Todo lo vinculado con el resto de Marvel sobra aquí, no pega de ninguna manera, no vale la pena. La película ajusta personajes, corrige cosas para que no se asusten los cultores de la corrección política e intenta conformar a la mayor cantidad de amos posibles. Como método, esto último siempre es un problema, pero de alguna manera logra aciertos muy concretos que le permite sobrevivir a esto mamotretos cada vez más enormes y desabridos. Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos no es tanto un film de superhéroes sino más bien un wuxia. Es decir un film de artes marciales, acción y melodrama. No hay armas de fuego, sino espadas, lanzas, arcos y, claro, poderes vinculados con los diez anillos o artes de pelea milenarias. El tema familiar está en primer plano y la relación padre e hijos está muy marcada. Combina sin miedo la fantasía con las peleas y, por tratarse de cine Marvel, le agrega humor. A pesar de algunos baches y momentos algo alargados, la combinación funciona. Miles de años atrás, Xu Wenwu (Tony Leung) descubre los diez anillos que otorgan inmortalidad y poderes divinos. Establece una organización que va conquistando reinos y derrocando gobiernos a lo largo de la historia hasta llegar a finales del siglo XX. En una de sus búsquedas por el poder, Wenwu se enamora y forma una familia, pero las cosas no salen como las planifica. Su hijo Shaun (Simu Liu) se ha ido a vivir a San Francisco y lleva una vida normal sin referirse jamás a su pasado familiar. Claro que el pasado lo alcanzará y ese es el centro de la historia. La narración está bastante bien estructurada. La manera en la que se narra el prólogo y luego de llegar al presente se aprovechan los flashbacks para completar las piezas del rompecabezas. Lo hace de manera muy equilibrada y entretenida, aprovechando el amor del wuxia por la belleza para armar varias escenas que están asombrosamente por encima de la estética de los films de Marvel. Ni hablar del honor de tener a Michelle Yeoh y al gigantesco Tony Leung en roles importantes. Yeoh hace rato que filma en Hollywood, pero Leung, actor de docenas de clásicos del cine de Hong Kong, participa por primera vez de una película norteamericana. Es hasta emocionante verlo aquí, una verdadera declaración de amor por el cine oriental. Queda claro que es una película americana pero también una película oriental. Por su elenco, por estar hablada en dos idiomas y por el respeto por las tradiciones y los códigos genéricos de los países de oriente. Despareja pero mayormente sólida. Mucho más atractiva que los films de superhéroes tradicionales que se repiten unos con otros. Shang-Chi y la leyenda de los diez anillos tendrá secuela y seguirá integrándose al UCM, pero es ideal para quienes solo deseen ver una de esas películas sin tener que conocer el resto.
Peter Rabbit, el personaje creado por Beatrix Potter, tuvo una versión cinematográfica en el año 2018. Ahora en esta secuela se busca explorar el delirio sin límites de otro film de animales que hablan en versión digital, Paddington 2. De ninguna manera se alcanza ese nivel, pero se agradece un humor de diferentes niveles que explora el mundo de los gags inteligentes sin pasarse de rosca. La aventura suma personajes, muchas situaciones brillantes y la tecnología para integrar a los animales con los humanos es todo lo perfecta que pueda imaginar. Tal vez lo más raro, absurdo o incluso interesante de la película es uno de sus conflictos principales. Bea (Rose Byrne, en un alter ego de Beatrix Potter) recibe una oferta para convertir sus bellos libros sobre Peter Rabbit en una franquicia gigante con historias de acción y mil productos a la venta. La malvada empresa que le propone esto pone en riesgo el corazón mismo de la escritora y su personaje. Pero la película ofrece justamente todo lo que los malos ofrecen: acción, secuestros, humor alocado, locaciones varias. Literalmente la lista de cosas que ella no quiere hacer con su personaje es lo que la película hace con él. Hay que recordar que Beatrix Potter había recibido, a fin de la década del treinta, una oferta de Walt Disney para hacer una película con sus libros pero ella la rechazo. Fue mucho antes de que Disney fuera lo que es ahora, hay que aclarar. Potter murió en 1944 y nunca sabremos que hubiera opinado de estas nuevas películas. Pero la cosa no termina allí, en la historia el empresario malo finge conocer a Charles Dickens y le habla de sus historias a Bea. En la película Peter Rabbit vive un par de aventuras sacadas de Oliver Twist, el clásico de Dickens. Como se puede ver, el guión trabaja un nivel de autoconciencia total y controlado. Pero esta tensión entre las convicciones y el cinismo que tiene la película es algo misterioso, digno de análisis, pero no le impide a la película ser estéticamente muy bella y tener actores maravillosos. Además de Rose Byrne está nuevamente Domhnall Gleeson interpretando a un joven Thomas McGregor y David Oyelowo como Nigel Basil-Jones, el malvado con poderes de convicción muy graciosos. Es muy graciosa toda la historia y muy entretenida. En su idioma original tiene un trabajo de voces que es muy bueno y vale la pena descatar, aunque al ser una película para niños la mayoría la termine viendo doblada al castellano.
Este documental es una emotiva despedida del cineasta Tomás Lipgot a su amigo Moacir Lima Dos Santos. Juntos realizaron varias películas, donde el primer aprovechó la extraña y carismática figura del segundo. Se conocieron cuando Lipgot realizaba un documental sobre instituciones psiquiátricas. Moacir estaba el Borda y el director adivinó en él algo así como un actor fetiche, un cantante particular con una historia siempre interesante detrás. El corazón honesto de la película no alcanza para convertirla en una gran obra, tan solo da cuenta de la enorme humanidad del realizador y de su viejo amigo. No es un film casero, pero en algún sentido no trasciende desde lo estético para ir más allá. Algunos de los entrevistados, más bien todos, están muy detrás del interés que despierta Moacir. Irónicamente o tal vez de manera intencional, es Moacir el que parece más mentalmente ordenado de todos los que aparecen en el film.
El nuevo film de Costa-Gavras es una adaptación del libro escrito por el exministro de Finanzas griego Yanis Varoufakis durante la crisis griega de 2015. El legendario realizador político, autor de films como Estado de sitio, Z y Desaparecido hace años que no realiza una película a la altura de aquellos clásicos. Habría que, por otro lado, que tan bien han envejecido aquellas películas. Pero lo que importa acá es que el director vuelve a combinar sus ideas de género como el contenido político. Lamentablemente todo en él ha envejecido. Basta compararla, por ejemplo, con un título reciente como The Big Short para darse cuenta de que el pulso de Costa-Gravas ha quedado muy lejos de ser interesante o entretenido. El didactismo de algunas escenas, entre los propios personajes, que se explican entre sí la economía delante del espectador, es bastante ridículo. El concepto de buenos y malos estereotipados choca de frente con la propuesta adulta que el film anuncia. Y dos o tres momentos artificiales, teatrales, poéticos, le dan el golpe de gracia a esta película sin gracia, fuera de época a pesar de tratar un tema reciente.
Una casa sin cortinas es un documental centrado en la figura de María Estela Martínez de Perón, más conocida Isabel Perón o simplemente Isabelita. La primera mujer presidente de Argentina y el continente vive en Madrid desde hace décadas. Estuvo presa cinco años y aunque ha regresado de su exilio algunas veces, desde hace más de veinte años que no da entrevistas. La película no la entrevista tampoco, aunque lo intenta de forma algo sencilla y sin esfuerzo el realizador. Pero aparecen muchos testimonios que hablan sobre ella. Algunos son interesantes, otros no tienen importancia alguna y son una perdida de tiempo y algún otro nos muestra personajes curiosos que no tienen tanto para aportar pero son divertidos. Los mejores momentos son los que la película muestra y no profundiza, tal vez en el misterio o en el pasar rápido está su encanto. No hay demasiada complejidad ni análisis político, aunque tal sin buscarlo la película expone un puñado de personajes antiguos, abandonados por el tiempo, pero reflejo fiel de un país sin destino. El volver una y otra vez sobre la catastrófica historia del peronismo sin hacerse cargo del desastre es un género que ya aburre e irrita. El cine argentino sigue sin animarse. Tal vez la película es demasiado sutil o tal vez busca un distanciamiento que no resulta atractivo. Burócratas, personajes trastornados, empleados estatales, abogados apolillados, una troupe decadente que no sabe, salvo alguna excepción, porque las cosas son como son. La casa museo destruida, abandonada, la muestra cabal de un país del tercer mundo que dice una cosa pero hace otra. Y sí, varios momentos que muestran el cambalache violento y sin salida que atrapó a la Argentina. Los más curioso del film es la necrofilia de Isabelita, como una versión de Rebecca más siniestra, y lo más divertido es la estatua del Chapa Suñé, que no es el tema de la película. Y finalmente una reflexión que no se dice pero se infiere: la certeza de que el exilio es la mejor forma de alejarse de toda la locura de este país.