Desde la legendaria Saw (2004), estrenada en Argentina como El juego del miedo, pasaron muchos años y con este nuevo estreno se suman ocho películas. La primera es parte de la historia del cine de terror, las demás son variaciones más o menos logradas de esa idea inicial, pero ninguna a la altura de la premisa y la sorpresa que consiguió el film de James Wan. La idea, para los que no conocen esta franquicia, es que el villano pone a sus víctimas en una situación en la que solo podrán escapar de la muerte sin son capaces de automutilarse. Deben ceder para ganar, deber perder mucho para mantenerse con vida. Hay variaciones de esta premisa, pero ese es el centro. Esta ramificación de aquel film, con el villano ya muerto, es más bien un policial de asesino serial donde los espectadores somos testigos de los horribles crímenes aun cuando la narración sigue a un detective que no es testigo de estos, sino que los investiga. Una licencia de punto de vista para servir a dos amos, a la franquicia y a la trama del policía, interpretado por Chris Rock, mucha estrella tal vez para esta clase de films. Rock, declarado fan de las películas, es también uno de los productores. Rock interpreta a Zeze Banks, un detective de estilo muy particular con algunas cuentas pendientes con el departamento de policía. Empieza a trabajar con un nuevo compañero, William Schenk (Max Minghella) y ambos deberán investigar el crimen de quien resulta ser un policía. Ese crimen es la escena inicial de la película, una formula que ya vimos en otros films de Saw. A su vez, el padre de Zeze es el policía retirado Marcus Banks (Samuel L. Jackson), quien le recuerda el pasado complicado con el resto de la jefatura. Hay muchos cabos sueltos y los asesinatos tal vez no sean como los que llevaba adelante el Jigsaw original. A los usos de la película son igual de sangrientos y truculentos, pero montados, pero sin exceso, al menos no para los seguidores de estos films. Lo que no vieron nada de esto, el consejo sano es huir. Chris Rock funciona en las escenas iniciales donde tiene un poco de espacio para desplegar un humor cínico de detective desencantado, pero cuando la pesadilla se desata su rostro y su forma de actuar no llegan ni lejos de lo necesario que requiere el personaje. Pone caras de espanto y la película utiliza recursos muy tontos para subrayar su alienación, pero nada de eso sirve. Habiendo heredado una franquicia, Espiral: El juego del miedo continúa se desmarca del bloque general del género porque es fácil de identificar. Pero más allá del formato de los crímenes no tiene ningún aporte nuevo al género, porque la trama central es un policial salpicado, en todo sentido, por el cine de terror. Muy mal casting y una trama con un remate muy insatisfactoria y previsible, esto último muy malo porque la película jugaba al misterio. A diferencia del film del 2004, no hay sorpresa posible en los últimos minutos.
Ryder y los cachorros son llamados a Adventure City para evitar que el alcalde Humdinger convierta la gigantesca ciudad en un lugar de caos. Versión cinematográfica de Paw Patrol-Patrulla de cachorros, la popular serie animada de Nickelodeon. Los cachorros son adorables como verdaderos cachorros pero de ojos grandes y cada uno de ellos tiene una personalidad y una habilidad, especializándose en una tarea y resaltando el trabajo en equipo. A la película no le falta encanto, colores, y los trajes de cada cachorro son una invitación a comprar los juguetes. Toda la película, como la serie, pide a gritos ir a una juguetería. Pero de ahí a realizar un largometraje con eso hay una distancia. La pantalla chica le queda bien, el cine es demasiado, aun siendo todos tan simpáticos y coleccionables. Y quisiera creer que no hay una alegoría política en la trama, porque eso sí arruinaría todo el espíritu de los personajes.
Hay muchas formas de destruir el cine. Candyman (2021) ha elegido la que está de moda: Bajar línea y construir alegorías políticas subrayadas dentro del género de terror. Esta secuela del film de 1992 dirigido por Bernard Rose arranca de cuajo cualquier posible disfrute cinematográfico y lo sepulta sobre una enorme pila de abono bien pensante. Si alguien se olvida de esto y por un momento logra disfrutar, aparece un cartel al final de los títulos que nos invita a saber más y a comprometernos con la causa. ¿Qué causa? No la del cine. Jordan Peele, productor de la película, había encontrado una forma original de hacer terror político con su película Get Out (2017). Su film cayó en el momento adecuado y se convirtió en uno de los cineastas productores y guionistas más sobrevalorados de la actualidad. En cuatro años amenaza en convertirse en uno de los más insufribles. Al menos acá tiene la astucia de no dirigir, y dejar todo en manos de la directora Nia DaCosta. Una mujer negra haciendo un film con bajada de línea, nadie puede reclamarle nada sin arriesgarse a ser considerado un enemigo del pueblo. El protagonista de esta secuela es un artista visual llamado Anthony (Yahya Abdul-Mateen) quien con su novia Brianna (Teyonah Parris), se mudan a un apartamento de lujo en un barrio nuevo construido donde antes había un barrio marginal y donde habían ocurrido los hechos del film anterior. La directora consigue por momentos construir grandes momentos de suspenso y resolver con inteligencia varias escenas, esquivando lugares comunes e incluso sorprendiendo con su estilo. Pero desde el comienzo se adivina que están tratando de decirnos algo muy importante, así que el famoso personaje que da título al film tiene un significado muy importante, algo muy serio para decirnos sobre el racismo y la violencia policial. Todos temas que pueden ser tratados en cualquier film, incluso uno de terror, pero aquí lo hacen de forma torpe, contra el propio ritmo del film y su poderoso estilo visual. La bajada de línea se come a la película y la arruina. Por supuesto los personajes blancos se reducen al mínimo y solo están allí para generar daño. Hay un blanco bueno, como para evitar ser acusados de racistas. Nadie los acusaría de eso, solo se les puede reclamar su falta de fe en el lenguaje visual para contar historias.
El cine argentino tuvo muchas etapas. La década del sesenta trajo una nueva generación de realizadores que, con mejores o peores resultados, intentaron cambiar los códigos del cine. Lo mismo pasó en todo el mundo. El final del período clásico fue seguido por otro de experimentación e innovación. En muchos casos estos films pasaron por un costado de la historia del cine, ya que el cine comercial no dejó de existir en esos años y estas películas no fueron en su mayoría taquilleras. Pero de este cine y estas ideas surgieron futuros avances para el cine en general. Visto desde el presente, la idea de que Manuel Antín y Julio Cortázar trabajaron juntos en tres films es un lujo que uno quisiera recuperar ya mismo. Con lo popular que es el escritor y con todo lo que hizo el director en las décadas siguientes, es una verdadera joya un documental que recupere esa relación y se la muestre a las nuevas generaciones. Antín siempre fue un enamorado de la literatura y Cortázar siempre tuvo un interés por el cine. Cortázar & Antín: Cartas iluminadas muestra a ambos hombres con su obra, sus ideas, su vínculo. Fueron tres las películas que hicieron juntos. La cifra impar (1962), Circe (1964) y Intimidad de los parques (1965) y el propio Antín ha confesado que Cortázar quería hacer más, pero él no tenía el mismo entusiasmo. Está bien, esta trilogía es parte importante de nuestro cine. La directora Cinthia Rajschmir va mucho más allá de la simple ilustración y consigue editar el material para que no haya un solo momento de más. Todo vale la pena. La siempre interesante Graciela Borges aporta su gracia y sus vivencias, así como el propio Antín es capaz de recuperar lo mejor de la historias. Cortázar, y sus cartas de audio, también son un valioso e irrepetible testimonio. Cualquier admirador del escritor debe ver esta película. Cualquier que crea que el cine argentino son solo un grupo de panfletos perezosos, debe ver esta película y entender que nuestro arte cinematográfico ha tenido todo tipo de exponentes, incluyendo esta sociedad brillante y fructífera.
Un hombre misterioso llamado Harry (Jason Statham) se incorpora como guardia de seguridad en una compañía de camiones transportadores de caudales. En el primer asalto que sufren, demuestra un nivel de profesionalismo y efectividad que sorprende a todos. Poco a poco se sabrá quien es y cual es el motivo por el cual ha aceptado ese trabajo. Esta película de acción dirigida por Guy Ritchie es una nueva exploración estética dentro de su cada vez más ecléctica filmografía. El director se volvió el favorito de muchos por dos títulos: Juegos, trampas y dos armas humeantes (1998) y Snatch: Cerdos y diamantes (2000), dos películas de acción con elencos corales e ideas visuales que se convertirían en su marca de fábrica. Repetiría ese universo en los siguiente films, pero le sumaría productos nada personales en los cuales su estética resultaba pesada e incomprensible. Justicia implacable (Wrath of Man, 2021) es una película de acción protagonizada por un actor muy cercano a Ritchie, Jason Statham, quien consigue aquí una actuación sobria, sin dejarse llevar por los excesos del director. Ritchie deja de lado sus insufribles cámaras lentas y mejora mucho su puesta en escena. Dónde pone su energía es en la estructura temporal, donde juega a ser el Stanley Kubrick Casta de malditos (The Killing, 1957) aunque le quede grande el saco. También es inevitable pensar en Fuego contra fuego (Heat, 1995) de Michael Mann, pero ahí surgen nuevos problemas. Donde Mann logra grandes escenas de acción y una sofisticada mirada sobre los personajes, Ritchie es absolutamente incapaz de conseguir personajes tridimensionales y solo puede ofrecer ruidosos tiroteos, divertidos, pero no espectaculares. Pero sin las mencionadas cámaras lentas y con un gran actor protagónico Justicia implacable consigue ser un entretenimiento efectivo a pesar de todo. Tiene un número insólito de tiros y una lógica que empieza siendo ridícula pero luego termina funcionando. Es posible que con otro director hubiera sido aun mejor, pero eso no puede saberse. Por lo pronto abre las puertas para una versión más madura del ya veterano director británico.
Cuando una película recibe un nombre de estreno ridículo, su secuela suele estar condenada al mismo papelón. Así que ahora llega la secuela de Duro de cuidar (The Hitman’s Bodyguard, 2017) llamada Duro de cuidar 2 (The Hitman’s Wife’s Bodyguard, 2021). El esquema de aumento de la apuesta típico de las secuelas se repite aquí. Sumar personajes para multiplicar los chistes y las escenas de acción. Traumado y sin licencia, el guardaespaldas Michael Bryce (Ryan Reynolds) decide tomarse un sabático para abandonar la violencia y encontrar paz interior. Pero la esposa del asesino a sueldo Darius Kincaid (Samuel L. Jackson), Sonia (Salma Hayek) recurre a Michael para que juntos rescaten a Darius. Sonia resulta ser una asesina salvaje y desaforada, lo que abre un abanico de chistes que no por obvios dejan de ser graciosos. La película arranca con fuerza, pero la energía no resiste hasta el final. Cuando empieza a dar vueltas el guión para sorprender, logra el efecto contrario. Nadie quiere un buen guión de intrigas, solo una buena comedia de acción. Los actores son graciosos y la comedia funciona. Cada minuto de seriedad, por el contrario, es una pérdida de tiempo. El resultado es desparejo y algo decepcionante, aunque las risas que consigue que no son pocas y son genuinas.
La extraordinaria filmografía de Roman Polanski arranca en Polonia en la década del sesenta, pasa por Gran Bretaña, va a Hollywood, vuelve a Europa, pasando por distintos países y coproducciones. Su vida privada, el mundo y sus problemas con la justicia amenazaron varias veces con detener su carrera. Pasó por diferentes etapas de prestigio e infamia y sobrevivió llegando incluso ganando un Oscar a mejor director por su film El pianista (2002). Cuando una vez más parecía que su carrera estaba terminada, en el año 2019 estrenó El oficial y el espía (J’accuse/The Officer and the Spy) una producción de alto presupuesto coproducida entre Francia e Italia, con un elenco de estrellas del cine francés. Aunque no se puede saber que deparará el futuro, esta película lo muestra en excelente forma como realizador y a la vez muy crítico de la situación actual del mundo, al mismo tiempo que expone su propia experiencia actual como centro de una polémica que resurgió una vez más a su alrededor. Desde que apareció la película, ponerse a favor o en contra de Roman Polanski es una obligación. Boicotear o no la película se convirtió en una posición política que llegó hasta las más altas esferas de Francia. Hubo que cancelar entrevistas televisivas y el propio Polanski no concurrió a varias presentaciones. En lo premios César del cine francés Polanski ganó el premio a mejor director y en el festival de Venecia la película obtuvo cuatro premios. La circulación mundial del film, así como su reconocimiento o rechazo se vio truncado por la pandemia. La película narra el famoso Caso Dreyfus, ocurrido a finales del siglo XIX en Francia. Alfred Dreyfus (Louis Garrel), capitán del ejército francés, es uno de los pocos judíos que forma parte de la fuerza. Cuando el coronel Georges Picquart (Jean Dujardin) es nombrado jefe de la sección de inteligencia del ejército en 1895, descubre que se usaron pruebas falsas para condenar a Dreyfus, a quien se acusó de pasar secretos militares al imperio alemán. La película cuenta la lucha de Picquart por averiguar la verdad, aun a costa de destruir su carrera o incluso su vida. Mientras tanto, Dreyfus cumple su condena en La isla del diablo. La película se basa en la novela de Robert Harris del año 2013. El autor, amigo de Roman Polanski, fue impulsado por el cineasta a escribirla, debido a su enorme interés en el caso Dreyfus. Sin duda Polanski se sintió siempre cerca de esta historia, una de las más notorias de la historia de Francia. Roman Polanski, como víctima o victimario, atravesó el siglo XX sobreviviendo al Holocausto donde perdió parte de su familia, un asesino serial en Polonia del que escapó por poco, una masacre en su casa en Hollywood en la que murió su esposa embarazada y finalmente fue acusado en 1977 de tener sexo con una niña de trece años. En este último caso, los cargos eran mucho más graves, pero se redujeron a eso por un acuerdo con la fiscalía, en mitad de ese proceso Roman Polanski huyó de la justicia y no pudo volver a pisar nunca más Estados Unidos. En el 2009 estuvo un tiempo en arresto domiciliario y en el año 2016 se desestimó, posiblemente de forma definitiva, abrir nuevamente el caso. En el camino y hasta hoy otras acusaciones surgieron, todos por hechos ocurridos en la década del setenta. Roman Polanski, casado desde el año 1989 con Emmanuelle Seigner, con quien tiene dos hijos, sigue estando en el ojo del huracán de tanto en tanto. Se han hecho varios documentales y se escrito mucho sobre el tema que tiene tantas aristas como la vida del propio realizador. Todo este elemento biográfico viene a cuento aquí más que en otros films suyos porque la temática del hombre perseguido y encerrado le es muy cercana al director, aun antes de la década del setenta mencionada. Su obra ha estado marcada por este tema, como films sombríos y claustrofóbicos, filmados en diferentes épocas, países y estilos. Ese es el mundo de Roman Polanski desde siempre. Acá le agrega el elemento histórico y la clara connotación antisemita que la historia ha tenido. Hablar de antisemitismo y de conspiraciones ideológicas en el mundo de hoy, y en la Francia actual, lo vuelve a colocar al director en la parte más alta de la agenda contemporánea. Las multitudes pidiendo la cabeza no solo de Dreyfus, sino también de quien intenta averiguar la verdad, son todo un retrato del mundo de cualquier época, pero muy del presente también. Juzgar sin conocer, tomar partido de forma multitudinaria sin conocer las pruebas, todos elementos que siempre han existido y aun hoy persisten. Tal vez uno de los elementos más interesantes es que el coronel Georges Picquart se reconoce antisemita y aun sin embargo es capaz de dejar todo para defender a un judío ya condenado por la justicia y por la opinión pública. Sus valores van mucho más allá de su mirada personal y ese es uno de los temas de la película y uno de los puntos notables que se desprenden del caso. Roman Polanski consigue hacer una gran producción de época y al mismo tiempo sostener el drama íntimo del protagonista. Con una reconstrucción de época que alcanza momentos de una minuciosidad apasionante. Polanski se nota fascinado por el espionaje y la investigación de aquellos años y no escatima en mostrar los métodos y los objetos de los especialistas. Los peritos, tan perfeccionistas como corruptibles, también son objeto de observación por parte del director. Es todo un trabajo que este aspecto del film no opaque la lucha del coronel por saber la verdad como tema central. Polanski consigue, además, hacernos recordar lo que es un gran director de cine. En este año escaso de cine real, con los espectadores encerrados mayormente con producciones mediocres de servicios de streaming, aparece un director de cine de verdad. Polanski está en pleno dominio del lenguaje del cine, cuenta de forma clara, fluida, con algunos detalles menos clásicos para algunas escenas, pero esencialmente narrando de forma transparente, sin trucos baratos ni golpes de efecto. Cree en la historia que cuenta, el guión y el tema son contundentes, no necesita otra cosa más que usar su oficio de cineasta. Para quienes no conozcan el Caso Dreyfus ni el famoso alegato en su defensa que escribió Émile Zola con el título de ¡Yo acuso…! En 1898, la película será además un apasionante film policial. Para todos lo es, pero la sorpresa es más fuerte para los que no sepan nada. También es todo un hallazgo la mirada sobre el espionaje de aquellos años, seguida de forma tan exacta. Pero el corazón de la película es la lucha de un hombre que, a pesar de sus prejuicios, su carrera, su vida privada y pública, entabla una pelea por la verdad y por lo que cree que es correcto. A veces la justicia conspira y a veces la mayoría se equivoca de forma rotunda. Se necesita coraje para enfrentarse a eso y de eso habla esta nueva mirada sobre uno de los casos más famosos de la historia.
Secuela de la película No respires que transcurre años después de aquella historia. El hombre ciego se ha estado escondiendo en una cabaña aislada y ha criado a una niña huérfana que ha sobrevivido al incendio de su casa. Pero un grupo de salvajes criminales busca a la niña, lo que obliga al hombre ciego a desplegar una vez más toda su capacidad de matar. La película ofrece un cambio con respecto al personaje principal del film anterior. Ahora él funciona, en gran medida, como un héroe. Igualmente, y para bien de la historia, la violencia que despliega el personaje no lo muestra como un personaje fácil de querer. Su monstruosidad sigue vigente, aunque notablemente atenuada por proteger a la niña. La historia, cuya premisa inicial es la de un ciego capaz de combatir como si tuviera ojos, sabe que parte de algo exagerado y no duda en buscar en el exceso un aliado imprescindible. Todas las escenas funcionan y no hay tiempo para hacerse demasiadas preguntas. Sin ofrecer demasiadas novedades la película consigue su objetivo y resulta asfixiante y entretenida a la vez.
Como el protagonista de The Truman Show, el personaje principal de Free Guy vive en un mundo que no es lo que él cree. Como Buzz Lightyear, tendrá la dura noticia de que solo es un personaje, en este caso de videojuego. El hombre de la camisa azul (Ryan Reynolds) trabaja en un banco y vive siempre su jornada en una ciudad donde los personajes con lentes hacen lo que quieren y el resto se limitan a ese mundo de acciones repetidas. Free City es una mezcla del GTA y el Fortnite, más un sinfín de influencias y referencias de todo tipo. Cuando este personaje decida cambiar su vida generará en el juego situaciones inesperadas y en sus jugadores sorpresa y admiración. Millie (Jodie Comer) es una programadora enojada con el dueño de la compañía que vendió el juego, participa como jugadora buscando algo que demuestre que le robaron sus ideas. Cuando el avatar de Millie se cruce con Guy, todo el mundo del juego se pondrá patas para arriba. Free Guy es, por encima de cualquier otra cosa, una película muy divertida. Tan divertida que vale la pena destacarlo. Dista de ser perfecta porque se las ingenia para ponerse sentimental fuera de la historia del protagonista, lo que le quita algo de energía a la historia. Parte de la diversión está dada por su gran protagonista, Ryan Reynolds, cuyo talento de comediante encaja perfectamente con el personaje. Pero el sentimentalismo mencionado tiene que ver con algo importante: Free Guy es una representante perfecta de los tiempos que corren. La película no acepta bajo ningún concepto la violencia, los conflictos, el drama, pero tampoco puede aceptar la melancolía, la angustia existencial, el dolor. Entonces tuerce el guión para que todos, excepto el villano, encuentren un camino que les evite los sinsabores de la vida. Un final feliz es más que aceptable, pero siempre y cuando la historia tenga lógica en esa dirección. Representante absoluto de la cultura pop y homenaje a los videojuegos, la película no puede evitar ser algo sentenciosa y condenar lo más potente de su narración. De criticar la apología de la violencia desmedida en los videojuegos a querer anularla por completo hay un largo camino. Las escenas de acción son espectaculares, pero al final de la película nos dicen que no habrá más. Un mundo mejor para los personajes, pero mucho menos interesante para los espectadores.
Anthony es un hombre de 80 años bastante terco, inteligente y sarcástico que rechaza con su habilidad y picardía a todas las cuidadoras que su hija Anne intenta contratar para que lo cuiden. La situación se complica y Anne deberá resolver la situación de alguna manera, ya que desea vivir su propia vida. El padre es una obra de teatro. No es necesario leer sobre la película para averiguarlo. Varias escenas gritan a los cuatro vientos que lo es, que surge de ese medio y que fue escrita la historia para el teatro. Sin embargo, no es teatro filmado. Si bien arrastra el lastre de su origen, la película aprovecha al máximo ciertos recursos del cine. En teatro, seguramente, no se podían crear con tanta ambigüedad ciertos climas, no sin la complicidad del espectador. Si bien la película no es del todo sutil, sí es cierto que juega todo lo que puede con cierta ambigüedad que el montaje cinematográfico le ofrece. Logra poner en imágenes el universo mental de su protagonista y con eso gana toda su batalla. Hace que el espectador entienda lo que pasa por la cabeza de Anthony, algo que pocas veces el cine ha hecho desde el punto de vista de un personaje. Por supuesto que esta clase de films cae en la tentación del show actoral y esta no es una excepción. No lo hace hasta el final, por lo cual se nota el esfuerzo de aportar cierta dignidad. Aunque en muchos momentos se vea como una obra de teatro, El padre es un ejercicio interesante que tiene, incluso, algo de suspenso. Al menos para los espectadores que no estén del todo atentos o no puedan aceptar el dolor de lo que ven.