Película alemana de cine dentro del cine. Con apuntes políticos pero por encima de todo, un film romántico. En el año 1961 Emil comienza a trabajar como extra en los estudios de cine Babelsberg. Durante el rodaje se enamora de la bailarina francesa llamada Milou, quien oficia de doble de la protagonista. Cuando el amor parece concretarse, el rodaje se cancela repentinamente y el Muro de Berlín es levantado. Ambos quedan separados. Años más tarde, Emil comienza un insólito plan para lograr que se vuelva a rodar una película que necesita la presencia de la actriz y de Milou. Una mentira lleva a la otra y de pronto Emil se convertirá en el director de un film sobre Cleopatra bajo la estricta supervisión del estado. La película tiene mucho humor, su pequeño contenido político sin riesgo y principalmente un tono muy naif para la historia de amor. Excesivamente liviana y llena de lugares comunes y resolución de escenas de forma muy antigua y demodé. Poco esfuerzo para los grandes momentos, solo personajes dialogando. La prueba de que el cine alemán también sabe hacer películas ñoñas y demagógicas. Bien por ellos, pero imposible recomendar algo tan carente de fuerza y estilo.
Lucas (Elijah Rodriguez) es un adolescente de catorce años que lleva una vida como mensajero de una pandilla en la ciudad de Washington D.C. Sin un horizonte cercano, su deseo es evitar que su hermano de diez años siga sus mismos pasos. En ese mismo barrio vive ahora un veterano de la guerra de Afganistán (Jean-Claude Van Damme) adicto a los calmantes que no puede hablar por una herida de guerra. Tal vez sea el único que pueda ayudarlos. La carrera de Jean-Claude Van Damme tuvo su auge desde fines de los ochenta a principio del siglo XXI. Pasó por varias etapas, teniendo en los noventa los films de mayor presupuesto y mejor realización. Luego pasó a una etapa menos exitosa y varios intentos de reconvertirse, como lo hicieron Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone. En su camino de encontrar una vuelta de tuerca encara aquí un rolo con pocas peleas, más cercano a los films estilo Gran Torino de Clint Eastwood que a su propio pasado. Pero claro, no está a la altura de esa ambición, al menos no el guión y la dirección. Sin embargo algunos momentos de acción funcionan y la violencia de las pandillas impacta. Muy lejos de ser una nueva etapa, esta película es un ensayo no del todo logrado en busca de diferentes horizontes.
Nathan y Terry viven en un pueblo rural en Inglaterra en la década del noventa. Estos dos amigos son convencidos por un delincuente de robar al matrimonio Huggins, un querido médico anciano y su mujer. La casa, alejada de todo, es un lugar perfecto para robar sin ser descubiertos. Mary, la novia de Nathan, se opone a que cometan ese delito. Pero como utilizan su auto para el robo, ella quedará involucrada. Cuando el médico y su mujer regresen al hogar, se encontrarán con los delincuentes que los tomarán de rehenes. La película arranca con todos los lugares comunes de banda de ladrones. Luego cobra algo de fuerza con la toma de rehenes, llegando a momentos inquietantes de violencia. Pero finalmente toma un nuevo rumbo y arma una historia completamente diferente. Hay cosas interesantes en la trama y el potencial de la historia es gigante. Tal vez le falta fuerza para ser creíble y mantener un genuino suspenso. El desenlace no termina de convencer tampoco, aunque la película nunca se vuelva aburrida.
Elogiar los efectos visuales de una película por encima de cualquier otro elemento de su realización puede sonar a una crítica negativa del conjunto o a un lugar como a la hora de hablar de films espectaculares, pero en el caso de Godzilla vs. Kong no hay manera de no destacar ese aspecto. Los efectos visuales son extraordinarios, de lo mejor que se ha visto en la historia del cine. Desde 1954 hasta hoy, Godzilla se ha convertido en el genuino Rey de los monstruos. Con treinta y seis películas, se trata de la franquicia más duradera de la historia del cine. Desde la obra maestra original hasta hoy, el personaje ha pasado por toda clase de tonos, estilos y resultados. Ya en 1962 se enfrentó a King Kong en una película de las muchas que lo tuvo como protagonista. Kong no se quedó atrás, nació de una obra maestra en 1933 y tuvo sus buenos y malos momentos. Volver a juntarlos en el siglo XXI es una excelente idea. Uno de los grandes errores de las secuelas, las remakes y demás explotaciones de franquicias es el traicionar al original sin respetar los personajes que le iniciaron todo. Hacer un Godzilla que no tenga nada que ver con Godzilla, un King Kong que no tenga nada de King Kong. Por suerte esto se evita acá y las asombrosas y apabullantes batallas entre ellos se ven perfectas y a la vez parecidas a los films originales de Godzilla. El espíritu es el mismo. Hay más que ellos dos y eso también es impactante. No son solo los efectos visuales, es toda la idea de estos. También Kong es leal a su mundo de afecto por los humanos, pero sin romance esta vez. Y sabe como colgarse de los edificios, tal cual la tradición del personaje. Queda un paso atrás el resto. Los humanos no tienen ningún valor, no producen nada, una nena con cara triste y tendencia al llanto no emociona en lo más mínimo y un trío de rebeldes es insólitamente inverosímil en toda su subtrama. Hay un villano humano, porque no podemos depositar en la naturaleza la maldad y su hija está completamente fuera de registro y justificación. Pero la película se impone a fuerza de peleas, efectos y espectacularidad. Es posible que en el camino mueran cientos de miles de personas, pero en eso la película también es fiel a su estirpe, las multitudes huyen como en el film de 1954 y como en aquel título, no tienen demasiada suerte.
Guadalupe (Vanesa González) acaba de terminar de filmar una película de terror dirigida por Matías (Guillermo Berthold), un director desesperado, al igual que el productor, por tener éxito. Cuando convoca a una parte del equipo a ver el primer corte de la película en su casa, la versión de la película que ve no coincide con lo filmado. Y los crímenes que aparecen en pantalla empiezan a tener consecuencias en la vida real, poniendo en riesgo la vida de los visitantes. Película de terror cinéfila con guiños a muchos clásicos del género. Citas gratuitas y poco graciosas para una película de terror que tiene muchas ideas pero no consigue que estas se conviertan en una película en sí misma. Incluso al final de los títulos del final aparece una escena que corrobora este deseo de llenar la película con elementos del cine dentro del cine e incluso más allá de la cuarta pared. Ni las actuaciones ni el guión ayudan a que la película tenga lógica o sea entretenida.
Daniel, un joven de veinte años, experimenta una transformación espiritual mientras vive en un Centro de Detención Juvenil. Quiere ser sacerdote, pero esto es imposible debido a sus antecedentes penales. Cuando es enviado a trabajar a un taller de carpintería en una pequeña localidad, a su llegada se hace pasar por sacerdote y termina haciéndose cargo de la parroquia del lugar. La comunidad local, desarmada por una tragedia reciente, encontrará en el joven la posibilidad de empezar a cerrar sus heridas. Jan Komasa es conocido por haber estrenado un año después de este film la película Hater (2020) una mirada bastante despareja sobre las redes sociales y las noticias falsas. Aunque aquí mantiene el tono más local, sus ideas son igualmente desprolijas. Pasa de la sofisticación a la obviedad sin escalas. Todo el tiempo amenaza con volverse una película insufrible pero consigue esquivar la sensiblería en pos de una búsqueda más rebelde, más provocadora. En esa provocación la película logra llamar la atención, pero eso no la hace de ninguna manera una gran película, solo es un título con momentos incómodos y algunos interrogantes sobre los que nunca profundiza.
Bandido le pasa tan por arriba a la idea del cine que existe en Argentina que parece un milagro que se haya filmado una historia así fuera de la edad dorada del cine nacional. Su idea de los personajes y la historia que cuenta reflejan una mirada del cine más trascendente que la habitual miopía de un cine argentino, casi siempre preocupado por el revisionismo histórico a la moda de cada época y de una falta de sofisticación digna de la lectura de un diario en un bar. Bandido es una historia con un gran personaje. Roberto Benítez, cuyo nombre artístico es Bandido, es un cantante popular que adivinamos ha dejado atrás su mejor momento. No ha fracasado en su carrera artística, pero en su ocaso descubre que ya no quiere cantar más. Está cansado, desmotivado, sin rumbo. No es un personaje sórdido ni siniestro. Es simplemente un hombre que ha perdido las ganas. Mientras está preparando un disco con sus grandes éxitos, Roberto no termina de encontrar la salida del laberinto en el que se encuentra. Pero entonces surge una oportunidad inesperada. Una noche lo asaltan al pasar con su auto por un barrio pobre y el azar lo termina reencontrando con un viejo amigo, también músico. Conoce allí a un grupo de personas que tienen muchos problemas, pero uno puntual: Una antena será instalada en el medio del barrio, atentando contra la salud de los ciudadanos. Como ocurre en esta clase de historias, ayudarlos tal vez sea la manera de encontrar él mismo la respuesta que estaba buscando. Bandido no es una película política, es una película sobre una nueva oportunidad. Sobre recuperar las ganas de vivir y encontrarle sentido a las cosas. La película arranca con un recital y termina con un recital. De la melancolía a la alegría. Nunca se respira un aire solemne, nunca se cargan las tintas. Tampoco hay tragedia ni lugares comunes, como bien lo muestra la relación luminosa que tiene Roberto con su hija. Si se hubiera filmado en Estados Unidos pensaríamos en comparar la estructura del film y su protagonista con algunos títulos de Clint Eastwood. Salvando las distancias, claro, pero no siendo exagerados en la comparación de ideas. Se parece a muchos otros relatos de segunda oportunidad o de veteranos que buscan recuperarse en una última gran batalla. Pero como se filmó en Córdoba eso nos lleva a creer que es un film argentino más. No lo es y se nota desde lejos. Osvaldo Laport, por otra parte, no podría estar más perfecto en este rol que parece hecho a su medida. Su sobriedad actoral y su capacidad de jugar para la película y no para su lucimiento son dignos de mención. En su trabajo una vez más Bandido refleja otra manera de hacer cine, diferente a lo que vemos acá. Ojalá hubiera más actores así en el cine nacional.
Peor que la película anterior de Wonder Woman, pero tal vez mejor que la siguiente, Wonder Woman 1984 es una genuina catástrofe cinematográfica. Muestra a las claras que la decisión de hacer mal cine no es accidental, producto de errores involuntarios, sino una convencida manera de entender el entretenimiento actual. Ya no vamos al cine de divertirnos, vamos a que nos reten. Bueno, tampoco vamos al cine, porque en Argentina hace nueve meses que no hay salas estrenando películas. Patti Jenkins se puso sobre los hombros esta nueva versión del personaje de DC Comics y nos ayudará, en el futuro, a entender cómo funcionaba la política de control ideológico en el cine y la cultura. Parte de la cultura. La cultura de pedir perdón, de erradicar a los villanos y la de evitar por cualquier medio que alguien se sienta ofendido por un elemento de una película de ficción. Jenkins logra su cometido, la película es larga, aburrida, arbitraria y finalmente cobarde. Tanto dinero, tanto esfuerzo, tanta gente trabajando para producir estos cosos recaudadores de entradas. A veces la gravedad, la solemnidad y la moralina funcionan, eso ocurre cuando la película está realmente bien hecha. No es el caso, la directora no construye dos escenas coherentes y el guión tiene ese recurso imposible de borrar absolutamente todo el conflicto porque sí. No es un Deus ex Machina, es no querer tomar una decisión que traiga consecuencias. Los que hicieron la película no se dan cuenta que el 1984 del título remite a George Orwell, o no entienden que ellos mismos son aquello que Orwell criticaba. Un universo distópico donde la ficción está obligada a sacar los conflictos universales, incluso los del pasado, para evitar problemas. 1984 sirve para hablar, un poco, mal de Ronald Reagan, eso sí. Pero ni eso, porque todo el mundo tiene razón en esta película. Todo el mundo. El motivo de semejante fiasco es simple: funciona en la taquilla. Ya no se trata de hacer algo inteligente y complejo que sea taquillero, sino de correr desesperadamente detrás de la corrección política para no traer consecuencias. En el mundo real las cosas no sirven. A Gal Gadot, la mujer maravilla, ya la insultaron por ser israelí e interpretar a Cleopatra en un film aun no filmado pero que ya está en problemas. ¿Quién será el primer cineasta capaz de incluir el fascismo ideológico de la corrección política en sus historias? Clint Eastwood ya lo hizo, pero hablamos de estas grandes producciones. A Ron Howard lo insultaron por hacer una película a favor de los votantes de Donald Trump, aun cuando nadie vota en Hillbilly Elegy. Clint Eastwood hizo dos obras maestras seguidas, porque a esta altura la corrección política le importa nada. En una el protagonista usaba palabras prohibidas en la neolengua, en otra mostraba como un héroe a un admirador de Kenny Rogers. Parece mentira, pero algunos se ofendieron. Eso sí, Wonder Woman tiene chistes sobre los ochenta. Chistes de riñoneras, mayormente. Y un soldado que estuvo en Londres en 1918 pero le sorprenden las escaleras mecánicas y el transporte público. Esa pereza sí se puede ver. Diana Prince no tiene televisor, por eso no se deja engañar por nadie. Esos pobres tontos que caen víctimas de la caja boba no tienen la astucia de nuestra heroína que en el futuro seguramente tampoco tendrá twitter. La falta de cohesión estética y la manera absurda en la que el guión construye personajes nos da tiempo para cuestionar prácticamente todas las cosas que están mal en la película. Poner tres personajes protagónicos es un riesgo, más cuando dos son los villanos. Pero se puede hacer y ahí está para quien quiera revisarla Batman vuelve (Batman Returns, 1992) donde había un equilibrio entre tres personajes y varios otros puntos con común con Wonder Woman 1984. No es la agenda política lo que la hace una mala película, es su falta de fuerza cinematográfica. La pareja protagónica (en teoría) no funciona y los dos villanos son actores que han demostrado por encima de esto. Kristen Wiig, una de las mejores comediantes de la historia tiene en sus ojos la esperanza de que se le ocurre un chiste excelente por cada escena mala que protagoniza y ojalá pronto haga una parodia de esta película. 150 minutos con algunos instantes rescatables que ya me empecé a olvidar. Y alguna sorpresa que solo nos recuerda que hubo un tiempo donde las historias de superhéroes eran hermosas y libres de verdad.
Llegar al 2021 con una película como esta en salas de cine habla de lo arbitrario y absurdo que es distribuir películas en Argentina. La leyenda de la viuda (Vdova, Rusia, 2020) se suma a los estrenos rusos de este año. El paquete debe haber salido barato, porque se han estrenado más películas de ese país que de cualquier otro, exceptuando Argentina y Estados Unidos, en este 2021. Una mezcla de película encontrada con falso documental con simple y directa historia de terror, todo en el marco de una leyenda urbana relacionada con extrañas muertes en un gran bosque en las afueras de San Petersburgo. Un grupo de voluntarios va a buscar a un adolescente desaparecido y terminan ellos perdidos en la noche. Hay que reconocerle a los realizadores el haber tomado nota de varios títulos, desde la inevitable The Blair Witch Proyect hasta Rec. Solo resta preguntarse si tiene sentido llegar tan tarde a una forma de entender el cine de terror sin poder aportar nada significativamente nuevo.
Mientras se encuentra en un viaje romántico en una zona rural de la India, una pareja de Los Ángeles es testigo accidental del exorcismo inquietante de una niña de once años. La ceremonia culmina cuando los aldeanos encierran a la niña en una casilla especialmente diseñada que se encuentra en medio de un vasto campo de maíz. Temiendo por su vida, la pareja rescata a la niña sin saber adivinar las consecuencias que esto traerá. Clásica historia de choque entre culturas pero dentro del cine de género, algo que ha dado buenos resultados en otras ocasiones, pero no aquí. La película tarda en desatar el terror, tal vez demasiado, y nunca llega a generar verdadero temor. Las posibilidades que le ofrecía meterse en la cultura india no son aprovechadas en lo más mínimo. Es difícil que una película como esta se fije en la memoria de los espectadores por mucho tiempo.