La noche mágica es una película de encierro, un claustrofóbico cuento de navidad que busca sorprender al espectador y tenerlo en vilo durante toda su trama. Se anuncia como una historia navideña y lo es. Pero el afiche promete un tono liviano que difiere mucho de lo que finalmente se ve. La única verdadera sorpresa que se llevará el espectador es esa, una vez empezada la película las vueltas de tuerca no asombran porque ya queda claro que es una película solo para público adulto dispuesto a soportar municiones gruesas y temas complicados. En la noche de navidad un ladrón llamado Nicola (Diego Peretti) entra a robar a un caserón. Una pareja (Natalia Oreiro y Pablo Rago) acaba de tener sexo y el espectador imagina que ese será el trío protagónico. Pero cuando el ladrón está por entrar, aparece un hombre en escena, es el dueño de la casa (Esteban Bigliardi) y por donde el ladrón iba a entrar, un hombre huye. Ambos se encuentran. Ladrón y amante. Obviamente no podrá irse. El ladrón le dará una máscara y lo convertirá en su cómplice. Cada minuto de película tiene un giro. Es decir que pasados estos minutos iniciales, todo lo que se analice contando escenas es avanzar demasiado sobre la trama. Como el afiche lo muestra, también hay una niña. Esa niña, que es reacia a hablar, cree que Nicola es Papá Noel y le pide que le cumpla los deseos de su lista. Entre el violento policial de los adultos y el espíritu liviano de la relación entre el delincuente y la pequeña se desarrolla el resto de la película. Lo mejor que tiene es la tensión. Una serie de recursos inteligentes y una puesta en escena correcta permiten que la película nunca aburra, que aun lo que nos molesta sea motivo de interés. Indiferencia no produce, eso seguro. Si tiene muchos diferentes momentos y elementos de incomodidad. No porque sean perturbadores, algunos lo son, sino porque las obviedades se multiplican. Las pistas, que son docenas, acerca del muy previsible final, son una notable subestimación al espectador. La parte ligera de la película, aun sabiendo la oscuridad que rodea a estas escenas, funciona porque Diego Peretti hace lo que quiere y cambia de tono sin problemas. Su talento es claro, es comediante y también es un personaje oscuro. Demasiado oscuro para ser tan amable, demasiado amable para ser tan oscuro. Hay que perdonarle a la película sus arbitrariedades. La mayoría son para entretener. Pero en su búsqueda de humor negro, denuncia, comedia tierna, cuento navideño, policial y film de suspenso la película deja cabos sueltos, se carga personajes sin medir las consecuencias, salta la lógica y fuerza la máquina al máximo. Los flashbacks están muy mal y el recurso del video del casamiento es insólito. El villano es tan villano que no se le permite nunca tener matices, algo que sí tienen los otros personajes. El entretenimiento se impone, pero no resiste un análisis en profundidad. Para el cine argentino entretener nunca fue una prioridad, tomemos como algo positivo que para algunos directores sí lo sea.
Charlotte (Angela Molina) fue una gran actriz de cine. Esos años han quedado atrás, pero el director que la llevó a la fama está rodando su última película. Empieza para ella un viaje junto a su asistente personal (Ignacio Huang, impecable) para conseguir ese papel que ella considera que le pertenece. Esta comedia absurda en formato road movie abreva en una larga tradición de historias sobre divas que dejaron atrás su esplendor y sueñan con un retorno. Pero esto es una comedia, no Sunset Blvd (1950) de Billy Wilder. Tampoco tiene la profundidad sofisticada de Encarnación (2007) de Anahí Berneri. Pero lo que sí tiene Charlotte es una protagonista de fotogenia absoluta, la gran Ángela Molina, recordada por sus roles en Ese oscuro objeto del deseo, Las cosas del querer y Carne trémula. Su carisma y su belleza son tan reales como ella. Con eso la película tiene ganada la mitad de la partida. Le cuesta más con los personajes secundarios, algunos muy fallidos o mal actuados. Sale y entra de su juego a lo Pedro Almodóvar y la película se vuelve despareja. Y de golpe tropieza con una piedra del tamaño de una montaña. El director tan esperado resulta ser Gerardo Romano ensayando un acento español que no se sabrá nunca si es intencionalmente fallido o simplemente patético. Sus líneas de diálogo, sofisticadas al máximo, se ven ridículas en su boca. Algo habrá pasado para que esté él y no un actor español o alguien que ensaye mejor su rol. Se adivina una decisión de último momento. Por suerte está Miranda en la banda de sonido y dos veces rescata a la película de la mediocridad en la que cae. El chiste final, que está un poco forzado, es tan simpático que nos pide por favor que nos amiguemos con los defectos de la película. Hay ideas, hay humanidad, no hay arrogancia. La película se hace querer.
Akelarre (En Netflix aparece como Coven of Sisters y en IMDB simplemente como Coven) es una coproducción entre España, Argentina y Francia dirigida por Pablo Agüero. Está ambientada en España en el año 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y las acusa de brujería. Intentará que ellas confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas. Lo único que quieren estos hombres es hacer un juicio rápido y ejecutarlas cuanto antes. Las jóvenes buscarán la manera de postergar una muerte segura inventando historias que generen intriga en sus captores. Realizar un alegato feminista en el año 2021 es posiblemente una de las formas más demagógicas y berretas de presentar una película. No solo porque se nota que solo busca a estar a la moda, sino porque viaja al medioevo y a uno de los momentos más unánimemente monstruosos de la historia. Akelarre es la película menos sorprendente e interesante que se ha hecho sobre el tema en muchos años. Llega tarde a un tema y lo narra con torpeza y obviedades. El mundo está lleno de atrocidades contra las mujeres aun en el día de hoy, pero siempre es más fácil poner todos los dardos contra occidente, como si fuera allí donde la mujer actual la está pasando peor en el planeta hoy día. Pero la película tampoco merece un enojo fuerte. Es simplemente un cuento de escuela primaria solo para quienes nunca hayan oído hablar de este tema, si acaso existe tal espectador. La prolijidad técnica no hace más que aburrir un poco más en esta historia que tiene un feminismo políticamente correcto, hecho para la tribuna y sin ningún valor cinematográfico. El final es directamente un papelón.
Los hermanos Marx fueron los primeros genios de la comedia que aparecieron en el cine sonoro. Su espíritu anárquico brilló en varias películas maravillosas entre 1929 y 1933. Cuando su contrato con Paramount terminó y se pasaron a Metro-Goldwyn-Mayer las cosas cambiaron notablemente. Tuvieron un apoyo inicial del productor Irving Thalberg pero con su muerte casi nada de aquella maravilla demencial que los caracterizó pudo quedar en pie. Tener a los Hermanos Marx para que sean casamenteros e interpreten temas musicales en serio no tenía sentido alguno. Tom y Jerry son uno de los dibujos animados más populares y adorados de todos los tiempos. Multipremiados y elogiados de forma masiva, su período inicial, 1940 a 1957, es el que mejor los representa. Sus creadores fueron nada menos que Joseph Hannah y William Barbera, quienes todavía no tenían su propia empresa y trabajaban para MGM. Esta época es la edad de oro del dúo, sin duda alguna y es por estos cortometrajes que el mundo los conoce. Pero la cultura fue cambiando y también el cine, a medida que pasaron de mano en mano y año tras año, las denuncias acerca del exceso de violencia de Tom y Jerry los volvieron cada vez más mansos, lavados e ideológicamente ordenados. Como los Hermanos Marx, fueron perdiendo su identidad. Ni siquiera el período del brillante animador Chuck Jones pudo estar a la altura de los personajes. El desembarco oficial en la televisión fue el golpe de gracia. Los cortos fueron censurados parcialmente en Estados Unidos y otros países, aunque más tarde o más temprano se vieron los originales. Los Simpson tienen como homenaje y crítica a los cortos los personajes de Tom y Jerry (aunque no solo a ellos) a Itchy and Scratchy (Tomy y Daly en Latinoamérica) y eso también muestra su importancia en la historia de la animación. La llegada de un nuevo largometraje de Tom y Jerry abría toda clase de interrogantes acerca de los desastres que podían ocurrir en una aproximación en la era de la cancelación y la caza de brujas en el mundo del cine. Los títulos del comienzo meten miedo. Una desesperada idea de actualización del mundo de los personajes nos lleva a Manhattan y a la interacción entre animación y acción en vivo. Pero a no desesperar, vale la pena quedarse un poco más, la situación es menos grave de lo que parece… o al menos no es el desastre total que una imagina en los primeros minutos. Un par de chistes muestran que hay guionistas talentosos. Pero esos chistes son de diálogos (No de Tom y Jerry, que por suerte no dicen palabra en todo el largometraje) y son de una línea. Podrá eso alcanzar para salvar a la película. Bueno, no una con estos personajes. Pero hay más. La protagonista (Chloë Grace Moretz) es una joven desocupada que se hace pasar por una aspirante a un puesto temporal en un hotel cinco estrellas. El puesto es temporal porque se realizará allí una boda de una pareja famosa. Terrance Mendoza (Michael Peña), el gerente de eventos, desconfía de ella, pero el dueño del hotel la termina contratando. Cuando aparezcan Tom y Jerry en el lugar, toda la boda se verá amenazada por el dúo desaforado. Los primeros encuentros del dúo de comedia física tienen una dosis de violencia acorde a su fama, pero por encima de eso respetan la idea de los personajes. Hay chistes sobre el discurso puritano actual y como ya mencionamos, hay buenos diálogos en la trama. Michael Peña está particularmente brillante en su rol de villano tonto más que malo. Todo el humor de la película juega al borde, sin arriesgar demasiado, pero sin ser tibios ni pusilánimes. Hay lugar para un poco de humor surrealista también y la película divierte, pero se hace demasiado larga en algunos pasajes. En un momento alcanza un descontrol anárquico total que se parece tanto a los Hermanos Marx como a los mejores momentos de comedia alocada de los films de animación de Disney. Pero cuando parece que el honor de los personajes ha sido salvado, a la película le pasa lo mismo que le pasó a los Hermanos Marx en la MGM. Tom y Jerry trabajan de casamenteros y hacen alianza. Una escena final tironea entre la corrección política, la ironía, la recuperación moral de algunos personajes, el perdón a otros y un poco de sensiblería barata que busca ser interrumpida con chistes escatológicos. Sí, todo en cinco minutos. El cierre, por suerte, tiene una motosierra, lo que en el mundo de Tom y Jerry podría decirse que es la cosa sana.
Anna enseña violín en una institución para jóvenes músicos en Berlín. En una votación reñida, ella logra que aprueben el ingreso de Alexander, un chico en el que ve un gran talento. El joven violinista será motivo de obsesión de Anna, y depositario de todas sus frustraciones. Al mismo, su hijo, también violinista, empezará a sentirse cada vez más alejado de su madre. Tampoco las cosas están bien en el matrimonio de Anna, y a medida que se acerca la audición todo parece estar a punto de estallar. La facilidad que tiene el cine europeo para decir obviedades subrayadas y que sean tomadas más en serio que los films norteamericanos es un misterio difícil de resolver, aun en la actualidad. El exceso de crueldad tal vez sea una de las claves, así como el construir escenas imposibles y absurdas, pero que quieren decirnos que así es la vida real. En el universo disparatado y molesto de este film se suceden escenas solemnes y, como siempre, la música clásica le da un sello de arte mayor que también sigue siendo una clave para intimidar espectadores. Y por supuesto, no falta lo más importante, algo que se le suma a la solemnidad, la crueldad y la música clásica: el tedio. Simbolismos varios y volantazos de guión que completamente un cuadro sólido para salir por los festivales, pero bastante endeble a la hora de ver una película que recorre todos temas conocidos sin aportar absolutamente nada.
Micaela y su madre Yurquina emprenden un viaje en busca de su abuela Felipa, última moradora Coya del olvidado, duro pero extraordinario paisaje andino de Cerro Quemado. El trayecto se convertirá no solo en el retrato poético de un mundo a punto de desaparecer, sino también en el encuentro íntimo, espiritual, de tres mujeres de generaciones distintas unidas por un mismo linaje ancestral. Cerro Quemado es uno de esos documentales que nos hace preguntarnos acerca de los recursos del género. Algunas de las imágenes de los paisajes son impresionantes. Allí, el film habla sin usar palabras. Deja en claro la relación entre los personajes y su entorno. Sin embargo, cuando se acerca a las personas no logra cautivar, interesar, generar empatía. Ahí es donde cabe preguntarse si los recursos del cine no podrían utilizarse para que ese mundo olvidado, al borde de la extinción, se vuelva cinematográficamente interesante. El cine y la vida que retrata no son iguales, asumir esa diferencia y aprovecharla permitiría que más espectadores se acerquen y entiendan lo que quiso mostrarnos el realizador en Cerro Quemado.
Raya y el último dragón empieza con una voz en off autoconsciente que les habla a los espectadores. Visualmente impactante, el comienzo muestra la calidad técnica del film y al mismo tiempo sus serias limitaciones para ser una obra en serio. Toda la película será un ida y vuelta entre un despliegue técnico descomunal y un distanciamiento absoluto cercano al cinismo. El cine de animación de Disney llevado a su punto menos humano y a la vez más técnico. Nos explican que el mundo de Kumandra, humanos y dragones vivieron juntos en perfecta armonía. Pero cuando unas fuerzas del mal amenazaron el territorio, los dragones se sacrificaron para salvar a la humanidad. 500 años después, esas mismas fuerzas malignas regresaron y Raya, una niña devenida luego en joven guerrera, tendrá que encontrar al último dragón para reconstruir un mundo destruido y volver a unir Kumandra. Con una historia muy parecida a Trolls World Tour (2020) pero sin sentido verdadero del humor, la película es una máquina pensada al milímetro donde si un espectador logra mirar atentamente, verá todos los trucos de manual que la pueblan. El chiste adecuado, el personaje secundario, el aprendizaje correcto, la escena de acción, la frase que resume la bajada de línea del film, la emoción para que salgan lágrimas pavlovianas de los espectadores y el último momento de falso suspenso antes del cierro con música alta y luces por todos lados. Repito: Trolls World Tour era más breve, más simpática y se veía mucho más sincera en su discurso. Raya y el último dragón parece una creación de Don Draper, el protagonista de Mad Men. Es eficaz, prolija, impactante y tiene momentos correctamente plagiados de Lara Croft e Indiana Jones. Posee los ingredientes adecuados de ideología política reinante y las voces de los personajes supuestamente orientales las hacen actores de razas orientales, aunque lo que se escucha es mayormente el mismo acento neutral de todos los films de Disney. La canción es fea, pero no es para eso que la incluyen. El dragón es dragona y es demasiado cómica. No hay romance para esta guerrera que no es princesa, aunque es la elegida, como todo protagonista que se precie. Si mañana cambian los vientos, también lo hará Disney. Mientras tanto, la maquinaría sigue sacando productos cada vez más lejos de tener una identidad o un estilo propios.
En el regreso de los cines a la ciudad de Buenos Aires aparece Monster Hunter (2020) una de esas películas de gran espectáculo que suelen ser utilizadas para justificar el acto de ir a ver cine a una sala grande y abandonar el living de casa. Pero lo que vale la pena ver en cine no son las películas más grandotas, sino las mejores. Las esperanzas de disfrutar un gran espectáculo se van apagando a medida que Monster Hunter nos recuerda que una película mala es mala, en cine, en casa, en un avión o en un teléfono. La película muestra un mundo de fantasía con barcos del siglo XIX peleando contra monstruos gigantes. Luego salta a nuestro mundo en el presente y muestra a la capitana Artemis (Milla Jovovich) y un grupo de soldados de la ONU en misión son transportados de golpe al nuevo mundo de cuya existencia ninguno de los militares estaba enterado. Cuando aparece el primer monstruo descomunal no tienen tiempo para reaccionar o entender, deben huir lo más rápido posible mientras intentan detener el ataque. Un habitante misterioso de ese mundo será la única clave que tal vez les permita sobrevivir e incluso combatir al enemigo. Dos escenas espectaculares al inicio llaman la atención en esta película basada en la popular serie de videojuegos. Pero cuando uno cree que hay más, la película se estanca y no ofrece nada interesante. Intenta agregar pasos de comedia entre la capitana y el desconocido logrando solo generar más vergüenza que otra cosa y las escenas de acción no le importan a nadie. El gran creador de entretenimientos de gran escala pero dudosa calidad Paul W. S. Anderson no consigue aquí un poco de su encantadora máquina de dirigir bodrios aceptables. Atrás quedó aquella primera película de Resident Evil, donde justamente lanzó a Milla Jovovich al estrellato de cine de acción en una saga mediocre pero adictiva. Juntos hicieron una versión imposible de Los tres mosqueteros pero incluso ese film era mejor que esto. Eligieron filmar la película en África porque los paisajes les permitían darle a todo un contexto gigante, ideal para estas criaturas. Pero la película está tan pasada de rosca con las escalas que todo es demasiado grande, lejano, imposible de generar algún tipo de tensión. La curiosidad mayor es que las mejores escenas de acción están en el último tercio del film, cuando ya la irritación de esperar por un poco de entretenimiento ya se haya convertido en una siesta. Volvieron los cines, ahora faltan las películas.
Tenet es una película de espionaje. El protagonista (John David Washington) una importante misión: evitar una nueva amenaza que se cierne sobre el mundo y que es mucho más peligrosa que la tercera guerra mundial. Hay una palabra clave que es la que abre todas las puertas: Tenet. Christopher Nolan está todo tiempo paseando por las cercanías del cine de James Bond. Fascinado con su iconografía, Nolan remite una y otra vez a esos films. Esto se notaba especialmente en El origen y ahora en Tenet. Y sí, hay un villano que podría ser de un film de Bond. Sator (Kenneth Branagh) parece salido de aquellos films de espionaje y tiene el poder de terminar con el mundo, como suele ocurrir con estos personajes. La esposa de Sator, Kat (Elizabeth Debicki) es también una víctima y una posible asociada del protagonista. La bella mujer también podría funcionar perfecto en un film de James Bond de la vieja escuela. Y podría haber sido una ambiciosa y sorprendente película de James Bond, con una trama vinculada con la manipulación del tiempo. Con una villano que tiene el arma más poderosa y original, capaz de alterar el destino de la humanidad. La clave está en la inversión temporal: el tiempo puede correr hacia atrás, algunos objetos específicos y personas que haya hecho un proceso con tal fin. El conflicto está cuando aquellos que van en una dirección temporal se cruzan con aquellos que van en la dirección tradicional. Las más delirantes escenas ocurren cuando ambas líneas se cruzan. El resultado es sorprendente y espectacular en un inicio, y decepcionante después. Un par de días después de ver Tenet, vi el documental What She Said: The Art of Pauline Kael (2018). En ese momento pensé en que me hubiera gustado mucho leer una crítica de Pauline Kael sobre el film Christopher Nolan. También vino a mi memoria algún texto de Andrew Sarris sobre Stanley Kubrick. Ambas personalidades extraordinarias de la crítica tuvieron la lucidez de no comprar los film más pomposos y ridículos de directores que todos consideraban genios. Ah, sí, se pueden multiplicar las interpretaciones, las lecturas más absurdas y las teorías más sofisticadas. El propio Nolan podrá explicarlo todo. Ya muchos aconsejan que hay que ver la película dos veces. Pero retomar la visión de esta película también puede producir un efecto inesperado: volverse cómica por lo ridícula. Hay trucos que si uno los observa con demasiado detenimiento y logra ver todos los hilos, pierden todo su encanto. Nolan usa dos herramientas intimidantes en esta película: La solemnidad y la confusión. Mientras el espectador lucha contra ambas, deja pasar las limitaciones que tiene Tenet. Por más cariño que uno sienta por Kenneth Branagh, en esta película está tan mal que sorprende. Su actuación tiene malos momentos y dos o tres que son peores. No sé qué quiso hacer Nolan al dirigirlo hacia una sobreactuación que pasa del grito a la constipación sin escalas. Para peor, todas las escenas con su mujer están tan mal ejecutadas que uno imaginaría que las hizo otro director. Tanto esfuerzo para terminar con trucos de guión mediocres y situaciones tontas en la manera en la que son contadas. Y las escenas de acción son por lo menos dudosas. Sí, todo es más inverosímil que en un film de Bond, pero sin la menor pizca de humor. La escena de la autopista no tiene ningún sentido, además de haber sido –en sus mejores momentos- robada de la serie de films de Matrix. Pero el encierro entre camiones podría pasar, sin problemas, a la historia como uno de los momentos más forzados de la historia del cine de acción. Quien no me cree, que vea la película y justifique ese momento. Cualquier escena de los últimos cuatro films Rápido y furioso resuelve mejor un momento de acción en movimiento, con humor y de forma entretenida. A Christopher Nolan los han sabido contener los recursos de género y los personajes fuertes. Detrás de Batman no se llegaba a sufrir tanto con estas cosas y el heroísmo genuino y con sentido de Dunkirk funcionaba por los personajes y la historia que lo respaldaba. Además, sinceramente, eran películas mejor filmadas y mucho más divertidas. A veces un director es motivo de debate y divide aguas, los argumentos a favor y en contra se basan en los mismos elementos pero con un balance a favor o en contra. Los defectos que los detractores de Nolan suelen mencionar aquí realmente aparecen. La pretenciosidad del director ya no deja lugar a dudas. Y no necesito ver varias veces Tenet para que me haga reír con su deseo de imponerse a sí misma como obra maestra. El exceso de Nolan ya no resulta tan efectivo, su música pavloviana que anuncia que todo es definitivo e importante ya no surge el mismo efecto. Tenet, a diferencia de James Bond o las películas de Misión: Imposible, tiene un problema sin solución y es que no está hecha para ser disfrutada, sino para ser interpretada. Pista tras pista, guiño tras guiño, la película es un trabajo, un largo concierto autocomplaciente que pretende nuestro aplauso al final. No cuenten conmigo.
Una de las mejores cosas que pueden decirse de una película es su capacidad de sorprender y de evitar encasillamientos. Docenas de películas argentinas sin identidad se estrenan semana tras semana durante el año y cuando una se sale de la norma brilla de manera inequívoca. No por ser una gran producción o por parecer hecha en otro país, sino por darle personalidad y coherencia a la historia que se quiere contar. Fantasma vuelve al pueblo es una de esas películas. Demóstenes (Alfonso Tort, un Mathieu Amalric argentino) vuelve al pueblo luego de años, ha pasado navidad y ya llega año nuevo. Allí todos los apodan Fantasma y le han perdido la pista, solo recuerdan que se había ido a estudiar. Pero no terminado ninguna carrera y en algún aspecto vuelve vencido al pago. Su viejo amigo, Luis Miguel, ahora tiene un lugar de peso en el pueblo. Es él quien le encarga que consiga un chancho para la fiesta de fin de año. En paralelo nosotros vemos al chancho elegido y el subtitulado nos cuenta sus angustias existenciales. Tanto el chancho elegido para la comida como Fantasma comparten el que no querer ocupar que la sociedad les ha asignado. Pasarán unos días juntos mientras Fantasma se reencuentra con sus afectos, es testigo de la vida de su pueblo y mira con recelo la posibilidad de conseguir un trabajo para los poderosos del lugar. Además de varios hallazgos visuales y de una serie de personajes increíbles, la película brilla por su sentido del humor, que pasa de la sutileza brillante al chiste que produce carcajadas sin ningún problema. También tiene un tono melancólico y agridulce que poco a poco se transforma en una silenciosa pero segura resistencia. Una película con mucho contenido que nunca se entrega a la bajada de línea. Pero los dos personajes principales sin decir palabra se terminan rebelando contra el sistema con serenidad y firmeza.