El 28 de septiembre de 2004, en la ciudad bonaerense de Carmen de Patagones, un estudiante de quince años ingresó a su aula y disparó a quemarropa contra sus compañeros y docentes, dejando tres muertos, cinco heridos y marcando para siempre a toda la comunidad. A más de quince años del evento llamado la Masacre de Carmen de Patagones, esta película vuelve sobre aquellos eventos, pero no lo hace a la manera de un documental tradicional. Los protagonistas de esta película son Pablo Saldías Kloster, Rodrigo Torres, dos de los compañeros heridos en el evento. Ellos vuelven al lugar de los hechos pero la película los sumerge en otra trama, tratando de explicar como son sus vidas ahora, mezclando de forma imperceptible el documental con la ficción. Son herramientas válidas que le dan a la película un interés extra. Podrá parecer errática por momentos, pero la intención del guión parece ser más la de resaltar los aspectos azarosos y no lineales de la vida.
Joe Deacon (Denzel Washington), un oficial de policía del condado de Kern, debe ir a Los Ángeles para recoger una evidencia. Pero estando allí queda involucrado en la búsqueda de un asesino serial. Jim Baxter (Rami Malek), del departamento del sheriff de Los Ángeles, quien está a cargo de la búsqueda, ve en el veterano Deacon una ayuda para resolver el caso. Ambos policías unirán fuerzas, pero el pasado de Deacon y las contradicciones de Baxter los pondrán en peligro a ambos. La película está escrita y dirigida por John Lee Hancock, responsable de los guiones de Un mundo perfecto (1993) y Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) dos clásicos de Clint Eastwood de aquella década. Como director Hancock es más desparejo, pero aun así su obra tiene interés. Su film anterior, The Highwaymen (2019) estaba muy bien. Aquí se mete en un policial lleno de elementos oscuros y un trío protagónico que muchos asociaron a Pecados capitales (1997) aunque este proyecto es anterior al film de David Fincher. Pero mientras que el clima y los personajes son dignos de atención, el casting tiene serios problemas. Es fácil imaginar la idea de juntar a tres ganadores del Oscar en una sola película. El problema es que sus estilos no son iguales y el guión no necesitaba justamente a algunos de ellos en sus roles. El policía veterano con un pasado traumático interpretado por Denzel Washington está muy bien, pero Rami Malek es un bochorno. No tiene un segundo en el cual el actor de con el personaje. Haber interpretado a Freddie Mercury en una película lo llenó de premios, pero también de tics intolerables. No parece el policía que interpreta, es un marciano en esta película. Y el villano, el sospechoso, el que tal vez sea el asesino cayó en manos de Jaret Leto. Su ambición no descansa, siempre encuentra la manera de estar peor. Se puso panza, se maquilló para estar distinto y hasta inventó una forma de caminar. Al verlo recuerdo a Alfred Hitchcock odiando a Charles Laughton por estas mismas cosas. Pero claro, Laughton era, a pesar de su exceso, un excelente actor. Jared Leto y Rami Malek juntos son un catálogo de lo que una película como esta no necesita. Justo ahora que Denzel Washington ha madurado y sabe como encontrar cada personaje sin fisuras, se cruza con estos dos. La más perjudicada es la película, porque es imposible entrar en la trama. Sin estos dos shows, la película podría haber funcionado un poco mejor. Pero esa película no existe, así que nunca lo sabremos. Algunas buenas escenas y pequeños detalles, valga el juego de palabras con el título original, le dan algo de dignidad al resultado completo.
Las aventuras de Pinocho (Le avventure di Pinocchio) es una obra literaria escrita por Carlo Collodi. Se publicó originalmente en el periódico Giornale per i bambini, desde 1882 hasta 1883, con el título Storia di un Burattino (Historia de un títere), acompañada de las ilustraciones de Enrico Mazzanti. Su fama universal desde entonces ha convertido el libro en uno de los grandes clásicos de todos los tiempos. Aun así, todavía se discute que tan para niños es este libro, sin duda una de las piezas más oscuras de la llamada literatura infantil. En el cine ha tenido también una fama descomunal que incluyó, por supuesto, al clásico de Walt Disney de 1940. Como suele pasar, las muchas adaptaciones cinematográficas, incluyendo una de cine argentino, fueron tapando al libro y este ha quedado cada vez más lejos del recuerdo general. La última adaptación famosa fue la que dirigió e insólitamente protagonizó Roberto Benigni en el año 2002. El pobre resultado no opacó del todo su taquilla, pero definitivamente no tuvo el destino de clásico con el que el cineasta soñó al dirigirla. Nuevamente desde Italia llegó en el 2019 una nueva versión, cuya distribución internacional se vio afectada por la pandemia. Vuelve a aparecer Roberto Benigni, pero esta vez como Geppetto, el padre del niño Pinocho. La dirección y el guión quedaron a cargo de Matteo Garrone, director de Gomorra (2007), Tale of Tales (2015) y Dogman (2018). Estos antecedentes hacían prever que se trataría de una versión parecida a la obra maestra literaria en la que se basa. Como consecuencia, era de esperar que fuera un film oscuro y por momentos muy inquietante. Garrone no defrauda y a la vez sorprende con una película que posiblemente sea el mejor acercamiento al libro de Carlo Collodi que se haya hecho para el cine. Las escenas iniciales parecen tradicionales, sin sobresaltos, como la ilustración de la obra en la que se basa. Pero los primeros avisos de una mirada dura de la vida hacen pensar en que la película no esquivará las situaciones más preocupantes. La película es un verdadero cuento de hadas, con esos villanos que meten miedo, con esas escenas inolvidables por lo perturbadoras que son. A medida que avanza la historia se confirman esas virtudes, Pinocho es una historia terrible, un cuento moral acerca de un muñeco que deberá comportarse como un gran ser humano si desea convertirse en un niño. Desde lo visual la película es abrumadora. Claro que el maquillaje se destaca, como lo hacen también el vestuario y la dirección de arte. Pero lo mejor viene de la forma en la que se reconstruye ese mundo a mitad de camino entre la fantasía más alocada y el realismo más crudo. La película tiene escenas que parecen un sueño y muchas que parecen la visualización de una pesadilla. El director recibió muchos reclamos por lo dura que es la película, pero él contestó que esos problemas eran de los adultos, que los niños recibieron la película sin problema. Más allá del público puntual al que está destinada o al cual puede llegar, el libro de Carlo Collodi cobra vida con todo su esplendor y la película es inolvidable, bella, poética y a la vez potente. Una sorpresa, teniendo en cuenta las muchas veces que el libro ha sido llevado a la pantalla.
La permanente llegada de estrenos de cine de terror produce un cansancio en el gusto y una resignación a que nada nuevo bajo el solo puede sorprender o divertir. Pero por suerte siempre hay sorpresas. Freaky es una comedia de terror producida por Blumhouse, estudio especialista en el género, que toma una idea y la aprovecha al máximo, construyendo un pequeño film de terror y comedia que se diferencia notablemente del resto. La dirección estuvo a cargo de Christopher Landon, el realizador de Scouts Guide to the Zombie Apocalypse (2015) y Feliz día de tu muerte (2017). Nota: Sí, Christopher es el hijo del famoso actor Michael Landon. ¿Y cuál es esa idea que funciona tan bien? Una adolescente que sufre el maltrato de sus compañeros en su secundario se encuentra una noche cara a cara con un despiadado asesino en serie. Por el poder del arma que él casualmente está usando para intentar matarla, ambos terminan ocupando el cuerpo del otro. Es de decir al amanecer la joven tiene el cuerpo del asesino y a su vez él despierta teniendo el cuerpo de ella. La pobre joven deberá probar quién es realmente y el asesino puede mezclarse entre sus víctimas sin que nadie tenga la más mínima sospecha. La película es una versión terror gore Halloween de Un viernes de locos (Freaky Friday, 1980) y de muchas otras comedias de intercambio de cuerpos. Puntualmente se nota la conexión por el hecho de haberle llamado Freaky a la película. De hecho el título original iba a ser Freaky Friday the 13th. Cuando la película tiene que ser violenta y sangrienta lo es y mucho, cuando tiene que hacer reír, lo consigue sin ningún problema. Toda la estética es el leal al cine de terror, por lo que se ve como una película de género. Kathryn Newton es la joven protagonista y Vince Vaughn el asesino serial. Ambos están brillantes, pero claramente ver al gran actor haciendo de una adolescente en el cuerpo de un brutal criminal de 1.96 de altura es muy gracioso. Los chistes son efectivos y los asesinatos también. Al final, tal vez, la película insiste en parecerse a los films de género de los ochenta, incluyendo sus lugares comunes. En promedio es, de todas formas, una sorpresa agradable y terriblemente entretenida.
Caos: el comienzo (Chaos Walking, 2021) es una película de ciencia ficción basada en una trilogía de libros de los cuales el film adapta el primero. Si se llegan a filmar las dos secuelas que faltan estaríamos en presencia de un verdadero milagro. Nadie que haya participado de esta película puede tener el deseo de continuarla y nadie que la haya visto querrá más de lo que aquí se ve. Un minuto de película alcanza para saber que estamos frente a una catástrofe. Aunque siempre hay algún espectador confundido o demasiado generoso que tolere cosas así, dudo que alguien la pueda considerar aceptable. El protagonista camina por el bosque con su perro y descubrimos uno de los elementos fundamentales de la trama: los pensamientos de los hombres pueden ser escuchados por otros e incluso puede visualizarse brevemente. El recurso visual para mostrar esto es una especia de aura que rodea la cabeza de los protagonistas. La primera vez que uno lo ve (y lo escucha) sabe que la película no tiene salvación. Solo los hombres padecen este efecto, las mujeres no. El problema es que las mujeres han desaparecido por completo en este mundo postapocalíptico. La primera que aparece es una joven cuya nave espacial se estrella cerca del pueblo donde viven estos hombres. Una mezcla de ciencia ficción con western, una combinación que más o menos funciona, aunque la película no tenga interés alguno. Caos: el inicio es uno de esos claros casos donde nada salió bien, tuvieron que volver a filmar, postergaron el estreno y finalmente nada pudo evitar el fracaso. No es necesario investigarlo, se nota desde lejos. Cualquier análisis social que uno quiera darle a la película es exagerar el respeto que este título merece. A la hora de encarar una trilogía hay que tener al menos una idea de lo que se hará con primera película, de lo contrario puede pasar algo como esto.
Habitación 212 tiene como protagonista excluyente a Chiara Mastroianni, famosa actriz que carga siempre con la gigantesca herencia de ser la hija de Catherine Deneuve y Marcello Mastroianni. Ella es la historia del cine europeo a donde vaya. Y aquí no es tan insólito porque la película busca explorar el tema de las relaciones de pareja a través de la fantasía, el amor, la sexualidad y también el humor. María le es infiel a su marido, quien descubre esto y se desata una crisis de pareja. Entonces ella decide alojarse en la habitación 212 en un hotel frente a la casa donde vivía con su pareja. La acción transcurre en esa cuadra, pero principalmente en la habitación del título. El director busca armar un cuento intencionalmente artificial, con juegos de maquetas, nieve falsa, juegos temporales y licencias poéticas para que la protagonista, María, puede reflexionar acerca de su vida sexual y amorosa, tal vez con el objetivo de entender lo que la llevó a estar su situación actual. Es paradójico que en esa cuadra de estudio donde transcurre la película haya un multicine, ya que la película grita teatro por los cuatro costados. La teatralidad, en todo sentido, se apodera por completo de la trama y su lógica, lo que le hace perder gracia a su carismática protagonista y sus aventuras. Algunas verdades de Perogrullo con aires de psicoanálisis la podrán volver interesante para algunos espectadores, en particular a los que se toman la barbilla con solo oír la expresión cine europeo y asumen que son profundas películas tan chatas como esta.
El realizador Martín Desalvo es uno de los directores argentinos que intenta salirse de los moldes y probar suerte con los géneros. En un cine industrial esto sería ser la norma, pero en Argentina, un país donde la mayoría de los directores, sean buenos o pésimos, quieren ser grandes autores con importantes temas, hacer películas de género es un camino diferente. En este caso, la película busca ser un western contemporáneo, aunque podría haber transcurrido, por varios de sus elementos, en cualquier época. Al igual que Al acecho, otro film argentino estrenado recientemente, la película transcurre en un Parque Nacional, en este caso en la selva misionera. Guzmán (interpretado por Pablo Echarri) es el guardaparques que lucha contra los cazadores furtivos. Venneck (Alberto Ammann) es un conocido poblador que sigue la larga tradición familiar de cazar animales. Completa el triángulo Sara Vogel (Mora Recalde) una médica que está casada con Guzmán y fue antes pareja de Venneck. En conflicto crecerá en el ambiente exuberante de la selva, con el calor y las tensiones entre los personajes. El guión de la película tiene la misma base que muchas otras historias de este tipo. Hablamos de western, pero también podríamos hablar de melodrama o film noir, por las tensiones sexuales, el círculo en el cual los personajes parecen estar atrapados y la sensación de que más tarde o más temprano todo va a explotar. En esta clase de films se necesitan alguna chispa extra para hacer la diferencia y no quedar atrapado en lo convencional. El director busca armar una puesta en escena que subraye todo lo mencionado y por momentos lo logra, pero la historia pasa por más lugares comunes que hallazgos novedosos. Los actores parecen llevados al lugar y no se siente como parte de ese ambiente. Seguirá siendo un misterio porque a Pablo Echarri se lo convoca para roles protagónicos cuando ya ha demostrado con creces que no tiene como sostener estos papeles. Es difícil sobrellevar su presencia. Tampoco Mora Recalde tiene química alguna con él y son esas las cosas que le terminan bajando el nivel a toda la película más allá de sus intenciones, sus detalles poéticos y sus pequeños y previsibles apuntes políticos.
Promising Young Woman es la película correcta en el lugar correcto. Pero esto no es un elogio, al contrario. Es la prueba de que una película mediocre puede llegar muy lejos si sirve para tranquilizar las mentes atormentas de una industria que siente terror en la época de la cultura de la cancelación. Luego de varios años de festejar y premiar los bodrios del monstruo de Harvey Weinstein, ahora salen con todo a festejar cualquier cosa que los ubique lo más lejos posible de aquel sujeto. Es tarde porque ya hubo complicidad, es tarde porque ya priorizaron lobby a calidad, es tarde porque el pensamiento unificado que intentan imponer es falso, forzado y no le presta atención al cine. Si Hermosa venganza (sí, así se llama en Argentina) no hubiera sido premiada, si no hubieran perseguido a sus detractores, si no se les hubiera ocurrido el delirio de ubicar a su directora entre las mejores del año, entonces hablaríamos de un drama con humor muy moralista de segunda línea, con algo de entretenimiento y un final espantoso y contradictorio. Es verdad, horribles directores y peores películas han llegado a los mismos lugares. Pero si rechazamos en su momento esos títulos, no hay motivos para aceptar este. Ese es el gran secreto: se mira con recelo al detractor. Hablar mal de esta película es para muchos un pecado, un acto de machismo intolerable. Hablar mal de mujeres directoras es considerado un ataque a la igualdad. Pues bien, es justamente lo contrario, una señal de igualdad. Que se destaque su nominación a mejor dirección habla claramente de años de desigualdad. Promising Young Woman cuenta la historia Cassie, de una joven que dejó sus estudios universitarios y vive con sus padres. Años atrás una compañera de estudios fue violada y el violador quedó impune, con la complicidad de la casa de estudios y varias personas que sabían del crimen. Ahora Cassie va por las noches a bares donde finge estar borracha y cuando los hombres la llevan a sus casas e intentan tener sexo con ella en ese estado, ella muestra que está sobria y les reclama por lo que están a punto de hacer. De día, Cassie trabaja en una cafetería, lo que según ella y la película es uno de los trabajos más bajos y horribles en este planeta. El detalle que delata el pensamiento detrás de la película. Pero a su vez tiene una lista, un plan, y una búsqueda: vengar aquel crimen en la universidad. Ese es el centro de la historia. La promesa de una película jugada se diluye poco a poco, cuando vemos que Cassie emprende una venganza tan prolija como inverosímil. Un minucioso trabajo de oportunismo ideológico caracteriza al guión de la película. Por momentos amenaza con volverse divertida, pero la idea de diversión está muerta en el cine de hoy. No hay que entretener, hay que aleccionar. En ese sentido, las vueltas de tuerca muestran el catálogo de lugares comunes para los tiempos que corren y el cierre es paradójico. La lucha de Cassie implica un sacrificio innecesario que muestra una crueldad excesiva por parte de la realizadora. Cruel, moralista, oportunista y mediocre, la película que mejor refleja el pésimo estado del cine actual.
Dani, una joven nativa americana, escapa a la destrucción de su reserva por un tornado. Ella y su padre William huyen al bosque donde él le dice que se esconda en un árbol hueco mientras él regresa para ayudar a los demás. Dani despierta en un hospital abandonado dirigido por la Dra. Cecilia Reyes. Su familia ha muerto y la doctora le explica que es una nueva mutante y que tiene que quedarse en el hospital para aprender a controlar sus poderes. En el hospital hay cuatro jóvenes más, cada uno con un poder que no dominan y una tragedia en su pasado. Aunque pertenece al mundo de los X-Men, la película funciona más que nada como un film de terror con adolescentes que descubren sus cambios físicos. Busca explorar el lado sexual pero está obligada a ser tan pacata que no logra tratar el tema de verdad. Ambientada mayormente en una sola locación, la película no consigue ni por un instante lograr un clima interesante y se nota que falló toda la película de punta a punta. No hay nada para decir, salvo que si en lugar de una película fuera un poema, habría que haber tirado la hoja al tacho y empezar de nuevo. Lo intentaron, según parece, pero fue imposible y no les quedó otra más que estrenar a pesar de todo.
López, el nuevo documental de Ulises Rosell, sigue al fotógrafo y artista Marcos López. La película no busca en ningún momento analizar su obra ni plantea una biografía de su protagonista. Aunque al verlo trabajar se entiende o se adivina cual es su manera de crear, esto no es nunca explicado con palabras, sino a través de momentos de acción donde simplemente ordena lo que va a poner frente a su cámara. Vemos su casa, su familia, sus momentos de simpática incomodidad a la hora de cumplir con algunas obligaciones. También conocemos a su madre que, como la mayoría de las madres en un documental, es un show aparte. Hay mucho humor en la película, en parte porque el director lo dejó en el montaje final, en parte porque López es decididamente simpático. Pero también están sus angustias y sus temores. La insistencia en que cumple sesenta años es un leitmotiv que atraviesa la trama, por ejemplo. Y el recuerdo del padre está presente en el artista. El documental argentino suele tener más hallazgos cuando habla de otros temas que no sean la política. Sí, hay excepciones, pero en el enorme cúmulo de films políticos no hay tantos ejemplos de acercamientos inteligentes como el que vemos aquí. Sin solemnidad, sin pretensiones, la película consigue retratar la vida de un artista.