De un tiempo a esta parte el cine de género ha comenzado a pisar fuerte en el cine argentino. Más en cantidad de películas que en la taquilla, hay que decir. Los cineastas han encontrado una forma de expresar sus ideas a través de las reglas que los géneros marcan. Argentino ha sabido tener pocos pero muy variados westerns en su historia, desaprovechando así un género que podría haber tenido cientos de films con los paisajes y los temas que allí se ofrecen. Pero a diferencia del terror, donde los temas son personales y muy distintos entre sí, en los westerns argentinos actuales siempre se termina imponiendo la bajada de línea y el discurso por encima de la narrativa de los grandes espacios que aquí en Argentina se podrían aprovechar. No son westerns visuales, son westerns hablados Una de las mejores cosas del western es tener pocas palabras, pero justas. No que cada personaje haga un discurso político, incluso aquellos que durante el resto de la película demuestran no tener el más mínimo vocabulario para expresarse. Es que no son los personajes lo que hablan, son los actores recitando el discurso del guionista. El paisaje inicial que muestra a los tres protagonistas de la historia es prometedor. Parece un western. Es la escena más parecida a un western de toda la película. Soria, un joven inexperto, y dos bandoleros que se tienen poca confianza entre ellos, se unen para robar un banco en la Patagonia. Soria es demasiado blando en comparación a los otros dos, pero sabe de explosivos y por eso lo necesitan. Un comisario los persigue, obsesionado con poner fin a sus crímenes. La trama empieza bien, pero pierde potencia en cada escena, en parte por los motivos ya mencionados. Se ve la influencia del cine de Sam Packinpah y Sergio Leone, así como de otros westerns, en general revisionistas. Un western patagónico demasiado hablado, en una clara subestimación del espectador, como si no fuéramos capaces de entender el universo mítico del más grande de los géneros cinematográficos.
Las mil y una es una película claramente por encima del promedio del cine nacional. Dos cosas las elevan notablemente: una es la puesta en escena de una directora brillante que sabe que quiere filmar y cómo hacerlo. Un plan secuencia que funciona sin pretender ser un lujo visual, una elección formal que explica el mundo de los personajes. Virtuosa pero sobria a la vez, así es la película. Y lo otro que la vuelve realmente grande es que respira autenticidad en cada uno de sus momentos. No es una cineasta en un púlpito o leyendo sobre un tema, es alguien que nos sumerge en el mundo de sus personajes, sus ideas, su vida cotidiana, su entorno. Cada interior y cada exterior del film se ven reales en el sentido más completo de la palabra. Iris (Sofía Cabrera), de 17 años, ha sido expulsada de la escuela luego de sus constantes faltas. Su teléfono y su pelota de básquet son su mundo. En un barrio humilde de Corrientes ella vive en espacios reducidos junto a su familia. La descripción de cada personaje es concreta, aun sin explorar en exceso su psicología. El entorno se ve hostil por momentos, más allá de los fuertes lazos entre algunos integrantes de la familia y algunos amigos. Pero aparece Renata (Ana Carolina García), una joven que es lo contrario a la tímida Iris. Renata se lleva el mundo por delante y entonces Iris se fascina inmediatamente. La escena en el colectivo está entre las mejores del cine de esta última década. Las actrices son extraordinarias, aun teniendo estilos casi opuestos. Decíamos que había talento y autenticidad. En una cinematografía de más de cien estrenos anuales, la mediocridad y la repetición abundo, pero Las mil y una justifica el esfuerzo de seguir buscando grandes películas en el cine argentino contemporáneo. Una buena película no tiene país, aun cuando describa a la perfección un lugar específico del mundo. Una verdadera joya que nadie debe perderse.
Vicenta es una mujer pobre, analfabeta y vive en una humilde casa de chapa y madera en las afueras de Buenos Aires. Su hija menor, Laura, que sufre retraso madurativo severo, está embarazada producto de un abuso sexual. Al enterarse, Vicenta solicita a los médicos que le practiquen a su hija una interrupción legal del embarazo, pero una jueza, prohíbe el aborto a pesar de estar autorizado por Ley para estos casos. Vicenta inicia entonces una lucha contra viento y marea en pos que los derechos de su hija sean respetados. Aunque a priori pueda no parecerlo, Vicenta es un documental. Toda la historia es recreada con muñecos y maquetas. Los muñecos no se mueven y las maquetas son filmadas de manera artesanal con pequeños movimientos de cámara o diferentes trucos visuales. El más llamativo es el ver las imágenes reales de noticieros en la pantalla de los televisores dentro de esas maquetas. La causa es justa, el hecho real sigue siendo impactante y la lucha de Vicenta es honesta y necesaria. Cuesta creer que tiene oposición, pero la tuvo en su momento y la seguirá teniendo. La historia es potente. El final también. Pero la ejecución de la película no lo es tanto. Limitada en su propuesta visual, aun con algunos hallazgos muy bellos, en pocos minutos la película deja de tener ideas visuales y se estanca. La voz en off de Liliana Herrero es muy mala, porque alterna gravedad con poesía y actuación donde el texto alcanzaría dicho de forma más sobria. Aun así, el mismo texto deja el documental para adentrarse en una forma poco elegante de prosa, lastimando el noble objetivo inicial del film.
Escribir en el aire es un documental que describe el universo del célebre coreógrafo de danza contemporánea Oscar Araiz, multipremiado y con una muy amplia trayectoria en el país y en Europa. Esta verdadera leyenda de la danza es retratada a través de su trabajo, no solo de su testimonio. Araiz se expresa con su trabajo y hay verdadera belleza en su obra, algo que la película entiende y aprovecha. Menos interesante son las reconstrucciones en forma de flashback y la puesta en escena de un diálogo espontáneo acerca de la danza. Vale la película por lo que se puede ver de su trabajo, pero adolece de cierta solemnidad, algo de antigüedad con respecto a las ideas del documental y las mencionadas decisiones que le quitan pureza al trabajo del coreógrafo.
Lila y Marcela trabajan para el estado en la provincia de Buenos Aires. Son personal de limpieza de una dependencia estatal. Conocen cada pequeño espacio del lugar y, como suele ocurrir, su funcionamiento más allá de las reglas oficiales. Se las ingeniaron para gestionar un comedor dentro del lugar, de manera ilegal, en un espacio olvidado del edificio. Pero con la llegada de una nueva titular al ministerio, las cosas cambian. Todo se vuelve inestable, el comedor peligra, las promesas de la nueva gestión no son confiables y las dos mujeres inician una batalla por sobrevivir. La película muestra, con humor negro, esta pelea entre las dos empleadas estatales. Al parecer, el estado es un lugar donde la gente puede trabajar o no trabajar toda su vida, al menos dice eso la película, hasta que llega una gestión malvada que rompe con su pequeña madriguera bien establecida. El director cuenta con habilidad esa batalla y logra apuntes interesantes. Pero al mismo tiempo decide, con poca honestidad intelectual, tener una mirada acrítica, incluso con simpatía costumbrista, acerca de la vida estatal. Sus dardos están lanzados contra la nueva secretaria del ministerio. La película establece que, más allá de las peleas internas, el mal habita afuera, no en la planta permanente a la que los empleados intentan acceder, y así no irse jamás, hagan lo que hagan. La necesidad de bajar línea en una película que tenía inicialmente buenas ideas y grandes actrices, entorpece el producto final y el último tercio desbarranca en una mirada demasiado simple, demagógica y finalmente fallida. Los cineastas en Argentina parecen no tener el coraje de hacer películas inteligentes hasta el final, subestiman al público y el resultado está a la vista.
Marcos Roldán (Carlos Portaluppi) es un enfermero que trabaja desde hace muchos años en la misma clínica en el turno nocturno dentro del pabellón de terapia intensiva. Marcos tiene bajo control la situación y en algún aspecto hace lo que quiere. Pero llega Gabriel (Ignacio Rogers), un enfermero más joven y entusiasta, que cambiará toda la rutina y el secreto que Marcos guarda podría quedar expuesto. Gabriel se muestra amable, demasiado amable, en un comienzo, pero esa es la manera de entrar en confianza, luego mostrará su verdadero juego y tendrá el destino de Gabriel en sus manos. Esta narración claustrofóbica que cuenta un vínculo perverso y peligroso, es lo que hace de La dosis una película diferente al promedio del cine nacional, con un guión inteligente y una idea de lo que se quiere contar que nunca es perezosa o desganada. Se nota el deseo de construir un mundo y contar una historia. Con recursos muy simples, la película logra un clima y contar una historia.
El guión de Rodrigo Sepúlveda y Juan Elías Tovar adapta la novela “Tengo miedo torero” del autor Pedro Lemebel, tomándose algunas libertades para conseguir que el libro se vuelva más cinematográfico. Lo mismo que en su momento hizo Héctor Babenco cuando realizó El beso de la mujer araña (1985) basado en el libro de Manuel Puig. La película, que transcurre con la dictadura de Pinochet como fondo, se concentra en el amor imposible que siente La Loca, un trans madura, hacia Carlos, un joven guerrillero perteneciente al Frente Patriótico Manuel Rodríguez. La película es más interesante en el tema que en su desarrollo. Muestra que la fobia hacia las personas trans era de izquierda y de derecha indistintamente y busca entender el universo de la protagonista. Pero le falta esa vuelta artística que le permita ser más una película que una descripción de personajes informativa. Si Babenco se arriesgaba, con un tema parecido, a tener momentos más poéticos, acá el director prefiere quedarse más cerca de la literalidad. Hace treinta año hubiera sido más impactante, hoy no alcanza.
Dos mujeres pasan un fin de semana juntas cerca del mar. Una de ellas está a punto de regresar a Argentina y la sensación de despedida está en cada cosa. Con esta mínima historia de una separación entre dos personajes, la película se lanza hacia un viaje por el mar que es todo lo que finalmente importa en la narración. Cuando busca construir personajes, no aporta nada, ni emociona, ni construye una historia. Pero cuando se dedica a contemplar paisajes de mar y tierra consigue algunos momentos sublimes. Cercana a ciertos films de Werner Herzog o Abbas Kiarostami, Drift decide hacer pie en sus dos protagonistas y termina perdiendo la grandeza del cine contemplativo. Aun así, posee algunas imágenes inolvidables.
Durante décadas los cinéfilos y expertos en cine argentino hablamos de la ausencia de ciertos géneros en el cine nacional. El terror, el cine fantástico en general, era uno de ellos. Pero el siglo XXI, con los cambios tecnológicos pero también culturales, trajo todo un circuito de films que se sumergen en las ideas y la estética del terror desde los más variados estilos y puntos de vista. Los que vuelven es otro ejemplo de esto. América del Sur, 1919. Los guaraníes fueron asesinados, desterrados o reducidos a servidumbre. Julia, esposa de Mariano, un terrateniente yerbatero, concibe a su tercer hijo muerto. Desesperada, le ruega a Kerana, su criada indígena, que lo traiga de vuelta a la vida. La criatura vuelve. Pero no vuelve sola. Con esta idea la película arma una historia que tiene buenos y malos momentos y que en su afán de abarcar mucho a veces pierde un poco el rumbo y su energía inicial se dispersa. No falla en la creación de climas, evocación directa del terror sugerido que va desde los films producidos por Val Lewton en la década del cuarenta hasta John Carpenter años después. La premisa tiene también concepto clásico tan bien explotado por Cementerio de animales. En cuanto a la denuncia social la sutileza no es como la de los casos mencionados. En una larga tradición de cine que describió la explotación del hombre por el hombre en el norte argentino, Los que vuelven quiere lograr ese discurso metido dentro del cine de terror. Lo logra a medias, aunque no le falta ambición cinematográfica y demuestra respeto por el cine de terror.
Adaptación libre del cuento de Oscar Wilde realizada en animación. Prolijo trabajo con tono ecológico-filosófico, mostrando la importancia de la naturaleza y su devenir. Con una técnica artesanal que por momentos produce instantes bellos, pero que en otros se ve fuera de época y algo monótona. Tal vez, como siempre, el problema es el doblaje de la película, donde las actuaciones parecen provenir de los films para niños que hacía el cine argentino cuarenta años atrás. Si bien es cierto que décadas atrás había mucho talento apuntando a los productos infantiles, no era su tono, sino su contenido lo que los hacía valiosos. No hay nada realmente malo en la película. El tema está bien elegido, Oscar Wilde no era necesario, hay una búsqueda de la belleza y ciertos elementos de genuina simpatía. En un género que a veces da productos muy malos, ni por asomo puede considerarse a este film entre ellos. Sus limitaciones no son accidentales, la película tal vez buscó remitir a otra época y otra manera de entender el cine.