Secuela de Jóvenes brujas que tiene lugar veinte años después del filme original. Lily (Cailee Spaeny), es una adolescente que se muda a la casa de la nueva pareja de su madre Michelle Monaghan. Su cambio de residencia, además de convivir con un padrastro (David Duchovny) y tres hermanastros, supone convertirse en la chica nueva del secundario. Se convierte en objeto de burla de sus compañeros, tres compañeras la invitan a unirse a su grupo. Las amigas son brujas y ella descubrirá pronto su talento oculto. Tardaron veinte años para hacer una secuela mediocre de una película mediocre. Aunque esta nueva entrega se ve más independiente, de bajo presupuesto y con un espíritu de acuerdo con los tiempos que corren. Es decir que la maldad está centrada en los hombres blancos heterosexuales. Aunque todo film tiene derecho a elegir sus villanos, esta opción pone a la película a la moda y reduce su riesgo a cero. Su afán demagógico no la hace más interesante o perdurable. Se guarda, eso sí, alguna sorpresa para aquellos que disfrutaron el film original.
Sara y Daniel son un matrimonio que compra casas viejas y las refaccionan para luego venderlas. Junto con Eric, su hijo de 9 años, se mudan a un viejo caserón para hacer justamente eso. El niño es el primero en captar que algo siniestro habita en ese lugar. Lo que ellos no saben, es que el lugar es llamado “la casa de las voces”. Extraños sonidos comienzan a surgir y deberán pedir ayuda a un experto en el tema. El cine español de terror ha dado poderosos ejemplos de un gran dominio del género en dicha cinematografía. Bayona, Amenábar, Balagueró, De la Iglesia, son algunos nombres que han construido las últimas décadas de un país que tanto en cine como en televisión tuvo espacio para el horror. Voces (2020) dirigida por Ángel Gómez Hernández, es una muestra fiel de algunas de las variables que se han manejado en estos años. Truculenta, pausada, visualmente muy cuidada, la película abreva en una forma de hacer cine de terror de calidad con buenas herramientas y sin tantos golpes de efecto. El drama y el horror crecen juntos y se construyen buenos personajes. Como todo film asociado a grandes caserones, las revelaciones irán llegando poco a poco hasta entenderlo todo. No entre las mejores películas, pero con bastantes hallazgos, Voces se ubica entre las buenas, pero no geniales películas de terror actuales. Le cuesta sostener el mismo nivel del comienzo y una escena al final de los títulos de cierre no aporta absolutamente nada.
Se estrena en estos días raros, con pocas salas, esta película de ciencia ficción rusa, una especie de Día de la independencia con pretensiones y una duración de dos horas y cuarto. Está dirigida por Fedor Bondarchuk, hijo del famoso director Sergey Bondarchuk, que alcanzó fama mundial al dirigir La guerra y la paz (1965) y La batalla de Waterloo (1970). La duración se hace sentir ya que es un poco difícil entender por completo la película. Esto se debe en parte a que es una secuela. Al comienzo lo descubrimos esto por la manera en que repasa eventos incomprensibles para quien no haya visto el film anterior. La película original se llamaba Attraction (Prityazhenie, 2017) y esta secuela, Invasión (Invasion/ Vtorzhenie, 2020). La película transcurre tres años después de los eventos de la película anterior. Julia (Irina Starshenbaum), que se salvó de la muerte con la ayuda de tecnologías extraterrestres, ahora tiene habilidades inusuales. La niña se ha convertido en objeto de la investigación realizada en laboratorios secretos del Ministerio de Defensa. Las nuevas habilidades de Julia atraen no solo a la gente de la Tierra, sino que se están convirtiendo en una amenaza para las civilizaciones extraterrestres, por lo que la Tierra está amenazada. Hakon (Rinal Mukhametov) ha vuelto para salvarla, pero ese regreso le importará a nadie que se haya perdido el film anterior. Se entiende la historia entre ambos, pero es imposible interesarse por el resto. Los misterios de la distribución la trajeron hasta Argentina. Es demasiado larga, es muy cara, espectacular y ambiciosa, pero igual resulta poco profesional en muchos aspectos. No sostiene el drama, no genera empatía con los personajes. Cine ruso de exportación, pero del comercial. Algo muy raro para ver por acá, pero el mundo se ha vuelto un lugar raro y pasan estas cosas.
En el año 2001 la película de animación Shrek logró con su éxito llevar la parodia a la animación, tomando como objeto de revisión los cuentos de hadas. Desde entonces muchas películas aprovecharon esto para intentar repetir este éxito. Zapatos rojos y los siete enanos (Red Shoes and the Seven Dwarfs, Corea del Sur, 2019) es una película que sigue esos pasos. A pesar de ser coreana está hablada en inglés originalmente, aunque aquí veamos la copia doblada al castellano. Siete grandes héroes de la Isla de los cuentos de hadas cometen un error y son hechizados. Se convierten en enanos y deben encontrar la manera de romper el hechizo. A su vez, una joven princesa llamada Blancanieves descubre que unos zapatos rojos cambian su aspecto exterior. De ser una joven normal, se transforma en una princesa de cuentos de hadas. La película se mete desde el comienzo con el tema del aspecto físico. Y obviamente debe resolverlo de la forma más creíble y correcta posible. Lo logra, pero en el medio hay una película que no funciona tanto como tal. El guión se preocupa mucho por ese aspecto, pero es demasiado estándar en otras cosas. Hay un intento de revisar los cuentos de hadas. Mezclar diferentes cuentos, alterar sus reglas, combinar los personajes, darles a las viejas historias una nueva mirada. La película consigue algunas escenas espectaculares, pero se estanca con algunos personajes muy mal armados y un puñado de canciones infames. En los siete enanos hay tres que son trillizos. No tenían ganas de armar siete personajes muy distintos y lo simplificaron. Es el resumen perfecto de la falta de esfuerzo. Al final la película parece una copia deslucida de algo que ya todos conocemos.
La gata Gwen (como Stefani) y el perro Roger (como Federer) son dos agentes secretos que protegen y salvan el mundo sin que los humanos tengan ni ella de ello. Tienen esos nombres según la pasión de su dueña y su dueño, respectivamente. En una la joven y su padre son músicos y en la otra el joven y su madre aman el tenis. La alianza entre perros y gatos se debe a un gran pacto que han hecho y una unión que ya lleva diez años. Pero una cacatúa villana y sus aliados intentan boicotear esa armonía. Los animales menos queridos de la tienda de mascotas tienen un plan para que perros y gatos sean hostiles y a la larga sean menos queridos por sus dueños. Una tercera parte de una película mala de hace veinte años tenía poco para ofrecer, pero sorprendente entregando aun menos de lo esperado. La película es mala con ganas. Los animales, todos reales, tienen una leve animación en la boca en algunas escenas y luego se mueve con mascotas comunes y corrientes a la que una pobre puesta en escena inserta en escenas de acción. No merece un análisis más allá de su precariedad formal y de un guión lamentable. Un presupuesto limitado ofrece no más de diez animales y un elenco con cuatro actores principales y algunos secundarios de segundos de pantalla. Todos horribles, los perros, los gatos y los humanos.
Para el público occidental que no conoce el cine japonés, la idea del animé está acotada a la televisión y a los films de Hayao Miyazaki, si acaso lo conoce. Gracias a la estética que le imprimió el animador Osamu Tezuka a sus personajes, en occidente aun se sorprenden cuando aparecen personajes de animé con grandes ojos redondos. Pero el animé es mucho más que dos o tres lugares comunes y series de televisión. La cartelera en los cines de Japón ofrece un número elevado de películas de animación de todos los géneros posibles. Gracias a los cambios tecnológicos en la exhibición del cine, en la era digital el estreno en salas argentinas de títulos del animé actual es algo cada vez más frecuente. Tal es el caso de El tiempo contigo (2019) dirigida por Makoto Shinkai, director y guionista del cual ya hemos visto Your Name (2016) también estrenada en salas de cine. No se trata de films para niños, su público a partir de los adolescentes, tal vez el público para el que han sido pensados estos títulos En El tiempo contigo la temática, las imágenes y la historia no tienen vínculo alguno con el público infantil. Para los adultos que no conocen el cine japonés y no están acostumbrados, puede ser raro ver una película de fantasía, de animación, que no sea para niños. Shinkai vuelve a desplegar una prodigiosa animación en este film que vuelve a tener un cargado melodrama romántico en el centro de la trama. El estudiante de secundaria Hodaka Morishima deja su hogar lejos de las grandes urbes y se muda a la ciudad de Tokio. No sabemos porque huyó, pero si la ciudad de Tokio le da miedo, lo que dejó atrás debe ser peor. Aislado del mundo, sobrevive como puede, hasta que finalmente se encuentra un trabajo como escritor para una revista de baja categoría en donde le encargan un artículo sobre leyendas urbanas. En una ciudad siempre lluviosa, investiga el mito de la Chica del sol, jóvenes capaces de parar la lluvia en lugares puntuales a partir de una plegaria. Así descubre que la joven Hina Amano, a quien ya había conocido por ayudarse mutuamente en los peores momentos, es una chica del sol. Hodaka y Hina deciden utilizar su asombrosa habilidad para poder ganar un poco de dinero, pero las cosas no serán tan ideales como parecen. El realizador tiene la destreza para hacer convivir la crudeza de la vida del protagonista con una decidida apuesta a la fantasía y la poesía visual. Momentos muy duros se mezclan con otros de humor, ligereza y belleza. Una combinación tal vez imposible de lograr en una película que no sea de animación. El animé sigue siendo un espacio de gran calidad artística y libertad creativa. No son películas políticamente correctas y su apuesta al exceso no hace más que mejorarlas. La pasión por el melodrama es una condición común en mucho de estos films. El romanticismo adolescente retratado con talento visual y valor cinematográfico.
Scooby! Es el primer largometraje de animación para cine sobre los personajes creados por Hanna-Barbera en 1969. Luego de innumerables versiones, especiales y varias películas con actores de carne y hueso, ahora llega esta película que tiene una ambición extra: Crear un universo cinemático de los personajes de Hanna-Barbera, así es como varios personajes del famoso estudio de animación se dan cita en un primer crossover que promete tener más películas. En ese aspecto no hay nada que reprochar, el cruce funciona y la promesa también. En esta película vemos como se conocieron Shaggy y Scooby en un prólogo no demasiado largo y luego como se encontraron con el resto del grupo, Fred, Daphne y Velma, en un par de escenas que también funcionan y en la que todos son niños. Luego pasamos al presente y una pequeña crisis que divide brevemente al grupo. Nada para preocuparse porque los cinco siguen toda la película, todos tienen su momento, aunque siempre Shaggy y Scooby tienen el extra de ser los más graciosos. La animación, las canciones de la banda de sonido, todo logra un equilibrio entre lo clásico y lo moderno. Es simpática y divertida, más que las otras versiones para el cine. Pero la gracia está en el cruce con otros personajes del estudio. Fabulman y el Perro maravilla (Blue Falcon y Dynomutt) son los héroes a los que Scooby y su pandilla deben ayudar. El villano es nada más y nada menos que Pierre Nodoyuna, quien a perdido a Patán de una forma que luego se contará en la historia. Pero también aparece El capitán Cavernícola y las referencias a muchos otros personajes hacen creer que cualquier cosa podrá pasar de acá en más. Lo más flojo de la película son los momentos dramáticos, claramente por debajo de la comedia y fuera de la gracia de toda la historia. El clímax de acción tampoco es muy interesante. A pesar de la dignidad de la película y de los divertida que es por momentos, todavía le falta para arrancar con todo en este nuevo mundo que se asoma de acá en adelante. Veremos si logran crecer o si lo que se ve acá es lo mejor que tenían.
Mamá, mamá, mamá es la ópera prima de Sol Berruezo Pichon-Rivière, realizadora que explora aquí el mundo de la infancia femenina. No es la primera película que aborda este tema y el aumento de realizadoras en el cine argentino de las últimas dos décadas a permitido un abordaje recurrente de estos universos. La sinopsis del film es más narrativa que la película misma: “Un día de verano, una niña se ahoga en la pileta de su casa. Cleo, con sólo doce años afrontará la pérdida de su hermana en un mundo sin adultos y acompañada de sus tres primas que la adentrarán en su mundo femenino en ebullición. Cada niña estará sumergida en un micro universo particular; y en paralelo Cleo, marcada por la tragedia de su hermana, pero sin poder expresarlo”. El cine industrial de género suele caer en lugares comunes, en particular porque parte de la idea del género, es decir de reglas reconocibles. Pero el cine argentino independiente, sin género, sin narrativa clásica, acumula tantos o más espacios repetidos, reglas no escritas y recursos agotados. Como dato de color, la producción se jacta que la película fue realizada por un equipo íntegramente conformado por mujeres. No por cuestiones de feminismo, sino porque se logra, palabras de la directora, una comunidad de mayor confianza. Bueno, con un equipo de mujeres no lograron hacer una película diferente a la que podrían haber hecho con un equipo mixto, al menos en lo que se refiere a los méritos artísticos. Pero alimentar un poco la discriminación es una de las novedades este mundo actual. La película atrasa veinte años en todo lo demás. Sin restarle méritos a una buena calidad técnica y varios planos de indudable belleza. Las protagonistas adolecen también de la enciclopedia del cine independiente contemporáneo.
Mientras estés conmigo, desafortunado título local para I Still Believe (Estados Unidos, 2020), es una película cristiana basada en la historia real de Jeremy Camp y su novia Melissa. La pareja se conoce en la universidad y el amor es instantáneo. Jeremy ama la música y desea componer canciones, aunque todavía no ha encontrado el rumbo. Ambos son cristianos, pero Melissa tiene una convicción inicial más fuerte. Enamorados y felices, la pareja enfrenta un duro momento cuando a ella le diagnostican cáncer. Se aferran a la fe para atravesar juntos el momento más difícil de sus vidas. Las películas cristianas no son solo películas con contenido religioso, como hay muchas en la historia del cine. Estos títulos están pensados específicamente para un público cristiano y están realizadas con una agenda más religiosa que cinematográfica. Como toda película de la historia del cine, lo que importa es si es buena o no. Y Mientras estés conmigo es particularmente mala. No logrará transmitir la fe a quienes no estén convencidos de antemano e incluso la historia no es tan conmovedora como uno puede imaginar. Un mínimo interés despierta el que estén Gary Sinise y Shania Twain interpretando a los padres del protagonista. Pero la mezcla de melodrama sin fuerza, guión pobre y actuaciones muy poco convincentes no produce otra cosa más que aburrimiento e indiferencia. Si se estrena en Argentina es porque tiene un público cautivo que va al cine, más como una ceremonia religiosa que para ver una película.
Lo mejor de The Empty Man está al comienzo. En el Valle de Ura, en Bután, en el año 1995, cuatro amigos están explorando la montaña cuando se encuentran algo inesperado y terrible. No hay explicación alguna, son los mejores minutos de la película, sin duda. Más adelante, en el medio oeste norteamericano, un grupo de adolescentes de una pequeña ciudad desaparece misteriosamente. En el lugar muchos hablan de una leyenda urbana conocida como The Empty Man. Un policía retirado (James Badge Dale) investiga el extraño caso que se vuelve cada vez más confuso. Llega entonces a un grupo secreto, una secta cuya finalidad parece ser invocar a un ente que puede ser el final de James y de sus conocidos. Qué una película de terror sea mediocre no es sorpresa, que dure más de dos horas no teniendo nada para contar sí es una rareza. El aburrimiento de escenas largas, postergaciones inútiles y un desenlace anunciado y sin gracia es el combo fatal de una película que llega a algunas salas de cine, pero tiene la misma baja calidad que los bodrios en streaming que sufrimos durante todo el 2020. Una pena que se estrene esta película y no las docenas de títulos que está esperando fecha de estreno.