Para aquellos que vemos mucho cine argentino de todas las épocas, una película como Soy Tóxico genera una simpatía inicial inevitable. La ciencia ficción y terror, dos géneros que durante el siglo XX tuvieron escasos exponentes en una cinematografía que luego de su edad de oro renegó cada día un poco más de los géneros. En el siglo XIX la cosa cambió y una docena de películas de estos géneros aparecen por año, en particular de cine de terror. Dentro del cine de género Soy tóxico entra en la categoría de ciencia ficción ambientadas en un futuro distópico, en un planeta arrasado por una guerra bacteriológica y un hemisferio sur habitado por escasos sobrevivientes rodeados de hordas de zombies. Provincia de Buenos Aires, año 2101, el protagonista, al que llamarán Perro, despierta sin saber quién es ni como ha llegado hasta ese desierto donde está rodeado de cadáveres. Cuando un zombie está a punto de atacarlo es salvado por un desconocido. Lejos de ser un amigo, este extraño personaje lo llevará a su refugio donde junto con su pandilla tomarán a Perro como prisionero. Otra situación muy conocida del cine de terror es la de la banda de sádicos que toma a alguien de rehén sin que se sepa muy bien cuál es su objetivo final. A favor de la película hay que decir que los primeros minutos de película se desarrollan sin diálogos, con una buena elección de locación y con un logrado clima. Luego cuando aparezcan todos los personajes la cosa será menos interesante. El maquillaje, la dirección de arte y el vestuario están impecables, logrando un clima, junto con la fotografía, cercano al cine de terror europeo de los setentas o al de las películas de bajo presupuesto. Pero a medida que la película avanza no se desarrolla un interés por los personajes, no nos preocupa tanto su destino ni sus intereses, no llegamos a generar la más mínima empatía. Esto es especialmente notable con el líder de la banda, interpretado por el músico Horacio Fontova, quien nos saca del clima de ciencia ficción y terror y nos recuerda en su estilo antiguo de actuación que estamos viendo una película. Soy tóxico pierde fuerza escena tras escena, no porque empeoren, sino porque no logran sumar. Volviendo al comienzo, es fácil sentir simpatía porque quienes quieren hacer cine de género en Argentina, pero al mismo tiempo, y por amor al género, hay que ser exigente con la calidad de las películas, no solo saludar sus intenciones. Lo que sigue faltando son guiones más sólidos, de esos que hagan la diferencia, a partir de allí las películas de terror y ciencia ficción, aun siendo humildes, podrán lograr el objetivo de calidad que se espera de cualquier título.
Isabel (Michelle Williams) ha dedicado su vida a trabajar con los niños de un orfanato en la India. Del otro lado del mundo, Theresa (Julianne Moore) dirige una multimillonaria compañía de medios y vive una vida de ensueño junto a su esposo Oscar (Billy Crudup) y sus gemelos en Nueva York. La hija mayor de la familia, está a punto de casarse. Un día, Isabel recibirá una misteriosa y generosa donación para el orfanato en el que colabora, que pasa por una época de dificultades financieras. Esto la llevara de viaje a Nueva York para encontrarse con Teresa la benefactora, quien esconde un gran secreto familiar. Pero antes de develarlo le pide a Isabel que concurra a la boda de la hija. Melodrama en estado puro disfrazado de drama realista. Remake de la película danesa del año 2006, por la que Susanne Bier, su directora, se hizo famosa en todo el mundo. Bier tiene ese estilo de excesos dramáticos en un envase sobrio. El director Bart Freundlich toma esto y se sostiene en un elenco de mucho peso para mantener el interés en una película forzada, sin demasiado brío y con un final cerrado con moño pero con demasiado guión encima. Intenta y efectiva, logra su objetivo.
Isidoro Mendoza es un delincuente común con ambiciones de justiciero. Junto a su hermano forma una banda de criminales, roba una joyería y pone a la policía tras su rastro. A su alrededor se construye una leyenda de bandido que roba a los ricos pero reparte entre los pobres. Western argentino lleno de ambiciones visuales y escenas muy bien resueltas. Algo despareja en los actores y con una historia de amor que no tiene la eficacia del resto de la historia. Un poco atorada en una bajada de línea permanente que se expresa en diálogos, la película podría haber avanzado perfectamente con la sucesión de acciones sin la necesidad de expresarlas en palabras todo el tiempo. Aun con limitaciones y elementos discordantes, Pistolero muestra un director con ganas de filmar y con buenas ideas. La iconografía del siglo XIX a través del western le da un cierto toque anacrónico que la vuelve más interesante, aun transcurriendo en la década del sesenta del siglo XX.
Para empezar a hablar de ¿Dónde estás Bernadette? hay que mencionar que la dirigió Richard Linklater. Sí, el director de la trilogía de Antes del amanecer, Escuela de rock, Boyhood y Rebeldes y confundidos, entre otras. Una carrera ecléctica, libre, llena de ideas, con las más variadas apuestas cinematográficas. Desde lo más sencillo y ligero a lo más complejo y ambicioso, su obra es el sueño de cualquier realizador que añora ser como aquellos directores del Hollywood clásico, que no parecían tener una obra personal y que sin embargo iban construyendo un universo propio y original. Cuando uno ve ¿Dónde estás Bernadette? podría perfectamente no saber quién la dirigió y aun así darse cuenta rápidamente que se trata de un film diferente a la mayoría. Esas películas de perfil bajo que sin ser consideras obras cumbres, se disfrutan y se distancian de la media. Sorprendente en muchos aspectos y difícil de encasillar, esta comedia dramática de Linklater vale la pena desde todo punto de vista. Bernadette Fox (Cate Blanchett) es una mujer de Seattle que lo tiene todo: un marido que la adora y una hija brillante. Ella es una arquitecta excepcional que se ha retirado prematuramente y tiene una fobia social enorme. Su marido trabaja con Microsoft y está abocado a su empleo. La hija que está a punto de entrar a un colegio pupilo previo a la universidad les pide un día que cumplan una promesa: ir a la Antártida los tres juntos. Bernadette y su marido aceptan, pero algo le pasa a la protagonista que hace que cada día esté más inestable, poniendo en riesgo todo el plan. Los actores, el director, la historia, todo tiene un perfil sin excesos pero siempre con eventos interesantes. Un poco absurda pero aun siempre dentro de su propio verosímil, la película se disfruta y su personaje principal parece ser el alter ego del lado más misántropo del realizador. Nada para angustiarse, nada para preocuparse, simplemente un retrato acerca de una crisis y la esperanza de poder salir de ella en soledad y acompañado.
La ópera prima del director tucumano Martin Falci, es un retrato del último campamento de varones que se realizó en el Gymnasium, colegio universitario público de Tucumán. Por sus bautismos y rituales, el evento es parte del imaginario colectivo de la provincia desde hace más de 50 años. Los niños de 10 años que ingresan al colegio y viven el campamento por primera vez, son los personajes de este documental que no subraya ni juzga nada de lo que ve, simplemente decide mostrarlo. Quienes conozcan desde adentro la experiencia podrán tal vez establecer los niveles –siempre presentes- de subjetividad que para la mayoría de los espectadores nos resultarán imperceptibles. Lo que la película muestra es un discurso favorable, sin que nadie lo cuestione y sin otros puntos de vista, el conflicto está en que aunque no las juzgan las imágenes y situaciones producen un efecto crítico. Gran mérito un documental que no necesita agregar cosas para tener una mirada crítica. Un elemento particularmente inquietante es que todo el film tiene un personaje que está fuera de campo y que posee una presencia absoluta: Matías Albornoz Piccinetti, apodado Paver. El campamento que aparece en el film, el del 2017, lleva su hombre en homenaje al joven asesinado en una gresca entre jóvenes antes de que se realizara el campamento. No se explica nada del caso, pero en un entorno de jóvenes en un campamento, con elementos de violencia latente, ese fantasma atraviesa todo el film. Es posible que para muchos esta película sea un homenaje a estos campamentos y a la figura del joven asesinado, pero de lo primero no estaría tan seguro. Quienes crean que lo que se en la película es genial, sentirán el homenaje, para los demás será la descripción de un mundo primitivo de violencia masculina, en un colegio que resistió todo lo que pudo para que no se incorporaran mujeres. Justamente el campamento que muestra el film era uno de los espacios que querían conservar solo para hombres.
Ron Howard se inició como actor de cine y televisión para luego convertirse en director en a partir de 1977, logrando grandes éxitos desde los ochentas y hasta la actualidad. Un repaso pequeño de esta extensa carrera incluye Splash (1984), Cocoon (1985), Willow (1988), Apollo 13 (1995), A Beautiful Mind (2001), Frost/Nixon (2008) para nombras algunas, no necesariamente las mejores. Pero Ron Howard, al igual que otros colegas como Martin Scorsese, parece decidido a tener una carrera también el género documental musical. En el año 2016 entregó la genial The Beatles: Eight Days a Week- The Touring Years (2016) que contaba toda la época en la que el grupo realizaba actuaciones en vivo. En Pavarotti no hay mucho que explicar, se trata de una biografía de Luciano Pavarotti, cantante lírico, estrella de la música, uno de los tenores más famosos y prestigiosos del mundo. El film es un recorrido cronológico de su obra, su carrera, su vida personal y todo lo referido a él. Ron Howard cuenta con un presupuesto y un material a su disposición que le permite hacer un documental visualmente impactante, un lujo tan grande como una ficción. Con menos chances de taquilla pero mayor cercanía al personaje, el documental muestra el carisma arrebatador que tenía el cantante y muestra, incluso diríamos que prueba, los motivos por los cuales se convirtió en la figura que hoy todos conocemos. Moviliza y emociona, consiguiendo ser un homenaje y a la vez un relato didáctico sobre Luciano Pavarotti.
En medio de la naturaleza en algún lugar de Latinoamérica, un grupo rebelde de comandos adolescentes realiza ejercicios de entrenamiento militar mientras vigilan a una prisionera conocida como La doctora y una vaca lechera otorgada para una fuerza sombría conocida como La Organización. Después de que una emboscada empuja al grupo hacia la jungla, el grupo entra en crisis. Entre el sexo, la violencia, el peligro y la inocencia se mezclan hasta generar un ambiente asfixiante y salvaje. Con aires de El señor de las moscas, la película tiene el mérito de mostrar los conflictos armados desde los márgenes y no en su centro. Pero la manera en la que muestra ese mundo parece más destinada a asombrar al público del primer mundo en los festivales que a decir algo concreto sobre el conflicto que relata. Sin lograr la potencia visual de directores como Herzog o Coppola adaptando a Conrad, la película no termina de encontrar su rumbo ni construir un mundo propio que nos haga reflexionar acerca de los temas que trata.
Quinta película del personaje John Rambo interpretado por Sylvester Stallone. Aunque ya no necesita presentación y su público actual es mayormente el que siempre ha seguido las otras películas, la pregunta era acerca de cómo sería esta nueva entrega de la serie. Un breve repaso de las películas: Rambo (First Blood, 1982) dirigida por Ted Kotcheff, Rambo II (Rambo: First Blood Part II, 1985) dirigida por George P. Cosmatos, Rambo III (1988) dirigida por Peter MacDonald, Rambo (2008) dirigida por Sylvester Stallone y finalmente Rambo: Last Blood (2019) dirigida por Adrian Grunberg. El cuarto film encontraba a Rambo volviendo a su hogar en Arizona luego de años de haber ido. Diez años más tarde se retoma la historia en el rancho de Arizona que pertenecía al padre de Rambo y en donde él vive ahora junto con la que fuera empleada de su padre, María, y la nieta de ella, Gabrielle. Abandonada por su padre y sin madre, Gabrielle ve a Rambo como un tío o un padre. A pesar de estar retirado de toda acción, Rambo ha construido alrededor del rancho un sistema de túneles como los que había visto en la guerra del Vietnam. Sus traumas de guerra jamás lo abandonaron. Cuando la joven Gabrielle decide escaparse a México para conocer a su padre, las cosas se complicarán y Rambo deberá volver a tomar las armas. A partir de este momento se adelantan elementos de la trama, quien quiera no saber nada del guión y sus giros pueden dejar de leer hasta ver la película. El primer film de Rambo era un drama de ex combatiente y su difícil vida al volver a Estados Unidos. Este retrato se transformaba en un film de acción que hoy ya es un clásico. La secuela tenía un aire más espectacular, jugaba con los fantasmas de los prisioneros de guerra allá en Vietnam y apostaba más al entretenimiento bélico que al retrato de su héroe. La tercera era en Afganistán y nunca encontraba el tono, aun cuando se trata de la más costosa y enorme de las películas, la cuarta era particularmente violenta y hasta parecía una denuncia contra la violencia de la guerra. Solo la tercera fallaba a la hora de entretener, pero todas eran muy diferentes entre sí. Para esta quinta parte era un desafío salir airosa del desafío de ser original y a la vez tener algún valor en sí misma. La buena noticia es que lo logra, de forma alborotada pero efectiva, como ocurría con aquel primer film de 1982. Los enemigos esta vez son dos hermanos que tienen una red de prostitución en México y en la cual cae la joven Gabrielle. Rambo va a buscarla pero falla en su misión en primera instancia, y al insistir consigue rescatarla pero no salvarle finalmente la vida. Solo con la ayuda de una periodista logró sobrevivir él en primera instancia. Esto llevará a una venganza implacable por parte Rambo contra los dos hermanos. La versión que llega a la Argentina tiene un prólogo que muestra que Rambo sigue ayudando de forma voluntaria allí en Arizona, aun cuando no pueda, todo el tiempo, salvar al mundo. Ese prólogo no se da en todos los países donde el film se exhibe, pero tiene valor para mostrar quien es Rambo y como sigue siendo un héroe, casi un cowboy en este quinto film. Luego la película adquiere un aire melancólico y oscuro, porque todo anuncia la tragedia que se cierne sobre los personajes. A pesar la dureza del personaje, este quinto film tiene una enorme e inesperada carga de emoción, siendo tal vez la más emocionante de las cinco películas. El final es particularmente movilizador. Como la película de 1982, a Rambo: Last Blood le costó encontrar su camino. Varios montajes llevaron a que la narración fuera pulida al extremo, lo que le da un ritmo trepidante y enloquecido por momentos, tal cual ocurría con el primer film. El director Adrian Grunberg se lanza a la misma locura que ya había demostrado en esa maravilla protagonizada por Mel Gibson llamada Get the Gringo (2012) con la cual Grunberg debutó en la dirección. A la mencionada emoción y las dramáticas escenas de la trata de personas en México le sigue un clímax de venganza que es un festival gore para los fanáticos de Rambo. Sin ser humorística, toda la batalla final está totalmente pasada de rosca, con brillante y efectiva violencia que supera incluso a la de Rambo (2008) y sin crítica que se esbozaba en aquel film. A estas escenas brillantes, por momentos escalofriantes, que terminan en una literalidad sublime en lo que a la venganza refiere, le sigue un epílogo que parece despedir al personaje y a una época. Estoy rodeado de fantasmas dice el viejo Rambo, asumiendo también la edad del actor y el personaje. Con destellos fordianos que le ponen un poco de sal extra a esta rara mezcla, con unos muy buenos villanos y con un actor que ama a su personaje, John Rambo parece cabalgar definitivamente hacia el atardecer. Sea o no su último saludo en el escenario, la historia del cine le estará por siempre agradecida. Muchos pasaron y ya se fueron, Rambo hace rato que se ha instalado para siempre.
Cuarenta y cinco años cumplen “los Playmobil”, como le decíamos a la popular marca alemana de juguetes. El festejo es con una película a gran escala que llega a los cines del mundo. Con excusas más absurdas que esa se han hecho grandes películas. Cualquier punto de partida sirve, el tema es que alguien quiera ver esas historias en cine. Y Playmobil tiene muchos seguidores, suficientes para hacer esa apuesta. Antes de adentrarnos en el análisis resumamos el argumento. Marla, que toda su vida ha soñado viajar y tener aventuras, vive con su pequeño hermano. Cuándo él desaparece en una exhibición de Playmobil, ella descubrirá que se ha metido junto con él dentro de ese universo. Ahí terminan los actores de carne y hueso y empieza la animación con los famosos muñecos. Lo que la película intenta mostrar, con humildad pero también con inteligencia, es que significa el juguete Playmobil en la vida de los niños. Los universos que se mezclan sin problema, el verosímil donde conviven cowboys, con soldados romanos, con hadas y vikingos, sin que falten piratas, autos contemporáneos y hasta un agente secreto. Todo tiene lógica en esta historia donde se logra captar el mundo Playmobil y, en definitiva, el mundo de los juguetes. En esa lealtad y ese homenaje está toda la emoción de una película que triunfa porque reivindica la fantasía y la aventura en lugar de condenarla o subestimarla.
Luis Peñafiel es un escritor que acaba de finalizar una novela que plantea el crimen perfecto en una habitación cerrada. La sorprendente resolución dramática de su relato le vale el respeto y la admiración de todos sus colegas escritores; y es que nunca nadie había encontrado, jamás, una resolución tan convincente como la suya. Esa misma noche, un escritor será asesinado siguiendo el mismo patrón de su historia. Peñafiel es acusado del crimen, y para probar su inocencia, deberá encontrar al verdadero asesino. En su afán por lograrlo, Peñafiel, descubrirá que nada es más engañoso que un hecho evidente. Estéticamente la película abreva en el policial negro, en el film noir, pero también en su relato consciente del género se parece a los films de Roger Corman y, yendo al cine más cercano, a El acto en cuestión de Alejandro Agresti. Este árbol genealógico sirve para guiar al lector por la estética expresionista en blanco y negro que la película tiene. Alejada de toda forma de realismo –algo muy raro en el cine argentino- y con ganas de jugar un poco en sus guiños a Agatha Christie y Arthur Conan Doyle. Y por supuesto, si de crímenes en cuartos vacíos se trata, también a Edgar Allan Poe y Gastón Leroux. Los personajes principales, el escritor, el crítico y el admirador conforman un triángulo cuya resolución mejor no anticipar acá. A pesar de que el film muestra no tener un enorme presupuesto, el trabajo para construir la estética de la historia está logrado. No es perfecta la película, porque no todo consigue la calidad cuya ambición parece intentar en cada plano. Daniel de la Vega, el director y guionista de la película, tiene una larga trayectoria en el cine de género, luchando a brazo partido para que esta clase de cine se instale en nuestra cinematografía. No todos sus film son igualmente buenos, pero en todos hay una búsqueda genuina. Acá los actores ayudan bastante. Además del trío protagónico formado por Osmar Nuñez, Luciano Cáceres y Rodrigo Guirao Díaz, están muy bien Natalia Lobo, Enrique Liporace y Daniel Miglioranza.