Una noche, el hijo de Sarah (Seána Kerslake) desaparece entre la maleza que hay tras su casa rural. Aunque parece ser la misma persona cuando regresa, su comportamiento comienza a ser cada vez más errático. Pronto, Sarah descubre que puede que el niño que ha vuelto no sea su hijo. Esta película de origen irlandés, cuyo título original es The Hole in the Ground, tal vez no realice ninguna proeza dentro del cine de terror, pero está filmada con tanto cuidado por la belleza y con un sentido estético tan claro que parece estar a años luz de otros films de género contenido parecido. Aunque no alcanza jamás a dar con un punto narrativo memorable, sí consigue algunos momentos de enorme potencia visual. Es complicado evaluar negativamente algo que tiene tanto para ofrecer con su uso del lenguaje. En comparación con la media del género el resultado es positivo.
Montevideo, 1980. Víctor es un cineasta amateur a punto de vender su cámara para poder financiar una ínfima parte de su casamiento y no darle el placer de pagar todo a su futuro suegro, que le propone un puesto poco deseable en el banco que maneja. Hasta que a través de su amigo videclubista llega una oferta salvadora de un empresario no muy legal que les encarga hacer una película a él y a su amigo. Pero se trata de una película porno y Victor queda atrapado entre la espada y la pared luego de aceptar el dinero antes de enterarse del contenido. Victor, como Frankenstein, solo cuenta con su cinefilia absoluta y una actriz porno llamada Ashley Cummings, estrella internacional, proveniente de Brasil. La conexión con ella y su propia osadía lo llevarán a planificar una versión triple X de La novia de Frankenstein. Al mismo tiempo se acerca su boda y debe mantener en secreto el contenido de su película. Comedia moderna, al estilo de la nueva comedia americana, con ritmo, humor sofisticado y un protagonista que no tiene nada que envidiarle a Ben Stiller o Seth Rogen. Martín Piroyansky es naturalmente gracioso y aquí, en su rol de atormentado que intenta mantener la compostura y el orden donde no es posible, está brillante. Solo le queda mal a la película algún momento dramático que pasa volando para luego recuperar el disparate. Un inteligente y logrado trabajo de comedia que vale la pena ver.
Guasón no se parece a ninguna de las películas se superhéroes de la última década. Ninguna de las realizadas en el mainstream y basada en personajes conocidos. Aunque hubo varios intentos de un cine más adulto, ninguno se atrevió a llegar al corazón de uno de los personajes más populares que existen: The Joker. Claro que en un sentido estricto no se trata de un film de Batman, pero sí de su universo y con Bruce Wayne como personaje secundario. Al centrarse en el villano la libertad para plantear un mundo oscuro se vuelve más aceptable, aunque hay que repetir que no se trata de un film de superhéroes parecido a lo que hoy está de moda. Quienes se hayan criado viendo los films de Marvel y su inagotable y agotador universo cinematográfico, Joker puede ser un golpe en la mandíbula. Este impacto puede producir que la película se convierta en la película favorita de toda una generación o que sea odiada de forma absoluta. Posiblemente logre un poco de ambas cosas. Pero todo esto es para reforzar la idea de que las búsquedas de este film son más cercanas al cine de los setenta que al del siglo XXI. Dejemos de lado por un momento a Batman y todo lo que sabemos de él y de DC Comics. Dejemos descansar al incomparable César Romero, al burtoniano Jack Nicholson y al memorable Heath Ledger. Y no por capricho, sino porque esta película se podría haber llamado de otra manera y poco y nada nos hubiera hecho reconocer al personaje del Guasón. Aunque hay muchas pistas de narrativa contemporánea, en muchos aspectos la película, por ambientación y estética, parece filmada en la época en la que transcurre. No solo por ser una relectura de Taxi Driver (1976) y El rey de la comedia (1982) de Martin Scorsese, sino también por su herencia de El vengador anónimo, Tarde de perros, Network, Los guerreros y tantos otros títulos del cine norteamericano de los setenta y principio de los ochenta. El remate de citas es que la familia del joven Bruce Wayne sale del cine de ver La última locura del zorro (Zorro: The Gay Blade, 1981) del gran Peter Medak. Sabemos que el personaje del Zorro es el origen del personaje Batman. Una pequeña cita para el nacimiento del más grande de los héroes del comic. Pero las citas no hacen el cine. Guasón no cita a Taxi Driver y El rey de la comedia. Guasón sostiene todo su mundo en esos dos títulos. Sin esos dos títulos la película no existiría, de hecho no tiene grandes ideas propias, solo construye a partir de las ideas de esos dos films. Robert De Niro ahora en lugar de ser el payaso que persigue a la estrella en El rey de la comedia se ha convertido en el personaje que allí interpretaba Jerry Lewis. La historia de amor también parece calcada y así las conexiones son muchas. No está prohibido hacer eso si luego se llega a algo y Guasón elige su propio camino en algún momento. Otras tantas escenas, aunque menos, provienen directamente de Taxi Driver. Pero como un mérito inesperado Guasón reivindica a El rey de la comedia, uno de los mejores films de la historia del cine y posiblemente mucho menos conocida que el resto de la filmografía de Martin Scorsese. Todd Philips, director de comedias de dudosa calidad, aunque indudable efectividad, se lanza aquí a un trabajo de reconstrucción de clásicos como lo han hecho otros grandes cineastas de la historia del cine, incluyendo en algunos aspectos al propio Scorsese, o Brian De Palma, Quentin Tarantino y otros tantos. La historia busca explicar –tal vez en exceso- el origen de todos los traumas, abusos y violencia que han llevado a Arthur Fleck a un camino de locura ya comenzado antes de la cronología del film, pero que estalla a lo largo de la trama. Este Guasón no es un bromista, sino un stand-up fracasado, un payaso que acepta changas y golpea una y otra vez contra un mundo hostil y violento. Fleck no tiene sentido del humor como tampoco tiene una noción clara de la realidad. No entiende los chistes, no comprende muy bien lo que pasa, su risa es una mueca monstruosa y molesta, no una risa feliz o inteligente. Este personaje psiquiátrico se desarrolla a lo largo del largometraje y la narración coquetea con su mente enferma y la realidad a la hora de representar a Fleck. Pero Todd Philips se equivoca –o nos manipula- en algunas escenas donde el ingenio, una canción entradora y una puesta en escena linda nos llevan más a una mirada banal de lo que pasa que a la oscura construcción del personaje que tanto ha intentado mostrarnos. Su conexión chaplinesca es tan forzada como falsa, dicho sea de paso. Pero a Guasón no le falta potencia. Aunque es despareja e incoherente, aunque cambia de discurso y finalmente no tiene ninguno, lo cierto es que logra algunas buenas escenas, filmadas con un estilo clásico y seco, como se filmaba en la época donde transcurre la historia. El protagonista Joaquin Phoenix juega con sus propios límites, pasando de ser insoportable, pretencioso y sobreactuado a conseguir instantes genuinos y profundos. Su personaje es patético y al actor le queda el rol, aunque no pueda dominarlo el director. Si volvemos al comienzo y comparamos a este título para público adulto con las interminables sagas marvelianas, sin duda Guasón cae del lado del cine. No es una obra maestra, no es perfecta, pero busca el camino del cine. Ojalá no la destrocen con la lógica de las secuelas, esperemos que brille como una película única, sin exprimir sus méritos hasta romperlos. Y si acaso su único legado es que volvamos a hablar de El rey de la comedia (The King of Comedy, 1982) de Martin Scorsese con Robert De Niro y Jerry Lewis, entonces también habrá valido la pena. Cine vinculado con el cine, películas que pueden conversar entre sí, historias de un arte que no ha muerto.
Coco “Muralla” Rivera fue un gran arquero de fútbol durante la década del 90. Hoy es un chofer de minibús en La Paz, Bolivia. Desesperado, vende a una niña a una red de trata para pagar la operación de su hijo enfermo. El niño muere y su fantasma atormenta al Muralla quien en busca de redención decide recuperar a la niña, aunque esto implique su propia condena. La premisa podría haberse convertido en una historia atrapante, un camino derrotero parecido al de los personajes de los Hermanos Dardenne, o incluso un thriller de Hollywood. Pero perdido en dos o tres trucos de cámara poco felices y un estilo más bien pueril para contar el drama del protagonista, la película se va hundiendo minuto a minuto. Cuando va una hora aparece, para peor, el actor Pablo Echarri, invitado en esta película boliviana en la que su actuación catastrófica y fuera de tono lo convierte en lo peor que tiene la película. Una pena, porque un film mediocre termina aplastado por ese golpe de gracia extra.
Cuatro adolescentes bucean en una ciudad submarina en ruinas, rápidamente descubren que no están solas en ese lugar y mientras intentan sobrevivir a los tiburones deben buscar la salida del laberinto en el que se encuentran antes de que se les acabe el oxígeno. Secuela del film 47 Meters Down (2017) que no consigue el interés o la potencia del film anterior, aun cuando repite director. A la película le cuesta mucho arrancar y luego se vuelve demasiado obvia y rutinaria, para finalmente alocarse al final, algo que lamentablemente no le queda del todo bien por el cambio de tono. Atrapada en sus propias limitaciones, la película produce más indiferencia que otra cosa. Hasta el título de estreno local le queda ridículo: Terror a 47 metros: el segundo ataque, versión castellana para 47 Meters Down: Uncaged.
Manuel es un político apreciado pero no es honesto. Cuando sale a la luz un caso de corrupción que salpica a un compañero, Manuel intenta encubrirlo pero es él el que queda expuesto. Su nombre queda salpicado y en el partido están dispuestos a dejarle caer y, además, a hacerle responsable de toda la trama. Sin embargo, Manuel no está dispuesto a ceder y hará todo lo necesario para salvarse, aunque tenga que tomar medidas inesperadas. La película El reino está dirigida por Rodrigo Sorogoyen, quien también escribió el guión junto a Isabel Peña. La historia tiene más potencia visual que otra cosa. Varias escenas de tensión y tres o cuatro virtuosismos de esos sirven a la trama y no está ahí solo para el director se luzca. Pero el personaje protagónico, cuyo trabajo es tan sólido como el del realizador, sufre las penurias mal llevadas de un guión capaz de todo para mantener el entretenimiento y abandonar de forma poco delicada cualquier forma de verosímil. Si se trata de una película de denuncia, El reino es demasiado ridícula por momentos, más allá de su final, cuya ambigüedad solo manifiesta que no sabe cómo salir del embrollo. Pero si se trata de un thriller de acción o una historia de suspenso, entonces cumple un poco mejor con su cometido, aun con un protagonista demasiado torpe por momentos. La potencia visual y la preocupación de cualquier por el tema de la corrupción de los espectadores, tal vez la convierta en uno de esos títulos que es mejorado cuando se teoriza a partir de él. Es decir, más para charlar que para analizar, aunque el entretenimiento esté asegurado.
La actriz, guionista y directora Valerie Bruni Tedeschi es la responsable y artífice de Nuestros veranos, una comedia dramática coral que cumple con casi todos los lugares comunes de lo que se espera de una película francesa mediana sin señales de autoría u originalidad. Una casa en la Costa Azul, alejada del tiempo y protegida del mundo. Allí es donde Anna pasa las vacaciones de verano con su hija. Rodeada de su familia, amigos y empleados, Anna intenta recuperarse de su reciente ruptura sentimental mientras prepara el guion de su próxima película. Algunos momentos acertados –como para no tenerlos, con tantos grandes actores del cine francés juntos- no alcanzan para una película que fluctúa entre la sutileza y el trazo grueso, con una protagonista que nunca logra la más mínima dosis de empatía con el espectador.
Historias de miedo para contar en la oscuridad (Scary Stories to Tell in the Dark) tiene esa clase de guiones que podría dar para una docena de películas. De hecho se basa en una serie de libros infantiles del mismo nombre escritos por Alvin Schwartz y que vale la pena buscar luego de ver el film. La acción transcurre en un convulsionado Estados Unidos en 1968. Muy alejado de los disturbios en las ciudades está el pequeño pueblo de Mill Valley, donde durante generaciones, la sombra de la familia Bellows ha crecido hasta la leyenda. En su mansión al borde de la ciudad, Sarah, una joven con horribles secretos, convirtió su tortuosa vida en una serie de historias de miedo escritas en un libro que ha trascendido en el tiempo; historias que tienen la forma de volverse muy reales para un grupo de adolescentes que descubren este terrible libro. No hay peor idea que usar Halloween para meterse en una casa que encierra un terrible secreto. Y peor idea aun es tomar un libro del cual se dice tiene la capacidad de hacer reales las cosas que en él aparecen. Bueno, es una gran idea para lanzarse a muchas historias de terror. La película tiene grandes momentos, verdaderamente terroríficos. Tal vez le queda grande la idea de trama política o social que insinúa por momentos, pero a la hora de asustar lo consigue y esa es la primera regla de cualquier buen film de terror.
Películas de animación masivas y efectivas. Proyectos de alta calidad técnica con algunos hallazgos aislados. En general, debido a que funcionan medianamente bien, les exigimos menos que a las películas con acción en vivo. Es ridículo y un poco perezoso. Un amigo abominable es correcta, tiene algunos detalles de cierto valor pero en general es pura rutina, con cada chiste y cada momento emotivo colocado de forma mecánica y sin el más mínimo atisbo de autenticidad. Hace un par de semanas se estrenó una joya llamada Sr. Link (Missing Link) y pasó desapercibida. Casualmente en la trama había yetis, como en esta película. Una pena que no se le diera el valor que merecía. Acá hay un pequeño (grande en tamaño) yeti que escapa de su cautiverio y es ayudada por una niña a volver al Everest. Hay un millonario malvado y una científica progresista y por suerte –tal vez lo mejor del film- es que hay una vuelta de tuerca con esto. Todo lo demás, es de manual. No hay ningún motivo para ver en cine esta prolija y mediana película de animación.
Halla es una mujer independiente que detrás de una rutina tranquila esconde una doble vida como activista ambiental. Conocida por su seudónimo “La Mujer de la Montaña”, secretamente le declara la guerra a la industria del aluminio y su incesante contaminación. Pero justo cuando empieza a planear su acción más importante, recibe una carta que lo cambiará todo: su solicitud para adoptar una nena fue finalmente aceptada y está a un paso de cumplir su sueño de ser mamá. Esta película islandesa parte de este conflicto, logrando en un comienzo algo de interés, aprovechando al máximo los paisajes en los que transcurre y generando suspenso y expectativa hasta que la trama despliegue todo lo que tiene para decir. Luego se vuelve gris y sin nada para aportar. Por momentos tiene algo de humor absurdo que no sabemos si hereda del cine de Aki Kaurismäki o del menos sutil Emir Kusturica. Como sea, en ningún caso obtiene la identidad estética necesaria como para aportar algo que valga la pena recomendar.