La nueva película del director Pablo Larrain tiene como centro la figura histórica contemporánea de la Princesa Diana, interpretada por Kristen Stewart. En el tratamiento a nivel guión se le brinda a la Princesa de Galés una cualidad mas de estudio de personaje que de película biográfica en sí, alejándose de las polémicas de su vida o de su trágica muerte para contarnos, desde un punto de vista mas personal, su paso por la realiza y el intento de la familia real apagar la naturalidad que tanto la caracterízaba. Con un elenco de personajes secundarios totalmente funcionales a la instrospectiva mirada de la protagonista estamos ante uno de los biopics mas puros de ésta ultima tanda de estrenos. La historia se sitúa en la navidad de 1991, durante la reunión familiar de la realeza británica. El matrimonio entre Diana (Stewart) y el Príncipe Carlos se esta desmoronando y la relación de la princesa con la Reina Elizabeth II (Stella Gonet) se vuelve cada más tensa. Los medios ejercen, para colmo, una presión excesiva con respecto al tema, generando que la realeza tome medidas asfixiantes con respecto a la joven, quien se encuentra en plena crisis de ansiedad debido a la situación. La película cuenta con la características mas comunes del cine biográfico europeo, una dirección sutil, con unos planos que hacen enfasis en la estética, lo cual es prioritario a la hora de señalar la formalidad que demandaba pertenecer a ese circulo social. El ojo esta puesto en Lady Dy, su psique, sus relaciones, lo cual esta perfectamente trabajado en lo emocional gracias al talento de Kristen Stewart, el cual está impulsado por una dirección de actores soberbia. El cast que termina de darle clase a la película son Timothy Spall y Sally Hawkins, ambos representando las caras opuestas de esos días determinantes de la protagonista. Uno como el Mayor Alistair Gregory, un ex militar encargado de la seguridad de Diana con respecto a los periodistas infiltrados en el predio real (y un poco más) y la otra como la vestuarista real de la princesa, quien también le servía como confidente y amiga. SPENCER es un biopic fino, de calidad, enfocado en la introspección con un mensaje solido de rebeldía justificada y amor maternal. El ritmo de la película no decae dentro de lo que ofrece, se mantiene verosímil y si gusta al principio va a gustar mas al final. El soundtrack colabora con la atmósfera y es amplificador de la visión en primera persona de la historia. Aprovechenla en cines, los escenarios están filmados a gran escala, una oportunidad única de ver la belleza de Gran Bretaña desde un punto de vista exquisito. Calificación 9/10
Otro fin del mundo otra vez… El cineasta Roland Emmerich vuelve a su fetiche de destruir el planeta con este film de cine catástrofe que va con la premisa de «¿Qué pasaría si la Luna se viniese contra La Tierra?». Sin duda es una idea llamativa considerando la cantidad de factores que se alterarían en un quilombo de semejante envergadura, pero lamentablemente ésto se desaprovecha y a cambio se nos brinda una película en donde se abusa de conceptos de ciencia ficción para evitar aburrir al espectador promedio. La historia no deja muy en claro quien es el protagonista, pero por lo que intérprete todo gira al rededor de K.C Houseman (John Bradley West), un aficionado a la teoría de las mega estructuras espaciales que descubre una anomalía lunar un poquito peligrosa … La cual consiste en que el satélite de la tierra se nos viene encima. Sí, todo suena muy DON’T LOOK UP, pero el abordaje es un toque diferente. En ésta versión K.C busca ayuda de un astronauta (Patrick Wilson) destituido por la NASA por una supuesta negligencia y la ex compañera de éste interpretada por Halle Berry. El trio moverá cielo y tierra dentro del sistema norteamericano para largar una misión que termine con ésta catástrofe … O al menos intentarlo. El gran problema de la película fue que quiso hacer de su giro un revuelto gramajo que confunde. Por un lado tenemos la trama de cine catástrofe, vemos como la luna comienza a acercarse a la tierra y se ve como la geografía de la misma reacciona a tal fenómeno, todo mostrado de forma bastante general pero con unos efectos de buena calidad. Por el otro tenemos la razón por la que la Luna se viene hacía nosotros, lo cual involucra a un antagonista físico y unos elementos de ciencia ficción que fusionados pierden el hilo de la idea. El ritmo es bastante sólido, encontrar defectos se torna difícil ya que la historia es atractiva, pero no se puede dejar pasar que las escenas de destrucción son un refrito de otras películas de Emmerich, como EL DÍA DESPUÉS DE MAÑANA o 2012, haciendo que el gran trabajo visual se vea perdido en una réplica de otras películas. Los personajes son los actores diciendo cosas, no hay interpretaciones brillantes, ningún personaje toma la situación de forma realista, dejando como estrella al actor mas profesional del grupo que es, para mí, Bradley West, a quien conocimos en GAME OF THRONES como Sam, el lector de la Night Watch. MOONFALL es una película que el espectador convencional de cine catástrofe o de cine comercial va a disfrutar, la trama relacionada a como la tierra percibiría un Apocalipsis de éste estilo es, sin dudarlo, la parte mas divertida. Es Roland Emmerich a todo ritmo y sustancias. Calificación: 6.5/10
La franquicia KINGSMAN amasó una cantidad de seguidores sorprendente, todo gracias a su humor ágil, personajes copados y secuencias de acción de alta calidad. Basada en el cómic de Mark Millar las primeras dos entregas exageran el concepto de AGENTE SECRETO sacando a relucir todos los elementos vistos en James Bond, como los gadgets flasheros o el arte de la seducción pero con anabólicos, al punto de ser una sátira sutil con un guión sólido y creativo. Las primeras dos entregas de la franquicia central tenían como protagonistas a Taaron Egerton, Colin Firth y Mark Strong, quienes se tomaron la idea muy en serio y dieron unas interpretaciones magistrales que dejaron a la franquicia en una posición envidiable. El estudio vio que, a pesar de que la segunda entrega subtitulada ‘THE GOLDEN CIRCLE’ no tuvo el mismo impacto que la primera, el universo de espías que planteaba Mark Millar y el cineasta Matthew Vaughn era lo suficientemente rentable como para contarnos, en una precuela, el origen de la agencia británica a la que tanta mitología se le había dado. Aca entra KING’S MAN: EL ORIGEN, una tercera película de la franquicia pero situada en la primera guerra mundial, con un nuevo reparto pero con Vaughn regresando como director. A principios del siglo XX un grupo de tiranos reunidos en una mesa larga y sombría planean un golpe que llevará al mundo a una de sus guerras mas oscuras y violentas. En respuesta el duque de Oxford (Ralph Fiennes) lleva a cabo un contraataque facilitado gracias a una red de empleados domésticos de la alta sociedad que, gracias a su afán de parar la oreja, mantienen al tanto a nuestro protagonista permitiéndole adelantarse en su misión de prevenir o … Spoilers? … Terminar la primera guerra mundial. En el elenco de personajes tenemos al hijo del Duque, Conrad Oxford (Harris Dickinson), un joven obsesionado con ir al frente de batalla, el mayordomo experto en combate Shola (Djimon Hounsou) y la ama de llaves experta en tiro Polly (Gemma Artenton). Del lado de los antagonistas solo les mencionaré a dos para evitar entrar en spoilers, tenemos al siempre genial Rhys Ifans como el enigmático monje Gregori Rasputin y Valerie Pachner como la bailarina y espía Mata Hari. Así como las primeras dos películas son una sátira de James Bond y todo lo que este relacionado al espionaje moderno éste film se centra mas en hacer, con la misma sutileza, lo mismo pero con el género bélico. La versión de la primera guerra mundial que vemos en la historia es sumamente didáctica, cualquier persona que sale de ver el film va a querer adentrarse mas en el conflicto bélico gracias a como los guionistas lo presentaron, y ésto no es poca cosa, que el espectador quiera informarse gracias a una película habla maravillas del proyecto en sí. La historia nivela el drama, la comedia y la acción de una forma brillantemente equilibrada, dándole a la franquicia una inesperada complejidad que tiene como motor una historia de paternidad hermosa, liderada por uno de mis actores favoritos Ralph Fiennes. Otra de las cosas piolas de la película es que se lleva bien con todos los tonos a los que quieren llegar, cuando hay humor es buena con eso, lo mismo con el drama, ésta es una historia cargada con tragedia, y mecha con unas formas muy graciosas de contar la historia. La ridiculización de la rivalidad familiar entre los primos hermanos Guillermo II, Nicolas II y Jorge V es hilarante, toma mucho de como BASTARDOS SIN GLORIA caricaturizo a personajes de la segunda guerra mundial. Espero que el público le de una oportunidad a THE KING’S MAN y asi evitar que sea aplastada por NO WAY HOME o MATRIX … Estamos ante un PELICULON que recomiendo sin pensar dos veces.
Otra secuela horrible, como corresponde. Sabíamos que esto algún día pasaría, de alguna forma u otra se las iban a ingeniar para resucitar la saga THE MATRIX. La primera película de la franquicia es una joya que supo fusionar conceptos previamente vistos y presentárselos al publico mainstream, de hecho, fue el primer producto para «gente grande» que me morfe de pequeñito y que me llevo a considerar el cine como una forma de vida. Ahora tenemos éste revival, que cuenta con un porcentaje de regresos bastante alto, no tenemos a Laurense Fishbourne pero tenemos a un harapiento Keanu Reeves y a una Carrie Anne Moss que parece sacada de una publicidad de maduras calientes a kilometros de usted. Lana Wachowski, una de las directoras de la original, regresa también para coescribir y dirigir éste nuevo capítulo que, sin intención de sonar goma, admito que es innecesario, pero ¿Es esto un problema? RELOADED y REVOLUTIONS ya eran al pedo, dejaban en claro que la idea estaba planteada para UNA PELÍCULA, por ende sí, un concepto tan rico como el que crearon las Wachowski merecía ser tratado con mucho cuidado en vez de convertirse en una saga de acción pochoclera. Thomas Anderson (Keanu Reeves), ahora un trastornado programador conocido por crear la exitosa trilogía de videojuegos MATRIX, empieza a cuestionarse su realidad cuando una serie de eventos podrían estarle dando a entender que los hechos de su obra pudieron haber sido reales y que toda su vida es una simulación creada para hacerlo olvidar que él es Neo, el único y verdadero elegido. El concepto dicho como se los digo suena muy interesante, y lo es durante la primera mitad de la película, cuando se perciben dejos de originalidad cargados de comentarios meta que funcionan de crítica para la industria creativa contemporánea, ya que uno de los problemas del primer acto es que Thomas, quien sufre de «trastornos mentales», tiene un brote cuando le exigen que continúe la trilogía MATRIX, un comentario muy acertado e interesante. A esto se le suma la aparición de Tiffany (Carrie Anne Moss), una mujer casada con hijos a la que conoce en un bar y parece tener una conexión implacable, y de un nuevo Morfeo (Yahya Abdul-Mateen II), quien ahora es un programa de computadora basado en el original, interpretado en su momento por Laurence Fishbourne. La primera mitad de la película cuenta con unas elecciones visuales copadas, si se hubiesen limitado en jugar con la flasheada de QUÉ ES REAL? y con la historia de amor entre Anderson y Tiffany pudimos haber tenido una reinvención de MATRIX que se acople con la actualidad, pero no, en cierto punto todo lo interesante se va al pasto y caemos en el terreno de lo genérico. A partir de la segunda mitad empiezan a errarle. El guión juega con nosotros de una forma bastante tramposa, hacen una crítica a la manipulación mediante la nostalgia, usando LITERALMENTE escenas de la película original como motor para convencer a Thomas de que es Neo, con flashbacks o diálogos replicados. El nuevo Morfeo es un desperdicio actoral, ya que el tipo pone lo mejor de el y cuando está haciendo una reinterpretación copada del personaje suelta un chiste referencial que queda mas fuera de lugar Ésto me lleva a otro comentario ¿Se acuerdan de los comentarios religiosos y filosóficos de la saga? Bueno, acá desaparecen, no vaya a ser cosa que ofendan a alguien, ahora eso es sustituido por una cantidad excesiva de humor Marvel, porque había que ir a lo seguro. La historia esta contada desde el punto de vista de Bugs (Jessica Henwick) una nueva heroína a la que menciono recién ahora porque no recordé su existencia hasta éste punto de la reseña, un personaje que ejerce lo que a mí me gusta llamar «el efecto Rey Skywalker», que consiste en un personaje malo pero interpretado por un actor carismático. A nivel visual pasa lo mismo que con la historia, el principio es interesante y despues cae en terrenos genéricos dignos de Dominic Toretto. Ésto representa un problema mayúsculo ya que podremos tener mil temas en contra de las dos secuelas de THE MATRIX, pero no se puede negar que las escenas de acción la rompían, tenían unos laburos que iban mas allá de buena coreografías, sino que los movimientos de cámara complementaban los característicos efectos especiales de la saga. La actuación de Keanu Reeves es lamentable, todo lo que dice parecen eslogans depresivos, ni siquiera su look estuvo a la altura, pareciendo un viaje ácido de John Wick. Carrie Anne Moss es la única actriz de la trilogía original que vuelve para darle clase al film, con una interpretación llena de carácter que se adecua al surrealismo del universo. THE MATRIX: RESURRECTIONS es una síntesis de lo que fue la trilogía original, una idea que empezó siendo interesante y que con el tiempo paso a ser cualquier cosa. El error fue el enfoque, querer hacer de ésto una secuela de las originales cuando tenían la posibilidad de contar con otra de las encarnaciones del elegido o, mejor aún, una MATRIX en donde las primeras tres trilogías sean realmente una ficción. Una oportunidad desaprovechada, por mí parte me voy a volver a ver ANIMATRIX para sacarme el mal sabor de boca. Calificación 4.5/10
No, no son David Lynch. Es muy feo cuando se intenta ser flashero. El don de poder aplicar el surrealismo y salir bien parado es algo con lo que se nace, como el humor. LA SOMBRA DEL GATO es la segunda película del director Jose Maria Cicala, la cual intenta narrar una historia sobre los diferentes tipos de encierro tomando como foco las razones del mismo. Tenemos un reparto bastante bien armado y una dirección que resalta la estética, lastima que el guión no acompaña al proyecto, siendo el producto final una sucesión de eventos bizarros que carecen de una conexión solida. La historia sigue a Emma (Maite Lanata), una piba de campo aislada del mundo real. Con ella viven su padre Gato (Guillermo Zapata), el mentor de éste, llamado Sombra, interpretado por la estrella mexicana invitada Danny Trejo, una especie de abuela interpretada por Rita Cortese y una descendiente de aborigenes llamada Kimana, interpretada por la preciosa Griselda Sanchez. En su hambre de ver el mundo real, la joven Emma se mete de cabotaje en la camioneta de su abuelastra y se aventura al pueblo y termina encontrándose un celular que usará para mostrar su pequeño mundo a la red. El problema es que sus videos, los cuales subió a no se donde, ni se como, ni por qué, terminan siendo vistos por un lacayo de su familia materna, la cual fue totalmente anulada de su historia por su padre. La chica decide escapar a ver a su otra gente, que vive en una mansión en el medio de la nada y cuenta con unas … Particulares formas de ver la vida. Aparentemente la temática de secta satánica no les basto, tuvieron que agregar detalles de todo tipo y color que nos muestren sin ningún tipo de tridimensionalidad, unas entidades oscuras que parecen ser científicos nazis que hacen experimentos malignos y paran a morfar o a hacer rituales. La historia abusa de unos flashbacks que parecen estar escritos en el momento, dejando detrás lo que se plantea en el primer acto. Tenemos toda una historia de como Gato conoció a la madre de Emma, interpretada por Monica Antolopulus, y a su familia, encabezada por el patriarca Otto, encarnado por el siempre genial Miguel Angel Solá. Luego tenemos otros recuerdos centrados en Gato de chico, en donde nos brindan detalles poco claros de como Sombra lo rescato, pero todo por encima, como un supuesto trato que la granja tenía que cerrar y que después queda en la nada misma. Los diálogos no solo son cursis, sino que son irreales. Intentan ser solemnes y quedan desubicados y anticuados, como el personaje de Trejo, que es una especie de chaman estereotipado que tira frases indias que no vienen al caso. La trama toma rumbos que parecen interesantes, como los flashbacks de la familia materna de Emma, pero todos desembocan en un final surrealista que no se si está intentando venderme un simbolismo inteligente o una secuencia random que intenta emular a TWIN PEAKS: THE RETURN. Las actuaciones son lo mas fuerte, todos están mas que aceptables en sus papeles, en especial Lanata, Zapata y Solá, a quienes se les nota que son actores de raza. Trejo nunca me gustó, me parece un rostro que sirve para vender y ya. A la película le doy crédito por no ser para nada aburrida, dentro de sus inconsistencias uno esta atrapado hasta el final queriendo ver a donde toda esta ensalada de conceptos. LA SOMBRA DEL GATO es una película para ver fumandose un porrito y escabiando algo, uno de esos films que uno pone cuando esta con sus mejores amigos y le hace observaciones graciosas encima comiendo una picada. A pesar de lo mala que es la recomiendo, dudo que la pasen mal viendola. Calificación: 7/10
Campaña de marketing nivel Dios. Es probable que la tercera parte de la nueva saga del arácnido sea el boom mas grande de la era pandemia. Lo sorprendente de ésto es la forma en la que la película se promociono, bah, la forma en la que, justamente, NO se promociono. La campana publicitaria estuvo lisa y llanamente construida por los fanáticos, con sus teorías, sus memes y sus espectativas, la promoción del film se construyó sóla. No soy gran fan de las dos películas individuales previas (HOMECOMING y FAR FROM HOME), tienen ciertos enfoques creativos, como los team up comiqueros con otros personajes del MCU (Tony Stark en la primera y Nick Fury en la segunda) o el carisma tontolon de Tom Holland como Peter Parker, pero el apartado visual, la carencia de drama y los personajes secundarios tiraban para abajo mis ganas de seguir con ésta saga. También tengo en cuenta que tuvimos en la década del 2000 la trilogía SPIDER-MAN del maestro Sam Raimi, la cual nos dejo la vara muy alta con respecto a lo que podemos esperar del personaje en el ámbito del séptimo arte. Con unos villanos, lineas y planos memorables se convirtió en un hito, un clásico moderno. Posterior a esto tuvimos las de AMAZING SPIDER-MAN dirigidas por Marc Webb, reinterpretación que paso media desapercibida al punto de ni siquiera haber concretado una trilogía. La calidad fue buena y Andrew Garfield es probablemente el actor mas carismático que haya encarnado al trepamuros, pero eso no basto y todo el universo que pleaneaba Sony, titular de los derechos cinematográficos del amigable vecino, se vino abajo cuando Disney negoció con la empresa un trato que prendió fuego años de memes centrados en Spidey excluido de los Avengers, presentando una nueva encarnación del héroe en CAPTAIN AMERICA: CIVIL WAR. Y como si ésto fuera poco se mandaron la galardonada SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE, centrada en Miles Morales, el sucesor de Peter Parker. En ésta se exploro el concepto de multiverso arácnido, que ya venía agarrando fuerza desde hace algunos años gracias a videojuegos y arcos comiqueros. Tengo la teoría de que las primeras dos películas de la época Holland fueron flojas intencionalmente, todo a fin de que la tercera genere en los fanáticos una cálida experiencia basada en expectativas bajas. Les confieso que vi NO WAY HOME con mucho cuidado, teniendo en cuenta esto que les menciono a fin de no caer en la trampa de la nostalgia inducida. El hype en masa es peligroso, llevó a gente decir que el Thanos de Infinity War es una adaptación leal a los cómics y a afirmar que es una de las mejores películas de la historia y la mejor del subgenero de superhéroes (el podio, en lo que a mí respecta, lo tiene, justamente, SPIDER-MAN 2 de Sam Raimi), no obstante puedo afirmar que la película que protagoniza ésta reseña es un fan service benigno y amoroso hacía el fandom del cabeza de red. No obstante les aviso que es un homenaje para los seguidores del personaje en el ámbitos cinematográfico, ya que de los cómics solo hayamos destellos y ni siquiera destellos basados en obras que ni siquiera fueron bien recibidas en su momento. La historia sigue a Peter Parker (Tom Holland) siendo perseguido tras haber sido expuesto por Mysterio al final de la película anterior, quien falsificó pruebas en contra del arácnido haciéndolo quedar como un asesino despiadado. Ahora todo el planeta sabe que él es Spider-Man, generando en él mismo y en sus amigos, MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon) una ecatombe personal que lleva a nuestro héroe a pedirle al hechiero supremo Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que genere un hechizo capaz de devolverlo al anonimato, pero claro que las cosas salen para el traste y los enemigos de otros Spider-Men del multiverso caen en el MCU a hacer estragos. Es muy difícil saber que es lo que ustedes consideran spoilers y que no. El hecho de que me cueste hablar de la película porque TODO es spoiler habla del contenido vacío de la misma. Hablando de los aspectos técnicos, como lo visual o lo artístico la película evoluciona mucho con respecto a sus predecesoras. Tenemos escenas muy bien logradas, con planos secuencias de mucha calidad y los personajes secundarios por primera vez se lucen, se sienten reales. A nivel actoral a todos se los nota mucho mas preparados y la película en sí se siente mucho mas seria, la primera mitad es muy Marvel Studios, mientras que la segunda tiene una onda mas Sony permitiendo al director Jon Watts llevar a los Protagonistas a situaciones de extrema oscuridad. Sigo sorprendido con la crudeza y dramatismo de algunas escenas, en mas de una vez sentí nudo en la garganta y todo en momentos que tienen como centrales a Tom Holland o a la Tia Milf, digo May, de Marisa Tomei. La justificación de porque los villanos del universo Raimi y el universo Webb caen al MCU es poco sólida, se entiende, pero hasta ahí, aunque la realidad es que no importa, el fan service de la película tiene como motor explorar lo que significa ser SPIDER-MAN, siendo pieza clave en la evolución del personaje. Me voy a limitar a hablar de Alfred Molina, Willem Dafoe y Jaime Foxx, quienes son los únicos actores oficialmente blanqueados. Me frustró un poco ver al Doc Ock rejuvenecido por CGI, un actor como Molina tendría que haber tenido su rostro real luciendose como el interprete de teatro puro que es, esa onda gráficos de Playstation 4 me distrajeron bastante, pero la presencia del personaje en escena no pasa de moda y, a pesar de no ser NI AHÍ lo que fue en su momento, se sigue sintiendo real. Foxx se redime como Max Dillon, A.K.A Electro, quien tuvo un paso bastante errante en THE AMAZING SPIDER-MAN 2, permitiendole acá ser el alivio cómico de los villanos multidimensionales alcanzando la redención que tanto quería el actor. Ahora quiero hablar de Willem Dafoe, la verdadera estrella de la película. El actor es un caso muy raro, ya que queda desnucado con el universo planteado por ser DEMASIADO BUENO, su actuación es terrorífica, da lo mejor que puede y se le nota disfrute en volver a ser Norman Osborn y su alter ego El Duende Verde. El personaje no se adapta a la moda family friendly de Disney, es literalmente el villano mas violento que vimos en mucho tiempo. Sus motivaciones son pura maldad, las gesticulaciónes del actor dejan en claro que no necesita máscara ni prótesis para ser el único Duende Verde del cine. Si, de todos modos hay problemas. La primera mitad de la película se siente perezosa a nivel narrarivo. Si bien la dirección de Jon Watts resulto ser inesperadamente genial la forma en la que la historia se cuenta se pierde en lo ilógico, desaprovechando posibilidades infinitas de ver a Spiderman en situaciones nuevas. Una película sobre Peter Parker siendo acusado de asesinato hubiese sido mas que suficiente para brindarle al personaje una evolución solida, pero el estudio decidió en volcarse a la nueva amiga de Hollywood, la nostalgia. La segunda mitad toma mucha mas forma, se vuelve oscura y los recursos utilizados, como mencione mas arriba, se alinean con la construcción del protagonista y, por primera vez en la franquicia Holland, se siente que el pibe que no es el mismo. SPIDER-MAN: NO WAY HOME es una carta de amor tóxico y manipulador para los fans, una carta redactada muy bien y con muchos dibujitos de colores … Una carta de amor llena de recuerdos alterados y flasheadas megalomaniacas de las cuales atesoraria con mucho afecto
La saga de videojuegos RESIDENT EVIL siempre se caracterizó por su estilo camp cargado de elementos del cine de horror clase B. La cámara fija y los gráficos poligonales colaboraban con la estética de terror que siempre pidió a gritos tener una chance REAL en el cine. En la década del 2000 tuvimos una saga cinematográfica libremente inspirada en la saga, dirigida por Paul W.S Anderson (no, no es el mismo que Paul Thomas Anderson, de hecho, ni siquiera cerca) y protagonizada por, actualmente su esposa, Mila Jovovich. Fue una franquicia exitosa de no se cuantas películas, cargadas de acción, gran presupuesto y efectos de primera linea … Pero todo muy alejado de lo que la saga de juegos buscaba transmitir. No puedo decir si fue una buena o mala franquicia ya que nunca le preste la atención suficiente por, justamente, irse muy por las ramas con respecto al material original, siempre vi pedazos sueltos de sus películas en canales de televisión al punto de nunca poder distinguir cual es cual. Ahora el estudio cambia de enfoque totalmente, haciendo un 2×1 adaptando los primeros dos jueguitos con un poco del tercero. johannes Roberts no solo dirige, sino que también escribe, haciendo que la película tenga mucha mas consistencia y tenga una aura mas de autor. Hasta el propio Anderson vuelve como productor ejecutivo. La historia sigue a Claire Redfield (Kaya Scodelario), quien regresa a su natal Raccon City a fin de sacar a la luz los chanchullos de la corporación Umbrella, una farmacéutica exageradamente perversa (lo cual queda GENIAL con el tono de la película) que está en pleno proceso de cerrar la ciudad tras haberla usado para sus experimentos. En la misma se recuentra con su hermano Chris (Robbie Amell), un policía que lidera un equipo integrado por Jill Valentine (Hannah John-Kamen), Albert Wesker (Tom Hopper) y el novato Leon S. Kennedy (Avan Jogia). Ese primero de Septiembre de 1998 un accidente en la mansión Spencer, donde reside el cabecillia de Umbrella, William Birkin (Neal McDonough) junto a su familia, lleva al team a presenciar como todo el lugar termina de ser envenenado al punto de convertirse en muertos vivientes. La cualidades de éste film son muchas. Como ADAPTACIÓN DE VIDEOJUEGO la película es un diez puntos, entiende la mitología y las mecánicas del mismo haciendo de la experiencia un placer para todo que sea fan del universo Biohazard. La puesta en escena es brillante, la estética y los detalles tienen un nivel de pulido excepcional, creativo y muy bien trabajado, todo sin salirse del estilo perturbador que intentar plasmar. Los infectados son de lo mejor, desde EXTERMINIO que no se ven Zombis tan bien hechos, las criaturas muestran su agonía en el proceso de conversión, logran modular, lo cual es realista dentro del demencial contexto que se nos presenta. Si bien hay algunas diferencias con respecto al tiempo en el que los juegos se llevan a cabo la historia logra fusionar las entregas de una forma prolija en la que los personajes van de punto A a punto B sin caer en secuencias que sobren. Tenemos fan service del bueno, vemos personajes como Lisa Trevor y locaciones como el tren de RESIDENT EVIL 3: NEMESIS que dan gusto y se adaptan a la historia sin forzar nada. Los sustos estan muy bien trabajados, quizas se hace mucho uso del efecto de sonido fuerte injustificado, pero al ser un homenaje al cine noventero de horror se deja pasar y hasta se entiende el recurso. Es perfecta? Para nada, hay algunos defectos. El primero es que se enfoca demasiado en la acción y no tanto en la tensión dramática. Ésto se debe a que algunas elecciones de cast son bastante erradas, como Avan Jogia o Robbie Amell, quienes son una versión diluida de los personajes originales. El guión hace mucho énfasis en la moda actual de Hollywood de que los personajes masculinos sean tontos y los femeninos sean fuertes y determinados. Las relaciones entre los personajes no terminan de entenderse, algunos de los diálogos casuales son incómodos de escuchar, dan medio verguenza ajena de la cantidad de cliches que tienen a cuestas. No obstante RESIDENT EVIL: WELCOME TO RACCOON CITY es una película completa que merece ser vista. Si son fanáticos de la franquicia de Jovovich sin haber consumido mucho de los videojuegos probablemente se encuentren con un proyecto mucho muy distinto al que imaginan, pero si conocen la obra previa les aseguro que van a salir bastante contentos. El director y guionista declaro que quiere hacer una secuela que fusione CODE: VERONICA y, el que yo considero uno de los mejores videojuegos de la historia, RESIDENT EVIL 4. No me importa ver a este cast de vuelta siempre y cuando Roberts sea el escritor y director de lo que se viene, espero que suceda. Calificación 7.5/10
Ridley Scott es la personificación del dicho «viejo, pero no obsoleto». A sus 84 años el cineasta conserva todas las cualidades que lo llevaron al podio de los grandes Podría decirse que es de esos, no solo directores cinematográficos, sino artistas a los que la edad no les quito la heterogeneidad a sus proyectos. La película se basa en la trágica historia real de la familia Gucci, foco infeccioso de traiciones, manipulaciones y hasta de asesinatos, todo a fin de controlar el imperio de la moda que fue (y es) la marca. El reparto está mamadisimo de estrellas. Adam Driver nos prueba sus dotes camaleónicos en el rol de Maurizzio Gucci, un tímido abogado al que la codicia y hambre de ser un noble como su familia lo empieza a contagiar. La conversión del personaje no sería nada de no ser por Patrizia Reggani, interpretada por Lady Gaga. La elección de casting es una de las mejores que se hicieron, la cantautora cumple con todo lo que el personaje necesita para ser lo que es en pantalla, totalmente verosímil y el elemento mejor controlado de la película. Jeremy Irons y Al Pacino hacen de Rodolfo y Aldo Gucci, los patriarcas de la familia. Irons es siempre sinónimo de calidad, se sabe, es ir a lo seguro, pero con Al la cosa se puso inesperada. Tras unos pares de años de fracasos, al actor le costo volver. La maldición se le terminó con su paso victorioso como Jimmy Hoffa en EL IRLANDES de Martin Scorsese, el tipo volvió al ruedo y acá desborda el carisma que lo caracterizó por años. A pesar de la CLARA edad, el tipo se desenvuelve con excelencia haciendo de la parte comercial de la marca, el visionario que complemento la visión de Rodolfo y la llevo a lo largo del olaneta. Para completar tenemos a un locuaz Jared Leto haciendo de Paolo Gucci, la oveja torpe de la familia. Una interpretación que intenta representar el lado bizarro de la marca, funciona y el personaje es copado, pero desentona y distrae un poco con lo que la historia quiere contar. Noto que los directores le dan a Leto una libertad que no se le da a ningún otro actor, una libertad algo injustificada ya que rara vez sus decisiones interpretativas cumplen con lo necesario. A nivel narrativo la tragedia que cuentan está construida con excelencia. Todo está armado para que el final sea lo que en un principio se nos adelanto, es como Gucci a lo Shakespeare. Lo visual acompaña a la historia muy bien, remarcando la personalidad de cada uno con detalles sutiles muy bien puestos por el señor Scott. Por ejemplo, siempre que alguien llega a la mansión de Rodolfo Gucci (Irons) el plano es el mismo, vemos al personaje ser recibido a traves de un ventanal y de fondo se visualiza el mismo juego de jardín ubicado de la misma forma, simbolizando lo conservador del personaje. Se puede percibir como en un principio intentaron fichar a Scorsese para la película, el ritmo tiene mucho de su cine e intenta recrear el tono del cineasta para contar la historia. La puesta en escena es buena, no MARAVILLOSA, pero buena. Muestra el mundo de la moda de forma realista y, como nos tiene acostumbrados Ridley Scott, la película parece filmada en la época en la que nos situa el tema en cuestión. House of Gucci es una película funcional y hecha con buena visión. Si bien la historia y la dirección de la trama se torna algo desprolija en ciertos momentos, el resultado final es un cine de calidad que deja de lado agendas políticas y modas actuales para enfocarse en contar una historia con todos los elementos que eran necesarios para retratar el caso. Calificación 8/10
El arte de arruinar un concepto. La película, basada en la francesa «53 THE WAGES OF FEAR, tenía simplemente que enfocarse en el peligro que es cruzar los lagos congelados que se encuentran bien al norte del continente, agregándole algún conflicto que genere interés tanto en los valientes héroes como en el ambiente. La idea era muy copada, un entorno asi puede sacar a relucir comportamientos muy piolas en los protagonistas, pero el director Jonathan Hensleigh se fue por el lado ‘ »fast an furiu’ y hasta contacto a Liam Neeson, porque con deformar una obra no le bastó. La historia sigue a un chofer de camiones especializado que tiene la misión de llevarle provisiones y un medio de escape a unos muchachos atrapados en el medio de la nada. Para llegar los vehículos tienen que cruzar unas zonas de lagos y arrollos congelados que, a la minima modificación de peso o velocidad, se romperían haciendo que nuestros héroes se pierdan en la nada. El suspenso se vende y se convierte en una mezcolanza de generos que, a partir del punto medio, pasa a ser una idea genérica mas del monton. Los giros se ven venir desde antes de entrar a la sala, el bueno que es malo era el que todos pensabamos que iba a ser y lo mismo a la inversa, un concepto que en su simpleza pudo haber funcionado acá se llena de anabólicos y nos terminan dando un vaso de Pepsi con hielo puesto hace una hora. El reparto tiene en su haber estrellas como Liam Neeson, quien desempaco y se instalo en el genero de acción/suspenso como si fuese en su casa, o Laurence Fishbourne, quien se la paso dos años haciéndose el que no vuelve a THE MATRIX: RESURRECTIONS porque no le gusto el guión. Despues hay otros, que la verdad no conozco y no planeo googlear sus nombres porque no lo vale, no hicieron nada especial ni merecen ser mencionados. Hasta se perdieron la chance de hacer que Benjamin Walker tenga algun parentesco con Neeson en la trama. THE ICE ROAD es una de esas películas que pasaban los sabados en telefe con unos doblajes que nos pedían a gritos que nos suicidemos. Alejense de éste proyecto mientras les pidan dinero a cambio de verlo, no lo vale, que la próxima no nos tomen por idiotas y hagan cosas que nos hagan pensar. Dicen que la versión original que puse mas arriba está piola, probemos con esa. Calificación 3/10
La GHOSTBUSTER es una película que revisito muy frecuentemente. Me parece una película divertida y creativa pero que no es la joya de la corona que los fans dibujan. En lo que a mí respecta, la secuela y el reboot de 2016 (‘LAS CAZAFANTASMAS’) están al mismo nivel que la primera, es más, el producto que mas disfrute de la marca son las series animadas. Ahora nos llega está continuación de la original, enmarcada dentro del neo genero de revivals de sagas clásicas que apuntan a la nostalgia (o nostalgia inducida, algún dia les hablare de ésto) del espectador, una nueva ola madre de bodrios como la trilogia de secuelas de Star Wars o la nueva 3 de TERMINATOR. Por lo general estas secuelas/remakes/spin-offs suelen errarle fiero, intentan hacer algo nuevo pero a la vez nostálgico y queda un bodrio que no entienden ni ellos, pero con GHOSTBUSTERS: AFTERLIFE se encontro un balance perfecto, pasen al consultorio y les cuento… Dirige y coescribe Jason Reitman, el mismísimo hijo de Ivan Reitman, productor y escritor de la película que comenzo con éste fenómeno. En éste caso el hijo le hace honor al padre, haciendo la que es probablemente el revival mas completito y satisfactorio de todos los vistos hasta ahora. Se respeta a los personajes originales sin abusarse de las referencias y se le da un abrazo fuerte y emotivo al difunto Harold Raimis. La historia está contada con un ritmo muy ochentero, pero no ochentero tipo la primera, sino que ochentero en su simpleza, hasta me atrevo a decir que es la mejor película del subgenero NIÑOS EN UN PUEBLO HACIENDO LOCURAS de los últimos tiempos. Se siente la aventura y el misterio, el cual sirve para darle al universo una identidad mitologíca propia. La historia sigue a los hermanitos Splencer (Mckenna Grace y Finn Wolfhard), nietos de Eagon, una niña genio y un intento de rebelde, quienes se mudan junto a su madre (Carrie Coon) a la antigua granja de su abuelo quien era considerado un demente por los lugareños del pueblo cercano. Los pibitos encontrarán allá su identidad sacando a relucir los genes de su abuelo. Hago un párate en mí intento de sinopsis para mencionar que la decisión de usar a los familiares del personaje del personaje que interpretó el difunto Raimis fue la decisión PERFECTA. Ésto hizo que los guionistas usen la ausencia del actor (y ENCIMA cocreador de la franquicia junto al también actor Dan Aykroyd) como motor narrativo, generando en los personajes un misterio a resolver en base al personaje. Sigo con la historia. En el pueblo, la nena, Phoebe Spencer, une fuerzas con su maestro de primaria, interpretado por el hilarante Paul Rudd, para investigar unos misteriosos sismos que habrían llevado a Eagon a ese lugar. En su nuevo team de niños ghostbusters tenemos a Podcast (Logan Kim) y Lucky Domingo (Celeste O’Connor), personajes que solo existen para hacer una rima narrativa y visual con los originales, ya que la película se la roba Grace con su carismática inexpresividad intencional. Los efectos especiales son brillantes, lo mismo con la fotografía, la se amolda a los tiempos con unos planos muy bien formados que complementan un BEST OF BOTH WORLDS entre el cine ochentero pochoclo y el cine blockbuster actual. El team no es tan único como el original, pero cumplen su función y todo el viaje hasta el final boss (el cual fue una sorpresa MUY grata, hasta para mí, que no pierdo la cabeza por esta saga) se torna creíble y no es una sucesión de eventos random sin justificación (*EJEM* estarwarssieteochonueve *EJEM*). Un defecto es que me hubiese gustado mas fantasmas caricaturescos como los de la original, hay unos pares pero en su mayoria son copy paste de los antes vistos. Se pudo haber agregado personajes creativos, como los vistos en la de 2016, sin haberse ido de la onda moderna y diferente que querían plasmar. No obstante, el producto esta tan bien encaminado que puedo perdonar ésto. Recomendada con ganas. Calificación 8/10