En los habituales estrenos del jueves Cine.Ar TV y en su plataforma streaming a partir del viernes, se proyectará la película que narra la búsqueda de una hija de un secreto paterno en un lejano país asiático. Por Bruno Calabrese. Clara (Agustina Muñoz) es una joven que acaba de perder a su padre. Junto con su hermano tratan de contener a su madre (Dominique Sanda) y sus hermanos tratan de llevar adelante la dolorosa pérdida del progenitor. Pero revisando las cosas del padre encuentra que el guarda un secreto en un lejano país llamado Tayikistán, ubicado al este de China. Con la excusa de el casamiento de una amiga en Estámbul, la joven decide escaparse hacia ese recóndito lugar para descubrir el secreto y reencontrarse con el pasado oculto de su padre. El paisaje montañoso de Asia Central es el telón de fondo para contar una historia sobre un duelo, sobre secretos que atesoramos y que no nos animamos a contar. Clara inicia un viaje que, no solo le servirá como ventana para conocer a su padre, también será un viaje introspectivo para indagar sobre ella. El lago al que alude el título, es profundo y difícil de bucear, encima el pueblo queda en el punta más alto, lo complica más buscar ese secreto, pero Clara lo hace. Un secreto escondido e inalcanzable como Karakol y Tayikistán, pero que Clara está decidida a encontrar sin importar las consecuencias. La participación de Soledad Silveyra como la hermana del padre y tía de Clara, de Dominic Sanda como la madre, le dan al relato madurez y naturalidad, con charlas sencillas y cotidianas. Agustina Muñoz atrapa en el rol de esa hija que, en el medio del duelo, descubre algo que estaba oculto sobre su padre y le despierta curiosidad. Junto con el resto de la familia, que acompaña en segundo plano todo el proceso de duelo paterno de Clara. Con paso lento, como la vida misma, Karakol hace foco en una hija a la que le cuesta aceptar la pérdida paterna y decide descubrir si hay algo más que pueda atesorar para siempre, pero que sean exclusivas de ella y de nadie más. Una mirada inteligente del duelo y los secretos, que nos dejará reflexionando en que momento algunos secretos se transforman en traición. Puntaje: 70/100. Actuación Fotografía Arte Guión Música Con paso lento, como la vida misma, Karakol hace foco en una hija a la que le cuesta aceptar la pérdida paterna y decide descubrir si hay algo más que pueda atesorar para siempre, pero que sean exclusivas de ella y de nadie más. Una mirada inteligente del duelo y los secretos, que nos dejará reflexionando en que momento algunos secretos se transforman en traición.
Los Hijos de Isadora de Damien Manivel. Crítica. El Legado de Una obra Universal Bruno Calabrese Hace 19 mins 0 1 En la plataforma www.puentesdecine.com del PCI se encuentra disponible el documental basado en la obra Mother de Isadora Duncan. Por Bruno Calabrese. Damien Manivel es un bailarín que se abocó a la dirección de cine. En su cuarto largometraje se aboca a mezclar una de sus pasiones, el mundo del ballet. A través de una estructura de tres partes se centra en una coreógrafa, luego en una intérprete y su maestra, y finalmente en un espectador que se preparan para la puesta en escena de Mother, la pieza de 1921 de la leyenda de la danza Isadora Duncan, la obra que la bailarina creó luego de la tragedia en que fallecieron sus hijos. El accidente sucedido el 19 de abril de 1913 se produjo cuando el automóvil que llevaba a Patrick y Beatrice, los hijos de seis y cuatro años de Isadora Duncan, atravesó la barrera de protección del puente y cayó sobre el río Sena, matando a los niños y a su institutriz. La imposibilidad de expresar semejante dolor en palabras o en gestos tendría un corolario creativo ocho años más tarde, cuando Duncan creó la coreografía “Madre” , un baile solitario y lento, pero de gestos expresivos, en el cual la bailarina parece en cierto momento mecer algo o a alguien en sus manos. El documental sigue primero a Agathe Bonitzer, una coreógrafa que se prepara para poner en escena la pieza. En silencio, vemos a la joven ensayando la pieza mientras lee que la obra se creó a partir del dolor materno en la sensible autobiografía de Isabela, MI Vida. Luego vemos a Manon Carpentier, quien junto con su maestra Marika Rizzi (ambos en efecto “interpretándose” a sí mismos), la segunda y más larga sección de la película. Manivel construye este segmento de media hora como una especie de documental sobre la pared, enfatizando el vínculo cálido y productivo entre el paciente tutor y su alumno asiduo. Mientras nos muestra primero a la coreógrafa y luego a Manon pasando por los movimientos de “Mother” la actuación real tiene lugar fuera de la pantalla. La cámara recorrerá lentamente los rostros de los espectadores absortos antes de finalmente fijarse en una anciana visiblemente conmovida por la experiencia. Esta mujer, interpretada por la aclamada y veterana bailarina estadounidense Elsa Wolliaston, residente en París durante medio siglo. Luego de un breve por el escenario, seguimos a la anciana de regreso a casa a través de calles vacías hasta los suburbios remotos. Cada uno de sus pasos, con la ayuda de un bastón médico, lo que implica un esfuerzo considerable. Al llegar a su casa vemos que la mujer exhausta enciende una vela frente a una fotografía de, lo que presumimos es su hijo muerto, luego la cámara recrea en silencio y de manera bastante hermosa los movimientos de la actuación que presenció más temprano en la noche. Como una cadena de trasmisión emocional Manivel logra poner en pantalla la conexión que produce la obra de 1921 con los sentimientos de una espectadora. Así, Los Hijos de Isadora es una muestra de la complejidad del ballet pero a la vez es una película emocionante que refleja como el dolor se transformó en arte y como la obra universal de Isadora Duncan en generadora de sentidos a pesar del paso de los años. Puntaje: 80/100. Guión Fotografía Arte Edición Los Hijos de Isadora es una muestra de la complejidad del ballet pero a la vez es una película emocionante que refleja como el dolor se transformó en arte y como la obra universal de Isadora Duncan en generadora de sentidos a pesar del paso de los años.
La vida dentro de un capullo. Crítica de “Matar al Dragón” de Jimena Monteoliva. Bruno Calabrese 16 noviembre, 2019 0 107 La directora presentó su nueva película en el ciclo Las Venas Abiertas del 34º Festival de Cine de Mar del Plata. Una historia sobre brujas y desapariciones de niños dentro una atmósfera de amenaza constante. Por Bruno Calabrese. Luego de sorprender dentro del cine de terror con “Clementina”, su primer película, donde aborda la violencia de género con una original propuesta sobre apariciones fantasmales, Jimena Monteoliva vuelve al ruedo con un interesante film sobre el submundo de las adicciones a las drogas y la trata de mujeres. Con una secuencia de animación simple, pero visualmente bella la película empieza contando la leyenda de La Hilandera, una bruja que se dedicaba a secuestrar chicas dentro de un pueblo. Asesinada por los habitantes, su espíritu se convirtió en un dragón que logró sobrevivir y escapar. Durante años, muchas niñas del pueblo fueron desapareciendo. Una de ellas es Elena (Justina Bustos), quien reaparece ya adulta, y es llevada por su hermano médico, Facundo (Guillermo Pfenning) a vivir con él, su mujer y sus hijas, a la vieja casa donde sus padres fueron asesinados y ella fue secuestrada. La aparición de Tarugo ( un genial Luís Machin) en las afueras de la casa, un siniestro personaje que vive en las alcantarillas y cuyo rol se irá develando con el correr de los minuto, hará que la película gane en suspenso. De a poco se irá develando que sucedió con Elena mientras estuvo desaparecida y que tuvo que ver este ser en la vida de ella en cautiverio. La película es muy climática, logra mantener al espectador atrapado gracias a la estructura argumental que hace la directora de una historia que empezó como una pesadilla de Diego Fleischer y se terminó convirtiendo en una atrapante historia de terror. Con una destacada forma de retratar los bosques que rodean la casa y el vestuario para dar vida al perfil de cada uno de los personajes (la familia de Facundo con vestidos blancos impecables y los habitantes del submundo rotos y sucios), la película logra describir de manera eficiente la diferencia de los dos mundos. La dirección de arte es impecable la hora de construir ese submundo que está por fuera de las rejas, al que Elena perteneció y siempre es tentada a volver pero que luchará para no hacerlo. Sumado a la aterradora caracterización de La Hilandera dentro de ese capullo blanco hacen le dan a la película el marco ideal. Justina Bustos, en el rol de Elena, muestra su versatilidad para interpretar distintos personajes, esta vez dentro del género del terror. Al igual que Guillermo Pfenning como Facundo, el hermano que lucha por recuperar a su hermana pero a la vez se arriesga al poner en peligro a su familia. Cecilia Cartasegna (quien ya se había destacado en Clementina) compone perfecto el papel de mujer acartonada, de esposa perfecta que ve el peligro en Elena pero acepta el pedido de su marido. La sorpresa la dan las pequeñas Valentina Goldzen y Maitena Dionisi, quienes hacen una trabajo excelente, en una película arriesgada para niños. “Matar al dragón” no se queda en el relato simple de terror, también contiene metamentajes complejos, sutilmente incorporados en el relato, pero que están ahí. Una historia sobre la división de dos mundos, uno de seres ocultos y encerrados dentro un ámbito de drogas y pobreza, con otro que se encierra tras las rejas en su mundo pulcro y de aparente perfección. Otra agradable sorpresa de una directora que viene pisando fuerte dentro del género. Puntaje: 80/100.
“Una Chica Invisible” de Francisco Bendomir. Crítica. Invisibilidades femeninas Después de pasar por el BAFICI 2019, la ópera prima de Francisco Bendomir llega a la plataforma Cine.Ar Play. Por Bruno Calabrese. Andrea (Andrea Carballo) planea suicidarse a raíz de un video de ella que se hizo virall. Mientras tanto, su ex novio, Mauro (Pablo Greco), contrata a un hacker para que le robe las contraseñas de sus redes sociales y así saber sus hay otra persona que hizo que ellos se separaran. Daniel (Javier De Pietro), el hacker, va un paso más allá e instala cámaras ocultas para espiarla durante todo el día. Juana (Lola Ahumada), la hija de Daniel, pasa sus días intentando crear un video que se haga viral en Youtube y hacerse famosa. El film nos mete de lleno en el mundo del vouyerismo informático y de la necesidad del reconocimiento del otro. Apoyado en la simetría perfecta de cada plano, uno no puede dejar de recordar a Wes Anderson. Esas obsesiones también aparecen en los detalles de cada recuadro que resultan una atracción aparte. Desde esas apariciones de Hulk como figura representativa de Daniel, en una remera o en un muñeco colgado en el auto o los Maneki-neko (gatos de la suerte) diseminados por cada espacio físico que ocupan los protagonistas, hasta los imanes de Mafalda en la heladera de Andrea. Incluso las referencias a lo sagrado y religioso: un Gauchito Gil en el kiosco y las cruces en la oficina de la directora de la escuela de Lola, interpretado por una genial María Rosa Fugazot. Los objetos tiene un sentido armónico en la composición de los cuadros pero también simbólico y nada está puesto al azar. Pero más allá de la fortaleza visual de sus imágenes, ese estilo no permite que se robe el sentido de la película. El del título, el cual alude a muchas invisibilidades femeninas: la falta de la madre en la vida de Lola y sufre en silencio por su ausencia, la chica que aparece detrás de ese video viral que los morbosos usuarios no dejan de consumir, una hija que reclama atención a un padre más obsesionado en una mujer que en cuidar de ella o ese novio que se pone celoso por que su novia interpretará a Calígula en el teatro y la trata de “gato”. Un universo complejo que aparece configurado detrás de cámaras que registran todo: desde quien entra y quien sale de un edificio hasta una audición de tres minutos para una obra de teatro, un accidente casero de una niña en soledad o la intimidad violada de una joven mujer dentro de su casa. Como en el cine del español Carlos Vermut, en Una Chica Invisible hay lugar para lo fantástico, el mundo del animé y un documental sobre el ritual de apareamiento de una mantis religiosa, pero sin desconectarse del mundo real ni de la actualidad social. Así, en su ópera prima, Francisco Bendomir logra transformarse en un director para seguir de cerca, por que logra una mezcla enrarecida de realidad y comedia negra absurda con una composición hiperestilizada y un diseño de producción que resulta un espectáculo aparte. Puntaje: 90/100 Actuación Arte Fotografía Guión Música Como en el cine del español Carlos Vermut, en Una Chica Invisible hay lugar para lo fantástico, el mundo del animé y un documental sobre el ritual de apareamiento de una mantis religiosa, pero sin desconectarse del mundo real ni de la actualidad social. Así, en su ópera prima, Francisco Bendomir logra transformarse en un director para seguir de cerca, por que logra una mezcla enrarecida de realidad y comedia negra absurda con una composición hiperestilizada y un diseño de producción que resulta un espectáculo aparte.
“Al Acecho” de Francisco D´Eufemia. Crítica. Bruno Calabrese El 6 de agosto en Cine Ar TV a las 22 hs y a partir del vienes en su plataforma streaming Cine Ar Play se estrena la película protagonizada por Rodrigo de La Serna. Por Bruno Calabrese. Pabo Silva (Rodrigo de la Serna) es trasladado como guardaparque el Parque Pereyra Iraola mientras se le realiza un sumario interno por cuestiones en las que declara ser inocente. Al llegar lo recibe Mario Venandi (Walter Jakob), guardaparque jefe, a quien lo acompañan Camila Márquez (Belen Blanco) y Mariano Rodríguez (Facundo Aquinos). Pablo decide hospedarse en el mismo predio en el que cumple sus funciones. En un recorrido por el inmenso parque encontrará un zorro enjaulado, al cual se lleva a su refugio, pero no lo liberará. Al investigar se dará cuenta que un grupo de cazadores furtivos y traficantes de animales se encuentran operando en la zona. Pero ¿cual será la motivación real que empuja a Pablo a investigar el caso? El mítico parque ubicado en Berazategui es el espacio elegido para que se desarrolle toda la acción. Nos internaremos en él no solo desde lo visual, también lo haremos desde lo dialéctico, mediante breves diálogos que irán contando historias sobre el lugar. Leyendas sobre una desaparecida virgen de oro en un altar y un supuesto secuestro de una de las hijas de los dueños, la lucha de los quinteros de la zona para que no les quiten las tierras que el gobierno de Perón les cedió para trabajarlas y las ríspideces limitrofes entre el sector militar con los guardaparques, Pero el eje central sobre el que girará la historia será el tráfico de animales en complicidad con gente del parque, lo que hará que Pablo comience tratar de descubrir como funciona la red que opera dentro del parque, aunque sus intereses reales no queden muy claro. El zorro funciona como metáfora de la personalidad de Pablo, un animal que, en esta búsqueda de identidades, representa la tensión entre lo salvaje y la civilización pero que se adapta a todos los medios. Siempre asociado a los entornos suburbanos próximos a las granjas y a la gente. Una especie de Robin Hood animal, ladrón por necesidad y que se ve obligado a la marginalidad pero que sobrevive en las fronteras de la civilización. Sostenido por el sonido ambiente que se mezclará con una débil música de suspenso, la cámara sigue a Pablo de manera casi permanente a través de la investigación de los hechos que se suceden dentro del predio. La duda sobre la verdadera razón por la cual investiga es lo que sostiene la trama, más allá de saber quienes son los que se dedican al tráfico y como funciona el sistema. Eso hace que la tensión vaya en aumento a medida que el film avance. Sumado a la característica intensidad que Rodrigo De La Serna le imprime a sus actuaciones, algo que se ve nivelada con el ritmo pausado que acompañará todo el relato hasta su explosión final. Al Acecho pertenece a una familia de thrillers rurales de muy buena calidad que el cine argentino viene produciendo en los últimos años, como La Creciente de Franco González o El Silencio del Cazador de Martín Di Salvo. Películas donde lo inhóspito del lugar y la espesura de los bosques permiten que la reglas queden difusas y los negocios turbios afloren en manos de personajes oscuros, en un terreno donde pesa la ley del más fuerte y la impunidad es moneda corriente. Puntaje: 80/100.
“Agua Dos Porcos” de Roly Santos. Crítica. Un policial en la Triple Frontera. Bruno Calabrese Hace 1 semana 0 18 En Cine.Ar TV y en la plataforma streaming Cine.Ar Play se estrenó la coproducción argentina-brasilera rodada en la zona fronteriza cercana a la localidad misionera de Andresito y en Curitiba (Brasil). Por Bruno Calabrese Gualtieri (Roberto Birindelli) es un ex policía apático y solitario que acepta un trabajo supuestamente fácil en la selva de la triple frontera. Investigar la muerte de una persona, enmarcado como crimen pasional. Una vez que vaya ahondando en el caso de dará cuenta que atrás del asesinato se esconde un misterioso círculo donde se entremezclan trata de personas en complicidad policial y política, tráfico de niños y una misteriosa red de pedofilia. Resolver el caso se convierte en la clave para revelar otras verdades enterradas, pero Gualtieri no solo quedará atrapado en esa siniestra maraña, sino que se verá enredado por las mujeres, hombres y la naturaleza de la selva, por lo cual deberá intentar escapar de traiciones y venganzas. El film apela a la repetida fórmula del policía retirado, arruinado por el alcl, que ve en el caso una posibilidad de redención y dar sentido a su vida. A eso se le suma un repertorio de personajes oscuros y otros no tanto que hacen que Gualtieri no pueda salir del laberinto en el que se encuentra metido. En el medio aparecerán una hija a la cual no puede ver, con la que se comunica a través de un perfil falso en facebook, una joven trabajadora sexual brasilera que le pide ayuda para salir de ahí y una amante, esposa de un ex compañero de trabajo, que se encuentra en el lugar para adopta ilegalmente un niño. A pesar de caer en lugares comunes del género policial, con vueltas de tuerca previsibles y otras no tanto, Agua Dos Porcos es intrigante y densa por su temática. Encuentra sus puntos más altos en la tensa e incómoda relación del investigador con el comisario local (el siempre efectivo Daniel Valenzuela). Un film cuyo ritmo parsimonioso, propio del género policial negro, nos introduce en la Triple Frontera para abordar temas oscuros, muy relacionados a esa zona geográfica. Puntaje: 60/100
“Yo, Adolescente” de Lucas Santa Ana. Crítica. Como espíritu adolescente. Bruno Calabrese Este jueves por Cine Ar TV y en su plataforma streaming Cine.Ar a partir del viernes se estrena la adaptación cinematográfica del libro de Zabo Zamorano. Por Bruno Calabrese. El 30 de diciembre de 2004 cerca de la medianoche me encontraba en una plaza del barrio de Tolosa, en la ciudad de La Plata. Eran vísperas de año nuevo, por lo tanto nos encontrábamos dándole los últimos detalles a una tradición platense, el muñeco de fin de año, el cual suele quemarse en las primeras horas del año nuevo. De repente nos llega la noticia de que un incendio de grandes magnitudes se llevó la vida muchos jóvenes en un recital de Callejeros que se realizaba en un boliche de Once. Con el correr de los días nos fuimos enterando de las cifras de fallecidos (194 en total) pero ese hecho marcaría un antes y un después en la vida de muchos jóvenes y de los espectáculos masivos en lugares cerrados.¿Porque cuento esto? Por qué Cromañon fue uno de esos hechos trascendentes que nunca nos vamos a olvidar el momento donde nos enteramos de la noticia. Una tragedia marcada por la desidia, la corrupción y la codicia de empresarios sin escrúpulos, pero cuyas víctimas fueron jóvenes inocentes a los que no se les advirtió de los peligros a los que se encontraban expuestos. En Yo, adolescente la tragedia es el punto de partida que marca el inicio de la historia de su protagonista, Zabo (Renato Quattordio) quien sale de un recital de Árbol esa misma noche y se entera de la noticia. Zabo es de Parque Chacabuco, o como al le gusta decirle: Parque Chacabuco City Rockers. Pasa sus días con amigos, en recitales de sus bandas preferidas. Pero ese momento cambia la vida de todo su entorno como sucedió con miles de jóvenes. No solo por la terrible pérdida de cientos de vidas, sino también por darse cuenta a los peligros a los que la juventud se encontraba expuesto.A partir de la terrible tragedia comenzaron las prohibición de recitales masivos en lugares cerrados. Pero lo único que cambió la vida de Zabo no fue ese hecho, el suicidio de un amigo íntimo unos meses antes provoca en el joven una crisis de identidad que hará que empiece a volcar todas sus experiencias en un fotolog personal. La adaptación cinematográfica del libro de Zabo Zamorano(que a la vez es una adaptación del fotolog) indaga en todas las dificultades de un joven en ese camino de autodescubrimiento y todos los conflictos internos que se suceden en el camino. Embarazos no deseados, homosexualidades reprimidas, masculinidades violentas, traiciones amorosas y palabras que no se dicen, forman un catálogo de escenarios, diálogos y, en esencia, liturgias que la experiencia y la cultura popular hacen que asociemos a la crucial entrada en la edad adulta. Con la música como eslabón fundamental para esa conexión experimental con los sucesos pero no solo por las canciones de Árbol, Dos Minutos, Boom Boom Kid, Flema y toda esa escena punk rock que forman parte de la banda de sonido; también por el espíritu de Kurt Cobain que flota permanentemente en el film, no solo en las remeras y los póster de Nirvana de Zabo, sino también en las melancólicas y depresivas palabras finales del protagonista. Yo, adolescente es un drama intenso que reúne una colección de personajes cuya revolución hormonal no les permite estar quietos, pero también porque así lo piden unos códigos sociales que invitan a salir del nido, a descubrir y a empaparse de los placeres de los procesos de aprendizaje. Lo que arroja una coming of age de naturaleza compiladora que nos alerta sobre lo vulnerable de la juventud y los peligros a los que están expuestos mientras miramos para otro lado, cómo pasó esa trágica noche en Cromañón. Puntaje: 75/100. FacebookTwitterGoogle+LinkedIn
“Complot Internacional” de Xue Xiaolu. Crítica. Artimañas corporativas intercontinentales. Bruno Calabrese Hace 21 horas 0 6 El 10 de julio en las plataformas iTunes y Google Play se estrena la nueva película de la exitosa “Finding Mr RIght”. Por Bruno Calabrese. Xue Xiaolu ha sabido ganarse el reconocimiento dentro del universo cinematográfico chino gracias a películas como “Ocean Heaven” con Jet Li, un emotivo drama sobre un padre que debe hacer frente al autismo de su hijo. La buena recepción por parte de la crítica y del público le valió poder filmar su siguiente película, “Finding Mr. Right” en Estados Unidos, más precisamente en Seattle. Fue tal el éxito que al film le siguió una secuela en el 2016. Pero esta vez la directora decide arriesgar y salir de la zona de confort de los melodramas, para meterse en un thriller de acción con artimañas corporativas y muchas vueltas de tuercas. Nuestro héroe es Mark (Jiayin Lei), un empresario chino que trabaja para una empresa minera en Australia, que está felizmente casado pero una noche se encuentra con un viejo amor Zhou (Tang Wei). Luego de pasar una noche de sexo en un hotel ella se marcha raudamente ya que corre riesgo de perder el vuelo que la llevara de nuevo a su casa. Al llegar a su hogar Mark se entera que el avión se estrelló sin que se encuentren sobrevivientes. Cuando se presumía muerta Zhou reaparece en la vida de Mark, ahí el descubrirá que ella posee información que ciertos intereses empresariales desean mantener en secreto. A partir de ahí comenzará un rally de escape intercontinental de la pareja que cubrirá Australia, China y países de África. En un principio, la directora parece no querer salir del lugar del melodrama romántico. Para eso construye una historia de amor ilícito entre los protagonistas que aparece representado con una fotografía de fondo de un atardecer en un elevado de muelle australiano, pero ese pequeño romanticismo se transformará inmediatamente en un thriller de conspiración empresarial, con elementos de ciencia ficción apocalíptica. A pesar de que los cambios de marcha impredecibles nos mantengan atrapados hasta el final, “Complot Internacional” es una película despareja. Tiene momentos de acción y suspenso interesantes pero los diálogos forzados, las actuaciones de actores que parecen no sentirse cómodos dentro del género y algunas situaciones ridículas (la escena del autito a control remoto parece salida de la serie “Brigada A”) hacen que el producto pierda la seriedad que la historia requería. Puntaje: 60/100. Actuación Arte Fotografía Guión Música "Complot Internacional" es una película despareja. Tiene momentos de acción y suspenso interesantes pero los diálogos forzados, las actuaciones de actores que parecen no sentirse cómodos dentro del género y algunas situaciones ridículas (la escena del autito a control remoto parece salida de la serie "Brigada A") hacen que el producto pierda la seriedad que la historia requería.
“El Huesped” de Duccio Chiarini. Crítica. Crisis existencial y el temor a la soledad. Bruno Calabrese El jueves 9 de julio se anuncia el estreno online de la película italiana. El film podrá ser visto en el sitio web de www.zetafilms.com. Por Bruno Calabrese. Desde el principio el conflicto aparece en escena, cuando Guido (Danielle Parisi) y Chiara (Silvia D´amico) aparecen desnudos en la cama mientras el trata de sacar un preservativo roto de la vagina de ella. La posibilidad de un embarazo queda totalmente descartada cuando ella decide tomar la pastilla del día después pero Guido está llegando a los 40 y no ve con malos ojos la posible llegada de un hijo, con lo cual deberá lidiar con el hecho. Él es un joven de clase media y académico, que alterna suplencias al frente de alumnos con un trabajo dentro de la facultad, mientras sueña con publicar un ensayo sobre Italo Calvino. Su vida camina por el rumbo normal de cualquier persona, con sus deseos y problemas a cuestas. Hasta que todo se desmorona cuando a su pareja le aparece una oferta laboral en Canadá que le hará replantearse su vida y su amor hacia él. Guido respetará el pedido de un tiempo de Chiara para pensar que hacer con su vida ante una oferta de crecimiento personal a la que es difícil decir que no. Por eso deambulará de casa en casa para ser testigo de las crisis que se viven en todo tipo de pareja. Primero con sus padres, una pareja italiana desgastada por el paso de los años, con escaso diálogo, que viven reprochándose cosas pero que parecen estar acostumbrados a esa dinámica. Luego con una pareja de amigos que que parece ser “la familia perfecta”, ella esperando su segundo hijo pero una vez hospedado en la casa de ellos se da cuenta que nada es así. La otra es la un amigo que cambia de novia seguido, que deambula por Tinder pero que conoce en un supermercado una chica con una hija y decide convivir con ella. El film se centra en una crisis reconocible de cualquier ser humano que está por entrar en las cuatros décadas con una notoria familiaridad y de manera espontanea. Duccio Chiarini logra componer un producto sincero lleno de diálogos y problemáticas reconocibles, amplio a la hora de cubrir la famosa llegada de la “crisis de los 40”. La sensibilidad y emociones que transmite Guido a la hora de hacer un balance sobre su vida y la de los que lo rodean tienen un correlato que se puede encontrar en cualquier ámbito de la vida real. Las actuaciones de la dupla principal y el muestrario de personajes agradables que componen el microuniverso de Guido y Chiara, en sintonía con la fluidez de los diálogos y las situaciones comunes, hacen de “El Huesped” un melodrama realista que hará que todos aquellos que hayan pasado por ese momento de la vida o lo estén pasando se sientan representados. Puntaje: 80/100. Actuación Arte Fotografía Guión
“Bernarda es la patria” de Diego Schipani. Crítica. Transformismo y poesía en el under de los 80´. Bruno Calabrese Hace 3 días 0 52 El 9 de julio a las 22 hs. por Cinear tv (repite el sábado 11 y luego en Cinear Play) se estrena el documental escrito y producido por Albertina Carri y Diego Schipani, protagonizado por Willy Lemos junto a Fernando Noy, Ariel Farace y Verónica Llinás, entre otros. Por Bruno Calabrese. Transformismo, Parakultural, intervenciones teatrales poderosas que interpelaban y muchas veces incomodaban al espectador. el universo febril del under de los 80´ marcó un antes y un después en la historia teatral argentina. La dictadura militar recién había terminad y todas esas prácticas censuradas que se desarrollaban en la clandestinidad comenzaron a tener mayor difusión. Fue así que surgieron grandes artistas que cobrarían notoriedad como Alejandro Urdapilleta, Humberto Tortonese, Batato Barea, entre otros. La excusa del montaje de la obra teatral “La Casa de Bernarda Alba” de Federico García Lorca es la ocasión ideal para adentrarse en ese febril universo. Quien se jacta de ser uno de los precursores de esa movida cultural (incluso acusa al Parakultural de copiarlos) es la estrella principal del documental, el actor Willy Lemos. El será el encargado de relatar como fueron esos convulsionados años donde los resabios de la dictadura aún estaba presente a través de las razias policiales, sobre todo a espectáculos de este tipo, donde los hombres se vestían de mujeres para darle vida al under teatral. Los relatos son anécdotas divertidas que cobran un matiz distinto cuando se toca el tema de los abusos dentro del ámbito familiar sufridos por el actor. El material de archivo son fotos y vídeos, en ellos vemos a estrellas como Susú Pecoraro y Edda Bustamante, íconos del cine y la televisión, pero también encontramos históricas intervenciones de los artistas del parakultural. Willy relata como se vivían esos tiempos donde los homosexuales eran perseguidos por la policía, momentos donde el transformismo era mal visto. “Bernarda es la patria” se vale del humor y las palabras para recuperar un momento histórico del arte nacional. Relatos sobre un submundo de expresión cultural y artística alejado del mainstream local, en el cual actores montados en pelucas, plataformas y plumas dieron vida a personajes extraídos de una realidad en la incipiente vuelta a la democracia. Puntaje: 80/100. Edición Fotografía Guión