El Aro: Resurrección es una película de terror basada en una novela digital donde un grupo de jóvenes empieza a morir de manera misteriosa. Todos reciben un email donde se les imforma que hay un capítulo nuevo en un blog, pero luego de leerlo un ser macabro los persigue hasta matarlos. Las actuaciones son muy pobres y poco creíbles, los efectos son básicos considerando otras películas del género y la historia es muy predecible. Si bien se llama “El Aro: resurrección” no tiene relación directa con la película que sí supo darnos miedo hace años atrás: “The Ring” (en Argentina se conoce como "La Llamada"). Es una película que se estrenó en el 2020 pero pasó sin pena ni gloria. Si son fanáticos del género se van a llevar una desilusión.
En tiempos de cuarentena nos acostumbramos a las videollamadas para trabajar, tomar clases, hablar con familiares y amigos a la distancia. La tecnología nos ayudó a sentirnos más cerca de nuestra gente e incluso crear nuevas relaciones o hablar de temas muy profundos. Dentro de este contexto se desarrolla "A un click de distancia", una película intimista donde Will le regala a su esposo (Adam) un curso de español que dicta Cariño de manera online desde Costa Rica. Comienza como una comedia pero a partir de algunos hechos difíciles que les tocará enfrentar a los protagonistas la historia va sumando complejidad y dramatismo. Toda la película se ve a través de las pantallas de las videollamadas o mensajes de video y mantiene al espectador atrapado en una relación que va creciendo y deja de ser estrictamente profesional. Dirigida y protagonizada por Natalie Morales- junto a Mark Duplass-, es una película interesante, profunda, que habla de las relaciones en este nuevo mundo inmerso en la tecnología pero donde siempre prevalecen los sentimientos y la amistad con la distancia como elemento preponderante.
Este jueves 16 de Diciembre llega a los cines argentinos la aclamada película francesa “Petite Maman”, escrita y dirigida por Céline Sciamma, guionista de larga trayectoria que en este último tiempo ganó notoriedad por su filme “Retrato de una mujer en llamas''. La película tuvo su estreno mundial en marzo de 2021 en el 71 Festival Internacional de Cine de Berlín, y su paso por varios festivales de cine le ha concedido una notable distinción por sus nominaciones y premios.“Petite Maman” es una fábula emotiva que retrata con mucha poesía la extrañeza, la sensibilidad y la pureza de la visión infantil del momento doloroso de atravesar por la pérdida de un ser querido. La historia comienza en el momento en que la pequeña Nelly de 8 años y su madre se van del hospital donde ha muerto su querida abuela, de quien no pudo despedirse. Mientras ayuda a sus padres a vaciar la casa en la que su madre creció, Nelly explora con curiosidad el bosque que la rodea, donde su mamá solía jugar de pequeña. Es allí donde conoce a Marion, una niña de su edad llamativamente parecida a ella, que está construyendo una casita del árbol tal cual como la que construyó la madre de Nelly en su propia infancia. Protagonizada por las hermanas Joséphine y Gabrielle Sanz, Stéphane Varupenne, Nina Meurisse y Margo Abascal, la película relata de una forma tan natural y cotidianamente cálida la construcción de una fuerte amistad a partir del acto simple de jugar en el bosque y la complejidad de aprender a lidiar con la tristeza de la pérdida y del abandono. La difícil realidad de afrontar el misterio de la vida se entremezcla con la magia y la fantasía que se introducen en la historia y que transforman la vida de la joven protagonista al encontrarse con la niñez de su propia madre. Céline Sciamma logra contar de una forma minimalista y sencilla un relato sensible y delicado de dos niñas que se ayudan a comprenderse emocionalmente. Por medio de sus detalles precisos, la historia envolvente de “Petite Maman” se convierte en un tierno ensueño y en un cálido abrazo en el que se desea permanecer allí por un largo rato.
Araceli González regresa a la pantalla grande con Sola, la ópera prima de José Cicala que se ambienta en una temática pocas veces vista en cine argentino: la Segunda Guerra Mundial. En esta cinta, la actriz principal (también productora) le da vida a Laura Garland, una mujer que afronta la muerte de su marido en combate a la par de que transita un embarazo. Como si no cargara con la soledad, el duelo y un bebé en camino en plena guerra, su vida se complica aún más cuando le renta la casa contigua a Ricky (Fabián Mazzei), un mafioso que roba un maletín lleno de oro y que se esconde junto a su esposa (Micaela Suárez), también embarazada. Eso no es todo: además, secuestra a una enfermera (Griselda Sánchez, guionista) para que prepare todo para el momento del parto. El encierro es protagonista en este primer largometraje de Shock House, que completa su elenco con Miguel Ángel Sola, Mariano Martínez, Luis Machín, Mónica Antonópulos, Alfredo Casero, Roberto Peloni y Rodrigo Noya. Y es que de principio a fin, con el rol de González como nexo entre la vida en el exterior y ese hogar tan oscuro, por momentos consigue un tono hasta asfixiante. Es cierto que Sola, un proyecto con tinte familiar del que incluso participan brevemente Florencia Torrente y Tomas Kirzner, está lejos de lo que acostumbra a mostrar el cine nacional. Pero sí se aproxima a un film de carácter europeo: así lo demostró en el Festival Internacional de Cine Arte de Berlín, donde fue reconocida como la mejor película de suspenso. No obstante, se trata de una verdadera apuesta que cumple con su objetivo y que consigue mantener la tensión y la intriga en toda su duración. Y con un cameo espectacular en su final que corona este drama.
Este jueves llega El Caso Collini, la película basada en la novela homónima de Ferdinand von Schirach. Ambientada en Berlín de 2001, sigue a un abogado llamado Caspar Leinen que acaba de salir de la universidad y que afronta su primer caso complejo: debe defender a Fabrizio Collini, un italiano que es acusado de asesinar al magnate alemán Hans Meyer. Pero eso no es todo porque el hombre que ha muerto es, nada menos, que su mayor mentor y referente de la infancia. Marco Kreuzpaintner es el encargado de dirigir esta pieza alemana que va más allá de la típica historia en la que se busca al asesino. Está claro quién cometió el brutal crimen, pero no sus motivos. Y desentrañar esa verdad y conspiración judicial puede cambiar por completo la vida de muchos de los personajes. Elyas M’Barek, Franco Nero, Manred Zapatka, Alexandra Maria Lara y Heiner Lauterbach son los encargados de ejecutar el guion escrito por Jens-Frederik Otto, Robert Gold y Christian Zübert. Las impecables actuaciones son el atractivo fundamental y sólido de la cinta en la que se presenta una historia interesante que involucra la historia del país y la Segunda Guerra Mundial, además de que lleva un buen ritmo que consigue que durante 2 horas (y en un idioma poco familiar para nosotros) se mantenga el misterio y la tensión hasta el final. No es la primera vez que se aborda la temática asesinos-abogados en el cine. Sin embargo, El Caso Collini le da una segunda vuelta y consigue un producto convincente y entretenido. Dirección: Marco Kreuzpaintner Guion: Robert Gold, Jens-Frederik Otto, Christian Zübert. Novela: Ferdinand von Schirach Música: Ben Lukas Boysen Fotografía: Jakub Bejnarowicz DATOS TÉCNICOS Año: 2019 Duración: 123 min. País: Alemania
La búsqueda de la propia identidad, la memoria y los lugares de pertenencia son protagonistas en El Secreto de Maró. Bajo la dirección de Alejandro Magnone, un gran elenco se encarga de contar la historia de una mujer de noventa años que es responsable del restaurant del club armenio en Buenos Aires. Pero no llegó allí por pura casualidad: sobrevivió al genocidio armenio, escapó a Argentina y perdió contacto con todos sus familiares desde que era una niña. No es novedad que Norma Aleandro tiene una vasta trayectoria cinematográfica producto de su evidente talento. No obstante, no deja de sorprender la composición exquisita de su personaje en el que cada palabra, mirada o movimiento fluyen con una naturalidad y precisión cargada de virtuosismo. Acompañada por César Bordón, Lidia Catalano, Florencia Raggi, Héctor Bidonde, Manuel Callau y Analía Malvido, este drama presenta una historia donde los detalles, la puesta intimista y los elementos de la cotidianeidad funcionan con mucha sensibilidad. Y, posiblemente, todos aquellos que hayan vivido en carne propia algo similar o sean descendientes de inmigrantes se sientan especialmente identificados. Vale la pena escuchar las experiencias de Maró, aquella señora de carácter tan fuerte que –a pesar de ser de pocas palabras- tiene mucho para más de lo que cree para decir. Una historia de vida en comunidad tan real que conmueve.
Los más experimentados directores de películas animadas se reunieron para llevar adelante el último proyecto de 20th Century Studios y Locksmith Animation: Ron Da Error. Este 21 de octubre llega a los cines la historia de Barney, un estudiante muy introvertido al que le cuesta generar vínculos firmes en su escuela. Sin embargo, Ron –un dispositivo digital que camina y habla- se convierte en su mejor amigo encontrando como resultado una nueva cara de la tecnología y las redes sociales. Zach Galifianakis, Jack Dylan Grazer, Olivia Colman, Ed Helms, Justice Smith, Rob Delaney, Kylie Cantrall, Ricardo Hurtado, Marcus Scribner y Thomas Barbusca son solo algunos de los artistas que se suman con su voz a este dream team. Bajo la dirección de Sarah Smith y Jean-Philippe Vine todos ellos se encargan de contar esta aventura con unos cuantos desperfectos técnicos del robot que la vuelven muy divertida. La trama, que pone sobre la mesa las amistades en la adolescencia, el bullying y la especial relación de los más chicos con la tecnología, no resulta novedosa. Lo cierto es que la idea original de Ron Da Error ya se ha visto en unas cuantas oportunidades anteriores. No obstante, la calidad del film y la encantadora dupla protagonista, le devuelven a la película su frescura, dinamismo y estilo tan marcado. Aunque para los más grandes de la familia puede resultar un tanto reiterativa, no quedan dudas de que es una fórmula que funciona para el público infantil gracias a su mensaje universal. Es que en todo el mundo aquella edad se ve definida por las relaciones de amistad, la popularidad en la escuela y la búsqueda de un sitio de pertenencia. Y Ron Da Error sabe perfectamente cómo contarlo.
Quienes ya disfrutaron de CODA, aseguran que debe ser una de las candidatas a los Premios Oscar. Y no se equivocan: la nueva cinta de Siân Heder es sencillamente conmovedora de principio a fin y merece su lugar en la próxima temporada de distinciones. Esta remake de la exitosa película francesa La Famille Bélier y ganadora del festival de Sundance, llega a los cines de Argentina el 21 de octubre con el objetivo de llenar sus salas. El nombre del film es, en realidad, una sigla. En inglés, CODA significa Child of Deaf Adults, lo que quiere decir Hija de Padres Adultos. Esto es justamente lo que vive Ruby, una adolescente que es la única persona oyente de su familia y poco a poco comienza a sentirse agobiada de que todos dependan de ella para muchas de las actividades diarias. Todo aquello se ve reforzado cuando se une al club del coro de su escuela secundaria, donde descubre su don para cantar. De esta manera, su profesor Bernardo Villalobos la alienta a audicionar para una prestigiosa escuela de música, lo que la obligará a elegir entre sus obligaciones familiares o sus propios sueños. Eugenio Derbez, Marlee Matlin, Emilia Jones, Daniel Durant y Troy Kotsur son los actores que funcionan como narradores de esta profunda historia con momentos inolvidables. Pero además de su trama y su maravillosa ejecución, CODA funciona como un claro ejemplo de representatividad en el cine. No solo todos los actores que interpretan a personas hipoacúsicas, lo son también en la vida real, sino que su protagonista pasó más de nueve meses aprendiendo Lengua de Señas para comunicarse a la perfección con sus compañeros de equipo. Y todo eso, se ve también reflejado en unas cuantas escenas que traspasan la pantalla. Es cierto que por momentos puede volverse un tanto predecible o que cae en situaciones terriblemente cliché (ni hablar del romance que vive Ruby con su compañero de coro). Pero Siân Heder supo encontrar la dosis justa para combinar en una fórmula perfecta la emoción, los conflictos familiares, la búsqueda de un sueño y el talento de un reparto maravilloso. CODA, es un largometraje que vale la pena disfrutar en el cine para escuchar aquel silencio de sus personajes que, con ayuda de las señas, tienen tanto para decir.
¿Qué hacemos las personas a las que nos duele vivir?”, se pregunta Tiago PZK en su canción “Loco” que -a solo 3 semanas desde su lanzamiento- ya acumula 20 millones de reproducciones en YouTube. Y aunque muchas de esas visitas llegaron por el éxito consolidado del artista urbano, lo cierto es que no se trata da un tema musical más, sino que es la pieza fundamental de Cato, la película que llega hoy a las salas con su actuación como principal apuesta. Ópera prima de Peta Rivero y Hornos, la cinta presenta a un joven que vive en el conurbano bonaerense y que sueña con convertirse en una estrella del trap internacional. Pero a pesar de sus grandes ambiciones y su capacidad de alcanzarlas, Cato se ve envuelto en una tragedia familiar que marca un antes y un después en su vida y que, si no logra superarlo, el freestyle será solo un recuerdo de su pasado. Contar un poco más implicaría entrar en spoilers y aquí está la principal debilidad del largometraje: la introducción de los personajes y el principal conflicto suceden a pocos minutos de que inicie la proyección y, en lugar de evolucionar, la película va decayendo poco a poco. A eso se le suma que, a pesar de que cumple con el objetivo, la figura principal no es en realidad un actor, sino que se trata de un músico. De todos modos, la trama resulta interesante, así como los momentos musicales que le dan un toque muy especial a Cato, sobre todo con el nuevo single de Tiago PZK que es más que pegadizo y genera un clima que le otorga a la película su momento culmine. El resto del elenco, también con interpretaciones muy acertadas, se completa con Daniel Aráoz, Alberto Ajaka, Rocío Hernández, Azul Fernández y Walter Donado. Vale destacar ante todo la interpretación de Magela Zanotta, quien se pone en la piel de la madre de dos adolescentes, capaz de hacer cualquier cosa por verlos sonreír a pesar de que las condiciones de su entorno no colaboren. Podría decirse que Cato tiene una propuesta muy valiosa en su guion, sin embargo, se termina quedando a mitad de camino y en lugar de evolucionar, simplemente se estanca. No obstante, es importante destacar la apuesta de convocar a una persona que nunca ha actuado anteriormente para protagonizar el film, puesto que resultó de forma correcta y una gran estrategia para que los jóvenes vuelvan a los cines.
Hay quienes aseguran que Los Soprano (disponible en HBO Max) marcó un antes y un después en el desarrollo de las series de televisión y que, por ese motivo, es la mejor de la historia. Estrenada en 1999, la producción de David Chase se emitió hasta mediados de 2007, momento en el que sus fanáticos comenzaron a ilusionarse con un regreso en un futuro no muy lejano. Pero en 2013, el fallecimiento de James Gandolfini -intérprete que le dio vida al reconocido Tony Soprano- se llevó consigo la esperanza de una nueva temporada. Al parecer la historia de esta mafia tiene mucho por contar aún, por lo que de la mano de Michael Gandolfini, hijo del difunto actor, una precuela llegará a los cines este jueves: Los Santos de la Mafia. Escrita por David Chase y Lawrence Konner, y dirigida por Alan Taylor, la cinta también estrenará en las próximas semanas en el servicio por suscripción de HBO. El largometraje, que funciona como una precuela de la inolvidable ficción, tiene como protagonista a Alessandro Nivola, quien se pone en la piel de Richard “Dickie” Moltisanti, tío de un Tony adolescente. Esta vez, la trama está ambientada en la Nueva Jersey de los años 60 y 70, donde un nuevo elenco interpreta las versiones más jóvenes de los personajes ya conocidos. El reparto se completa con Ray Liotta, Vera Farmiga, Leslie Odom Jr., Jon Bernthal, Corey Stoll, Billy Magnussen, Michela De Rossi, John Magaro y Samson Moeakiola. Aunque Gandolfini desarrolla un gran trabajo a la hora de retomar el papel de su padre, lo cierto es que esta película tiene como objetivo mostrar quién fue la inspiración de Tony Soprano, rol que durante seis temporadas estuvo lleno de conflictos personales y profesionales. En esta oportunidad, es Dickie el líder que -por su perverso trabajo- lleva a escenas cargadas de violencia, racismo y humor negro. Los Santos de la Mafia es una experiencia que vale la pena disfrutar en salas y una oportunidad para los seguidores de Los Soprano de reencontrarse con los personajes tan sólidos y hasta caricaturescos ya distinguidos.