A finales del siglo XIX, un grupo de soldados navega las aguas del noreste argentino. Exhaustos y frente a la disyuntiva de decidir qué camino tomar, Fontana sabe que de su opinión dependerá la vida de todos sus colegas. Decididos a descubrir las extensiones de un país en construcción y delimitar las fronteras que nos dividirán de nuestros vecinos, las vidas de este grupo de hombres narra la historia de algunos de los pioneros que nos conformaron como Nación. Durante los fragmentos que retratan el paso de Fontana por Formosa, algo del clima de “La misión” flota en el aire y queda suspendido allí, en especial en las escenas con las aguas del Pilcomayo. El entendimiento del Mayor con la mujer aborigen tiene sutiles puntos de contacto con la relación maestro/aprendiz que se daba en ambos sentidos entre John Smith y Pocahontas. Salvo algunos pequeños detalles, hay una cuidada construcción de la época, de los pueblos originarios y su aniquilación, de la conquista por parte del hombre blanco y de los colonos que ayudaron a poblar la Patagonia. Con solvencia, Guillermo Pfening interpreta al joven Fontana, quien se divide entre su obligación militar y su pasión naturalista. Hay grandes elipsis narrativas con respecto a la familia del militar, su relación con su esposa e hijas y cómo es el camino que lo lleva hasta convertirse en el rol a cargo de Jorge D’Elia, una pequeña historia dentro de la historia no del todo desarrollada ni fluida.
En Hong Kong, Beth (Gwyneth Paltrow) se encuentra a punto de embarcar rumbo a su hogar en Minneapolis. Antes de subir a su vuelo, hace una pequeña llamada telefónica en donde confiesa no sentirse del todo bien: tos, náuseas, síntomas típicos del jet lag. Pero estos indicios serán el comienzo de una pandemia que no conocerá de fronteras. Nos encontramos en el segundo día de la enfermedad más mortal de la era moderna. Dos días después, Beth muere y su esposo (Matt Damon) es contactado por personal del Centro de Control y Prevención de Enfermedades norteamericano (Kate Winslet y Lawrence Fishburne) ya que hasta ahora ha sido la única persona en no infectarse habiendo estado expuesto al virus. Las muertes en Chicago, Londres, París, Tokio y Hong Kong ascienden a 26 millones y este virus biológico desconocido por la sociedad científica continúa mutando. Mientras un blogger (Jude Law) declara que al público no se le está diciendo la verdad sobre lo que realmente está pasando, una empleada de la OMS (Marion Cotillard) viaja a Oriente para desentramar el origen de la plaga que amenaza con extinguirnos del planeta. Inspirada seguramente por los recientes hechos relacionados con el virus H1N1 y la paranoia que el mismo generó, “Contagio” se involucra con las espantosas ramificaciones de la propagación de una enfermedad a escala global y con todos los interrogantes que surgen de allí en más. ¿Cómo se contiene una pandemia de esta envergadura? ¿Qué pasaría si nos enfrentáramos a una enfermedad sin tratamientos ni vacunas? ¿Hasta qué punto las compañías farmacéuticas son responsables de los virus que se propagan por el mundo? La desesperación no conoce de sociedades del primer mundo: frente al caos somos todos iguales. La sensación de desolación y fragilidad ante un enemigo invisible es aterradora. El filme cuenta con escenas muy fuertes no recomendables para después de cenar: la descompensación, muerte y autopsia del personaje de Paltrow es una secuencia que sirve de ejemplo. El sello distintivo del director Steven Soderbergh, en la puesta en escena y en el montaje, hacen que celebremos cada uno de sus nuevos trabajos.
En su época de gentiles caballeros al servicio de Francia, los mosqueteros Athos, Aramis y Porthos robaron con la ayuda de Milady (Milla Jovovich) los diseños de una aeronave de alta seguridad diseñada por el maestro Leonardo Da Vinci. Traicionados por la damisela, quien se ofreció al mejor postor entregando los planos al lord inglés Buckingham (Orlando Bloom), los tres guerreros cayeron en la desgracia y en el olvido. Tres años después, el adolescente D’Artagnan viaja a Paris para cumplir su sueño de convertirse en mosquetero y encuentra al trío sin una cusa justa por la cual pelear. Cuando descubren que el Cardenal Richelieu (Christoph Waltz) trama una conspiración para derrocar al rey Luis XIII, los cuatro protectores de la corona francesa se unirán bajo el espíritu del “todos para uno y uno para todos”. Apenas inspirada en la obra de Alejandro Dumas, esta cinta dirigida por Paul W.S. Anderson tiene las dosis justas de aventura, humor, acción y romance. Pensada para todas las edades, las majestuosas locaciones y el lujoso vestuario impactarán a los adultos tanto como los combates harán lo propio con los niños. A pesar de ser una historia clásica, los guionistas la dotaron de detalles modernos: artefactos misteriosos, piezas de relojería que harían babear a cualquier investigador privado y barcos voladores. La utilización del 3D es más efectiva para aumentar la profundidad de campo que para el lucimiento de los objetos y los actores. La composición que Bloom realiza de Buckingham tiene tanto del capitán Jack Sparrow de Johnny Deep que podría considerarse un sutil homenaje.
Mitch y Dave se conocieron en la secundaria y desde allí han sido amigos. No son inseparables, pero siempre tratan de encontrar momentos para estar juntos y contarse como va la vida de cada uno. Opuestos totalmente, Dave es un abogado reconocido, esposo y padre, mientras que Mitch no tiene planeado dejar de lado ni su soltería ni su vagancia. Tras algunas copas de más, y en un claro intento por hacer feliz al otro, ambos desean tener la vida de su amigo. La mañana siguiente los encontrará con sus cuerpos intercambiados y con la necesidad de ponerse en los zapatos del otro para conservar la amistad. A la manera de cientos de otras propuestas similares (“Un viernes de locos”, “Ella es Él” son las primeras que vienen a la cabeza) el cambio de identidad de dos personalidades con rasgos diferenciales tan marcados será el centro de todas las escenas cómicas. Con mayor éxito por el lado de Ryan Reynolds, quien aventaja por varios cuerpos a Jason Bateman, el protagonista de “Linterna verde” tiene un perfil de comediante natural, poco forzado, algo que le juega en contra a su compañero de elenco. Son infaltables las desagradables y las ya obvias bromas escatológicas que jamás suman nada a una historia que se vuelve un dejá vú constante.
Autor de “Operación masacre”, Rodolfo Walsh estaba obsesionado por la reconstrucción de la historia de Eva Duarte y es esta ansia de descubrir la verdad lo que llevó a que terminaran con su vida. Evita, figura ensalzada por los más humildes y desprotegidos, será una heroína para parte de la sociedad de la época y poco más que una mediocre actriz para otros. Su trascendencia más allá de la enfermedad también es incluida en los poco más de 70 minutos del filme. Dirigida por María Seoane, la historiadora contó con las inmejorables colaboraciones del dibujante Francisco Solano López (fallecido en agosto último) y del músico Gustavo Santaolalla. Narrada en primera persona por el personaje basado en el periodista desaparecido Rodolfo Walsh, “Eva de la Argentina” es una recomendable alternativa para que los más chicos se acerquen a la historia política de nuestro país y conozcan a uno de los personajes emblemáticos del siglo pasado. Cabe reconocer que muchas voces elegidas para el doblaje no concuerdan con las criaturas animadas y que la técnica estática del dibujo cut-out pierde en emoción con respecto al cine de animación más tradicional. La utilización de material gráfico, fílmico y auditivo de aquellos años es un hallazgo que compensa algunas falencias de la producción animada.
Esta tercera entrega de la saga no traiciona los principios que convirtieron a sus antecesoras en fenómenos de taquilla, no así de crítica. Adaptando su imagen a un típico vintage pero con el mismo espíritu entre documental y vouyerista, el filme busca el impacto de la audiencia de un modo mucho más evidente de lo que lo hacía el original. Los innumerables minutos muertos de relato y la repetición de lugares seguros ya no son efectivos. A pesar de ello, hay ciertas revelaciones que desvelan secretos de la saga: el amigo imaginario de Kristie podría llegar a ser el espíritu vengador del que hablaba el supuesto pacto de la abuela de las niñas con el diablo. En tono con esto, los últimos diez minutos de metraje son aterradores. Sin embargo, cabe preguntarse: ¿cómo pueden dos personas olvidar en su adultez estos días traumáticos de la infancia?
Los responsables de este filme tuvieron la audacia de dejar al público con ganas de muchas más canciones (en medio de los créditos finales hay un pequeño bonus) pero supieron adecuar el metraje para que las intervenciones del público y los testimonios de gente corriente no convirtiesen una hora y media de alegría y cuidadas escenas musicales en un tenebroso freak show. Glee – La Película 3D no sólo confirma el potencial de la serie sino que consagra aún más a su figura central: la genial Lea Michele. “La razón de ser de esta gira fue salir y actuar frente a nuestros maravillosos fanáticos, que han apoyado nuestro programa desde el principio. Debido al limitado tiempo que teníamos para viajar durante nuestra pausa, sólo pudimos ir a muy pocas ciudades antes de que tuviéramos que volver al set”, contó el creador de Glee, Ryan Murphy en una reciente entrevista. “Sabíamos que no todos iban a tener la oportunidad de ir a uno de los conciertos. Por esa razón llevamos el concierto a los cines bajo la gloriosa experiencia que brinda la tercera dimensión”. Los gleeks, agradecidos.
Conformado por figuras conocidas de tiras televisivas, con Felipe Colombo y Sabrina Garciarena a la cabeza, el elenco de esta historia presenta grandes desniveles. Los dos personajes centrales son un poco cortos de palabras y repiten los mismos modismos decenas de veces, en especial durante el pequeño e irrisorio enojo inicial más propio de chicos que de adultos que se proponen pasar el resto de sus vidas juntos. Asimismo, se encuentran mal desarrollados e interpretados algunos de los personajes secundarios (en especial el del amigo “canchero” de Santiago), con excepción de Mauricio, un lacto ovo vegetariano fanático del deporte y de la vida sana, y aquellos que cayeron en manos de los experimentados Mario Pasik, Laura Azcurra y María Abadi.
La introducción al “natural” borra todo prejuicio que se pueda llegar a tener con respecto a la desnudez en el cine. Es una graficación perfecta de ese estrecho vínculo de confianza entre los amantes, una cercanía que sólo se consiguen con amor, pasión y tiempo. Es cierto que no será la primera ni la última vez que veamos un triángulo amoroso, pero hay algo en las historias románticas intrincadas que nos continúa atrayendo. El poderoso comienzo se diluye con el correr de los minutos y por momentos el público es invadido por el mismo tedio que sufre Paul. Las extensísimas escenas en planos únicos revelan la extenuante concentración y entrega de los actores, todos en perfecto tono con los personajes que debían interpretar.
Isaac es fotógrafo y una noche es solicitado para un trabajo urgente y poco feliz: debe acudir en medio de una tormenta a la mansión de una acaudalada familia portuguesa para tomar un retrato de Angélica, una joven que falleció justo después de contraer matrimonio. Bella como pocas mujeres con las que había tenido contacto cercano, Isaac es trastornado por la figura de esta dama frágil y aun fresca, a pesar de que su alma ya no habita en su cuerpo. A través de la lente de la cámara, Angélica parece recobrar la vida, sólo para él. Isaac se enamora perdidamente y, a partir de ese momento, ella lo atormentará hasta la locura. La preciosa música incidental posee dulces acordes que enaltecen las imágenes del cine contemplativo que propone Manoel de Oliveira y, sobre todo, la belleza etérea de Pilar López de Ayala, que se condice perfectamente con ese espíritu joven que se niega a partir de este mundo terrenal. El director, un verdadero apasionada de su trabajo que a los 102 años continúa realizando cintas, nos entrega un poco de realismo mágico pero fracasa en el producto global. La narración se toma tanto tiempo que llega a hacerse inaguantable la espera del comienzo de la acción: hay pequeños momentos en donde el relato debería haber crecido en emoción, pero eso nunca ocurre. La puesta es más teatral que cinematográfica, incluso las marcaciones actorales son estáticas y antinaturales.