Dirigida por Neil Burger, el mismo realizador de la muy recomendable “El ilusionista”, y basada en el libro “The dark fields” de Alan Glynn, el relato tiene su génesis con Morra al límite de la presión, parado al borde de la cornisa y dispuesto a caer más de veinte pisos y dejar sus entrañas desparramadas por la vereda. Enseguida, viajamos un par de semanas al pasado a través de un eterno e inquietante zoom-in que sirve de telón de fondo a los títulos de apertura. Este original guión adapta con sumo cuidado la versión literaria de la historia y Burger traduce las palabras en cuidados efectos visuales que describen la sobre estimulación sufrida por Morra. Bradley Cooper, quien aquí también oficia de productor, no será un gran intérprete pero en este caso se ajusta a las necesidades del relato con mucha solvencia. La banda sonora y la edición (dinámica, a veces perturbadora) también son elementos que apuntalan el producto final.
Amigos con beneficios (Friends with benefits) afortunadamente no es Amigos con derechos (No strings attached), la premisa inicial podrá llegar a ser la misma, demostrar la liviandad con que un hombre y una mujer pueden basar la amistad sólo en encuentros sexuales desprovistos de sentimientos, pero el desarrollo es bien distinto. Aquí, Mila Kunis (la bailarina por la que Natalie Portman pierde la cabeza en El cisne negro y figura de la sitcom That 70's show) es una cazatalentos neoyorquina que acaba de ser abandonada por su novio en la puerta del cine que proyectaba un revival de “Mujer Bonita”. Con un poco de reclutadora de personal y otro tanto de relacionista pública, su trabajo consiste en encontrar los ejecutivos ideales para posiciones de alto rango en diversas empresas. Como parte de su rutina logra convencer al fundador de un popular blog angelino (Justin Timberlake en uno de sus mejores trabajos cinematográficos) para ocupar el cargo de editor de la revista GQ en las oficinas centrales de Nueva York. Ambos acaban de finalizar relaciones duraderas y descreen de todo aquello que las comedias románticas y el mecanismo hollywoodense intentan hacernos creer. Casi al pasar y sin pensarlo demasiado, ni siquiera midiendo las consecuencias que esto puede llegar a traer aparejado, deciden llevar su amistad un paso más allá y convertirse en amigos con ciertos beneficios. No hay obligaciones, caricias después del sexo, ni ataduras. Pero hasta los detractores más férreos del amor de novela pueden caer en sus redes. Desde el minuto uno, esta revisación de las comedias románticas se propone romper con el esquema típico que inunda las pantallas cada temporada y, de paso, criticar al mismo género al cual pertenece. Hay clichés que sirven para parodiar los propios lugares comunes de las historias rosas, aunque en efecto el final de Amigos con beneficios roce y esté a punto de caer en uno también. Timberlake compone un personaje que le sienta a la perfección y se lo nota cómodo, relajado y confiado en que es capaz de transmitir convicción a través de este joven profesional que se debate entre su familia en Los Ángeles (Richard Jenkins como su padre tiene sus momentos de lucimiento) y su carrera en la Gran Manzana. Kunis, de una belleza exótica y magnética, vuelve a sus orígenes y pone en práctica su timing para la comedia. Tanto Patricia Clarkson como Woody Harrelson se llevan los aplausos en las pequeñas participaciones que tienen como la madre de ella y el colega de él, sin por ello opacar o desdibujar a los verdaderos centros de la historia.
Tom y Gerri (los magníficos Jim Broadbent y Ruth Sheen) son un matrimonio feliz y estable que se encuentra en medio del desamor que rige la vida de muchos de sus amigos y familiares. Geólogo y consultora médica, respectivamente, ambos mantienen vivo su amor y lo nutren de pequeños momentos de disfrute, como el cuidado de su huerta. Escrita y dirigida por Mike Leigh, la historia se divide de acuerdo a las estaciones del año, épocas en las cuales Tom y Gerri reciben en su hogar a distintos compañeros de trabajo, parientes y conocidos. Para la mayoría del ellos el futuro es desalentador, las relaciones duraderas son esquivas y no encuentran demasiados motivos para enriquecer su futuro. Incluso el hijo de la pareja tiene dificultades para hallar a LA mujer de sus sueños. Después del optimismo que desbordaba en su anterior filme “La felicidad trae suerte”, Leigh cambió el tono pero no sus intenciones: encuentra el humor en cosas diarias –como la descripción del hombre ideal para Mary, colega de Gerri-, es un excelente director actoral (la participación de Imelda Staunton es conmovedora) y logra plantear dilemas que trascienden la película. Cómo no preguntarse acerca de nuestra reacción frente a planear vacaciones en solitario, arrepentirnos por concluir relaciones prósperas en la juventud o sentir envidia frente a los logros obtenidos por quienes se supone son nuestros amigos…
“Cualquier semejanza con la realidad es puro conocimiento de la raza humana”. Así comienza este relato basado en la vida del escritor cuarentón Gunther Strobbe, quién rápidamente viaja en sus recuerdos a la época en que tenía trece años y sus días eran de todo menos tranquilos. Abandonado por su madre, Gunther vive en una pequeña casa junto a su abuela, su padre y sus tres tíos: una manada de toscos, brutos y feos que izan la bandera de la cofradía con un marcado sentido de la hermandad. La cerveza corre por litros y sirve como medio para divertirse, para olvidar, para conocerse y para desinhibirse. La llegada de la única mujer de la familia junto a su hija, es una brisa de aire nuevo. Sin embargo, la tensa relación que une a Gunther con su padre parece no encontrar solución mientras ambos vivan bajo el mismo techo y el hombre decida comenzar un programa de desintoxicación. La visita del servicio de protección infantil será el primer paso en el largo proceso de recuperación de los vínculos y la reconstrucción del amor entre ellos. Esta coproducción entre Bélgica y Holanda, que sólo será proyectada en calidad DVD, retrata al detalle a una familia marginal poniendo el ojo en el absurdo que se esconde detrás de algunos momentos dramáticos, proporcionando un comic relief que no se ciñe a un único personaje. Tanto los momentos de prosperidad (aquel que coincide con el recital de Roy Orbison genera una sonrisa complice) como aquellos de vacas flacas contextualizan el tema central del filme: la decisión de hacerse cargo de los hijos, más allá de que ellos no hayan sido buscados y fueran concebidos por un descuido. La responsabilidad y el sentido de la paternidad es una cuestión generacional, trascendente, que atraviesa las diferentes épocas en las que se desarrolla el relato.
Los dibujos animados de Liniers nos introducen en la historia de amor de Leonora (Natalia Oreiro) y Adrián (Daniel Hendler) dos personalidades contrapuestas que se complementan y desean pasar el resto de sus días juntos. Como inicio de su vida en común deciden dar el gran paso y por eso amigos, familiares, ex parejas y demás muestrario bizarro son invitados a celebrar la boda en una lujosa y amplia estancia de la provincia. En camino se encuentran el sacerdote y el rabino encargados de celebrar esta unión mixta, una pequeña historia dentro de la historia que no tiene desperdicio. Un momento de duda, la pérdida de las alianzas y los planes para tratar de recuperarlas pondrán en jaque toda la celebración. Todo se encuentra dispuesto para que este digno exponente de la comedia de enredos argentina sea un divertimento para público masivo de todas las edades. Desde los chistes elaborados, pasando por el humor físico, hasta un breve atisbo escatológico y un dúo dinámico como el que conforman Hendler y Oreiro. Él provoca risas con sólo estar inmerso en tamaña situación y tratando de escapar de sus acaparadores padres, ella tiene un probado timing para la comedia y la cámara (al igual que nosotros) la ama: pocas actrices fotografían tan bien como lo hace Oreiro, su presencia ilumina cada una de las escenas en las que participa. Para su segundo largo Ariel Winograd contó con un extensísimo reparto (Gabriela Acher, Pepe Soriano, Imanol Arias, Soledad Silveyra, Gino Renni) para roles secundarios en este planteo coral que no siempre funciona de acuerdo a lo que tanto nombre reconocido prometía. Quienes más se lucen son la amiga lesbiana de la novia -a cargo de Muriel Santa Ana- y Martín Piroyansky, el perfecto primo sidekick con el que Hendler logra potenciarse. Existen sutiles puntos de contacto con “Muerte en un funeral”, entre otras historias que se centran en reuniones familiares multitudinarias, algún guiño a su ópera prima “Cara de queso” y una cuidada factura técnica donde se destacan la musicalización (la marcha nupcial rockera es perfecta) y los dos vestidos de novia lucidos por Leonora. Dato importante: hay dos escenas adicionales, la primera en mitad de los créditos finales; la segunda, al término de los mismos. ¿Se vendrá “Mi segunda boda”?
Un retiro empresarial será la victima de la Muerte en esta oportunidad. Un grupo de empleados de una empresa papelera (que alberga disímiles rubros dentro de una misma planta) se encuentra a bordo de un micro cuando uno de ellos tiene una visión escalofriante: el puente en reparación por el que se encuentran atravesando se desmoronará y todos ellos morirán dolorosamente. Advertido por este sueño y en medio de la confusión, ayuda a escapar a su novia y sus amigos justo a tiempo para presenciar lo inevitable: toda la estructura colapsa provocando una catástrofe. Después de once años de entregas de “Destino Final” ya sabemos que a la muerte no le gusta ser engañada y volverá a cobrarse a cada una de sus víctimas, en el orden en que deberían haber perecido... pero de maneras aún más sádicas. Poco importa la coherencia del relato, si es que aunque sea intentaron otorgarle algo de consistencia a los personajes o correlatividad a la historia: el plato fuerte son las muertes viscerales, aquellas que salpican a la platea en omnipresente 3D. Los noventa minutos transcurren por los carriles habituales, pero sin dudas esta quinta parte de la saga nacida en el año 2000 es la más sangrienta creada hasta el momento. Que la compañía donde todos los conejillos de indias desarrollan sus actividades se llame Presage es una nota al pie, una ironía de trazo grueso, pero el guionista se reservó un as bajo la manga, un regalo que todos los fanáticos de la serie descubrirán en el desenlace: el resurgimiento y la piedra fundacional de una nueva seguidilla de tortuosas historias.
En la ciudad de Madrid en 1937, una disparatada función de circo queda en medio del salvajismo del combate de la Guerra Civil. Los hombres están matándose mutuamente y en medio del caos y el ruido de los disparos, el Payaso Tonto (una breve participación de Santiago Segura) es reclutado contra su voluntad para formar parte de la milicia. Antes de morir deja una semilla de venganza germinando dentro del frágil cuerpo de Javier, su hijo. Casi cuatro décadas después, durante el franquismo, Javier –que perdió toda capacidad de hacer reír a lo largo de su desafortunada vida- consigue trabajo como Payaso Triste, aquel que secunda y es humillado por el que hace divertir a los niños. Ambos payasos están fascinados con la trapecista, la mujer que será la perdición de ambos y que los llevará hasta el límite de la pasión y la violencia. Alex de la Iglesia repasa dos épocas sombrías de la historia española reciente, llenándola de alegorías, un toque de fantasía y un ligero surrealismo que por momentos recuerda a pasajes de “El laberinto del fauno” de Guillermo del Toro (incluso el maquillaje elegido remite en cierta medida a los desagradables personajes de Rob Zombie en “Devil’s rejects”). Políticamente incorrecto y mordaz en sus observaciones, la sangre corre tanto como las ironías y las metáforas. Los payasos se encuentran dentro de un triangulo amoroso, violento y no correspondido que muestra las locuras que se pueden llegar a cometer en nombre de ese sentimiento, pero sutilmente el realizador homenajea a todos aquellos payasos que sí animaron los días de los niños durante décadas. “Balada triste de trompeta” posee un cuidadoso trabajo de diseño de producción, musicalización y puesta en escena que se suman a la excelente fotografía, apagada y descolorida en un inicio, con tonos vivos y saturados más adelante. Todo aquí es tan excesivo y grandilocuente que podría considerarse presuntuoso, pero funciona de maravillas.
Esta prometedora comedia que parece salida del modelo creado y repetido (e imitado) por Judd Apatow tiene la mayor parte de sus logros en su primera mitad. Ingeniosa, de diálogos dinámicos y bromas sutiles apenas perceptibles, cuando decide apostar al humor físico y las persecuciones, pierde parte de la agilidad y de las intenciones primarias. En los roles hacia los que apuntan todos los dardos se encuentran un casi irreconocible Colin Farell, la muy sexy versión morocha de Jennifer Aniston y un desbordante Kevin Spacey. Del sufrido trío dinámico, tanto Jason Bateman como Jason Sudeikis (Saturday night live) están correctos y acordes a sus personajes, pero es Charlie Day (It’s always sunny in Philadelphia) quien se recorta del resto y termina siendo el gran sustento hilarante, aquel que provoca mayor cantidad de carcajadas.
La camaleónica Tilda Swinton, involucrada con este proyecto por más de once años, es el centro magnético alrededor del cual gira toda la película. A lo largo de su carrera lo único impertérrito es su blanquísimo rostro anguloso, de ojos expresivos y profundos: por lo demás, sus peinados, acentos y demostraciones de virtuosismo se renuevan constantemente. Es más, la pátina de tonos elegidos y el look retro del vestuario permiten situar el relato tanto en el pasado como en la actualidad, momento en que de hecho acontece la historia. Aquí Swinton interpreta a Emma, una inmigrante rusa radicada en Italia y establecida como parte de una burguesa familia dedicada a la industria textil. Los buenos modales y la aparente clama apenas se resquebrajan cuando el patriarca anuncia sus intenciones de legal el mando de la fábrica en su hijo y su nieto… si hay codicia encubierta es casi imperceptible. El dinero y una buena posición en el status quo no asegura cordiales relaciones familiares ni compra pequeños momentos de felicidad: Emma está a punto de descubrir nuevas sensaciones de la mano de Antonio, futuro socio de su hijo en un exclusivo restaurante gourmet de las afueras de San Remo. Es así que la infidelidad, el deseo, los mandatos, la homosexualidad y el inconformismo irán apareciendo en la vida de esta mujer, decidida y frágil a la vez.
Esta comedia dramática se sostiene en gran parte gracias a la convicción de las dos actrices protagónicas quienes ponen todo su oficio al servicio de sortear los lugares comunes y un final por demás complaciente. Las mejores escenas de la veta cómica se desarrollan entre un dispar Martín Bossi (interpretando a Justina, una travesti paraguaya confidente y asistente fiel de Augusto a quien le sigue siendo leal aún después de fallecido) y la siempre eficaz Graciela Borges. La caracterización de Justina es entre paródica y bizarra. Cualquier semejanza con travestis mediáticos varios es pura coincidencia. El excelente cover de “Paisaje” interpretado por Vicentico logra conmover y transmite en acordes los sentimientos de las dos protagonistas. Por el contrario, la música incidental subraya demasiado lo dicho por las imágenes. Para los buscadores de detalles curiosos, hay cameos de Daniel Burman (quien dirigió a Borges en “Dos hermanos”), Juan Cruz Bordeu –quien ofició de asistente creativo de la cinta- y hasta del propio Marcos Carnevale, director del filme.