Tan anodina como previsible Que buena parte de la maquinaria de Hollywood se sustenta en el reciclaje de ideas ya probadas con éxito es algo a esta altura bastante sabido. Que, en ese contexto, el género de terror es el que más tiende a repetir recetas tampoco es una gran novedad. Pero, aun sabiendo de esas tendencias (limitaciones), cuesta entender cómo de vez en cuando se hacen en la industria más importante del mundo productos tan pobres, sin una mínima capacidad de sorpresa, como La aparición . Basta leer una breve sinopsis o ver el trailer para darse cuenta de que estamos en el mismo universo del cine de fantasmas y casas embrujadas que tanto transitó en los últimos tiempos el j-horror (el terror japonés) y, a escala mundial, la franquicia de Actividad paranormal , clara "inspiradora" de esta poco auspiciosa ópera prima del guionista y director Todd Lincoln. En sus escasos -y a la vez "largos"- 82 minutos (menos si se descuentan los créditos finales), La aparición tarda mucho en arrancar (en verdad, puede decirse que no arranca nunca). Hay dos prólogos uno ambientado en 1973 y otro más reciente- sobre experimentos parapsicológicos grabados en Súper 8 y en video. Luego veremos cómo una parejita de jóvenes carilindos que vive en un suburbio gris de casas bajas en medio de la nada (grandes extensiones desérticas y enormes centros comerciales semiabandonados) comienza a percibir movimientos, situaciones y ruidos extraños en su nuevo hogar: puertas que se abren por las noches, muebles que cambian de lugar, crecientes manchas de humedad en las paredes, un perro que muere... y así. La narración es tan anodina y previsible como la vida en ese barrio casi deshabitado. Y, de golpe, nos encontramos muy cerca del final, cuando todo se desborda y explota, sin que el espectador entienda (ni le interese) qué pasó y por qué. La creación de climas (supuestamente de suspenso), las actuaciones, los personajes principales y secundarios, y hasta las irrupciones de los golpes de efectos propios del terror más elemental para impactar y provocar miedo se ubican, aquí, por debajo de la media (ya bastante baja) de un género que, salvo excepciones, no se caracteriza por su creatividad. Así, entre tantas películas de horror impersonales pero eficaces, La aparición resulta también impersonal pero... decididamente ineficaz.
Malditos latinos Cuesta entender que el director más "progre" y "contestatario" de Hollywood, el mismo que visitó y filmó en persona -para reivindicarlos- a los principales líderes latinoamericanos (Fidel Castro, Hugo Chávez y CFK incluídos), haga una película tan reaccionaria como Salvajes, transposición de la novela de Don Winslow que apela a todos los estereotipos y clisés imaginables sobre los latinos en Estados Unidos, sobre los mafiosos mexicanos. No digo que los líderes de los carteles sean señoritos ingleses, pero vean Salvajes y se darán cuenta cómo abona los peores miedos respecto de la invasión (violenta, claro) que viene desde el sur del Río Bravo. Si ideológicamente la película es de terror (los protagonistas son jóvenes y carilindos entrepreneurs californianos que se dedican a cultivar y comercializar marihuana de excelente calidad, con métodos pacíficos y hasta con una búsqueda espiritual y respeto por el medio ambiente), cinematográficamente la cosa no es mucho mejor: Stone nos somete a 131 minutos (un policial que podría haberse resuelto en 90) de bombardeo pseudo publicitario: bellas imágenes de la playa y sus atardeceres, erotismo adolescentón, una edición a-la-MTV (me refiero a la vieja MTV de los años ´90), cierto virtuosismo formal que en verdad cae en puro regodeo, violencia sádica e hiper estilizada, música estridente y un largo etcétera. Lo más triste es ver a grandes estrellas latinas (Salma Hayek, Benicio Del Toro y Demián Bichir, entre otros) interpretando a personajes ridículos, torpes, berretas, que potencian los peores fantasmas que los estadounidenses "puros" tienen sobre los inmigrantes de nuestra región. Porque no hay aquí relecturas en clave satírica. Cero ironía. Ni siquiera la omnipresente voz en off (a cargo del personaje de la bella Blake Lively) funciona como podría hacerlo en una película de, digamos, los hermanos Coen. El resutado, por lo tanto, es apenas un thriller demasiado largo con algunos momentos inspirados y muchos, demasiados, lugares comunes.
El inglés de los wichís Fue una de las joyas ocultas, uno de los secretos mejor guardados del último BAFICI. Es que "escondida" en la sección Funciones Especiales, El etnógrafo tuvo apenas una función pública y -entre amigos e invitados especiales que asistieron a la premiere- fueron muy pocos quienes la pudieron disfrutar. Ahora, llega la oportunidad de apreciar esta nueva incursión de Rosell en el documental en el MALBA o, dentro de pocos días, también en el Gaumont y seguramente en otros espacios INCAA del interior del país. El director de Bonanza y Sofacama se adentró en la comunidad wichí de la zona de Tartagal de la mano de John Palmer, un antropólogo inglés que llegó allí a principios de los años ’70, se quedó a vivir, se casó con una mujer de esa etnia y se convirtió en uno de los líderes de las protestas por el reclamo de tierras y contra la represión o desidia oficial. Rosell -que al igual que en Bonanza demuestra una gran capacidad para encontrar un personaje poco convencional y "explotarlo" en toda su dimensión- maneja con sabiduría y rigor los distintos niveles del relato: el familiar (el protagonista tiene cinco hijos), el etnográfico (no es fácil acceder a la intimidad de los pueblos originarios) y el judicial (con un caso legal que muestra las profundas grietas y contradicciones entre las costumbres de los “criollos” y los “indígenas”). Un retrato bello, implacable y fascinante a la vez (por momentos, algo moroso), que evita caer en el paternalismo, en el pintoresquismo y en los lugares comunes de la corrección política mal entendida. Aquí una amplia entreivsta a Rosell realizada en el marco del Talent Press / Talent Campus del BAFICI 2012.
Los excéntricos Solnicki En los últimos años arreciaron películas construídas total o parcialmente con videos familares, found-footage y otros materiales caseros. Surgió así -como bien apuntó el catálogo del BAFICI 2012- una suerte de moda bastante facilista (reeditar esas imágenes y, muchas veces con el agregado de una voz en off, darle algún sentido y coherencia narrativa). No era fácil, por lo tanto, para Gastón Solnicki -luego de su exitoso debut con Süden (que se reestrena en el CCGSM)- hacer algo superador. El director decidió arriesgarse aún más: nada de aditamentos, de refuerzos, de subrayados, de explicaciones, de informaciones. Sólo imágenes ¿Para qué más? Si los "excéntricos" Solnicki no requieren más que de un observador agudo, inteligente, atento, para descubrir la dinámica, las contradicciones, los momentos alegres, tristes y tragicómicos de la familia. El propio Solnicki (quien, salvo en un par de pasajes en que su madre lo alude, optó por mantenerse "invisible") filmó a sus familiares durante una década, siguiendo a los distintos personajes (desde el histriónico Víctor que lidera este verdadero clan hasta el nacimiento de su sobrino Mateo). Hay -según se lo analice- algo de impunidad, manipulación, impudicia, visceralidad y valentía en la exposición que Solnicki hace de la intimidad de sus seres queridos, a quienes muestra en sus facetas queribles, pero también en los pasajes más ridículos, casi patéticos, generando a veces una sensación de incomodidad en el espectador (voyeur). Si bien por momentos a Solnicki le cuesta encontrar un eje claro (no es fácil condensar la historia de una familia en apenas 74 minutos) y la narración se dispersa un poco entre viajes, reproches cruzados y (des)encuentros, Papirosen (una suerte de Tarnation local) regala momentos de gran intensidad y -a pesar de haber usado una camarita digital como todo equipamiento- también de gran cine. Ganadora de la Competencia Argentina del BAFICI 2012. Solnicki sobre el film: Un amigo me dijo que había hecho una película exorcista, que el cine puede despertar a los fantásmas y reavivar procesos vitales y que después de haber terminado Papirosen estaba listo para hacer una película normal. Realizarla fue quizas la experiencia más compleja de mi vida. Filmar a mi familia durante una década, vincularme con ellos a través de una cámara llegó a ser de a momentos bastante esquizofrénico y muy difícil tanto para ellos como para mí. Lo cierto es que hoy siento que todos pasamos por un buen momento en nuestras vidas personales y grupales, a pesar de los traumas, y de alguna manera no puedo evitar relacionar este pasar con la experiencia de Papirosen. Al igual que en Süden, mi película anterior, el proceso no comenzó con un guión o una idea clara preconcebida, sino que ambas fueron escritas en la mesa de montaje junto con mi querida colega Andrea Kleinman, indiscutiblemente coautora de ambos films. Si bien tienen mucho en común formalmente, Papirosen es más ambiciosa; un mosaico que se propone reflejar ciertas dinámicas familiares en cuatro generaciones, dialogando con una antigua tradición endogámica. Alrededor de 60 años de material condensados en 74 minutos de duración. Son películas muy díficiles de financiar porque ambas responden a un impulso, y cuando quiero salir a pedir ayuda ya suele ser tarde. Es común que cuando uno busca productores o agentes, te digan que aún está verde, que quieren ver más antes de involucrarse y luego la misma gente cuando te cruza más cerca del final te dice que es tarde. La financié yo, como pude. Practicamente el único costo real (salvo mis equipos y trabajo) fue la posproducción, el trabajo de mis colegas.
Perdidos en la Costa Con el Viejo Hotel Ostende como principal y vistosa locación, esta reconocida productora (Historias extraordinarias, Castro) y música debuta en la dirección de largometraje con un film que oscila entre lo observacional, lo detectivesco y la comedia. Ganadora de un concurso radial, una joven arriba al hotel para disfrutar del premio, que consiste en cuatro noches en el lugar. Mientras espera la llegada de su novio para el fin de semana, se empieza a obsesionar (observando todo a la distancia) con la historia de uno de los escasos huéspedes, un hombre maduro que mantiene una misteriosa relación con dos muchachas a la vez (¿amantes?). Aun cuando llega su pareja, la protagonista sigue fijada con ellos y continúa siguiéndolos por el pueblo y la playa. El film, que comienza como una suerte de Perdidos en Tokiol ocal, se va enrareciendo con un trama que va hacia lo policial (como un Hitchcock miminalista). Una de las cabezas de la compañía Pampero Cine (aquí el productor fue su socio, Mariano Llinás), Citarella debuta en la dirección con un film que tiene ciertos rasgos, elementos, situaciones interesantes, pero que en varios pasajes resiente sus (anti)climas con una propuesta demasiado monocorde. Se queda, así, a mitad de camino entre la contemplación y la sensación de incomodidad y extrañeza de su personaje principal y la supuesta tensión y suspenso que debería tener un thriller más tradicional. Entrevista con OtrosCines.com -¿Cómo surge el proyecto, cómo lo pudieron desarrollar y qué apoyos tuvieron? -Filmar en el Viejo Hotel Ostende fue la primera idea que surgió cuando decidimos filmar esta película. Hasta entonces no había nada, sólo las ganas de filmar. En realidad, yo tenía ganas de volver a la dirección de la mano de un corto o quizás un mediometraje. Así fue que surgió la idea de hacer algo en el Viejo Hotel Ostende. Eso, combinado con algunas ideas preexistentes dio como resultado una historia, que empezó siendo algo más bien pequeño y que, de a poco, se fue engrandeciendo. De repente estábamos, casi sin darnos cuenta, filmando un largometraje. Creo que filmamos alrededor de 14 horas por día, con un sol que rajaba la tierra y un calor casi inhumano. La película -que al principio no se sabía si iba a ser un largo, un medio, o qué- fue encontrando su lugar y los denominados "apoyos" fueron apareciendo. No fueron muchos. Costó muy poca plata. Sólo contábamos con un ahorro que había quedado de otras producciones de El Pampero, contábamos con nuestros propios equipos de rodaje y obviamente con el apoyo de la FUC pero, básicamente, con el aporte más grande y más valioso, el aporte que la hizo posible: el del Viejo Hotel Ostende. -¿Cómo definirías a la película (tema, búsquedas, estilo, desafíos que se plantearon)? -Como dije antes, la película fue encontrando su lugar y apareciendo a medida que se fue haciendo. Pese a esto, había un guión fuerte antes de empezar. Casi todas las ideas que aparecieron en los inicios se sostuvieron al día de hoy. Básicamente, cierta idea de oscilar entre dos universos cinematográficos posibles: uno más cercano al de la observación -tal vez más clásico- que acerca la película a un género más "detectivesco"; y otro más cotidiano, que irrumpe sin razón aparente y que es, quizás, el que acerca la película más a una comedia. Todos los disparadores (de cualquiera de estos dos universos posibles) suscitan cosas nuevas. Todo está puesto para que surjan anécdotas, surjan algunas situaciones de comedia y -sobre todo- para que surjan posibles narraciones.
No la salva ni Statham Que Jason Statham es uno de los grandes intérpretes del cine de acción no es, a esta altura, nada demasiado novedoso. Para mi gusto, es de esos actores cuya sola presencia levanta (mínimo: un par de puntos) cualquier producto por mediocre que sea. El problema es que este film escrito y dirigido por Boaz Yakin es tan poco sorprendente, tan poco creíble, tan atado a las fórmulas, que ni siquiera la nobleza, el carisma y la potencia física de Statham alcanza a salvarlo. El astro británico encarna a un alma en pena, un peleador callejero que lo ha perdido todo (desde su esposa hasta su dignidad) y coquetea cada vez más con el suicidio. Hasta que en su camino se cruza una niña de 11 años de origen chino con una capacidad proverbial para memorizar números. La pequeña es utilizada por la mafia de su país, mientras que a JS lo sigue también la mafia, pero rusa. Todos ellos (más unos cuantos corruptos que pululan por Nueva York) perseguirán al insólito dúo. Lo que sigue son -claro- unas cuantas escenas de acción, coreografías de lucha construidas con cierto esmero, indudable profesionalismo, pero ningún sello verdaderamente distintivo. La película "se deja ver", una categoría que no le hace honor a un actor como Statham, quien ya ha demostrado que con buenos directores, guiones sólidos y set-pieces mejor diseñadas es capaz de grandes cosas. Esta vez, hace lo que puede con el material que tiene en manos y, por lo tanto, apenas cumple.
Iñárritu volvé, te perdonamos... Uno podría hacer copy y paste de una crítica que hayamos escrito sobre una película de Alejandro González Iñárritu y cambiarle los nombres y lugares. La misma (falsa) importancia, la misma manipulación emocional para tener al espectador siempre como rehén, la misma moralina, el mismo discurso solemne y culpógeno, la misma estructura coral... Pero -para colmo de males- menos talento. Porque el realizador mexicano podrá ser un filósofo de cuarta, un cretino, pero al menos tiene ínfulas, fuerza y cierta categoría como cineasta. Meirelles (Ciudad de Dios, El jardinero fiel), ni siquiera eso. Es un director mediocre, dueño de un tono bastante anodino que no "dialoga" con la potencia de los conflictos que aborda (banalizados al extremo, por supuesto). No sé por qué a estos latinoamericanos consagrados internacionalmente les dan en el Primer Mundo el lugar de profetas que exponen (todas juntas, amontonadas) las peores miserias contemporáneas. Aquí, en medio de la estructura circular (¿360 entienden?), vamos de ciudad en ciudad, de personaje en personaje, de melodrama en melodrama: los males de la prostitución y los abusos de los mafiosos, las tentaciones de los abusadores, las penurias de un padre que ha sufrido la muerte de su hija, el accionar de empresarios inescrupulosos, las desgracias de los matrimonios amenazados por el adulterio, las desdichas de aquellos que sufren el desamor y la soledad... A ese muestrario de padecimientos (gentileza del guionista Peter Morgan, el mismo de La Reina y Frost/Nixon, a partir del clásico de La ronda, de Arthur Schnitzler) se lo filma con un estilo "casual" que resulta siempre forzado y artifical, se lo matiza con hermosas canciones que quedan horribles y se los vincula con elementos "azarosos" que se pueden adivinar muchos minutos antes. La corrección política le ha hecho mucho daño a la sociedad actual. Uno de los peores es este cine de coproducciones internacionales sobre los grandes temas, pero que se olvidan (por suerte) apenas se enciende la luz de la sala. Trascendencia intrascendente.
Como un culebrón mal construido Paradojas del cine argentino: una película que se promociona con la "novedad" de la tecnología 3D parece atrasar varias décadas en su propuesta. Con estructura dramática, diálogos y actuaciones dignas de un subproducto televisivo, La pelea de mi vida luce como un culebrón mal construido. Todo un despropósito cuando la TV local ha alcanzado un gran nivel en no pocas de sus ficciones recientes (incluso el guionista Jorge Maestro y el director Jorge Nisco, contratados para este film, han dado muestras de esa capacidad y jerarquía). La pelea de mi vida tiene muchos (demasiados) puntos en común con Gigantes de acero, la reciente película en la que Hugh Jackman luchaba por recuperar el amor de un hijo al que había abandonado. Si ya Gigantes de acero era una vuelta de tuerca del espíritu de la saga de Rocky, aquí estamos ante un nuevo reciclaje, pero de segunda generación. En esta oportunidad, es Alejandro Ferraro (Mariano Martínez) quien regresa de un exilio autoimpuesto en Colombia (a los pocos minutos nos enteraremos de que huyó del país luego de un bochornoso combate); vuelve al gimnasio de su viejo maestro (Emilio Disi), se entera de que ha tenido un hijo que ahora vive bajo la tutela del campeón del mundo de su categoría (Federico Amador) -a quien obviamente terminará enfrentando-, y se enamorará de la bella niñera del chico (Lali Espósito). El problema no es que esa breve sinopsis contenga demasiados lugares comunes porque podríamos estar ante una película que trabajara sobre clisés y estereotipos para reírse de ellos, para reelaborarlos, para potenciarlos con fines irónicos, paródicos o de fuerte impacto sentimental. Pero no. La pelea de mi vida cae en los lugares comunes más rancios con los peores recursos. No hay aquí gracia, fluidez, carisma ni inteligencia. Apenas cierto profesionalismo técnico, aunque el uso del 3D ni siquiera está del todo aprovechado para lograr espectacularidad o profundidad de campo, sino más bien como "chiche nuevo" (las gotas de sudor que vuelan sobre el lente de la cámara, el guante del boxeador que invade la visión del espectador). Demasiado poco para una película que, por el esfuerzo de su producción y por la popularidad de sus protagonistas, merecía otro resultado final.
Tan irreverente como creativa Es Seth MacFarlane de esos artistas que dividen aguas, que generan legiones de incondicionales seguidores, pero al mismo tiempo no pocos detractores. A sus fans, no habrá que explicarles quién es el creador de shows televisivos como The Cleveland Show, American Dad o Family Guy (Padre de familia), pero quienes no lo conocen deberán saber que sus propuestas animadas se ubican entre lo más provocativo y políticamente incorrecto del panorama actual. Con semejantes antecedentes, este referente insoslayable de la cultura pop contemporánea incursionó por primera vez en el cine con Ted, película que combina actores reales con un pequeño personaje construido con la técnica de captura de movimiento: se trata del osito del título -con voz y "gestos" a cargo del propio MacFarlane-, que se transformó en una de las revelaciones del año. Tal es así que el film ya se convirtió en la comedia para adultos más exitosa de todos los tiempos en el mercado norteamericano. El film arranca como una suerte de cuento navideño con solemne voz en off a cargo de Patrick Stewart. Vemos a John Bennett, un niño de ocho años segregado (y hasta maltratado) por sus compañeros de escuela. En el seno de su familia disfuncional, recibe de regalo para las fiestas al muñeco Ted y, milagro mediante, su deseo de que se vuelva su amigo "real" e "inseparable" se convierte en realidad. En ese falso documental (brillante la secuencia de la participación de Ted en el talk show de Johnny Carson), apreciaremos también el oso pasa de fugaz celebridad mediática a un antihéroe con todas las letras: borracho, drogadicto, mujeriego, haragán... Lo único que no cambia (27 años más tarde) es su lealtad a John (Mark Wahlberg). La película tiene en su comienzo algo de la reciente Los Muppets y poco después remite a Toy Story a la hora de elaborar la relación entre Ted y John, aunque también maneja elementos y situaciones típicas de la nueva comedia americana sobre personajes adultos con dificultad para dejar de ser eternos adolescentes y comprometerse afectivamente (su novia, la hermosa Mila Kunis, lo conmina a separarse del muñeco y apostar a la pareja) y por momentos está más cerca del delirio y del descontrol de la saga de ¿Qué pasó ayer? Los críticos de MacFarlane hablan de un solo chiste (el osito que cobra vida) explotado durante toda la película. No es cierto: ése es el punto de partida, la plataforma de lanzamiento para una película que quizás exagera en las referencias nostálgicas (como la de Flash Gordon) o en las burlas algo obvias a las estrellas juveniles del momento, pero que funciona casi siempre muy bien como buddy-movie, como exponente del humor físico (brillante la escena de lucha entre los dos protagonistas) o incluso como comedia romántica. Hasta los habituales cameos (como el de Norah Jones) son ingeniosos. Estamos lejos de un film revolucionario. Ni siquiera es ciento por ciento eficaz, pero entretiene y divierte con un espíritu irreverente y creativo, que genera por momentos un mar de carcajadas en la platea. ¿Se puede pedir más en el adocenado y previsible panorama del Hollywood actual.
Una película grande que no llega a ser una gran película Conocimos a Victor Kossakovsky gracias al BAFICI y al DocBsAs con documentales más bien intimistas, experimentales, basados en pequeñas premisas. En ¡Vivan las antípodas!, el talentoso director ruso opta por el camino opuesto: un trabajo ambicioso, grandilocuente, con un inmenso despliegue de producción, con un "gancho" marketinero (unir ciudades que se ubican el otro extremo del planeta) y sustentado en tomas panorámicas, movimientos con grúas, etc. Y el resultado, esta vez, es contradictorio y medianamente satisfactorio. Las imágenes conseguidas en Argentina y China, en España y Nueva Zelanda, en Chile y Rusia, y en Botswana y Hawaii son bellísimas, por momentos embriagadoras, pero el realizador se queda en varios pasajes en el mero regodeo propio de los documentales de National Geographic, Disney o la BBC o en el modelo Koyaanisqatsi. En otros pasajes (con el humor de los dos paisanos de Entre Ríos o la historia de una ballena varada en una playa neozelandesa), aparece el gran cineasta que sin dudas es. Lamentablemente, esta vez, sólo lo disfrutamos en cuentagotas.