Divertida comedia coral Que tiene mucho de sitcom; que los diálogos le deben bastante al espíritu del stand-up; que las referencias a Diner, de Barry Levinson, y a Alta fidelidad, de Stephen Frears, son insoslayables; que las citas musicales (los Beatles, Yoko Ono) son un poco obvias; que es una suerte de Todos contra Juan ampliada a la pantalla grande. A Días de vinilo, es cierto, se le podrán cuestionar diversos aspectos con mayor o menor minuciosidad dependiendo de gustos, sensibilidades, exigencias y conocimientos previos por parte de cada espectador, pero lo que no se podrá decir del guionista y director Gabriel Nesci es que su ópera prima no sea divertida y entretenida. Si uno regresa a los modelos del cine y la televisión estadounidenses se podrán encontrar varios antecedentes, pero ¿hace cuánto que en la Argentina no se estrena una buena comedia coral (y, por qué no, con algo de retrato generacional)? Porque Días de vinilo es eso: la historia de cuatro amigos que rondan los 40 años y siguen demasiado pegados a sus conflictos adolescentes (léase miedo a comprometerse, a pegar el salto a una madurez, a una adultez que los aterra). La película de Nesci es, quedó dicho, una comedia de situaciones, pero sobre todo de relaciones -muchas veces disfuncionales- con las mujeres. El amor por la música los juntó de niños, la frustración profesional los unifica y, definitivamente, los conflictos con el sexo opuesto no les permiten salir de ese pequeño círculo en el que se mueven. Hay un músico frustrado que trabaja vendiendo parcelas en un cementerio y que está a punto de casarse (Rafael Spregelburd); hay un guionista y director que vive bajo el fantasma de una primera película y de una amor frustrado (Gastón Pauls); hay un locutor enfermo de celos ante una novia cantante demasiado expansiva (Fernán Mirás), y hay un muchacho que acarrea traumas varios de la infancia y que no logra trascender con su banda tributo a los Beatles (Ignacio Toselli). Y están, claro, las mujeres (Maricel Álvarez, Inés Efrón, Carolina Peleritti, Emilia Attias), un poco más desdibujadas o estereotipadas que los personajes masculinos. Días de vinilo está escrita, filmada y actuada con indudable profesionalismo, con una pericia que no abunda en el cine argentino. Nesci logra que sus escenas fluyan, que los diálogos jamás hieran los oídos y hasta es capaz de conseguir momentos brillantes de Mirás (sobre todo cuando pierde la audición) o en las apariciones autoparódicas de un cada vez más desenvuelto Leonardo Sbaraglia. En Días de vinilo hay algunos rasgos nostálgicos, un tono retro tan en boga entre aquellos que vivieron su adolescencia durante los años 80 (otra marca generacional). Hay, también, una exposición de las contradicciones entre esa lealtad propia de la camaradería masculina y las inevitables tentaciones; un universo en el que conviven las neurosis a-la-Woody Allen con un espíritu romántico más naíf puesto sobre todo en el personaje de Efrón. Puede que en las referencias apuntadas que sirvieron de inspiración y en las distintas estructuras narrativas se le noten a Días de vinilo ciertas "costuras", pero si uno deja de exigirle a un producto nacional que sea siempre original y brillante, este film de Nesci nos invita al más genuino y puro de los disfrutes.
100% videogame, 40% cine Tanto aquel lector que irá de cualquier manera al cine para apreciar esta quinta entrega de la saga como aquel que jamás iría a ver a Milla Jovovich saltando y disparando sin cesar podrán pensar -no sin razón- que así como el director Paul W.S. Anderson repite una y otra vez la fórmula, los críticos tendemos a escribir más o menos lo mismo a la hora de analizar esta propuesta. Si el director no tiene casi nada nuevo para mostrar, es probable que nosotros tampoco tengamos demasiadas cosas para decir. Creo que entre cine y cable vi todas las películas (quizás alguna no completa) y, no sé si tiene algún sentido entrar en comparaciones, creo que esta quinta parte es la más floja de todas. Indicar que se parece más a un videojuego que al cine sería una obviedad dado el origen del personaje y la estética que impuso la franquicia, pero en este caso es particularmente evidente que Anderson (también guionista) le dedicó bastante poco tiempo a la trama (corporaciones, zombies, virus, explosiones, escapes) y optó por trabajar coreográficas set-pieces en locaciones virtuales para el despliegue puro -y algo cansador- de las CGI y el 3D. Alice (Jovovich) aparece con un marido amoroso y una niña encantadora, pero a los pocos minutos la veremos luchando por salvar a la pequeña frente al irrefrenable avance de decenas, cientos, miles y, al final, millones de zombies. Hay escenas en Tokio, Moscú, Nueva York y muchos otros lugares, siempre con la heroína (y sus compañeros de ocasión) disparando y disparando, corriendo y corriendo al ritmo de los beats de tomandandy: la propuesta de este tecno thriller se manifiesta, más que nunca, agotadora y agotada. Lo que alguna vez fue una propuesta de vanguardia (una heroína influyente, buen uso de las artes marciales y los efectos visuales, un universo que podía ser bastante atrapante), hoy resulta perimida. La última escena de esta quinta parte deja el terreno abierto para otra batalla épica y la sexta película, según leo, ya está en desarrollo. Es de esperar que Anderson y Jovovich levanten la puntería, aunque a esta altura ya no hay demasiado margen para la sorpresa y la recuperación. Ojalá me equivoque. Nota: En los Estados Unidos ni siquiera se organizaron funciones previas para los críticos y periodistas. Es de agradecer que aquí la distribuidora UIP (y la gente de Sony) tuvo la gentileza de hacerlas, aún a riesgo de críticas negativas como la mía. DB
Gana por afano Este aclamado thriller noruego -que se suma a la explosión del género que está disfrutando el cine nórdico con muy buena proyección internacional y remakes en Hollywood- combina características que podrían irritar a más de uno (quien esto escribe incluido): estética publicitaria que por momentos peca de estilización exacerbada (Morten Tyldum proviene del mundo de los comerciales) y un tono “canchero” no exento de ironía que esconde una mirada cínica del mundo. Sí, Cacería implacable “dialoga” en sus momentos más inspirados y desatados con Quentin Tarantino y los hermanos Coen, pero también con cierto regodeo y capricho de un Danny Boyle o de un Guy Ritchie. Lo bueno es que -más allá de sus excesos y desniveles- trabaja sobre un guión “de hierro” -basado en el best seller de Jo Nesbo- en el que cada pieza del engranaje terminará encajando a la perfección, a veces con un criterio algo obvio que hace que el espectador diga para sus adentros: “¡Ah, claro, lo habían puesto para eso!”. El film arranca con un off “despiadado e ingenioso” a cargo del protagonista. Roger Brown (Aksel Hennie) es un tipo que trata superar sus traumas e inseguridades llevándose el mundo por delante. Mide apenas 1,68 (lo que en Noruega lo convierte, parece, en un enano) y está casado con una bellísima y altísima rubia llamada Diana (Synnove Macody Lund, periodista y ex modelo en su debut absoluto en el cine), a quien le dedica costosos obsequios que su economía no puede afrontar. Si bien es un reconocido headhunter (cazador de talentos, especialista en seleccionar ejecutivos de primera línea para poderosas corporaciones), en verdad hace diferencia robando pinturas (ingresa a una casa, se lleva el original, deja una copia y vende el cuadro en el exterior). Mientras su esposa inaugura una galería y lo presiona para tener un hijo, él se sumerge en negocios cada vez más ambiciosos, turbios y riesgosos. Hasta aquí el planteo inicial. No adelantaremos nada más. Sólo que el film nunca para. Es como una montaña rusa, un tren bala non stop, pletórico de escenas sangrientas (o extremas en otros sentidos), vueltas de tuerca y sorpresas. No todo funciona a la perfección (hay algo de gratuito en ciertas resoluciones), pero el film fluye tanto en su estética como en su tono y en sus actuaciones con muchos más hallazgos que problemas. La visión del mundo, quedó dicho, es desoladora aun cuando está matizada por bastante humor negro. En la Europa del norte el estándar de vida será altísimo, pero su gente, parece, puede caer muy bajo.
Grandes actrices para un terror pobre y rebuscado La película arranca con un prólogo muy poco estimulante no tanto por lo que cuenta (una chica que asesina a sangre fría a sus padres) sino por cómo lo hace (pura pirotécnica visual, una suerte de demo de lo que puede hacerse con un nuevo software de efectos visuales + edición hiperquinética). Por suerte, tras esa introducción, el director Mark Tonderai decide parar un poco la pelota y apela a una narración que -sin ser particularmente brillante- al menos apuesta por cierto clasicismo dentro del género de terror. Madre (Elisabeth Shue) e hija adolescente (Jennifer Lawrence) se instalan en una hermosa construcción en medio de un bosque que consiguieron a un alquiler ridículamente bajo. Ellas, claro, son recién llegadas al lugar y no saben que en la casa de al lado a la que alude el título se produjo el crimen que se expone en los primeros minutos. En la casona de la tragedia sigue instalado el hijo de la familia (Max Thieriot), un atractivo rubio que es despreciado por la comunidad (que quiere demoler la vivienda y mejorar la valuación inmobiliaria de la zona), pero que pronto despertará la curiosidad (y algo más) de la joven recién llegada. Hasta bien pasada la mitad del film, la historia transcurre por carriles bastante dignos (conflicto madre-hija, típicas situaciones de colegio secundario, atisbos de horror en el bosque y en la casa), pero en la media hora final todo se derrumba cual castillo de naipes. Otra vez el imperio de las vueltas de tuerca, los golpes de efecto (y los golpes bajos), las sorpresas que no sorprenden, los personajes que no son lo que parecían, los traumas psicológicos pintados con brocha gorda. En definitiva, la manipulación y la arbitrariedad en todo su esplendor. Si el resultado final es poco convincente, lo más triste del caso es que en los papeles principales están dos talentosas (y hermosas) actrices, de esas que están muy por encima del material que les toca en suerte (en desgracia). Ellas logran hacer dignas escenas muy poco inspiradas, pero no por eso se las debe indultar. Son las propias actrices (o sus agentes que las aconsejan mal) quienes elijen guiones tan poco lucidos. Jennifer Lawrence, probablemente una de las actrices jóvenes con más futuro, sale medianamente airosa del entuerto, pero es triste apreciar cómo Tonderai está más atento a encuadrar el generoso escote de su musculosa blanca que en sacar provecho de su expresividad y carisma. OK, puede que al público adolescente en plena explosión hormonal le interesen más sus curvas, pero en su más que promisoria carrera, este es sin dudas un paso en falso. O, peor, un paso atrás.
Secretos y mentiras La película arranca con una escena sobre la sangrienta toma de un penal. Hasta esa prisión llega el padre Pablo (Juan Minujín), un cura joven e idealista que poco después atravesará una profunda crisis de fe y de vocación al apreciar en toda su dimensión las miserias e hipocresías de la Iglesia Católica (relaciones homosexuales incluidas) y, también, al sentirse atraído por Ceci (Jimena Anganuzzi), una muchacha con la que terminará escapando. Más allá de ese prólogo carcelario, el film de Víctor González apuesta en su primera mitad al drama más contenido dentro de un convento (uno de mis subgéneros favoritos). Allí veremos las relaciones que se establecen entre el padre Orbe (Osmar Núñez), mandamás del lugar; el padre Claudio (Osvaldo Bonet), un cínico, cuestionador y veterano sacerdote que anda en silla de ruedas; y el apuntado Pablo. Todos, claro, con secretos, tentaciones y dudas que se irán desvelando con el correr del relato. En la segunda parte de esta película demasiado larga (123 minutos), ambiciosa, algo errática y derivativa (aborda múltiples problemáticas y al avanzar no termina de profundizar en ni cerrar del todo algunos de ellos) la tensión explota, la narración se acelera y va más para el lado del thriller. Película valiente (adjetivo horrible si los hay en el ámbito del cine, pero que aquí calza a la perfección) construida por un equipo técnico y actoral de primera línea (un verdadero dream-team con Rodrigo Pulpeiro, José Luis Díaz, Miguel Pérez y compañía), El cielo elegido tiene momentos que abruman, irritan o desconciertan, pero termina siendo una verdadera rareza en cuanto a temáticas, reflexiones, cuestionamientos al status quo y vueltas de tuerca. No será del todo redonda o satisfactoria, es cierto, pero ante tanto producto previsible y atado a fórmulas ya probadas, una apuesta de este tenor, con semejante riesgo, no debería pasar inadvertida.
Celebración del arte El cine francés llega cada vez con menor frecuencia a la cartelera comercial argentina y Tournée no es del tipo de películas de ese origen que, aún hoy, se siguen lanzando en el mercado local. Por eso pero sobre todo porque es un film con atributos notables su llegada (tardía y tan sólo a un puñado de salas) resulta una noticia para festejar. Quienes esperen de este cuarto largometraje como director y aquí también coprotagonista de ese notable actor que es Mathieu Amalric una obra austera, medida y redonda deberán estar advertidos: Tournée es precisamente todo lo opuesto a eso. Estamos ante un largometraje desaforado, provocativo, por momentos incluso bastante caótico, pero lleno de energía, de escenas extraordinarias, construido con un espíritu lúdico y celebratorio del proceso creativo y de la mística y camaradería dentro de una troupe artística. El propio Amalric interpreta a un ex productor de televisión que abandona todo para acompañar a unas strippers norteamericanas bastante veteranas, excéntricas y excedidas de peso durante una gira que él mismo va organizando en distintas ciudades (en su mayoría portuarias) de toda Francia. Este hombre divorciado, padre (bastante incapaz) de dos hijos y dueño de una vida desordenada intentará sin demasiada fortuna utilizar sus viejos contactos en el show-business para sostener este espectáculo denominado Cabaret New Burlesque (los números erótico-musicales coreografiados e interpretados por estas "chicas" orgullosas de exhibir sus cuerpos imperfectos son bastante creativos, vistosos y divertidos). Más allá de algunos desniveles (tiene secuencias llenas de ingenio, sensibilidad y audacia, y otras que se quedan en el mero regodeo visual o caen en un esnobismo un poco banal), es de agradecer que el Amalric director apueste por un cine vivo y visceral en el que conviven la literatura de Céline, reminiscencias de All That Jazz, el cine de Pedro Almodóvar, la estética de Federico Fellini, el espíritu de John Cassavetes, cierto delirio a-lo-John Waters y una fuerte influencia del tono tragicómico de su amigo y mentor Arnaud Desplechin ( Reyes y Reina, El primer día del resto de nuestras vidas ). Amalric concibe a Tournée como una oda melancólica sobre este tipo de shows entre voyeuristas, circenses y no exentos de sátira política ya en vías de extinción, pero no se queda en la queja nostálgica porque exalta a sus voluptuosas divas (la antítesis del modelo de vedettes construidas a fuerza de quirófano que ha impuesto la cultura televisiva) hasta hacerlas profundamente entrañables y queribles sin por eso caer en la condescendencia ni en la auto indulgencia. Con un trabajo interpretativo excepcional (sobre y fuera del escenario) en el que hay un gran espacio para la improvisación pero al mismo tiempo una clara conciencia de cómo desarrollarlo dentro del espacio y el tiempo cinematográficos, Amalric se consagra también como realizador (ganó el premio al mejor director en el Festival de Cannes). Un talento que, por suerte, se sigue expandiendo delante y detrás de cámara.
Segundo largometraje del matrimonio de Jonathan Dayton y Valerie Faris tras el sorprendente éxito mundial que obtuvieron hace seis años con Pequeña Miss Sunshine , Ruby, la chica de mis sueños tiene como punto de partida un tema bastante transitado por el cine: el bloqueo creativo de un artista. El protagonista del film es Calvin Weir-Fields (un Paul Dano con más ductilidad para las escenas dramáticas que para las cómicas), escritor que tuvo un éxito arrollador con su primera novela adolescente. Ahora, una década más tarde y ya al borde de los 30 años, quien estaba llamado a ser el nuevo J. D. Salinger se sienta frente a su vieja máquina de escribir (porque, claro, no aporrea las teclas de un teclado de computación), pero la hoja permanece siempre en blanco. Hasta que, cual revelación, de pronto surge Ruby (la encantadora Zoe Kazan, nieta de Elia Kazan y autora del guión), la chica de los sueños a la que alude el título local. La figura de Ruby sirve como motor para que Calvin vuelva a escribir (en este caso, una novela romántica bastante cursi), pero al poco tiempo descubre que ella no es sólo un mero personaje concebido por él sino alguien bien real, de carne y hueso. Tras la lógica sorpresa inicial y la incredulidad de amigos y familiares que lo creen loco, ella se convertirá en su novia e iniciarán una convivencia. El film -que tiene no pocos paralelismos con Más extraño que la ficción , que encabezaron Will Ferrell y Emma Thompson- ofrece un tono tragicómico que lo hace pendular entre la comedia más absurda y el drama romántico más angustiante. Dayton y Faris ganan cuando se concentran en la relación entre Calvin y Ruby (aspecto que les permite reflexionar no sólo sobre el proceso creativo de un escritor sino también sobre el control obsesivo, casi posesivo), pero dilapidan preciosos minutos con subtramas inundadas de clichés del cine independiente norteamericano, como la escena de la visita de la joven pareja a la excéntrica madre de él (Annette Bening) y su no menos delirante pareja (Antonio Banderas), unos neohippies "aristocráticos" que no le aportan nada al film. Más allá de este y otros pasajes o personajes secundarios no del todo logrados, Ruby, la chica de mis sueños resulta una película disfrutable. Sus inquietantes ideas, el notable trabajo visual del fotógrafo Matthew Libatique ( Iron Man , El cisne negro ) y el buen aporte del dúo protagónico la convierten en un estreno valioso, de esa producción estadounidense bien alejada de los tanques de Hollywood y que, por lo tanto, ya no suele llegar con asiduidad a los cines argentinos.
Tan lejos, tan cerca Esta ópera prima de Lorene Scafaria (cuyo único antecedente importante era el guión de esa lograda comedia romántica juvenil que fue Nick y Norah: Una noche de música y amor) tiene un interesante punto de partida: quedan tres semanas para el fin del mundo (un inmenso asteroide está a punto de chocar contra la Tierra) y, ante la inminencia del colapso, todo se convierte en un caos: suicidios en masa, saqueos… En ese contexto, aparece nuestro antihéroe, Dodge (Steve Carell en plan… Steve Carell), un corredor de seguros tímido, reprimido, traumado. Un PERDEDOR con todas las letras. El protagonista no se ha recuperado del abandono de su mujer (luego se entera, además, de que ella lo engañaba), pero sigue con su patética rutina incluso cuando ya nada de todo eso tiene sentido. Se le ocurre que una manera de ocupar el tiempo que le queda es buscar al primer y gran amor de su vida. El destino y el azar harán que en su camino se cruce Penny (Keira Knightley), que deja a su novio maltratador (Adam Brody) para irse con su familia. Lo que sigue es una road-movie agridulce con un sustrato de ciencia ficción, un tono tragicómico y absurdo, y una vuelta de tuerca -claro- romántica. El problema del film es que va perdiendo espíritu provocativo y su negrura a medida que avanza la trama para transformarse, en definitiva, en una película edulcorada, con un existencialismo, un espiritualismo de autoayuda. Buscando un amigo para el fin del mundo es como una película indie más o menos interesante (hay algo del Michel Gondry de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, pero también de otros dramas adultos apocalípticos como Melancholia, de Lars Von Trier; y Otro planeta, de Mike Cahil), aunque luego cede a los convencionalismos de un mainstream sin demasiada creatividad y -para colmo- sin demasiada química entre Carell y Knightley. La locura de los personajes (sobre todos de varios secundarios) en medio de la locura generalizada permite durante la primera mitad un simpático desborde, pero la guionista y directora abandona luego esa veta más zafada e irónica para contentarse con pinceladas de redención y reconciliación que intentan conmovernos y tranquilizarnos a la vez. Y con el toque extra de un perrito fiel. El amor es más fuerte, nos dice. Gracias.
El amor en los tiempos del cólera Luego de un prólogo ambientado en 1975 que arranca con imágenes "convencionales" y termina con animación (un recurso que luego se repetirá en otros pasajes del film) para narrar el intento de asesinato por parte de un comando de la Triple A contra un matrimonio de militantes montoneros, la película salta hasta 1979. En plena euforia post-Mundial '78 (y en plena escalada represiva), los protagonistas vuelven de un exilio en Brasil y Cuba en el marco de la "contraofensiva" lanzada por los líderes de su organización. Juan (Teo Gutiérrez Moreno) ya tiene una hermana menor (todavía una beba), pero él ingresa a la primaria del barrio con el nombre falso de Ernesto (por el Che, claro). Con sus padres (Natalia Oreiro y César Troncoso) y con su simpático tío (Ernesto Alterio) viven en la clandestinidad, recluidos en una casa que es también lugar de reunión de la célula y de acopio de material "revolucionario". El acepta las condiciones, pero cuando se enamora de una chica que hace gimnasia artística en la escuela su sensibilidad aflora (así como su urgencia hormonal) y su sentido de la obediencia se desmorona. Lo mismo ocurre en el entorno familiar cuando llega por única vez al lugar su abuela (Cristina Banegas) para festejar su cumpleaños y se exponen en toda su dimensión las inevitables contradicciones entre el afuera y el adentro (la clandestinidad). El film plantea la tensión permanente entre el compromiso de los militantes (férrea disciplina incluída) y el disfrute y la posibilidad de vivir situaciones felices en la intimidad familiar. Es que aflojar, relajarse, podría resultar en ese contexto un desastre seguido, por qué no, de muerte. La idea de narrar la historia desde el punto de vista de un chico no es nueva en el cine latinoamericano (Kamchatka, El año que mis padres se fueron de vacaciones, Andrés no quiere dormir la siesta y sigue la lista), pero aquí el realizador de Nietos (identidad y memoria) -que incorpora al relato unos cuantos elementos autobiográficos- trabaja la doble lógica: la de Juan/Ernesto, con sus deseos (su iniciación sexual) y sus miedos; y la mucho más cerrada de los guerrilleros. La película -más allá de algunos lugares comunes de esta suerte de "subgénero"- se maneja casi siempre con rigor y credibilidad, con crudeza pero también con sensibilidad para constituirse, en definitiva, en un muy atendible retrato (más humano que político) sobre aquel período sangriento de la historia argentina que todavía tiene unas cuantas heridas abiertas.
Crónicas norteñas Casi en las antípodas acuáticas de Caja cerrada (su film sobre el trabajo en un buque pesquero que estuvo también en la sección Cine del Futuro, pero del BAFICI 2008), Solá se traslada ahora hasta el árido norte para describir las vivencias de Rodrigo, un muchacho que se gana la vida como mensajero de pueblo (va en moto dando recados casa por casa). Sin embargo, luego de una procesión religiosa, el personaje viaja por tres meses hasta una salina para ganarse unos pesos como trabajador golondrina. Allí, en esa nueva locación, es donde la contemplativa película -rodada en bellos, largos, casi hipnóticos planos en su mayoría fijos y en blanco y negro- adquiere su real dimensión. Riguroso documental observacional (aunque Solá se permite incluir algunos diálogos, pequeñas ficcionalizaciones y hasta "retratos posados" de los empleados de la salina que no hacen "ruido"), Mensajero nos propone un viaje a una tierra y su gente sin lugares comunes, pintoresquismos ni subrayados porque confía -y hace bien- en el poder de sus imágenes.