Portero de día, psicópata de noche César (Luis Tosar) trabaja como portero en un viejo edificio. Siempre está atento y vigilante. En principio, parece un buen (un pobre) tipo, que se obsesiona con los movimientos del lugar, con el ir y venir de los vecinos, con los pequeños quehaceres (por momentos, bastante tortuosos) de todo encargado. Pero ese César de día tiene algunos secretos de noche, ciertas perversiones, que Balagueró nos irá mostrando de a poco. Sobre todo, su fijación por Clara (Marta Etura), la bella y radiante vecina del 5º B. No conviene adelantar más detalles. Estamos ante un digno ejercicio de género (el thriller psicológico sobre psicópatas) con elementos que remiten al cine de Roman Polanski y algún toque del Pedro Almodóvar más oscuro. Si la película trasciende ciertos tópicos que coquetean con los lugares comunes de este tipo de historias es por la convicción, la ductilidad, los matices, esa imponente presencia física de Luis Tosar, capaz de mostrar una cara de hombre afable y, a los pocos segundos, evidenciar el monstruo que lleva adentro. Por él, y por la solvencia narrativa de Balagueró, responsable de las dos primeras entregas de la saga de [REC], Mientras duermes se convierte en un film aceptable y bastante perturbador (igual, aclaro, no esperen nada demasiado revelador).
Que el cine nacional produzca una digna película de animación en 3D ya es una buena noticia. A La máquina que hace estrellas se le podrán hacer -con absoluta justicia- varias objeciones y cuestionamientos, pero se trata de un film que aborda la ciencia ficción para chicos con recursos narrativos honestos y con un más que aceptable acabado técnico. Esos atributos, ese cuidado por el producto final, podrían resultar méritos menores en Hollywood, pero en el contexto actual de la industria audiovisual argentina es un hecho para festejar. La propuesta de Esteban Echeverría tiene como protagonista casi absoluto a Pilo, un chico extraterrestre que vive con su madre (su padre ha desaparecido) en una pequeña casa ubicada en uno de los asteroides del cinturón que rodea al planeta Ankj. Obsesionado con las estrellas y el universo, nadie parece prestarle demasiada atención, con la excepción de su abuelo, que le cuenta cada noche historias respecto de la existencia de la máquina del título. Road movie Cuando las estrellas empiezan a desaparecer, Pilo iniciará un largo periplo para encontrar el mencionado artefacto y recuperarlas. En esta suerte de road-movie intergaláctica y viaje iniciático de despedida del mundo infantil para el ingreso en la adultez, nuestro (anti)héroe contará con la ayuda de un destartalado robot (personaje que no alcanza a funcionar del todo bien como el comic relief del relato) y se encontrará con seres amigables y otros no tanto. Sin entrar en comparaciones odiosas e injustas con producciones hollywoodenses, la animación se luce bastante y los efectos estereoscópicos no son demasiado espectaculares, pero tampoco abruman. El problema es que, una vez planteado el conflicto e iniciado el viaje, la narración se estanca un poco y no resulta del todo atractiva, pese a que en tiempo neto el film apenas supera los 65 minutos. Un trabajo más minucioso e intenso sobre el guión, los personajes y el humor hubiese beneficiado seguramente el resultado final. De todas maneras, como quedó dicho, La máquina que hace estrellas tiene algunas buenas ideas, pasajes de gran belleza y un respeto por el espectador que aquí no abunda y que la convierten en un film para imitar, en un mojón para luego seguir avanzando dentro de un género que, como el de la animación para toda la familia, es uno de los favoritos del público.
Interesante ópera prima con grandes contradicciones en su planteo Extraña combinación la de Todos tenemos un plan . Por un lado, se trata de la ópera prima como guionista y directora de la joven Ana Piterbarg. Por el otro, es una ambiciosa producción de parte del equipo que ganó el premio Oscar con El secreto de sus ojos y el debut en el cine argentino de una estrella mundial como Viggo Mortensen, quien alcanzó tanto la popularidad (con la trilogía de El señor de los anillos ) como el prestigio (con sus aportes en varios de los últimos films de David Cronenberg). Esa tensión entre una primera película que tiene bastante de climática e introspectiva y las exigencias de una producción a gran escala con proyección internacional es lo primero que se percibe en Todos tenemos un plan ,una película más que atendible, con no pocos hallazgos y atractivos, pero que resulta también algo errática y deja una sensación contradictoria y hasta desconcertante. Mortensen se arriesga con un doble (o triple) papel. Por un lado, interpreta a Agustín, un pediatra de clase media-alta en plena crisis existencial, entre otras cosas porque su pareja desde hace ocho años (Soledad Villamil) lo presiona para concretar la adopción de un bebe. Por el otro, encarna a su hermano gemelo, Pedro, un marginal de salud muy precaria que vive en el delta del Paraná más profundo, agreste y sórdido, y participa en secuestros extorsivos liderados por Adrián (Daniel Fanego), un auténtico "pesado" de la zona. No vale la pena adelantar mucho más de la trama, pero lo concreto es que a los pocos minutos del film Agustín encuentra la oportunidad de huir de su angustiante existencia y hacerse pasar por su hermano Pedro. Esa nueva vida incluye una relación afectiva con Rosa (Sofía Gala Castiglione), una veinteañera que lo ayuda en un microemprendimiento de apicultura y se convierte también en su confidente y amante. En la película conviven -no siempre de forma armoniosa- el thriller hitchcockiano sobre identidades sustitutas con el film-noir que remite a esas historias del sur de los Estados Unidos (como las ambientadas en los pantanos del Mississippi). El problema es que por momentos Piterbarg abandona la estructura policial (y deja varios cabos sueltos) y la construcción del suspenso para derivar hacia un thriller psicológico más intimista. A esa indecisión se suman referencias literarias demasiado explícitas y hasta redundantes ( Los desterrados , de Horacio Quiroga) y metáforas bastante obvias (el trabajo en la colmena). La apuntada tensión también se percibe en el terreno visual (el trabajo del talentoso director de fotografía Lucio Bonelli es subyugante, pero por momentos cae en cierto preciosismo y regodeo) y en el musical (con una banda sonora demasiado subrayada e invasiva). Así, se pierden por momentos la densidad, la fuerza de la naturaleza salvaje del Delta, que funciona casi como un personaje más (y no menor) del relato. En el aspecto actoral, Mortensen luce por momentos algo incómodo y forzado con sus diálogos, aunque su trabajo no deja de ser solvente. Tampoco se luce como en sus mejores papeles una actriz siempre notable como Villamil (esta vez no del todo aprovechada) y, por lo tanto, los aportes más intensos resultan los de Fanego y Castiglione. Más allá de sus evidentes desniveles, el film tiene un despliegue de recursos (visuales, actorales, dramáticos) que lo convierte en una propuesta muy digna. Quizá no esté a la altura de la enorme expectativa que generó la incursión de Mortensen en el cine nacional, pero así y todo luce como una producción de indudable jerarquía.
Keep it Basic Vacaciones explosivas (título absurdo/ridículo si los hay para un thriller carcelario como Get the Gringo) marca el regreso de Mel Gibson al cine de acción puro, efímero y eficaz. Luego de sus conflictos personales y con la industria (sin ir más lejos, esta película ni siquiera pasó por los cines norteamericanos y en mayo último fue directo al VOD y luego al DVD/Blu-ray), el actor de Mad Max, Arma mortal y Revancha incursiona en tierra mexicana y, más aún, en sintonía con el espíritu de cierto cine de Sam Peckinpah, Sergio Leone, Clint Eastwood, Quentin Tarantino, Robert Rodriguez y los hermanos Coen (aunque las comparaciones le queden algo grandes). Opera prima de Adrian Grunberg (nacido en Puerto Rico de padres argentinos), un experimentado asistente de dirección de muchos realizadores, incluido el propio Gibson en Apocalypto, Vacaciones explosivas arranca con una persecución automovilística cerca de la frontera entre México y Estados Unidos. Mel es un ladrón de bancos con un botín que no le corresponde y termina estrellándose del lado azteca. De allí, a una sórdida e inmensa prisión en El Pueblito, Tijuana (en verdad, se filmó en una cárcel clausurada de Veracruz). En ese contexto de extrema violencia (y en el que un estadounidense no es precisamente bienvenido), Gibson terminará ayudando a un niño de 10 años al que le quieren extirpar el hígado para trasplantárselo a un mafioso local (Daniel Giménez Cacho). Como se podrá apreciar en esta breve sinopsis, el guión coescrito por Gibson y Grunberg no es un dechado de creatividad, pero el director hace un excelente uso de las locaciones, construye una narración a pura adrenalina/testosterona y con toques de humor negro en la línea del western spaghetti, y se apoya en la excelente fotografía en pantalla ancha del belga Benoît Debie (habitual colaborador del franco-argentino Gaspar Noé). Que nadie espere grandes hallazgos, pero como exponente de cine de género básico Vacaciones explosivas cumple y dignifica.
El dedo en la llaga Esta película de la polaca Malgoska Szumowska probablemente sea más interesante como aporte a la discusión sobre cuestiones como la prostitución, el machismo generalizado y el lugar de la mujer en la sociedad contemporánea que por sus valores estrictamente cinematográficos, pero cuestionarla (y minimizarla) como lo ha hecho la inmensa mayoría de mis colegas varones con textos desganados y elementales habla de la escasa formación de muchos de ellos y de la falta de más mirada femenina (y feminista) en la crítica argentina. Sí, Elles es bastante árida, algo caótica en sus saltos temporales, a veces demasiado explícita y puede que no del todo convincente en su espíritu confesional y en la construcción psicológica de sus personajes, pero siempre es de agradecer (al menos para mí) cuando una película se mete en zonas provocadoras, incómodas y pone el dedo en la llaga con recursos honestos, con situaciones reconocibles, con verdades que a los hombres muchas veces nos cuesta admitir y enfrentar. El punto de partida del film encuentra a Anne (una Juliette Binoche despojada de todo glamour que se expone mucho en pantalla), una periodista que inicia una investigación para la revista Elle sobre una tendencia bastante en boga: jóvenes que se prostituyen para costearse sus estudios universitarios. Anne se acercará a (y se movilizará con) los casos de Charlotte (Anaïs Demoustier) y la polaca Alicja (Joanna Kulig). Casada con un ejecutivo bastante machista (Louis-Do de Lencquesaing) y con dos hijos (uno de ellos un típico adolescente conflictivo), Anne se involucrará de forma muy intensa con ambas historias de vida y ese paulatino descubrimiento generará al mismo tiempo una toma de conciencia y un profundo replanteo respecto de su femineidad, de su sexualidad, de su propio lugar como mujer, como madre, como esposa. Esta exploración del universo femenino resulta bastante audaz y perturbadora porque no juzga a sus personajes, porque ofrece más preguntas inquietantes que respuestas tranquilizadoras sobre las relaciones de poder, sobre el deseo y los prejuicios sociales. En ese sentido, aunque esté lejos de ser una película redonda, se trata de un estreno no sólo recomendable sino también -y perdonen el término- necesario.
Cita con el Diablo El director de La vida de Jesús, La humanidad, Flandres y Entre la vida y la pasión vuelve a sus retratos de pueblos grises y abúlicos (en este caso, uno ubicado en la costa norte de Normandía) para describir la extraña, enfermiza relación entre una atribulada chica (la debutante absoluta Alexandra Lematre) y un homeless (David Dewaele, en su primer papel protagónico), quien -casi sin proponérselo, como si fuera la cosa más normal del mundo- se irá convirtiendo en una suerte de asesino serial (sin una pizca del glamour ni el regodeo sangriento ni la estilización de tanto cine hollywoodense, claro). Si bien en la propuesta ascética hay algo de déjà vu respecto de sus films anteriores, Bruno Dumont da aquí unas cuantas vueltas de tuerca (hay algo de fantástico / sobrenatural en el relato) y vuelve a demostrar que el peso, la consistencia, la profundidad de cada uno de sus planos vale más que buena parte del cine contemporáneo. Para destacar, la austeridad absoluta de la puesta en escena, las decisiones estéticas y el acabado técnico (se filmó en pantalla casi cuadrada y con sonido mono, casi no hay diálogos y la música brilla por su ausencia) de este cineasta a la vez minimalista y desgarrado, místico y trascendente, riguroso e inquietante como pocos. Bienvenida su llegada a la Sala Lugones.
En su presentación por escrito del film, la joven directora brasileña Julia Murat cita influencias tan variadas que van del realismo mágico de Gabriel García Márquez al exquisito cine del japonés Hirokazu Kore-eda y del chino Jia Zhang Ke, del documental etnográfico a la fotografía y la pintura de Rembrandt y Caravaggio. Esta vez, el resultado artístico está en sintonía con (y podría decirse que a la altura de) semejantes referencias. Melancólica mirada al fin de una época, retrato sobre los choques generacionales pero también sobre el diálogo entre tradición y modernidad, Historias que sólo existen al ser recordadas está ambientada en un pueblo perdido en el medio de la nada y al borde de la extinción. Minimalista, lírica, enigmática, la ópera prima de ficción de Murat nos sumerge en ese mundo que está a punto de desaparecer (y que al mismo tiempo es redescubierto por el cine) de la mano de la relación que se establece entre la veterana Madalena (Sonia Guedes), una de las últimas habitantes de un enclave norteño que realiza cada día una lenta rutina que incluye amasar el pan, caminar por las vías de un tren que hace años ha dejado de pasar, y escribirle cartas a su difunto marido, y Rita (Lisa Favero), una joven y entusiasta fotógrafa que llega al lugar y decide quedarse para registrar a sus personajes y lugares (incluido el cementerio, que permanece casi siempre cerrado). Película de fantasmas, ensayo sobre la memoria y el paso del tiempo, Historias. se nutre del ajustado tempo que le imprime Murat y de la bellísima construcción visual (tanto en tomas diurnas como nocturnas) concretada por la realizadora en sociedad con el director de fotografía argentino Lucio Bonelli. Talento sudamericano para una pequeña joya, de esas que -lamentablemente- llegan muy de vez en cuando a la cartelera comercial.
Relanzamiento de la saga, ahora con Jeremy Renner, que no logra el brillo de las anteriores Guionista de la trilogía sobre el agente Jason Bourne que interpretó Matt Damon, Tony Gilroy se convirtió en esta cuarta entrega también en su realizador. Pero la inclusión del director de otros thrillers como Michael Clayton y Duplicidad no es la única novedad de la saga, ya que incluso cambió el protagonista. Ahora es Jeremy Renner (visto en Vivir al límite, Misión: Imposible - Protocolo Fantasma y The Avengers: Los Vengadores) quien encarna a un agente secreto (Aaron Cross) que debe emprender una carrera contra el tiempo y apelar a su proverbial inteligencia y a sus múltiples habilidades físicas para escapar de sus propios jefes, que intentan destruir todo vestigio del "Programa", proyecto que intentó generar -con la ayuda de químicos y experimentos genéticos- verdaderos superhombres. De eso se trata El legado Bourne: servicios de inteligencia dominados por seres despiadados, científicos sin escrúpulos, poderosas corporaciones, drogas sintéticas, escenas ambientadas en distintas zonas del mundo (desde Alaska a Filipinas, pasando por Europa y Corea del Sur) y, claro, persecuciones: a pie, en auto y en moto. La primera parte del relato (la presentación del conflicto) es un poco más rebuscada y confusa que en las entregas anteriores, mientras que la segunda mitad ofrece varias secuencias de acción en plenas calles y autopistas (sobre todo de Manila), construidas a pura tensión y adrenalina. Más allá de la pericia narrativa de Gilroy, de la maestría de los dobles de riesgo, del siempre notable aporte del director de fotografía Robert Elswit para trabajar escenas de masas en locaciones reales y de la solidez de todo el elenco (con Edward Norton como el "cazador" de agentes y la bella y talentosa Rachel Weisz como la compañera de aventuras), este reboot (relanzamiento) de la saga deja unas cuantas dudas y no sólo porque termine perdiendo en la comparación con las películas anteriores rodadas por Doug Liman y Paul Greengrass (en dos oportunidades). Si Bourne nació como una suerte de respuesta al entretenimiento adolescente y efímero de los superhéroes de turno y al glamour algo banal de la saga de James Bond, esta nueva versión con Aaron Cross como protagonista también se repite un poco. El saldo sigue siendo positivo, es cierto, pero la franquicia ya empieza a dar algunas señales de agotamiento.
¿Debo reirme o debo llorar? Que esta película haya ganado el premio César (el Oscar de la industria francesa) a la mejor ópera prima habla muy mal de los votantes (no del cine galo, que suele regalarnos cada año muchos auspiciosos debuts en el largometraje). En principio, hay que aclarar que este film tiene muy poco de francés, ya que aborda el conflicto árabe-israelí. De todas maneras, este no es el principal problema (muchos directores extranjeros han abordado problemáticas que no les son propias con múltiples aciertos) sino que el tono tragicómico, la apuesta por el costumbrismo, el patetismo y el absurdo, así como la apelación a la alegoría política resultan torpes, obvios y, más aún, bastante rancios. El antihéroe de esta historia es Jafaar (el veterano Sasson Gabai, visto en La visita de la banda), un pescador palestino sin suerte en ninguno de los niveles de su vida. Un día, en la red de su barco -siempre escasa de peces- aparece el chancho del título. Sí, un cerdo “vietnamita” con el que intentará ganarse algo de dinero y que lo llevará a contactarse con colonos judíos, funcionarios de las Naciones Unidas, militares israelíes y terroristas árabes. El film tiene algunos ingeniosos chispazos de humor negro, una estructura de comedia de enredos (no demasiado interesantes) y termina incursionando en situaciones políticas con bastante de capricho, manipulación e impunidad. La película es como una versión pobre, una mala copia del cine de Elia Suleiman (Intervención divina), quien no sólo es palestino y sabe de lo que habla sino también un brillante comediante, un director con vuelo propio, un artista dueño de un estilo propio y un satirista audaz y consumado. Atributos que, en ningún caso, se perciben en este sobrevalorado primer trabajo de Estibal.
Viejitos ¿piolas? En las charlas posteriores a la función de prensa había cierto consenso entre mis colegas de que esta segunda parte de Los indestructibles es “mejor” y “más divertida” que la primera. Puede ser, pero también es cierto que en la original el “chiste” (ver de regreso a las viejas glorias de la acción ochentera riéndose de sí mismas) funcionaba mejor, al menos porque era una novedad. Esta vez, ver a Arnold Schwarzenegger diciendo varias veces “I’ll be back” o escuchar bromas sobre Rambo ya no generan igual efecto. Tras una muy buena secuencia inicial (un rescate a pura explosión), el film propone una sucesión de escenas de acción bastante básicas (la bomba que está a punto de estallar y es desactivada cuando quedan pocos segundos, el cargamento de plutonio que hay que recuperar, la venganza que hay que concretar tras un asesinato a sangre fría), muchos one-liners “de manual” que terminan siendo bastante torpes, participaciones breves de Chuck Norris, Bruce Willis y Schwarzenegger con ciertos pasajes pensados para que se luzcan, un duelo entre Stallone y Jean-Claude Van Damme y no mucho más. Con un tono autoparódico (“somos piezas de museo”, admiten) que por momentos está demasiado cerca de la autocomplacencia, Los indestructibles 2 puede verse como un capricho de viejos con espíritu de niños, como un placer culpable, como una explosión de adrenalina / testosterona o como un regreso a las fuentes de un cine de acción que ha muerto, sepultado por los nuevos/viejos superhéroes y por los films “complicados” como la saga de Bourne. El director es Simon West, cuya filmografía (¿prontuario?) incluye Con Air, Tomb Raider y El mecánico. West mantiene todo en un terreno previsible, sin llevar nunca el film a un lugar de gran lucimiento formal ni a un tono de absurdo absoluto. A esta saga le vendría muy bien contar con viejos directores que conocen de estas lides (un John McTiernan, un Walter Hill) o bien con un Quentin Tarantino que le saque el jugo por otro lado. Mientras tanto, deberemos conformarnos con películas medianamente eficaces, medianamente divertidas. Medianas.