“El mundo crece no se consume”. Crítica de Sr. Link El filme “Mr. Link. El origen perdido” trajo a la pantalla grande una cinta animada que actualizó la forma de contar en Stop Motion con puestas en escena, suma nuevas marionetas y grandes locaciones paisajísticas. El modelado de cada personaje en particular una criatura perdida en un bosque y el trabajo sobre la voz de Hugh Jackman como “Sir Lionel Frost” un explorador sobre especies antiguas. Ellos conformarán un lazo para la risa y redescubrirse. Por. Florencia Fico. La película estadounidense “Missing Link” narra cómo “Sir Lionel Frost” se atribuye ser el máximo averiguador de mitos, criaturas fuera de serie y fábulas. Los atributos fueron puestos en duda por su núcleo más próximo, el motiva a emprender una investigación por el noroeste americano para descubrir el Eslabón Perdido, una curiosa especie mezcla humano y fiera. La producción estuvo a cargo de: Laika Entertainment (Laika Novedad), Annapurna Pictures con la visión del director Travis Knight. La dirección y guion de Chris Buttler prendió los motores cuando combinó comedia intrépida con monstruos conmovedores; y el horizonte inacabable de la aventura. Pudo lograr insertar una pequeña escena de western. “El mundo crece no se consume”, una frase de cabecera para la conformación de la película. La fotografía como animación tuvo éxito a base del Stop Motion que empleó la gigantesca productora Laika Entertainment esa técnica que se basa en capturar fotos sucesivamente hasta logar que parezcan que la imagen está en movimiento. Su ingeniería para el armado de estas películas podemos recordar que hizo la sensacional película Coraline y la puerta secreta. En éste caso también logró congregar a escultores especializados en paisaje, fabricantes de modelos, iluminación en miniatura y electrónica, diseñador de utilería, pintores, diseñadores gráficos, modeladores, carpinteros y maquillaje para cada personaje. Los gestos, traslados, el moverse fueron tan coherentes que parecían confeccionados desde computadora. Asimismo se usaron varias maquetas y marionetas por cada montaje. Hugh Jackman tuvo un entrenamiento en el dialecto que podría decirse varió muchísimo su tonalidad, variabilidad y capacidad para conectar con su propio muñeco Sir Lionel Frost. El reparto principal estuvo principalmente incrementado por las voces de actriz y cantante Zoe Saldana como Adelina Fortnight una ex enamorada de Lionel, ahora viuda con la cual comparten la voluntad de buscar aquellas criaturas fantásticas. Por otro lado, David Walliams en el filme porta la etiqueta de villano Mr. Laemuel Lint un líder anticuado que preside el “Club de los Aventureros” del cual no es parte Frost por su necedad y en éste punto se da el punto de conflicto. Sólo lo demostrará si descubre algo que nadie ha visto. Aquí hace la entrada de “Mr. Link (Susan) que tiene como portavoz a Zach Galifianakis, una especie con grandes similitudes humanoides y un aspecto bestial. La película tiene una metáfora a través de los hallazgos de estos animales prehistóricos, mitológicos o antepasados Lionel Frost quiere demostrar la evolución de un mundo escondido ya sea extirpando extereotipos o discriminaciones con el manto libre de la animación. Hugh Jackman in Missing Link (2019) Pero en una sociedad aún con títulos nobiliarios donde la idea de cambio era insensata ellos creían que la descendencia era de grandes hombres descartando todo pensamiento contrario. El líder de ésta idea era el mismísimo Sir. Lint y aborrecía la transformación del simio. Para ellos el progreso estaba dado por el sufragio. Ubicando en debate la concepción de civilización y barbarie. Luego la película sigue el trayecto de Lionel Frost quien persigue la huella de un gran pie en todo el mundo traza planos para conseguir reunirse con esa criatura y causa grandes locuras por encontrar el mapa que lo conectaría con el Eslabón Perdido. Hay riñas un poco repetitivas y predecibles ya sea con un asesino a sueldo contratado por Lint o en una torre de hielo. El atina y localiza a un ser aun indescifrable, lo sorprende, habla con gracia es torpe, con poco sentido de lo que es correcto e incorrecto. Un chamán le enseñó a jugar ajedrez. Es de gran estatura, peso, es peludo y rellenito. Muy parecido a los yetis o al Abominable hombre de las nieves con una contextura de grandes proporciones. Sus orígenes datan que su ubicación originaria estuvo en el Tíbet, Himalaya. Lint recuerda que Adelina posee un mapa en su casa el tuvo un romance con ella pero no lo quiere ni ver. A pesar de ello arman los tres un buen equipo para revisar la génesis de la criatura y atraviesan montañas, zonas rurales, regiones gélidas y parques nativos. Al principio de la película Lionel tiene un encuentro con otra especie parece ser El monstruo del Lago Ness que apareció por primera vez en Escocia, el trata de sacarse una foto con ella pero falla. Éste filme hace referencia a una vieja tradición que estudia los animales ocultos la “Criptologia”. Una pseudo ciencia que quiere demostrar la presencia de especies extintas, mitológicas o folclóricas. Entre ellas podemos recordar el unicornio, las sirenas, el Chupacabras y el Nahuelito. El guion es comparable con “Esaú, la gran novela del Yeti” de “Philip Kerr” en la cual un alpinista y una antropóloga se entregan a una expedición en el mismo lugar Himalaya para dar con la especie aunque otros colaboradores no tienen las mismas intenciones. Puntaje: 80.
Érica Rivas la única Bruja. Crítica Bruja La película argentina solo se hace fuerte cuando la actriz increpa , hace frente con hechicería y acciona contra los captores de su hija Belén. La mantienen cautiva para poner en ejecución su plan de proxenetismo. Por. Florencia Fico. El argumento narra el relato de Selena (Érica Ricas) una mamá soltera que reside con su hija adolescente Belén ( Miranda de la Serna) en una austera chacra en las lejanías de una región chica. Sin embargo Selena domina la magia negra aunque no la aplica a terceros. En la zona conocen de sus habilidades y es evidente que se sienten inseguros y miedo con ella. En un momento Belén es tomada a la fuerza con otras muchachas de la vecindad por una red de trata y Selena, desquiciada, en soledad sin colaboración de nadie deberá emplear todas sus capacidades para hallarla. La dirección de Marcelo Paez – Cubells replicó la premisa de “Omisión” en “Bruja” con frases en off como: “Hay gente que tiene que morir” y “A la gente que hace daño hay que castigarla”; en el primer caso con la fundamentación del “secreto” profesional psicológico a un sacerdote y en el segundo con el espiritismo pagano con cierto “oscurantismo” entre seres fuera de ésta dimensión y los humanos. Asimismo sucede en “Baires” donde una pareja encubre una red de narcotraficantes por obligación y así salvarse de fallecer. La presión como impacto. En “Bruja” se aplicaron efectos especiales muy escasos, aunque se puede apreciar la destreza del realizador Paez – Cubells la generación de grandes momentos con la aplicación de explosiones o detonaciones, el chorreado de sangre como efecto artístico que salpica en todas las locaciones. Los preparados artesanales para conectarse entre madre e hija sea con espejo empañado con pedidos o mensajes entre ellas; y sobre la tierra con un pedido de “Ayuda” en pleno secuestro. Cubells expresa con magnitud magistral los hechizos como: el amarre con un trenzado enroscando tres mechas de cabello. La ilusión óptica en algunas escenas como práctica de confusión fantástica, la transferencia de poderes de madre a hija, los ejercicios en una mesa de magia con plumas negras. Cubells acercó a la Argentina algunos elementos más a la narrartiva nacional en cuanto a la producción de cine suspenso. En una toma en un cementerio donde se da el encuentro entre un cadáver y Selena quien toma su figura. Sus visiones a través de objetos de la situación de sometimiento que tienen las chicas, las voces de la “Damita” su aljibe energético. Por último el uso de una bruma serpenteante violeta con la que Selena sabe y controla a sus rivales. El guion de Matias Caruso evidencia el negociado de la magia negra contra la tradicional que a su vez también es mentirosa. El entramado truculento que significa el “ablandar” a las jóvenes para la prostitución la utilización de tranquilizantes vía jeringa, el encadenamiento a las camas por si se resisten, la violación y maltrato constante como debilitador social. La promesa de un trabajo sujeto a las manipulaciones y especulación de una madama como cabecilla, un matón y alguien externo que a veces traicionado vincula a las víctimas con los criminales. El relato puertas adentro de la organización delictiva que sostiene las mafias de trata bajo corrupción policial y soporte de campañas políticas. La narración en off de Rita Cortese, una abuela que traspasa mitos, como mamá de Selena se vuelve un mantra que mantiene las reglas de la magia negra como: “Cuanto más le pedís a la Damita más le tenés que dar”, “Concéntrate en tu dolor esa es nuestra maldición”, y su reflejo en un espejo al final de la película como figura de transición para encarnar la venganza en su máximo exponente. Acompañada en sus pequeñas escenas por un búho la caracterizan como referente de la sabiduría y los insectos la pequeñez humana. Su voz es una reverberación fantasmal. Ver las imágenes de origen La fotografía de Pablo Desanzo da saltos imponentes tomas cenitales por encima de los personajes da ese vértigo ineludible al espectador, iluminaciones opacas y poco nítidas dan esa sensación de aislamiento y el estado de animo de las criticas circunstancias que atraviesan los personajes. Las capturas en picado sobre Selena mostrando su sacrificio por no encontrar a su hija, planos detalle en las manos de Belén y su mamá cuando una escribe sobre el barro y la otra sobre el papel sus notas en forma de avisos para continuar su búsqueda. La musicalización de Pablo Salas apuntó al rasgueo en guitarra, una alusión a la tensión y el aprisionamiento de las jóvenes, el acordeón y bandoneón dan la idea el ritmo de persecución en la cinta fílmica, los coros en canticos sombríos y chajchas arrastradas produciendo su chasquido original aunque más temerario. El género al que es devoto Cubells es el thriller ya con ésta película es la tercera en la cual aplica el mismo formato con distintos contextos. El recreó la típica estructura donde el argumento fue fundamentado por los interrogantes que deja la desaparición de Belén y sus amigas pero no cumple con las expectativas de dar terror, sí genera incertidumbre en las comunes narrativas de suspenso policial cuando Selena va por las pistas que le deja su hija. Ver las imágenes de origen Érica Rivas como Selena es un protagónico ingenioso su transformación a un personaje tan sobrenatural, su cuerpo es el instrumento él manifiesta contorciones inimaginables, gestualidad dura, implacable, fuera de control, más allá del bien y mal. Ella es madre de Belén (Miranda de la Serna) en la vida real y ficticia ambas son auténticas. Miranda es contestataria y descarada a la talla de sus progenitores: Rodrigo de la Serna y Rivas. Una presencia omnisciente son las energías que maneja Rivas la bronca en gritos inconmensurables, la angustia cuando desploma su cuerpo en el suelo sin tapujos, la que genera el nexo con las entidades mediante su olfato ella fuma cigarrillos del suelo, se corta, transpira, come vidrio, dispara y recibe un puñal, desentierra un cadáver. Una actriz que se mete en el barro de la actuación y da voz a un caso de los tantos que bien podría Susana Trimarco quien sigue luchando para que la justicia no duerma en su media tinta. Fue clave el personaje de Paku (Gregorio Rosello) supuesto amigo de Belén quien traicionado por la idea de ser reclutador de promotoras las lleva sin medir consecuencias a ella y sus compañeras Mía (Maite Lanata),Fátima y Romina. Mía a su vez tiene como padre al actor Pablo Rago, “Ricardo”, un constante coprotagonista con Selena en su averiguación sobre el paradero de sus hijas. Su personaje está deslucido aunque siempre conserva su seriedad, un poco de seducción entre ellos y el incesante lema de descubrir dónde están. Se rodó en un escenario desconocido para el espectador en San Antonio de Areco y zonas de Martínez asimismo en el norte de Gran Buenos Aires dando la apariencia de una locación extranjera un dejo de su paso por Estados Unidos al estudiar allí Artes cinematográficas. Hay personajes secundarios como Joaquín (Juan Grandinetti) hijo de Darío hijo de Marisa (Leticia Brédice) regenta de los cabarets, su vínculo es bastante perturbador. El personaje de madama en Leticia no fue deslumbrante tras su alocada Verónica San Martín en El Elegido fue una villana en su molde y Juan su secuaz libidinoso. Los que encarnaron los papeles como policía (Fabian Arenillas) e intendente (Pablo Ini) fueron realmente influyentes para revivir el riesgo en la película. Ambos fueron el círculo de la especulación financiera sobre la trata. Ver las imágenes de origen El reparto estuvo compuesto por: Érica Rivas, Leticia Brédice, Rita Cortese, Pablo Rago, Miranda de la Serna, Juan Grandinetti, Gregorio Rosello, Guillermo Arengo, Fabián Arenillas, Grego Rossello, Maite Lanata, Lola Ahumada, Pablo Ini, Susana Varela y María Inés Aldaburu La producción en manos de Chiaroscuro Entertaiment. PUNTAJE: 90.
Nancy Duplaá encantadora de pantallas. Crítica El retiro.InicioCriticaNancy Duplaá encantadora de pantallas. Crítica El retiro. 3 septiembre, 2019 Florencia Fico La protagonista de la serie televisiva “Cien días para enamorarse” provoca esa corriente eléctrica que sacude al espectador cuando en éste caso interpreta a “Laura” hija de un obstetra jubilado Rodolfo(Luis Brandoni) quien se ve interpelado en su rol como padre. Por. Florencia Fico. El filme “El Retiro” tiene la dirección de Ricardo Díaz Iacaponi quien despliega diferentes retratos íntimos y costumbristas de los diferentes personajes ya sea de Luis Brandoni cuando sale de su profesión descuelga los diplomas, portarretratos familiares y los guarda en cajas. Por un lado Ignacio (Gabriel Goity) su mejor amigo motoquero, un irresponsable chistoso. Por otro Laura (Nancy Duplaá) su hija preocupada por su papá quien no la atiende un guiño que recorre todo el filme. La aparición sorpresiva de Diego (Marcos Da Cruz) un chico de diez años aproximadamente que desata mucha tensión en su relación con su hija. Es un elemento inquietante dispara por un lado el sentido conmovedor que da los primeros años de edad y los últimos en búsqueda de los placeres olvidados. Los deseos de la ancianidad y el fresco sabor de la inocencia. Es notable la actuación de Nancy Duplaá tras tres años sin grabar en formato fílmico luego de Upa!: El Regreso 2. Ella se amoldó a la pantalla grande nuevamente como Laura una música que se siente desplazada y sin horizonte. Su carácter frente a cámara es convincente, una voz aguerrida y experimentada en hacerse notar, también mostrar enojos, reflejos espontáneos, frustraciones y angustias. Rodolfo es un doctor en pleno retiro, viudo y reside solo en su hogar. Accidentalmente por un acontecimiento sospechoso su hija Laura resuelve volver a convivir con él por un tiempo. La estadía con su padre aflora antiguas peleas, resquemores y la posibilidad de unirse tras grandes períodos de ausencia. El reparto está compuesto por: Luis Brandoni, Nancy Dupláa, Gabriel Goity, Soledad Silveyra, Marcos Da Cruz. Con la producción de Salta Una Rana, FAM Contenidos y Pelícano Cine. El guion de Ricardo Díaz Iacoponi y Daniel Cuparo exploran los géneros de comedia con el trio humorístico entre Rodolfo, Diego e Ignacio pero en una forma piramidal en la que Gabriel Goity se ubica en la cima sin duda su porte desvergonzado y atrevido descolocan al formal pero irónico Rodolfo (Luis Brandoni) que satiriza con burlas su vejez con gran soltura. De igual forma sucede con Aída (Soledad Silveyra) una ex jueza que manifiesta de forma seductora y pícara: “Me jubilé pero no de todo”; dando a entender que hay una segunda posibilidad de enamorarse y sacarse el acartonado uniforme del trabajo. El concepto de la ropa formal simboliza para Rodolfo quitarse el delantal y el ponérselo a Diego (Marcos Da Cruz) cuando lo lleva a la escuela mientras se queda en su casa por decisión de su madre, empleada doméstica de Rodolfo que está fuera por la salud desmejorada de su madre. La familia y el drama van de la mano donde Nancy y Luis son elegidos para profundizar aspectos como la ausencia paternal, el desconocimiento entre ellos, secretos de su ex mujer salen a la luz aunque Laura los sepa muestra la distancia que existía en su vínculo. La incertidumbre del futuro de ellos a ella como mujer madura con pareja sin mucha sustancia y la dificultad de gestar. Luis también carga con problemas de movilidad y tiene medicación. El regreso al hogar será el punto de encuentro y partida de su nueva conexión sentimental y familiar. Una locación que afianzará el sentido de la temporalidad pasado, presente y futuro en los personajes. La fortaleza de la memoria emotiva. Puntaje: 70.
Paw Patrol, Mighty pups” aulla por ayuda y ellos estaránInicioEstrenos“Paw Patrol, Mighty pups” aulla por ayuda y ellos estarán 21 agosto, 2019 Florencia Fico Una película estadounidense que trae la serie televisiva de Nikelodeon a la pantalla grande con la premisa de nuevas aventuras con los cachorros justicieros y Ryder un chico de 10 años que los guía a proteger la bahía en la que viven. En ésta ocasión de un pequeño villano Harold; sobrino del ambicioso alcalde Humdinger. Por. Florencia Fico. El título original es “Paw Patrol: Mighty Pups” ya que el cohete espacial creado por Harold impactó contra un meteorito que se desplazó a la Bahía Aventura donde residen los perros con Ryder debido a ese accidente los animales recibieron poderes de una enigmática energía verde. Ryder armó ésta Patrulla Canina y coordina al conjunto de perros mientras se dan emergencias o peligros para asistir a la comunidad de Bahía Aventura. Él es especialista en tecnología y es secuestrado por Harold con el fin de acabar con su misión heroica en aquella sociedad. El reparto canino está compuesto por: Rubble (bulldog) poseía Superfuerza, Chase (pastor alemán) Supervelocidad, Skye (cockapoo) el poder de torbellino y volar sin sus alas, Marshall (dalmata) derretía cualquier objeto, Everest congelar, Zuma (labrador) lanzar rayos de agua de sus patas y Rocky (mezcla de razas) desarrollar herramientas. Sin embargo sin los poderes Chase era un perro policía, Marshall es bombero, Rocky cuida del medio ambiente, Rubble patina y hace snowboard, Skye es inteligente y su cucha se convierte en helicóptero y Zuma nada. La duración de la película es de 45 minutos y cuenta con dirección – guion de Keith Chapman se hace largo para el tipo de público que va dirigida de 1 a 5 años, las conversaciones tienen muchos baches y se torna aburrida para la resolución de simples tramas. La música de James Chapple se destaca con la nueva canción de “Mighty pups” que hace de separador para los cachorros superpoderosos con nuevos trajes, logos y habilidades; el tema es pegadizo con un estribillo reiterativo, el vocalista es joven y da esa frescura de infancia donde el espectador de pequeña edad se puede sentir entusiasmado a cantar y bailar. La fotografía es animación por computadora se destaca en los colores azul por Chase en su chaqueta de guardián, las manchas de Marshall y su chaleco rojo, Rocky acompañado por su enterito color verde relacionado a su amor por la naturaleza, Rubble con su casco amarillo y su equipamiento excavador, Skye con su baile Guau Guau Boogie asimismo sus antiparras rosas, por último Zuma posee el color naranja vinculado a los guardavidas. La productora y distribuidora es Nick Jr. Los géneros que predominan en el formato mediometraje son la comedia e infantil los experimentos fallidos de Harold, la relación entre la alcaldesa oficial y su gallina es muy graciosa, la aparición de otras especies raras y a la vez tiernas como bagres en pantanos, las metidas de pata en algunos personajes, los ladridos de los cachorros dan esa fantasía inocente. La creación de un chico malo con la misma edad de Ryan como Harold con monólogos de puro villano al igual que su tío. Quiere controlar Bahía Aventura con puras palabras y pocas destrezas lo que lo hace cómico y ridículo. Al finalizar la película hay adelantos exclusivos con dos capítulos más de regalo. Puntaje: 70.
Angry Birds 2 aves y cerdos amigos por una misión: ayudarse. 14 agosto, 2019 Florencia Fico La película estadounidense Angry Birds 2 integra más personajes y un nuevo peligro para las islas habitadas por pájaros y puercos que ponen sus enemistades de lado y se unen para salvar a sus especies. Por. Florencia Fico. Los directores Thurop Van Orman y John Rice plantearon la secuela de Angry Birds donde el cardenal rojo Red (Jason Sudeikis) se encuentra en el olvido y sin acción. Su época como héroe de la Isla Pájaro cuando salvó los huevos de su terreno de los cerdos verdes parece finalizada. Aunque entre bromas y venganzas contra la Isla Cerdito se dan cuenta que hay ataques externos con lanzamientos de esferas heladas. Los guionistas Peter Ackerman, Eyal Podelly Jonathon E. Stewart recrean otro espacio la Isla Agila en ella residen focas, lobos marinos y halcones que vigilan la zona. Los animales allí viven congelados, con cubitos en sus patas. Están en una localidad que no les gusta es incómoda e idean con su líder “Zeta”(Leslie Jones) la ex prometida de Águila Poderosa; quien la dejó plantada en el altar y se fue a la Isla Pájaro. Angry Birds 2: La película : Foto En el reparto continúan Chuck (Josh Gad) un canario veloz y Bomb (Danny McBride) un cardenal fuerte y explosivo compañeros de aventuras de Red que siempre serán su mano derecha le sugieren conocer a alguien para que forme pareja y lo llevan a un “Solos y Solas” donde conoce a Silver (Rachel Bloom) la hermana de Chuck quien es profesora de ingeniería y muy curiosa ella lleva su inteligencia hasta en las probabilidades de compatibilidad romántica. Zeta guardó todo su odio contra Águila Poderosa, ella se dice empoderada pero solo quedó el rencor y la lleva a aislarse en su isla. Sin el amor de su vida; y su fin es acabar con las otras isletas. Sin embargo, la verdadera protagonista que toma las riendas es Silver quien hace un plan para contrarestrarrestar el diabólico exterminio de Zeta. Con sus ingeniosas estrategias se ubica al mismo nivel que Red haciéndolo recapacitar sobre, sus sentimientos y egocentrismo queriendo ser el único héroe sin tener en cuenta la colaboración de sus amigos. Angry Birds 2: La película : Foto El rey Leonard (Josh Gad), enemigo y monarca en Isla Cerdito, registra que las agresiones no son de Isla Pájaro si no de otro lugar. Empieza a investigar y dan con la Isla Agila que tiene como meta llegar a ambas zonas para recibir el cálido sol de sus lugares y ser felices. A costa de aniquilar las dos poblaciones tanto aves como puercas. Entonces se reúne con Red para pautar una “tregua” para sus bromas y hacer un equipo frente a la nueva villana. La música de Heitor Pereira anima el filme donde eventualmente hay escenas de comedia con canciones “I need a hero”, “Space Oddity”, “Happy Together”, “Baby Shark”, “Fireball” y “The final Countdown”. Cada apuesta sonora significa las distintas emociones que hace traspasar la pantalla grande ya sea: valentía, sacarnos del lugar común, construir lazos, fiesta, la cuenta regresiva de donde hay una bomba por estallar y regresar a la infancia con sus travesuras. La fotografía es animación en computadora 3D aunque la ilustración por parte de Simon Dunson siguió con el mismo origen aunque tuvo gran resonancia en una parte donde un experto en tecnología cerdito con la voz del cómico Darío Barassi es un complemento ideal está vestido como un intelectual con anteojos, un suéter y jean sacan de eje la típica imagen del resto de los animales .Asimismo, con camperas deportivas de otros compañeros. Angry Birds 2: La película : Foto En sus inventos para detener a la invasora se ven un spray invisibilizador, una alarma parlante que detecta agilas, y un moco de cerdo retardante. Los tres elementos son inútiles el primero es indeterminado, el segundo es gritón y el último una pegatina rica en sonrisas para el espectador cuando todo es un disparate. El género que inunda la película es la animación y comedia. En las secuencias de humor se vislumbra un dejo de lo absurdo, ridículo, impropio, infantil y distraído. El dibujo manifiesta personajes enternecedores, miniaturas con voces aniñadas, gigantes peludos con un interior muy sensible y tímido, Red no pasa desapercibido un color rojo imponente, Chuk amarillo torbellino, Bomb negro plomo, Leonard verde plastilina, Silver lila pastel, para el postre una Zeta con una colorida águila coral con plumaje realista. La animación proviene también de un videojuego finlandés creado por Rovio Entertaiment donde los pájaros vencen a los cerdos y obtienen más puntaje y niveles en su versión para Smarthphones. Angry Birds 2: La película : Foto La producción estuvo a cargo de: Columbia Pictures, Rovio Animation, Rovio Entertainment y distribuida por Columbia Pictures. Puntaje:55.
Kevin Costner el conductor sentimental de un perro. «Mi amigo Enzo» una película que ilustra y conceptualiza la vivencia de una mascota que enfrenta contra viento y marea la comprensión sobre las emociones humanas. Sus propias ideas, sentidos y astucia. Hay un tratamiento particular atento a la perspectiva canina. Por. Florencia Fico. El argumento de proyección cinematográfica es sobre un perro al que su dueño Denny Swift (Milo Ventimiglia) le pone el nombre «Enzo» por el creador de la fábrica automovilística Ferrari ya que él es un piloto de carreras. El título original de la película estadounidense «El arte de vivir bajo la lluvia» no es azaroso se justifica por muchos momentos en estados críticos de los personajes. Ya sea por la muerte, enfermedades, deseos postergados, carreras perdidas, distancias entre familiares, ausencias, desesperación, denuncias injustas y padecimientos que se instalan en todo el filme. La fotografía de Ross Emery inicia una captura general sobre el animal ya adulto acostado en el suelo haciendo zoom en el encuentro con su amo Denny quien lo alza lo que crea una escena de contención, apela al vínculo eterno con la mascota. Por otro lado hay planos americanos que muestran el contacto entre ellos cuando ven en televisión carreras y Denny toma las patas de Enzo como manubrio que demuestra otra sensación la de ternura. La cámara se sumerge en la casa de Denny para visibilizar su amistad. Por un lado, Ross Emery también logra de manera exitosa ubicar una cámara sobre la cabeza del perro similar a un contrapicado que nos pone en la piel de la mascota. Su mirada, perspectiva, mareos, juegos, travesuras, la cotidianidad diaria, imaginación y caminatas extensas con Denny. Elabora un libro capítulo a capítulo del perro desde su adopción hasta su último aliento. Por otro, la permanente autoridad de los humanos sobre los animales, expone las tristezas de los personajes, los retos e insultos a Enzo, cuando rastrea comida, las confesiones que cualquier persona le hace a su mascota, la tranquilidad que les transmite tocar su pelaje y sentirse mejor. Milo Ventimiglia in The Art of Racing in the Rain (2019) La dirección de Simon Curtis tiene como punto de partida la voz de Kevin Costner para la narración del guion que Mark Bombak que conjuga en base a la novela «The Art of Racing in the Rain» de Garth Stein y las interacciones con los diferentes actores. Costner es el vocero interior de Enzo sus pensamientos, reflexiones, expresiones, inseguridades, manifestaciones lúdicas, sus gustos como perseguir autos, escuchando conversaciones, su observación en las pistas de carrera, exclamaciones, interrogantes y acompañamiento incondicional casi lazarillo y no el de Tormes si no con rebeldía y osadía. El actor Kevin Costner con su voz grave y rasposa pone en evidencia el paso del tiempo, la intensidad y contundente convicción de las percepciones de una mascota a través de su registro vocal que siempre se relaciona con liderazgo. Costner fue empresario y deportista en distintas disciplinas con éxito. Así sucedió cuando repuntó el género del western o películas con enfrentamientos entre vaqueros. El que género que despliega el filme es comedia dramática y compañerismo con animales. Al comienzo Enzo es un explorador en una nueva casa, hace sus necesidades donde no debe lo que provoca risa aunque esa incontinencia le servirá para también mostrar su enojo con los personajes. La convivencia con Denny es un aprendizaje de sus conductas cuando Denny se propone ser corredor de Fórmula 1; Enzo escucha los comentarios deportivos en los programas de televisión sobre distintas estrategias para ganar los torneos. Enzo se convierte en un amuleto de buena suerte para Denny en las carreras. La mascota se apropia de los comportamientos humanos, sus emociones, ansiedades, depresiones, angustias y la demanda intelectual para pasar todos los niveles para llegar a la victoria. El perro tiene en su mente palabras como: «adrenalina», «aceleración, «paciencia», «velocidad», «presión», «motores»(y su sonido), «maniobras», «equilibrio», «riesgo» y «gasolina»( a partir del olfato). Amanda Seyfried in The Art of Racing in the Rain (2019) Denny conoce a Eve (Amanda Seyfried) una profesora de inglés con una sonrisa cautivadora y Enzo reconoce en ella distintas fragancias, cuidados, protección, calma, sus caricias y su empeño en apoyar a Denny a cumplir sus sueños. Ahora la atención se corre a ella pero Enzo es espectador del romance y comprende que es un nuevo integrante del hogar. La acompaña cuando se casan cerca del océano él lleva los anillos de compromiso, también en su embarazo, las patadas de su vientre cuando se mueve y él oye la situación. Aunque ahora la palabra que empieza a rebotar en la familia es: «el dinero». La plata es el desencadenante de los principios dramáticos del filme, las peleas y discusiones con el mantenimiento del hogar. Los abuelos maternos de «Zoe» la niña recién nacida del matrimonio empiezan a entrometerse y juzgar el estilo de vida de Denny cuestionan su vocación, redito y estabilidad económica. Eve defiende a su pareja y sostiene a veces de manera muy solitaria el oficio de su marido. Esto comienza a pasarle factura en su salud y Enzo está ahí ve sus vómitos, malestares y desmayos imágenes que ponen en manifiesto tragedia, preocupación por esconder su debilidad ante Denny para que él se enfoque en llegar a ganar pero pierde. Amanda Seyfried in The Art of Racing in the Rain (2019) En una caminata en un bosque Eve se desploma y Enzo empieza a ladrar tanto que la van a asistir con una unidad de emergencias sanitarias, en sus estudios descubren cáncer. Ella se traslada a su hogar natal con sus padres para pasar su tratamiento con ellos. Esto limita su relación con Denny y Zoe asimismo él debe hacerse cargo del hogar y empieza a trabajar como mecánico para llevar sustento a su casa. Cuando fallece Eve sus padres quieren quitarle la custodia a Denny lo que completa el panorama amargo y hostil para Denny, sumido en una profundo decaimiento en este tiempo su rendimiento cae, todas sus ilusiones se desmoronan. Pero ahí está Enzo quien le sigue, anima y estimula a continuar con sus anhelos como querría Eve, ese espíritu que jamás renuncia y renace en el alma del humano como defensa y resiliencia. La adaptación a cargo de 20th Century Fox que hicieron los productores de «Marley y yo» en «Mi amigo Enzo» pudieron darle un giro impredecible cuando se apuesta a un filme con componentes simples como la participación de Kevin Costner como narrador lo que le sumó seriedad al guion. La interpretación de Amanda Seyfried conmueve la actriz transfiere sus diferentes estados de ánimo la resistencia y sufrimiento. Milo Ventimiglia es un actor transparente sus escenas le dieron posibilidad de mostrar distintos matices ya sea melodramático y aplicado con la competición que lo aprovecha de sus actuaciones como el hijo de Rocky Balboa o jugador de fútbol en She’s All That. La cinta dura 109 minutos y tiene el siguiente reparto: Milo Ventimiglia, Amanda Seyfried, Kevin Costner, Kathy Baker, Gary Cole, Karen Holness, Martin Donovan, Al Sapienza, McKinley Belcher III, Nicole Anthony, Ryan Kiera Armstrong, Patrick Roccas, Aliza Vellani, Elizabeth Bowen, Andres Joseph, Ian Lake, Leo Li Chiang, Gianpiero Cognoli, Eli Gabay, Donald Heng, Jim Pagiamtzis, Lily Scott, Cindy Senaud e Ian Hawes. La producción estuvo a cargo de Original Film, Starbuks Entertainment y Universal Pictures. Puntaje: 85.
La película inglesa “Poms” afianza la impronta de Zara Hayes directora del filme quien visualiza el destrato a las mujeres mayores de edad pero con diversión y baile. Las compañeras de la protagonista “Martha” apoyarán un sueño en la vejez, ella quiere ser porrista. Por. Florencia Fico. La directora Zara Hayes fue encargada del documental deportivo “La batalla de los sexos” sobre la partida de tenis que confrontaba al campeón Bobby Riggs y hoy premiada en Wimbledon femenino Billie Jean King en 1973. En esta pieza cinematográfica la cuestión de género demuestra la superación y potencia femenina al alcanzar la victoria; a pesar de la poca difusión, financiamiento y burlas sobre su dudosa fortaleza. El título oficial en inglés es: “Poms” en español “Mejor que nunca” un filme que expone la historia de Martha (Diane Keaton) una mujer de tercera edad vendedora de objetos en remante, sin hijos y viviendo 45 años en el mismo departamento se cansa y decide alojarse en una residencia de ancianos. Impulsada por su amiga Sheryl (Jacki Weaver) emprenden realizar un grupo de animadoras con mujeres de su misma franja etaria. Aunque lo que empieza como un momento de recreación se transforma en una actividad profesional y tienen la idea de ser miembros de una competición. Con esta meta se asocian a una joven cheerleader (Alisha Boe) que coordinará al equipo y las ejercitará y ” ¡Ellas demostrarán que nunca es tarde para darlo todo!”. Haynes en “Poms” muestra otra discriminación de género pero por edad donde las mujeres dependen de la aprobación de sus hijos para contar con su dinero para los uniformes; es decir la sumisión económica. “Nadie quiere ver a un montón de ancianas con falda corta”, comenta un hijo de las mujeres. Asimismo las demandas por parte del hogar de residencia que las obliga a ser al menos ocho y las ven como una ocupación promiscua, obscena y fuera de los estándares morales del espacio. Además cuando inician participando en un pequeño duelo entre ellas y unas muchachas adolescentes son filmadas en su performance; el video pasa a ser viral y las críticas son más fuertes, risas y comentarios poco felices. El guion de Shane Atkinson (Historia: Zara Hayes) propone también darles poder a aquellas mujeres. Por un lado, cuando Martha les propone mirarse en frente de un espejo y observarse para luego decir que les gusta de sí mismas. Ellas responden: su pelo, manos, muñecas, sonrisa, sus pechos. Por otro, en el momento de la audición cada una propone su talento en la danza o destreza entre las aptitudes se encuentran: tango, rock and roll, disco, yoga y bastoneo. Una escena que pone especial atención a las canciones elegidas por Pedro Bromfman ellas son: “Man, I feel like a woman” y “American Woman”. También la aceptación de sus propios límites físicos aunque para cuidado de ellas mismas. Muchas de ellas enfrentan mareos, reposición de pierna, dolor al levantar los brazos, cáncer, inflamación en el ciático e inestabilidad. Con esta lista de antecedentes médicos hacen entrenamientos apropiados y aconsejados para seguir en ritmo para la competencia sin bajar la guardia a su anhelo ganar una competencia regional de baile como porristas. El género que desborda lo da la dupla cómica Sheryl – Martha. Ambas distintas pero complementarias. Sheryl es profesora de Educación Sexual, juega póker a altas horas de la noche, tiene una sensualidad que atrae a todos, segura, directa, abuela y muy colaboradora. En cambio Martha es silenciosa, retraída, poco sociable, muy rígida, rutinaria, sarcástica e irascible. En una de las locuras de Sheryl, al no permitirles que ensayen en la residencia de ancianos, va al secundario de su nieto donde ella da clases y desarrollan sus coreografías con su joven jefa animadora. Se ve perjudicada por el video que pasó por las redes sociales; sin embargo ella no lo subió si no una compañera y se compromete a prepararlas en poses osadas, sexys y arriesgadas. Ésta combinación da como resultado un humor irónico lleno de conversaciones íntimas que las sacan de sus personalidades originarias. Asimismo se mezclan y generan una amistad de mutua contención y esperanza. Martha le comenta a Sheryl su quimioterapia abandonada, un deseo pendiente y el cuidado que tuvo con su madre que la alejó de su aspiración. Lo que hace que su amiga Sheryl sea más consciente, implicada con su salud y cuidadora sin querer de su compañera. En un momento de recaída Martha es llevada a un sanatorio y se despierta con Sheryl abrazándola en su cama una escena imperdible que evidencia la mixtura de una tragicomedia y amor entre pares. El reparto completo lo conforman: Diane Keaton, Jacki Weaver, Pam Grier, Celia Weston, Rhea Perlman, Charlie Tahan, Bruce McGill, Alisha Boe, Phyllis Somerville, Suehyla El-Attar, Sharon Blackwood, Carol Sutton, David Maldonado, Frank Hoyt Taylor, Charles Green, Patricia French, Robert Larriviere, Alexandra Ficken, Maxwell Highsmith, Henardo Rodriguez, Karen Beyer, Kevin Petruski Jr. y Wesley Williams. La producción fue una coproducción entre: Reino Unido-Estados Unidos; Sierra Affinity, Mad As Birds y Green Rose Pictures. Puntaje: 85
Una revista está en crisis y “Paula” busca rescatarla con una opinión personal aunque descubra el complejo mundo de la crianza de un grupo de madres y sus dificultades. La película argentina se sostiene en base al humor y las vetas interpretativas de Julieta Díaz. Por. Florencia Fico. El director Marcos Carnevale relata la historia de “Paula”(Julieta Díaz) que es la editora en jefe de una revista para mujeres con las siguientes convicciones: ” liberales, independientes y comprometidas”. La publicación no le rinde está en pérdida, para superarla se le ocurre con su colega redactar una columna sobre maternidad. Paula con su capacidad interpretativa y en vez de promover el ideal romántico de la maternidad, se vuelca a todo lo contrario. A partir de ahí se cuestiona “Razones para no ser madre”, se aborda quitar las leyendas acerca de la maternidad y que accidentalmente se modifica de repente en un acontecimiento entre las mamás y no mamás. Además ella misma no tiene ganas de gestar, tiene una postura radical como estilo de vida en torno al tema. Sin embargo empezará a distenderse cuando dos integrantes se trasladan a su mismo piso de su departamento: Rafael (Pablo Echarri) y Rocío su hija. Los filmes de Carnevale transitan por tópicos discutibles en Corazón de León la estatura, en Anita el trastorno genético de Síndrome de Down y ahora la maternidad deseada o no. El filme “No soy tu mami” transita tópicos que son controversiales y pone a la protagonista como eje en constante introspección con sus prejuicios y la experiencia cotidiana que la atraviesa. El guion de Carnevale reescribe la percepción sobre la maternidad en un ida y vuelta entre Paula con un grupo de mamás que conoce por medio de Rafael quien le pide que lleve en ocasiones a su hija al jardín de infantes. En una escena entre Paula y Rocío surge una metáfora la ausencia de la madre de Rocío. La fotografía de Horacio Maira las conecta y alude en enfoques a la plastilina con la que juega la niña haciendo dinosaurios a la flexibilidad de las situaciones. El dialogo entre ellas, Rocio le dice “mamá” a lo que Paula le responde que no lo es, si no una amiga. Asimismo que los animales prehistóricos desaparecieron y Rocío contesta: “Mi mamá no va a volver se extinguió”. Un fragmento que cambia y sensibiliza toda la filosofía de vida en Paula. Un retrato con nueva perspectiva y apertura a la visión a partir de los chicos. Paula no acepta escribir sobre lugares comunes de revistas femeninas éstos son: manualidades, cómo levantarse a un tipo, métodos de depilación definitivos, qué trenza queda mejor por tu signo, 10 tips para planchar y la “camocina” : cama más cocina. La hermana de Paula le sugiere escribir desde el rechazo a ser madre. Aunque luego se convierte en un tema de discusión porque utiliza sus confesiones personales para sacar provecho y hacer sus notas. El usufructo de su vínculo entre Rafael, Rocío y las madres le aporta contenido a sus columnas, por ejemplo: sus hijos son demandantes e intransigentes, el ajuste en los gastos, la comunidad de WhatsApp entre las madres, la confección del Mamá Concert Musical. Por un lado, el no desarrollo de su oficio frente a la crianza de sus chicos. Ellas se ven a veces arrepentidas y castigadas a la doble función: “Maternidad y profesión”. En una salida con las mamás Paula le pregunta: ¿Qué extrañas de la vida antes de ser madre?, y ellas contestan: dormir, las relaciones sexuales, el disfrute de pareja, el romance y una confiesa: “Nace un hijo nace un miedo”. El sexo y la diversión le es una odisea en sus vidas entre otras cosas como: “La pesadilla de los cumpleaños”, el encargarse de las enfermedades y remedios cuestión que las agota y no le dejan tiempo para su espacio personal. Por otro, a Paula como periodista y soltera se le hacen recriminaciones por no tener una relación estable ya sea por su amante casual (Sebastián Wainraich), el no querer ser madre, le proponen la conservación de óvulos. Pero ella es combativa, analítica y no se deja llevar por el reloj biológico. Aunque siempre se hacen primeros planos al despertador cuando amanece a veces triste, contenta, desvelada y con preocupación. La columna “anti maternidad” se ve tambaleante cuando Paula comienza a enamorarse de Rafael y se relaciona con todo su núcleo. “Mollo” la niñera de Rocío a través de su humor descarado y prepotente le hace ver la necesidad que no desilusione ni dañe a la niña y su papá. Le comenta que “Pilar” la mamá de Roció hace un año y medio que está fuera del país, ellas solo se relacionan vía Skype, prefirió su vocación como bióloga marina que su maternidad y le envía regalos por encomienda. El género preponderante es la tragicomedia entre el mejor amigo de Rafael y él. Su compañero (Christian Sancho) es desubicado y arrogante, Rocío y Paula demuestran una alegre ternura entre vecinas, también las capo cómicas Valeria Lois y Daniela Pal, ellas son un unipersonal dentro de la película con las que uno rompe en risas. Las duplas dan un gran aporte a la cuota de humor en diferentes secuencias. Paula ayuda a Rafael con una lastimadura en la mano y va con él al hospital todo un día con su hija. En el pasillo de sala de espera, habla con Rocío y hacen el juego de hacer silencio. Pero Rocío no para de hacer acotaciones. Le pide ir al baño y que le narre un cuento para poder hacer sus necesidades ella le lee un texto que encontró por ahí y no funciona aunque cuando ellas conversan se distiende y logran acompañarse. Rocío (Sofía Orel Vladimirsky) hija de Rafael le gustan las cucarachas son como sus mascotas y en la venta de un caserón lo sigue él; que es martillero público; y no concreta la negociación porque ella aparece en el cuarto del baño de sorpresa con una cucaracha en sus manos lo que asustó a los clientes y a sus nuevos compañeros en la escuela. Rafael conoce a la madre de Rocío en la secundaria y no planearon el embarazo aunque él se hizo cargo de su crianza. Él se da cuenta del aprovechamiento de Paula para con su hija en su sitio web y se enoja. En pleno Mama Concert Musical ambos participan y Paula admite sus culpas con las madres y Rafael; ella vestida de frutilla y él de banana un momento en el que la redactora reconoce el valor de ser madre. Una escena que combina comedia musical y testimonio en primera persona en la que Julieta Díaz quien en la vida real le costó pensarse como madre. A los 37 años tuvo a su hija Elena. Es un personaje que le dio la posibilidad de desplegar su carácter fuerte, ironía y emotividad. Un pasaje que evidenció los distintos matices actorales entre lo intolerante y comprensivo. La música de Fabio Góes hizo hincapié en la canción “Se quema” de la cantante Miss Bolivia. En ésta composición se habla de las imposiciones machistas que se dan a las mujeres en la actualidad. Entre ellas: sean quietas, dóciles, tranquilas, discretas, finas, flacas y completas. La proyección cinematográfica se deja tácito el interrogante: ¿Con hijos o sin ellos?, la decisión está en no callar y hacerse respetar sea cual sea su elección. Un tema que expone el deseo propio y la exigencia a las mujeres. Va emparejado al abordaje integral de Carnevale. Puntaje: 80.
La película estadounidense abre sus puertas a las mujeres de traje blanco y negro es el caso de Tessa Thompson quien personifica a la "Agente M". El filme hizo apertura a una nueva camada de detectives intergalácticos y gran animación en los seres alienígenas. La proyección cinematográfica cierra la época de los intérpretes Tommy Lee Jones "Agente K" y Will Smith "Agente J". Ambos personajes no poseen identidad y tampoco dependenden gubernamentalmente. Los objetivos de éstos empleados son no demostrar la existencia de extraterrestres en el planeta. La historia está badasa en el cómic de Lowell Cunningham. Éste espacio se consagra como una intitución oculta que registra y comanda las tareas alienígenas en la Tierra. En ésta cuarta entrega con "Men in Black: internacional" ya en su presentación de la icónica productora Columbia Pictures la mujer que tiene la antorcha ahora se pone los lentes oscuros; una clara referencia a la vestimenta usual de los Hombres de Negro originales. Se escucha la reconocida canción "Closing Theme" por Danny Elfman que engloba la orquestación del filme un gran acierto en musicalización de Chris Bacon y Danny que mexclan instrumentación con percusión a partir de triángulos, campanadas, coros fantasmales, bajos y una gran intervención de elementos musicales de aire. El resumen de ésta película se da por el nuevo desafío de los Hombres de Negro(Men In Black) quienes combatirán a una inmenso peligro un buchón en la organización MIB. La película dura 115 minutos es dirigida por F. Gary Gray y guionada por: Arthur Marcum, Matt Holloway. En fotografía Stuart Dryburgh dio grandes tomas de la torre torre Eiffel en París ya sea desde su base hasta su cúpula brillante y en su ascensor. En ese lugar aparecen Chris Hermsworth como "Agente H" y Liam Neeson "Agente T"; los oficiales que en apariencia son los mejores y triunfantes salvadores del mundo de una amenaza como lo es "La Colmena"; un grupo de villanos que toma la forma humana. Por un lado también el gran despliegue de tomas generales y abiertas en zonas como: Italia, Marruecos, Nueva York y Londres. En Marrakech la cámara se zambulle en sus laberínticos pasajes con tiendas con diferentes productos y la inmensidad del desierto en capturas panorámicas. En la locación londinense se vieron escenas más íntimas con gran montajes urbanos y en la central de Men in Black(MIB); subterráneos animados, referencias a alienígenas del pasado como los gusanos y Frank el canino raza Pug que le hace ingresar a Molly de forma no autorizada como lo hizo con Will Smith en su momento. Aunque no finalizan los problemas y ahí viene "Molly" una muchacha que trabaja aburrida en un call center en atención al cliente. En su infancia se topa con una especie alienígena la protege de unos agentes que portan el histórico "desmemorizador" ésta escena no la puede borrar de su memoria y la marca de por vida para ser una ruda e incansable justiciera. Molly Wright es de Brooklyn un barrio con familias tradicionales y ella rompe con esas estructuras. Molly es descartada por algún motivo de los entes más importantes de seguridad en Estados Unidos ya sea el FBI y la CIA por algún ítem en los que encuentran que ella es un poco inestable psicológicamente. Nada más absurdo y desmerecedor de su talento como: detectar actividades de objetos no reconocidos, su astucia detectivesca, su investigación minuciosa, el manejo de la tecnología y reparación de motos aéreas. Es algo innato su olfato en las misiones que le tocan con el "Agente H"; su mentor. El género predominante fue la ciencia ficción con la creación infinita de diferentes especies donde lo curioso es el hallazgo de nuevos seres de otros mundos encubiertos y sobrevivientes por la asistencia y colaboración con los MIB. Asimismo acción con diferentes persecuciones entre fuerzas malignas o anti extraterrestres y los agentes de MIB. La comedia es el gran fuerte de del guion y la dirección en la película la mixtura entre Tessa y Chris como nueva dupla de generan dos personajes que se complementan. Molly y Henry son opuestos que se atraen, ella una gran analista él un descuidado agente fanfarrón que por su mérito cree que puede arrogarse cualquier logro. Ella tensará el hilo de éste agente a quien pondrá en ridículo, ella propagará confianza con los alienígenas que le darán poderes que él jamás obtuvo un arma capaz de demoler hectáreas de tierra. Un vestigio queda de la química entre Valquiria y Thor sus antiguos personajes en la trilogía fílmica sobre superhéroes y traidores. Otra de las grandes discusiones que da la obra fílmica es el ubicar a la mujer como eje de cambio para las mentalidades de los hombres que por su brutalidad, ambición de liderazgo e ineptitud dan paso a nuevas guerras en vez de concluirlas. Las figuras de Tessa como “Agente M” y Emma Thomson como líder de la organización MIB en Nueva York empiezan a abrir camino a las Mujeres de Negro Emma como “Agente O” vuelve a la saga de MIB y descubre en Molly un interés en común: “ La verdad del universo”. Tanto la autoridad como la agente a prueba dan el marco para visibilizar la capacidad de mando, entrega e inteligencia en distintos puestos. Dentro del campo de batalla y por fuera ideando lógicas de entrenamiento y capacitación. No solo fue agregarle una pollera al traje de los agentes si no darle contenido a esa protagonista tan llena de curiosidad. El reparto estuvo compuesto por los siguientes actores:Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Liam Neeson, Rebecca Ferguson, Emma Thompson, Kumail Nanjiani, Rafe Spall, Tuncay Gunes, Davina Sitaram, Nasir Jama, Viktorija Faith, Penelope Kapudija, Stephen Wight, Anatole Taubman, Natasha Culzac, Ruth Horrocks, Bern Collaco, Marcy Harriell, Hiten Patel, Rene Costa, Adrian Alvarado, John Kamau, Stephen Samson y Jeff Kim. La producción estuvo a cargo de: Columbia Pictures, Amblin Entertainment, Original Film, Sony Pictures Entertainment (SPE), Parkes+MacDonald Image Nation, The Hideaway Entertainment y Tencent Pictures. PUNTAJE: 80
Rocketman el ícono surrealista del pop La película biográfica del pianista Elton John desplegó una producción, que mezcla realidad con ficción, un guiño al superrealismo. Una composición donde guión y la elaboración de ilusiones visuales juega un rol impactante a la hora de plantear sensaciones a los fanáticos del gran cantante londinense. Por. Florencia Fico. En dos horas el filme sobre Reginald Kenneth Dwight más conocido como Elton John quien de chico fue becado por su talento frente al imponente instrumento de teclas blancas y negras en la Royal Academy of Music. Logró llegar al estrellato globalmente debido a su intercambio y largo trayecto con su socio asistente y compositor Bernie Taupin. El filme es de Reino Unido y cuenta con el siguiente reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard, Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Viktorija Faith, Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon, Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz y Graham Fletcher-Cook. Actualmente ganó en la “Sección oficial largometrajes (fuera de concurso)” en el Festival de Cannes. La dirección estuvo a cargo de Dexter Fletcher impregnado por el éxito de Bohemian Rhapsody encontró otro enfoque muy diferente menos cronológico y con más carga en el impacto visual. El empieza su filme en pleno momento de crisis en la vida del artista en terapia de grupo un buen giro al narrar una historia. El realizador fluctua entre una locación íntima donde Elton John (Taron Egerton) es el único que repasa su vida y la recrea de una manera exagerada, desesperada, musical y puntos críticos donde los límites entre lo verídico y la inventiva de el mismo Elton John se ve perfilada y diseñada. John como productor de su filme convirtió el set de grabación en una secuencia de eventos disparatados y estridentes. Donde Fletcher tuvo que ordenar sus piezas concretas y auténticas para esbozar un plano más realista, asimismo, intentar un filtro coherente. Taron Egerton como Elton ingresa al cuarto, con un entero rojo similar a la figura del diablo. Además cuernos brillantes en su capucha. Él se hace presente y empieza a diagnosticarse él mismo como: alcohólico, bulímico, adicto al sexo y las compras, sin control de la ira y drogadicto. Un díalogo, de por sí intimidante y testimonial buen recurso que utilizó Lee Hall al combinar flashbacks, imágenes delirantes y ampliar el espectro dramático del filme. Hall el guionista se afirmó en la técnica narrativa que trata de entremezclar en la progresión de una charla o grabación musical con frases o acontecimientos previos al que relata el personaje de Taron en su momento de rehabilitación de todas sus patologías. El filme tiene como productoras a: Marv Films, Rocket Pictures, Marv Studios, New Republic Pictures y Pixoloid Studios y distribuída por Paramount Pictures. El género dramático ganó impulso por la pluma del guionista al tratar la vida personal de Elton el desprecio y abandono de su padre Stanley Dwight(Steven Mackintosh) lo que le generó un vacío emocional intenso. Nunca le dio un abrazo pero él pudo sanarlo dándoselo a sí mismo; una toma figurativa que deja entrever el surrealismo. Siguiendo con las etapas drásticas de su intimidad la visión aberrante y mosntruosa de su madre con su elección sexual como homosexual. Bryce Dallas Howard como Sheila Eileen la mamá del cantante recibe la noticia telefónicamente y hace una pausa y su rostro se trasforma pero de forma sarcástica le responde: “Prepárate para estar solo, nadie te amará”. Bryce Dallas Howard in Rocketman (2019) Taron como Elton rompe en llanto y da una serie de conciertos ebrio y consumiendo sustancias, los escenarios le dan vuelta con su piano y en ese mareo irreal demuestra su depresión y angustia. En un intento de suicidio se vio en el fondo de su piscina se vio como un niño astronauta toca un piano y lo cautiva, ésta escena capturada desde las profundidades toca el corazón de los espectadores. La mezcla de ensoñación y la cruda vivencia del artista quizá manifiesta de una forma poética. A la que se le agrega un musical y las personas que intentan salvarlo como siluetas de sirenas y delfines. Se le suma una entrada al hospital con médicos que también se unen al baile. Flota en la película la esencia surrealista y creativa muchas de sus adquisiciones fueron sobre vanguardias artísticas como un cuadro cubista analítico que se lo enfoca en primer plano. Parte también de su híper consumismo. La musicalización por Elton John y Matthew Margeson pasaron desde sus influencias por el blues ya que su primer trabajo fue tocar como pianista en un bar de su barrio cuando se alejó del conservatorio clásico que no lo conformaba, luego fue motivado por el naciente “Rock and roll” de Elvis Presley y decidió formar parte de la banda Bluesology, en su mayoría integrada por descendientes afroamericanos y él como su tecladista. Posteriormente en su colaboración con el letrista y compositor Bernie Taupin (Jamie Bell) cobró notoriedad cuando ambos fueron a probarse como nuevos talentos por medio de un aviso publicitario bajo el sello de Ray Williams aunque ya tenían muchos pianistas lo contrataron con la idea de escribir temas para la compañía discográfica. Bernie fue su primer amor aunque no correspondido en la sensualidad se basó la melodía “Your song” que lo hizo ingresar a las listas estadounidenses y estar en el podio 10 en Estados Unidos. La fotografía de George Richmond fue un calco del histrionismo y la visible etapa de rock glam que visibilizó la característica forma de plantarse del artista, saltando sobre su piano, posándose sobre él, la postura de frontman, subiendo gente a su escenario, en una disco su costado más sexual con actos explícitos en orgías con hombres, mujeres y drags queens. Sus ataques de furia y agonía. Un detalle no menor fue el inmenso vestuario que bien le calzó e interpretó Taron como Elton. El actor usó lentes de todas formas, colores, marcos y brillantes. Emplearon géneros textiles como pieles, animal print, engomados, plumas, cuero y corderoy. Por otro lado Taron se mimetizó tanto con el artista que se vieron muecas propias de Elton, su forma de gesticular cuando aprieta mucho sus labios e insolencia. Taron personificó humorísticamente y seriamente fotografías documentales del artista por ejemplo: un hada madrina, un béisbolista americano o un pavo real. Además poniéndose: coronas con tentáculos dorada o armadas con estrellas, enterizos, botas con taco, sombreros, accesorios extravagantes que lo ubicaron como el personaje más distinguido, atrevido y moderno del pop londinense. Puntaje: 95.