Como casi siempre sucede con películas basadas en series de televisión, el texto en el filme peca de poco desarrollo de los personajes, esto es vivenciado por aquellos que no ven la serie, si bien no es tan perjudicial, siempre queda la sensación de no saber la razón de algunas acciones de los personajes, ya que determinadas
Este filme marca el debut en la gran pantalla como guionista (re escritura de un guion de los hermanos Slavich) y director de Lucas Vivo Gracia Lagos, con experiencia televisiva de la que puede desprenderse desde la estética pero sin hacer un buen anclaje en lo estrictamente cinematográfico. Franklin, es un thriller policíaco que sigue la historia de un ex luchador y una prostituta mientras intentan desligarse
Nicolas Cage se personifica a si mismo en este largometraje, como un actor venido a menos, cualquier parecido a la realidad no es pura coincidencia. Ni es la primera vez que sucede, que un actor con visos de estrella en el pináculo de la fama se desabarranca, como dice el dicho “Lo difícil no es llegar, sino mantenerse”. Por otras razones, externas a ellos muchos actores sufrieron hasta pasar al olvido, Linda Blair fue
Esta compulsión que se promueve en Hollywood de iterar producciones de otras latitudes al gusto yankee, no tiene filtros ni limites. Todo sea para que el espectador medio del gran país del norte tenga acceso a relatos que parecen ser originales. Esta versión del filme belga “La Memoria de un Asesino” (2003), cuyo titulo original es “De Zaak Alzheimer” cuya traducción literal seria “El Caso del Alzheimer”, viene
Este filme se podría definir como la experiencia de dos personas comunes en situación extraordinaria, desde dos puntos de vista. La primera en consonancia con el texto y la segunda directamente ligada a los actores. En esta ultima sus protagonistas no tienen demasiada experiencia en filmes que se encuadren en el género del thriller, si en la comedia que sirve como estructura narrativa para el
Este filme, cuyo titulo original es “Mestari Cheng”, siendo su traducción literal “Maestro Cheng”, significa el retorno a la comedia por parte de Mika Kaurismaki. Hagamos un paréntesis. Un llamado a la solidaridad, podrían pedirle a los directores Kaurismaki hacer como Andrei Konchalovsky y Nikita Mijalkov, que también son hermanos, todos los saben, nadie se confunde. En este caso, el director es hermano de Aki Kaurismaki, también director de “Un Hombre Sin Pasado” (2002), “Le Havre” (2011) entre otras, en tanto este que nos convoca, su hermano mayor Mika, es conocido por el público argentino a partir de “Divorcio a la Finlandesa” (2009), “Reina Cristina” (2015), principalmente. Aki tiende a retratar personajes extraviados, decadentes, infaustos en la vida cotidiana, los que utiliza para instalar cierta critica social, Maki entretanto aboga más por un cine derivado de la literatura. El titulo elegido para su estreno en estas playas peca de anticipatorio, no es que haya un misterio por resolver, a partir de la mitad del metraje, es bastante previsible, sin embargo posee algunas pequeñas vueltas de tuerca, que de no ser por “Un Amor Cerca del Paraiso”, sería menos evidente, tendría más atractivo. Convengamos que no es el edén borgiano, Borges pensaba al paraíso como una gran biblioteca llena de libros, este es más bíblico si se quiere. Cheng (Kong Pak Hong Chu), llega acompañado de su hijo pre- puber Niu Niu (Lucas Hsuan) a un pequeño pueblo en la región de Laponia, la más septentrional de Finlandia, donde la densidad de población es menor a 1 habitante por kilómetro cuadrado. Una Estacion de servicio con un restaurante es donde los deja el bus, Cheng que habla poco ingles y nada de fines pregunta a los presentes si alguien sabe algo de “Fongtron”, recibiendo respuesta negativa de parte de todos. No tiene a donde ir, no hay hoteles en el pueblo. Sirkka (Anna – Maija Tuokko), la dueña del restaurante, le ofrece una habitación lindante al restaurante para que se quede con su hijo. Una noche que se convertirá en muchas, el insiste que está en el lugar indicado para encontrar “Fongtron”. Lo fortuito y no tanto se hace presente, un contingente de turistas chinos se detiene en el lugar, pero solo hay comida cotidiana para los lugareños, que no es del agrado de
Esta coproducción entre Tailandia y Corea del sur es presentada como del genero del terror. La versión que nos llego avisaba que era una proyección doblada al español, primer sorpresa, el doblaje era de muy buena calidad, mayormente el audio queda despegado de la imagen, no es el caso. La segunda sorpresa es que apenas comienza nos enfrentamos a una estetica de documental, voz en off, personaje hablando a camara como si fuese una entrevista. Sin embargo el director utiliza algunos elementos inherentes al lenguaje para darnos a entender que es un “Falso Documental”, como primordial el uso de música incidental que empatiza con las imagenes, los movimientos de camara, los planos con que construye el relato y por supuesto el montaje. Todo apunta a adentrarnos en el seguimiento de un grupo de documentalistas con intenciones de retratar, registrar el chamanismo, las prácticas espirituales de la gente de Isan en el noreste de Tailandia, siguiendo a Nim (Sawanee Utoomma), una costurera de mediana edad quien es el receptáculo seleccionado por un espíritu ancestral que ha "protegido a los aldeanos durante mucho tiempo". Su hermana mayor Noi (Sirani Yankittikan) fue seleccionada originalmente por la diosa Ba Yan, pero rechazó el “mandato”. Nim viaja al funeral del esposo de Noi, quien murió repentinamente, esta y su joven hija Mink (Narilya Gulmongkolpech) comparten una casa con el hermano mayor Manit (Yasaka Chaisorn) , su esposa Pang (Arunee Wattana) y su pequeño hijo. Durante el velatorio Nim ve a su sobrina comportarse de manera demasiado extraña, percibe que Mink ha sido invadida por un espiritu, pero no es Ba Yan sino otro maligno. La idea de un ritual tipo exorcism
Esta nueva traslación de la novela de Stephen King, agrega poco y nada, (la sensación es que le saca), a la realizada por Mark L. Lester en 1984y que tenia como protagonistas a Drew Barrymore, David Keith, George C. Scott, Martin Sheen, entre otros. El estreno en EEUU mantuvo el titulo original, “Firestarter”, aquí la anterior se conoció como “Ojos de Fuego”. La novela de Stephen King no solo se refiere a la unificación más desagradable de todas, la CIA, la investigación médica sin ética y la psicología paranormal inmoral, sino que tiene por su construcción dificultades para ser filmable. Las ideas sobrenaturales del autor necesitan un enfoque humano o para no pecar de tontas, en este caso esta variable se queda a mitad de camino siempre, “Con tu DON no podes hacerle daño a la gente”….. le dice el padre (¿Adivine que?) Charlie McGee (Ryan Kiera Armstrong) es una niña tiene un poder extremadamente peligroso, la mejor definición del mismo sería algo así como “pirotelekinesis” puede lanzar bolas de fuego. Andy (Zac Efrom) y Vicky (Sydney Lemmon) sus padres, quienes intentaron infructuosamente que no diera cuenta de su capacidad. El padre manipula la mente de cualquiera, su consecuencia le sangran los ojos, la madre es telekinetica, pero en un grado menor. Ambos fueron, en su adolescencia, conejillos de indias en experimentos realizados por el gobierno, del cual huyeron y desde entonces intentan mantenerse ocultos. Hasta que un día en la escuela Charlie tiene un exabrupto y queda al descubierto, también sus padres, claro. El filme posee una estructura narrativa progresiva clásica, sin demasiadas búsquedas de ningún tipo, la dirección de arte es buena en tanto escenografía, el vestuario no tiene ninguna influencia, en cambio la banda de música es hiper presente, tratando de construir climas que no logra, pero que resulta molesta. En tanto centrándonos en las actuaciones, no hay una sola que pueda destacarse del resto, pero esto no es un halago, son todas mediocres. Cuando esto sucede el culpable, mas que responsable, es el director. La película esta presentada como dentro del género del terror, no asusta a nadie, nunca. Bueno, nunca no, termina dejando abierta la posibilidad de una continuación, y eso da miedo. Todos están detrás de la niña, agentes del gobierno que quieren examinarla, otros quieren usarla, hay quienes quieren destruirla y todo se incendia. Eso es todo.
Un director de teatro regresa a su pueblo natal para revivir la obra que lo hizo famoso 30 años atrás. Para ello buscará al elenco original e intentará convencerlos de que participen de su proyecto, entre ellos se encuentran su mejor amigo de la infancia, su amor de la juventud y una serie de personajes del pasado perdidos en la vida. Esto reza la síntesis argumental del filme, ¿Resulta conocida? Tal cual es casi la misma que la del filme “El Ciudadano Ilustre” (2016) del famoso dúo de directores Gaston Duprat y Mariano Cohn. Pasaron 6 años del estreno del filme ganador del premio Goya a la mejor película iberoamericana, (No se con cuales competía) y llega a nuestras pantallas “Vuelta Al Perro”, estableciendo algunas diferencias, claro. Daniel Mantovani es un escritor argentino que vive en Europa desde hace más de cuatro décadas, consagrado mundialmente por haber obtenido el premio Nobel de literatura, al que le llega una carta de la municipalidad de Salas, su lugar de nacimiento, en la que lo invitan a recibir el máximo reconocimiento del pueblo: la medalla de Ciudadano ilustre. Sorprendentemente y a pesar de sus importantes obligaciones y compromisos, Daniel decide aceptar la propuesta y regresar de incógnito ¿? por unos pocos días a su pueblo. Si en la anterior era un escritor ganador del premio Nobel de literatura (que otro podría haber ganado?) en esta nuestro “héroe” es un ilustre ignoto. Ricardo Darring (Daniel Di Cocco), como Darin pero con doble r y g final, chiste repetido varias veces en el filme,acepta la propuesta de su amigo de la infancia Jorge Salcedo, actual intendente de su ciudad natal, para el reestreno de su primera obra de teatro, con motivo de la re-apertura del Teatro Municipal. En este viaje se reencontrara con los actores originales de la obra, su noviecita de la adolescencia, nada sabe de las peleas entre ellos, el queda en medio de una especie de guerra. Uno de los principales problemas, sin contar que de original tiene nada, son las actuaciones, dentro del elenco las diferencias en capacidades histrionicas son evidentes, demasiado diría. Aparece Rafael Ferro, haciendo de si mismo y le sale perfecto, Alfredo Castellani, eficiente como siempre y Germán Da Silva al que ningún papel le queda grande, este le queda chico. El resto del elenco, sobre todo los principales, los personajes de Ricardo, Jorge y Marcelo, en donde se establecería el conflicto a desarrollar, pelean por parecer al menos un poco verosímil, el texto no ayuda, no hay demasiado desarrollo de los personajes, la única presentación aceptable es la de Ricardo y convengamos en que los diálogos tampoco favorecen. El guion se muestra demasiado previsible en tanto avanza el relato, plagado de lugares comunes, demasiadas veces transitado. Otro punto bajo en esta producción es el sonido, no hay respeto por los planos sonoros, (al menos en la proyección que estuve presente), da lo mismo si los personajes hablan en un primer plano que si lo hacen a 100 metros en un plano general. ¿No hay sonido ambiente en esa distancia? Respecto de la dirección de arte, incluida la fotografía, cumplen con su cometido, no parece haber demasiada elaboración respecto al vestuario, tampoco es que se necesite, las imágenes son claras y funcionales al relato, pero nada más. El actor principal es el padre del director. ¿Todo quedará en familia?
El estreno de este filme viene a confirmar la decadencia cultural en la que estamos inmersos, no solo por el filme en si mismo, sino por el lugar que ocupa en tanto estreno cinematográfico. En otras épocas, en mi adolescencia al menos, se alababan los estrenos de filmes como “Pieza Inconclusa Para Piano Mecanico” (1977) de Mijalkov o “Gente como uno” (1980) de Robert Redford, “El Joven Frankenstein”(1974) de Mel Brooks. Directores como Ingman Bergman, Michelangelo Antonioni, Akira Kurosawa, por nombrar algunos, claro que aparecía el entretenimiento y así se lo promocionaba. No estoy haciendo anclaje en la recaudación, en este sentido “Tiburón” de Steven Spielberg recaudo 4 veces mas que “Atrapado Sin Salida” de Milos Forman, ganadora de los 5 principales premios Oscar y Globos de Oro de ese año. El promocionar este filme como uno de los “estrenos” del año, como lo “esperado”, es lo que me hace dudar hacia donde se dirige el arte cinematográfico, que clase de adultos intentan formar inundando la cabeza de los adolescentes con este material. Desde este punto es que se puede decir que esta segunda entrega de “Dr Strange en el Multiverso de la Locura” es presuntuoso, vació de contenido, pura parafernalia de efectos especiales y algunas imágenes que impactan, CGI 3D (o IGC en español) pero nada mas. Hasta da pena ver muy buenos actores desperdiciados de tal manera, haciendo morisquetas repetidas veces, o circulando sin saber la razón exacta. Que el texto plantee la eterna lucha entre el bien y el mal no es novedoso, tampoco lo es el elogiar la sapiencia Sam Raimi, director de “Un Plan Simple” (1998) o “El Hombre Araña” (2002) y sus otras 2 secuelas, para manejarse en este genero, hasta se podría hablar de un retorno luego de casi de una década de ausencia cinematográfica. En esta oportunidad el Dr. Strange (Benedict Cumberbatch) debe salvar y secundar a America Chavez (Xochiti Gomez), ningún parentesco con el venezolano, de las manos de Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen). América tiene la capacidad de trasladarse de un universo a otro sin ninguna dificultad y sin poder controlarlo, ese don es apreciado por Wanda quien desea fervientemente poder establecerse en ese universo donde ella es solo una madre de dos hijos, para obtenerlo deberá extraérselo lo que determinaría la muerte de América, mas allá de la alegoría. Esta es la razón por la que el Dr. circulara a través de los distintos universos, enfrentándose a Wanda, a la personificación de él mismo, encontrándose con distintas versiones de su amada Christine Palmer (Rachel Mc Adams), pero en busca de detener a la malvada. Luego de dos horas de pura parafernalia, la solución se encuentra, como por arte de magia, a la vuelta de la esquina. En el camino tiene tiempo para imponer situaciones que en la actualidad lo ponderan como lo políticamente correcto, America tiene dos madres…….que en realidad tiene tanta importancia narrativa como las apariciones de Alfred Hitchcock en sus películas, el tebeo original es de la década del 60, no me imagino a Stan Lee y a Steve Ditko autor y creador de la historieta respectivamente, pergeñando esto. Aquí, se siente a Raimi como un director por contrato, pero uno que ha sido superado por los poderes fácticos en términos de permitirle imprimir su sello, transformando su estilo, bastante reconocible e icónico en un accionar con intenciones de marcar su territorio en algo en el que obviamente no tiene ninguna inversión. Tampoco ayuda que la cinta trate realmente de nada. Podríamos hacer mal uso de la lingüística y nombrar al filme como el “Multi Verso de la Locura” lo cual en termino coloquiales, cotidianos, la palabra verso significa mentira, multi es mucho, quedaría “Mucha Mentira de la Locura”. Los fans estarán de parabienes, esto no ha concluido, pues termina dando cuenta de su continuidad con la aparición de Charlize Theron personificando una bruja. Convengamos que la actriz sudafricana sigue siendo una atracción.