ROWLING LO HIZO OTRA VEZ Si existe un universo expandido de la saga de Star Wars, una serie de historias paralelas a la central que han alimentado y mantenido la memoria de la saga ante los seguidores originales pero sobre todo entre los nuevos adeptos ¿porque no iba a tener Harry Potter su propio cosmos? Esta película muestra la variedad y vastedad de historias que alimentan el mito de la historia del niño mago, que la escritora J.K. Rowling creó para acompañar el crecimiento desde la infancia hasta más de la adolescencia de una generación de escritores primero y de espectadores de cine después. Cuentan que cuando Warner se dio cuenta que terminada la historia de Harry Potter no tenía más ases en la manga, llamó a la autora de los libros originales y le rogó una coda. Rowling se negó a volver atrás en la historia y propuso hacer algo totalmente inesperado y creó un nuevo personaje, lo ubico en la década del veinte del siglo XX y creó un momento de tensión entre los magos. El nuevo personaje es Newt Scamander (Eddie Redmayne) y es un estudioso de los animales fantásticos que nutren al mundo de la magia. Newt los estudia pero a la vez trata de ser un defensor de ese universo que muchos magos no protegen particularmente. El film explica el delicado momento político que agita al mundo de la magia en el momento en que Newt viaja de Londres a Nueva York y eso marca el clima de todo el resto de la película. Raowling demuestra que tiene un imaginario frondoso, lo suficiente para que los espectadores de la historia de Harry Potter se olviden de aquella historia y se deje llevar por este universo extendido. Ni falta hace decir que a pesar de un comienzo fabuloso en el que los animales fantásticos se lucen, al poco rato se descubre que los animales son apenas un McGuffin (una excusa nunca explicada para hacer avanzar el relato) para contar la historia de magos adultos, recibidos de las academias del oficio, con problemas de relación, saliendo apenas de la adolescencia y aprendiendo a rozarse con el mundo que los rodea. Redmayne quizás sea demasiado actor para lo que a priori necesitaba la película, pero no está solo en esto de poner el cuerpo para asumir la historia que agita a su mundo y a los problemas de idiosincrasia y de relaciones entre el mundo real y el de los magos, además de las internas entre los mundos de los magos europeos y los de Estados Unidos. Newt no está solo en su aventura y para eso hay que decir que brillan tanto Katherine Wasterton cómo Don Flogger y Alison Sudol, que conforman junto al protagonista el grupo de aventureros clásico, con amores entre ellos y la necesidad de que el mundo de la magia no interfiera en el mundo real. La historia funciona y el espectador no iniciado puede fascinarse fácilmente con el mundo secreto de los magos. ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS Fantastic Beasts and Where To Find Them. Estados Unidos/Reino Unido, 2016. Dirección: David Yates. Intérpretes: Eddie Redmayne, Dan Fogler, Ezra Miller, Katherine Waterston, Colin Farrell, Alison Sudol. Guión: J.K.Rowling. Duración: 133 minutos
SOLO PARA EXQUISITOS Veo las cosas como son vamos de fuego en fuego hipnotizándonos Y a cada paso sientes otro deja vú Oh no. “Deja vú”, Gustavo Cerati En el comienzo de Hija única, de Santiago Palavecino, una serie de imágenes oníricas y melodramáticas son acompañadas por una pieza de música clásica, que marcan el tono que la película nunca abandonará. Un clima ominoso de verdades ocultas y de personajes que giran alrededor de una historia trágica de la época de la dictadura, que tarda años en resolverse y que acaso nunca termine de descifrar. La historia de Juan (Juan Barberini) un nieto recuperado que se entera de la verdadera historia de su vida -cuando ya tiene una vida-, un nombre y hasta una posición como director de cine es contada en tres momentos de tiempo distintos. Pero si la historia de Juan es compleja, hay que agregar las historias de las mujeres que están con él. En dos de los espacios temporales, la mujer es Ailín Salas, que interpreta a Delfina y a Julia. Y la otra mujer en cuestión es Esmeralda Mitre. Hay mujeres iguales, hay una hija que parece tener una madre biológica y otra de una dimensión diferente. Hay información sobre la carga genética que es lo que se recibe de los padres y que no. Si bien la película transcurre en momentos históricos diferentes y a pesar de ser uno de los temas principales de la película, no hay en Hija única ninguna de esas trampas demagógicas en las que se suele caer cierto cine nacional. Palavecino se maneja en el terreno del cine clásico melodramático y aporta con la puesta en escena y su cámara inquieta elementos del relato fantástico. Hay además un exquisito acercamiento a la intimidad de los personajes, con intérpretes que se lucen. La película es de una belleza visual impactante y tienen grandes momentos, ojo, presten atención al primer encuentro entre Juan y Julia, el viaje en jeep que culmina en una situación amorosa donde la cámara acompaña llevándonos con ellos. Por supuesto que no corresponde que divulguemos si los misterios de la película se resuelven, pero digamos que para esta clase de historias siempre es bueno recordar aquello que Shakespeare le hace decir a Hamlet: “Hay más cosas entre el cielo y la tierra, Horacio, que las que sospecha tu filosofía.” Una frase que nos saca de la torpeza de intentar explicar todo con los torpes parámetros de la política o la psicología de los cafetines. HIJA ÚNICA Hija única, Argentina/2016). Dirección: Santiago Palavecino. Guión: Santiago Palavecino, Fernando Manero, David Hacobs, Agustina Costa Varsi. Fotografía: Fernando Lockett. Edición: Andrés P. Estrada. Intérpretes: Juan Barberini, Esmeralda Mitre, Ailín Salas, Carmela Rodríguez, Luciano Linares, Stella Galazzi.
CHICO ENCUENTRA CHICA Tomar el formato más trillado del cine para aplicarle una mirada personal y contar esa historia en apenas setenta minutos, dejando al espectador con la sensación de haber sido testigo de un hecho artístico inusual, no es poca cosa. Miss es aquella vieja historia que el cine viene contando desde el principio de su historia pero puesta en pantalla a través de la sensibilidad y la mirada de su protagonista central. Roberto L. Makita es Robert, que anda por la vida imaginando películas y trabajando como cuidador de casas, no es un sereno, no es un casero o un portero, es un persona que vive en la casa de otras que se van de viaje o dejan sus hogares por alguna razón. Robert es amable, inocente, simpático y algo enamoradizo o al menos lo es hasta que conoce a Laura (Malena Villa). Robert sufre un cimbronazo y se enamora de esa chica que vive en la Capital pero es oriunda de San Clemente del Tuyú. Laura se fue de esa localidad de la costa Atlántica Argentina para ser modelo y de ahí llegar a Miss Mundo. El director Robert Bonomo fue asistente de Martín Rejtman y ayudado en la escritura del guión por Juan Villegas y Santiago Giral, logra una sólida ópera prima en donde se adivinan algunas influencias de Wes Anderson y del ya nombrado Rejtman, pero esas referencias son eso, no un robo como en tantos otros casos. La película de Bonomo es además una especie de documental sobre ese personaje levemente extravagante y encantador que es el descendiente de chinos y japoneses, Roberto Makita, que se deslumbra con la bella Laura y la sigue hasta llegar al desenlace. Miss es una comedia romántica que se ve con interés y que cuando termina, deja al espectador con una ancha sonrisa. MISS Miss. Argentina, 2016. Dirección: Robert Bonomo. Intérpretes: Roberto L. Makita, Malena Villa, Rigoberto Zarate, Tuchi Rottemberg. Duración: 70 minutos.
CERCA DE LA REVOLUCIÓN De dónde surge la inspiración? ¿Cuál es el nacimiento de una canción? Se pueden buscar muchas palabras para definir las cosas y quizás se puedan encontrar pero filmar el proceso creativo es poco menos que imposible. Se intentó más de una vez, los Stones se prestaron alguna vez para que Jean Luc Goddard filmara la creación de Simpatía por el demonio y para los que les gusta el cine, si además son cultores de la música de los Stones, ese documental es fascinante. Otro ejercicio de filmación de un proceso creativo se llama El fulgor, que seguía a Nacho Vegas mientras creaba una canción y claro, están Los Beatles , que metieron un equipo de filmación para las sesiones de grabación de Let it be y se los ve en pleno proceso de desintegración como banda, aburridos, molestos, quisquillosos. Alejandro Chomsky logró que en 1994 Charly García lo dejara filmar durante una larga temporada. Chomsky dice que tiene seis meses de filmaciones de un Charly García en distintas situaciones. Pero a la hora de hacer con ese material una película, descubrió que no era tan fácil. Así que afinó un poco la mirada, de los seis meses filmados rescató una noche. Una noche en lo que Charly y sus allegados llamaban el Factory de Charly, un reducto ubicado en la calle Fitz Roy y avenida Córdoba. Esa noche Charly tenía una idea para una canción, así que convocó a sus músicos y los hizo grabar segmentos rítmicos, teclados, algunos solos de guitarra y sus músicos obedecían sus indicaciones y ese proceso es lo que cuenta Existir sin vos. María Gabriela Epumer, Fernando Samalea, el Zorrito Von Quintiero y el mítico integrante de Manal, Alejandro Medina, siguen al genial Charly García en su búsqueda. Charly en ese momento se encontraba en plena mutación, el artista perfecto que hasta allí había hecho discos como Pequeñas anécdotas sobre las instituciones o La grasa de las capitales, buscaba una nueva forma de creación. Charly, toma whisky, toca distintos instrumentos, busca la forma de la canción, se tira a una pileta, da indicaciones, deja a los músicos un rato y se va a escribir la letra. El proceso es caótico y preciso a la vez. García busca la forma exacta, las palabras, el ritmo y de repente se cansa. Los músicos le dan lo mejor de si mismos, aciertan, pifian, deliran y vuelven a intentar. ¿Quién no quiere participar de algo así? Existir sin vos permite re vivir una noche de Charly García cuando se disponía a abandonar su status de estrella y grabar un disco conceptual que se llamaría La hija de la lagrima, a partir del cual inició un camino que lo transformó en un artista integral. Un Charly García que uno de los autores del libro “Cien veces Charly”, Fernando García, dice que hay que verlo más como un artista plástico que solamente un músico. Después de esta noche que documentó Alejandro Chomsky, García buscaría más allá, crearía algo llamado Maravilización, empezaba su etapa Say no More, la etapa en la que ir a ver a García era una aventura, una etapa a partir de la cual muchos dejaron de seguirlo y muchos otros, en su mayoría adolescentes, se acercaron a conocer a ese rockero al que ya no le importaba nada guardar las formas y se sentía en guerra con el mundo. No se pierdan Existir sin vos, es una experiencia que vale la pena. EXISTIR SIN VOS. UNA NOCHE CON CHARLY GARCIA Existir sin vos. Una noche con Charly García. Argentina, 2016. Dirección: Alejandro Chomski. Intérpretes: Charly García y María Gabriela Epumer. Duración: 65 minutos.
ESE INFERNO TAN TEMIDO Cuando todos pensamos que ya estaba bien con El Código Da Vinci y Angeles y demonios, dos películas sobre libros de Dan Brown, llega Inferno. Y si, hay inevitablemente hay que retomar el hilo de la historia. Hace unos años,Tom Hanks dirigido por Ron Howard llevaron a la pantalla grande un tanque de la literatura, El código Da Vinci. El libro había provocado un moderado escándalo con su mezcla de thriller, religión y la búsqueda del sagrado Grial. Todos sabíamos que no era para tanto y que la idea de que el Grial no era una copa como la que rescataba Indiana Jones, sino que era la descendiente del linaje creado por Jesús y María Magdalena y eso ya no jode a nadie más allá de las cuatro paredes del Vaticano. El film era una pieza de relojería donde lo único que desentonaba era el peluquín de Tom Hanks. Y aunque no le haya cambiado la vida a nadie, esa película recaudó a lo loco así que hicieron una segunda aventura, que era más o menos lo mismo, no jodamos. Así llegamos a Inferno, otra vez con Ron Howard en la dirección y bueno, ahora ya no está la iglesia en el centro del asunto, hay una mezcla de terrorismo con un villano tipo James Bond y algo de mesianismo. Si, es un formula, si, le arreglaron el peluquín a Tom Hanks, no, no le va a cambiar la vida a nadie. No es mala pero tampoco es tan buena como las otras dos, porque la resolución se ve venir y porque el protagonista, Robert Langdon, esta vez no se las sabe todas y está mas ñoño que nunca. INFERNO Inferno. Estados Unidos, 2016. Dirección: Ron Howard. intérpretes: Tom Hanks, Felicity Jones, Sidse Babett Knudsen, Irrfan Khan, Omar Sy y Ben Foster. Guión: David Koepp, basado en la novela de Dan Brown. Fotografía: Salvatore Totino. Música: Hans Zimmer. Edición: Dan Hanley y Tom Elkins. Diseño de producción: Peter Wenham. Duración: 121 minutos.
Encerrar una película entre dos frases, una de Jean Genet y otra de Marcel Proust puede ser riesgoso. Diego Schipani hizo eso con su película y uno no puede menos que pensar que a lo mejor , invocar semejantes figuras es un poco presuntuoso. Pablo y Ulises son una pareja gay, rompen una noche y cada uno reaccionad de manera diferente. Ulises lleva adelante una venganza repugnante y se va no sin antes robar algo de plata y un arma. Cuando Pablo descubre el asqueroso acto cometido por su despechado ex amante, sale a buscarlo por la noche gay de la ciudad de Buenos aires. Ulises deambula escapando y a la vez buscando olvidar. Pablo lo hace tratando de encontrar a Ulises ya entrarle a las piñas. La deriva de ambos personajes le permite al director mostrar una buena variedad de parafilias eróticas y hacer desfilar distintos personajes de lo profundo de la noche. En la noche gay de Buenos aires, de acuerdo a lo que muestra La hora de lobo, está plagada de drogas de todo tipo y formas de consumirla, hay personajes border y existe una búsqueda desesperada de amor o de algo que se le parezca. Nahuel Muttti es Pablo, Tom Midleton es Ulises y ambos le ponen el cuerpo a una película fallida que cuenta todo de manera fragmentaria con actores como Willy Lemos que se lucen y otros que bordean la macchieta y que hacen quedar al Huguito Araña de Matrimonios y algo más o al gay que interpretaba Gianola en De carne somos como personajes realistas. Lo mejor de La noche del lobo se encuentra en la ambientación que la banda de sonido de logra a través de su música ambient y electrónica. Y cuando todo termina uno se da cuenta que mejor no buscar el paraguas de genios como Genet o Proust si uno no puede estar a la altura. No irían a Sodoma sino los días de suprema necesidad, cuando su ciudad estuviera vacía, en esos tiempos en que el hambre echa del bosque al lobo. Es decir, que, en Sodoma, todo sería igual que en Londres, en Berlín, en Roma, en Petrogrado o en París. Marcel Proust LA NOCHE DEL LOBO La noche del lobo. Argentina, 2014. Dirección y guión: Diego Schipani. Intérpretes: Nahuel Mutti, Tom Middleton, Silvina Acosta, Willy Lemos. Duración: 70 minutos.
CINE PARA ADULTOS Dos mujeres se conocen en un instituto psiquiátrico que funciona en una bella Villa Toscana venida a menos, no se sabe si por falta de fondos o porque la actividad que se desarrolla ahí hace imposible que haya belleza en ese lugar. Una, Beatrice, es aristocrática, extravagante, mundana, sofisticada y casi no parece una persona con problemas psiquiátricos. La otra, Donatella, es cerrada, violenta, marginal, esconde una historia oscura que ha hecho mella en su cuerpo que está tatuado y que en los brazos muestra cortes y pinchaduras. Beatrice está encarnada por Valeria Bruni Tedeschi, Donatella es Micaela Ramazzoti. Ambas son grandes actrices y le ponen el cuerpo y el alma a los personajes, logrando grandes composiciones. Y entonces, más allá del relato, Loca alegría resulta una película extrema, física, con historias duras que confía en Valeria Bruni Tedeschi como motor de una historia, que desde el momento en que ellas se conectan en el instituto y se escapan no da respiro. Micaela Ramazzoti está encargada de la historia, una mujer abandonada, maltratada y que carga con la acusación de haber intentado a su hijo. Paolo Virzi (El capital humano, La prima cosa bella) dirige con buen pulso una historia adulta, con momentos fuertes y con dos actrices que se lucen. Es decir, cine para adultos, contemporáneo y que no aburre y la constatación de que Italia (lo poco que llega desde allí) , cada tanto nos da sorpresas y avisa que está viva. LOCA ALEGRÍA La pazza gioia. Italia/Francia, 2016. Dirección: Paolo Virzì. Elenco: Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti, Elena Lietti, Tommaso Ragno, Bob Messini, Carlotta Brentan, Francesca Della Ragione y Roberto Rondelli. Guióni: Francesca Archibugi y Paolo Virzì. Fotografía: Vladan Radovic. Música: Carlo Virzì. Edición: Cecilia Zanuso. Diseño de producción: Tonino Zera. Duración: 118 minutos.
MÁS Y MEJOR Hace un tiempo Steven Spieberg, quejoso del estado del cine, dijo que el problema es que muchos creen que hay que hacer películas cada vez más grandes y a veces más grande no es mejor, sino que es simplemente demasiado. Bajo esa consigna, Spielberg cedió la dirección de Gigantes de Pacífico cuando en la etapa de preproducción, se dio cuenta de que el proyecto era monstruoso. Lo cierto es que JJ Abrahm, además de ser un creador inigualable (Star Wars: El despertar de la fuerza, Super 8, Mission: Impossible III) una especie de apadrinado del gran Spielberg y si no fuera porque son amigos, uno podría pensar que JJ produjo esta tercera película de la reiniciada zaga Star Treek como respuesta al viejo director y como demostración de que se puede filmar algo realmente grande sin que esa estructura ahogue al cine. Para esta película, Abrahm le cedió el puesto de director a Justin Lin, que hizo lo mejor que se puede hacer cuando a uno le entregan semejante legado, fortalecerlo con nuevas ideas y siendo fiel al espíritu de sus fundadores. Cuando empieza Star Trek: Sin límites, los héroes están cansados, el Capitan Kirk siente que los días son todos iguales y nada parece estimularlo, mientras que Spook se entera de la muerte del Dr. Spook -el relato es es un gran recordatorio de la muerte de Leonard Nimoy, el Spook-. Los dos están meditando acerca de su futuro en plena misión, pero aun así, desde los primeros momentos la acción está presente sobre todo e impone su lógica. Star treek Beyond es enorme, pero esa enormidad no se impone al cine. La tripulación tiene historias personales, hay situaciones entre ellos y todos recrean alguna clase de empatía. Hay imágenes nuevas, hay aventuras y hay ideas estéticas novedosas. También hay tiempo para que se homenajee varias veces a la tripulación original de la serie. Hay nuevas civilización, nuevas razas alienígenas, trucos novedosos y hay escenas impactantes. La aventura llegó para quedarse y esa es una buena noticia para los trekkies de todo el mundo. STAR TREK: SIN LÍMITES Star Trek Beyond. Estados Unidos, 2016. Dirección: Justin Lin. Intérpretes: Chris Pine, Zachary Quinto, Karl Urban, Zoe Saldana, Simon Pegg, Anton Yelchin, John Cho e Idris Elba. Guión: Simon Pegg y Doug Jung. Fotografía: Stephen F. Windon. Música: Michael Giacchino. Edición: Greg D’Auria, Dylan Highsmith, Kelly Matsumoto y Steven Sprung. Diseño de producción: Thomas E. Sanders. Duración: 122 minutos.
APUNTES SOBRE EL FUTURO Impacta ver un centenar de pibes adolescentes en la tribuna de La candela, el mítico reducto del Club Atlética Boca Juniors, pugnando por ser elegidos. Levantan los brazos, gritan y tratan de sobresalir. Impacta sobre todo si uno es futbolero y sabe que es una verdad de perogrullo que no hay nada más difícil que pasar de las inferiores de Boca a la primera división. Boca es el “deportivo ganar siempre” suelen decir las estrellas del club y eso implica escasa paciencia para esperar que un jugador del club se desarrolle. Los pibes es una película entradora por donde se la mire, Jorge Colás (aquí la entrevista) mete la cámara en la cancha de futbol y observa con ella a los proyectos de estrella que se vana a probar al club más popular de la Argentina. Todos saben que las posibilidades les juegan en contra, pero van y se exhiben, muestran sus habilidades, se esfuerzan por quedar. Pero si es fascinante ver a los futuros jugadores, no lo es menos escuchar lo que tienen para decir quienes los eligen y apuestan por ellos. Horacio García, Diego Mazzilli, Ramón Maddoni (una leyenda que fue el descubridor de Riquelme, Gago, Cambiasso, Sorín y Tevez) y antiguos líderes y estrellas del club como Hugo “Perotti, Norberto Madurga o Ernesto Heber Mastrangelo, que despliegan su gracia y sabiduría. El equipo que elige a los pibes del título sabe como va a ser un chico en la cancha con solo ver como se para, tiran verdades que para los futboleros son incómodas, como que está lleno de chicos que dicen ser número 8 o 10, es decir jugadores de creación, pero que los clubes necesitan defensores. Menos lirismo y más entrega. Pero no crean que todos los pibes quieren ser Riquelme, en el medio de una charla técnica uno le pregunta a uno de los profes si vana a hacer marca personal y por suerte, el profe le dice que espere para eso, que cuando llegue al club le van a hablar de tácticas y que por ahora disfruten. El documental de Colás tiene espacio para el apunte futbolero pero también para la mirada social. Los pibes es un documental que los futboleros disfrutaran a pleno, pero que también es un buen plan para aquellos que les gusta el cine. LOS PIBES Los pibes. Argentina, 2015. Dirección: Jorge Leandro Colás. Intérpretes: Horacio García, Norberto Madurga, Hugo Perotti, Ramón Maddoni, Diego Mazzilli. Guión: Jorge Leandro Colás. Fotografía: Martín Larrea. Edición: Karina Expósito. Sonido: Carlos Olmedo, Pablo Demarco, María Noel Romero. Duración: 78 minutos.
CLÁSICO PERO NO OXIDADO Una vez al año Woody Allen abre el cajón en el que guarda las cosas que escribe, elige una, la pule o la termina de reescribir, manda a hacer las copias necesarias y le dice a sus encargados de casting que llamen a los actores que tiene en la cabeza para la historia elegida y los cita para empezar a trabajar. Una vez al año aplica todo lo que aprendió de hacer de cine y cuenta una de sus historias de manera artesanal en el medio de una industria cada vez más mecánica. Allen consigue agrupar grandes elencos y mezcla en ellos actores de moda con otros que no lo son tanto. Lo que se sabe es que hasta los más caros están dispuestos a bajar sus pretensiones si es necesario para estar en una de sus películas. Una vez al año se estrena una de esas pequeñas gemas que el ya anciano director filma con sabiduría y mientras los cinéfilos y los críticos y los seguidores, del mas neoyorquino de los directores, discute si la nueva películas está o no a la altura de Manhattan o de Annie Hall. Café Society se llama lo nuevo de Woody Allen y lo muestra como un director sensible, clásico, relajado y dispuesto a visitar sus obsesiones para ponerlas en pantalla con gracia, buen ritmo y bastante desparpajo. Jerry Elsenber y Steve Carrel se lucen los personajes centrales masculinos pero como suele suceder en las películas de WoodyAllen, son las mujeres el motor y el centro la historia. En este caso se trata de Kristen Stewart, la mujer a la que el director le da el centro de todo y no se equivoca, la cámara ama a Kristen y en este caso en especial la hace brillar. Es para celebrar que Woody haya llamado nuevamente a Parker Posey, que había participado del elenco de su película anterior. Un joven de New York, Bobby (Elensberg) va a Hollywood a probar suerte y allá entre otras cosas se conecta con su tío, Phil (Steve Carrell) que es un representante de actores que conocen todos y que se pasa el tiempo de reunión en reunión. El joven se enamora de la amante de su tío y el viaje a Hollywood termina un poco abruptamente. Una vez de vuelta en Los Ángeles, Bobby se instala de nuevo en Los Ángeles y parece aplicar todo lo que aprendió en su viaje a la costa Este y crece como dueño de un club nocturno que se vuelve un verdadero éxito. En este viaje de una costa a la otra y de un mundo a otro Allen se apoya para desarrollar una mirada sobre el mundo donde se entremezclan desde posiciones filosóficas hasta la mafia. Todo teñido de cierta melancolía. La vida la muerte, el sentido religioso, la filosofía, la conciencia de que hay cosas en la vida que no cambian y la convicción de que el corazón es un músculo demasiado elástico. Ojalá podamos disfrutar más del trabajo de hormiga que WoodyAllen hace dentro del espectáculo y que podamos seguir discutiendo si sus películas está a la altura de obra pasada aunque quizás haya llegado el momento de no discutirlo más y disfrutar de un director que ya nos ha demostrado madurez y a la vez sentido del riesgo. CAFÉ SOCIETY Café Society. Estados Unidos,2016. Guión y dirección: Woody Allen. Intérpretes: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Corey Stoll y Parker Posey. Fotografía: Vittorio Storaro. Edición: Alisa Lepselter. Diseño de producción: Santo Loquasto. Duración: 96 minutos.