Un mujeriego decide sentar cabeza, sin saber que su pareja tiene una relación muy cercana con una vieja conocida suya. Donde pone el ojo… Marc es un cazador de mujeres. Usa cualquier momento libre que le da el trabajo para forzar charlas y coquetear con ellas. Así es como una noche conoce a Sylvie, con quien conecta rápidamente y deciden verse días después, pero la cita no se concreta. Tiempo después, por su trabajo, Marc conoce a Sophie, con quien termina formando una familia. Todo parece ir perfecto en su nueva vida de hombre casado, hasta que empieza a ver con frecuencia a los familiares de su esposa. Todo queda en familia Si alguien lee otra sinopsis donde mencionan un tren y desconocidos que se conocen, la mayoría va a pensar que estamos ante una película parecida a Antes del Amanecer, y nada mas errado que eso; acá la trama pasa por otro lado. Como sospecharán leyendo el primer párrafo, Sylvie y Sophie son hermanas, y Marc estuvo a punto de salir con una de ellas, pero finalmente se terminó casando con la otra (sin saber de su parentesco). Y obviamente cuando esto salga a la luz, un pequeño triangulo amoroso se formara entre ellos. Y acá viene el gran error de este film. Es que se nos presenta un triangulo amoroso entre hermanas y un hombre, cosa que parece interesante. El problema es que la dichosa tercera en discordia, aparece en el tercer acto de la película, dándonos entonces más de una hora donde la trama avanza sin un conflicto que la vuelva interesante; solo vemos gente viviendo el día a día mientras forman una pareja. Si, se abren un par de sub tramas (una enfermedad cardiaca, Marc investigando un funcionario público), pero nunca toman demasiado peso como para aportarle interés a la película, ni tampoco tienen un desarrollo completo que les dé un final; entonces terminan pareciendo que fueron puestas solo para comer tiempo en pantalla. A esto hay que sumarle que el director Benoit Jacquot no aporta demasiado en darle algún interés a la película desde el lado de la dirección. De hecho estamos ante esos trabajos genéricos sin personalidad. Cumplidor, pero sin una marca que la haga propia. Por suerte el elenco saca la cara por la película, y son lo más interesante que vamos a ver. Por un lado el trabajo de Charlotte Gainsbourg y Chiara Mastroianni componiendo a las hermanas tan distintas entre sí es muy bueno. Una con una personalidad mucho más marcada, de hacerle frente a la vida; mientras que la segunda mucho mas sumisa y pasiva. También se destaca la interminable Catherine Deneuve, haciendo de una suegra que sospecha más de lo que dice. Quizás sea el protagonista, Benoit Poelvoorde quien menos se destaca de este cuarteto. Conclusión 3 Corazones podría haber sido un interesante film sobre el amor y la traición en la familia, con el sello característico francés. Pero en lugar de eso se queda en una película que cuando se la piensa bien, es bastante plana y tiene poco que ofrecer.
Un hombre revive su pasado de infidelidades mientras hace lo posible para no terminar preso. Todo tiempo pasado fue mejor Julien es un hombre de familia. Tiene una hermosa esposa, una hija a la que ama, un trabajo que va en subida, una casa lujosa y una vida relajada. O eso nos enteramos mientras recuerda su pasado al mismo tiempo que es enjuiciado por algo que aun no sabemos que hizo. Trampa a la francesa Tengo que serles sincero, cuando entre a la sala a ver esta película sabia poco y nada de la trama. Solo que era un film francés, lo cual no me decía mucho porque no es el cine que más consumo; pero también me llamo la atención que el director es el propio protagonista, Mathieu Amalric; más conocido por estos lares en su rol de actor que de director. Cuesta un poco hacer esta reseña, porque estamos ante uno de esos films donde el grueso de la trama pasa a modo de flashbacks donde el protagonista va contando de a poco que fue lo que lo llevo a su situación actual (en este caso, por ser enjuiciado); por lo que cualquier palabra o información de mas podría ser un spoiler. Así que me voy a centrar en la dirección de Amalric, que sencillamente me pareció brillante. Digno del país donde nació, cada encuadre y plano suyo derrocha estilo y personalidad, lejos de poner la cámara en planos medios y ya. Para aquellos que les gusta el cine donde el encuadre está pensado antes que la acción que pasa en el, esta película es para ustedes. Una lástima que no logre hacer cuajar su gran dirección con la utilización de la música. Y es que esta, debe ser un complemento, no robarle protagonismo. Peor aún es cuando se la usa innecesariamente para potenciar algo que ya de por si tiene suficiente fuerza en la pantalla a nivel visual. Por suerte esta vez el guión también acompaña, construyendo el relato de a poco, y llevando al espectador a conocer la verdad de lo que en realidad pasó, sin juzgar a los personajes, solo contando los hechos. Así es como también mezcla el thriller con drama casi de forma natural. Quizás lo más flojo, o genérico, resultan las actuaciones, cumpliendo sin más, y no sabiendo sacarle provecho al relato y la dirección que tenía la película. Solo destaco algunos momentos particulares de la hermosa Stephanie Cleau. Conclusión El Cuarto Azul es un buen thriller, sustentado principalmente en su muy buena dirección y un sólido trabajo de guión que jamás se vuelve complejo entre sus saltos del presente al pasado. Es una pena que esta película sea estrenada en épocas de Rápidos y Furiosos o Vengadores, ya que va a pasar totalmente desapercibida para el público en general.
Tim Burton se aleja de sus mundos mágicos y nos trae una historia con mucha personalidad y cinismo. Pintando por un sueño Margaret es una mujer que intenta rehacer su vida en los difíciles años 50, década donde los derechos de las mujeres estaban muy por debajo del de los hombres. Pintora aficionada ella, un día conoce a Walter, otro pintor amateur. Así es como rápidamente formaran pareja, y los cuadros de Margaret empiezan a llamar la atención de la gente. El problema surge cuando Walter, ante la falta de talento propio y su gran habilidad para los negocios, no dudara en tomar el crédito de su esposa. Pintor de brocha gorda Todos sabemos que Tim Burton viene en caída libre, y somos varios con la opinión que sus ultimas películas fueron una repetición casi exacta de una formula ya gastada y acabada. Por eso es que sorprendió tanto verlo dirigir este film fuera de su mundo de fantasía y sin sus actores fetiche. Y aunque terminó ejerciendo como director, inicialmente solo iba a ser productor del proyecto, pero fue lo mejor que le pudo haber pasado. El hecho de hacer un film tan drásticamente distinto a lo que venia haciendo y con los que nos venía aburriéndo, es todo un punto a favor. Así como Ed Wood -para mí su mejor película por lejos- se desprende del resto de su filmografía por ser totalmente realista; esta película va a hacerle compañía porque sucede exactamente lo mismo. Si bien siempre notamos ese aire a cuentito que tienen sus films, olvídense de ver cosas grotescas, góticas, Depp o Bohan Carter. Es más, uno de los grandes aciertos de este proyecto y uno de sus puntos más fuertes, es el dúo protagónico. Amy Adams es una actriz muy dúctil y es raro verla actuando mal, haciendo el papel que haga. Además que al ser inmortal -muchachos, tiene 41 años y parece de diez menos- tiene una apariencia anacrónica que le permite hacer personajes de un rango de edad bastante amplio, pero quien de verdad se lleva todos los aplausos es Christoph Waltz. Todos sabemos que es un enorme actor, pero salvo cuando trabaja con Tarantino, suele hacer papeles bastante flojos que uno se pregunta cómo es que aceptó, o si habrá leído el guion antes de ir a filmar. Burton tomó nota de donde mejor rinde el actor austriaco y supo darle un personaje cínico y manipulador. Y Waltz recompensó al director con una actuación que incluso en más de una oportunidad le robará una risa al espectador. De hecho, si lo hubieran nominado en los Oscar a Mejor Actor de Reparto, hubiera sido justo. Conclusión Big Eyes es, por lejos, una de las películas mejor logradas de Tim Burton en los últimos años. Si bien para sus fanáticos más acérrimos puede llegar a decepcionar porque no está presente su mundo oscuro y criaturas habituales, para el público en general es un soplo de aire fresco en su filmografía. Es un film basado en una historia real, con una trama sutilmente desarrollada y personajes carismáticos, donde todo funciona bien y nos dejamos llevar por el relato. Ahora solo falta cruzar los dedos para que el director haya tomado nota de lo que acaba de lograr, y que siga por este camino en su próximo film del elefante volador.
Zapatero de tus zapatos Max es un zapatero que apenas puede mantener su negocio abierto y atender a su enferma madre. Luego de que una de sus herramientas de trabajo se descomponga, deberá usar una maquina antigua heredada de su padre. Max esta a punto de descubrir el verdadero propósito de esa máquina: darle la habilidad de ser idéntico al dueño de los zapatos que repara. Sinceramente cuesta ser objetivo con los films de Adam Sandler, y no lo digo como algo bueno. Su sobredosis de comedias escatológicas y bobas hicieron que el publico en general le tome un odio casi visceral; pero por alguna extraña forma se las arregla para seguir filmando y hacer una película al año. No lectores, no corran despavoridos, sigan leyendo. Porque por suerte esta no es una producción 100% made in Adam Sandler, así que no lo veremos gritando haciendo morisquetas, o a sus insoportables amigos tirándose gases y golpeándose. Gracias a los dioses esta es una de sus películas de corte mas serio, que intentan contar una historia y dejar un mensaje. Y pese a que no hay nada bueno bajo el horizonte, se agradece ver a Sandler en algo distinto. Pero como dije en el párrafo anterior, pese al toque de fantasía del film, no hay nada nuevo para ver acá. ¿Imagínense que haría cualquier hombre promedio que puede verse como otro? Si, pensaron bien, abusa de eso consiguiendo cosas sin pagar, o prueba su suerte con mujeres que anteriormente eran inalcanzables. El problema es que si se iba a caer en la obviedad, lo hubieran hecho de forma totalmente absurda y llegando al borde de lo ridículo para lograr situaciones WTF, pero acá esta todo demasiado controlado. Parece que todos los personajes (de a ratos incluso el propio protagonista) son autoconscientes y siempre tienen una frase y una reflexión bajo el brazo. Por suerte quien tiene la mayoría de estos diálogos es el groso de Steve Buscemi. Si bien choca verlo en un papel tan minúsculo tras lo hecho en Boardwalke Empire, su personaje y actuación le dan una cuota de calidad a una película que por lo general no destaca mucho en las actuaciones. The-Cobbler-UK-Trailer El ya nombrado Sandler tampoco está mal; como ya comente, el hecho que este bastante controlado por el director, le favorece a la película. Una lástima que los guionistas optaran por introducir una trama criminal en el film, que a la larga termina siendo bastante forzada tanto para con el personaje principal, como para la historia misma. Quizás algo más realista hubiera estado en tono tanto con el estilo de filmación, como con lo que se quería contar y con la fotografía. Y quizás eso sea lo que más destaco; una muy cuidada fotografía de tono opaco que le transmite un poco de melancolía a la película, haciéndola aun mucho mas parca a la trama. En Tus Zapatos no es una mala película, pero peca de no definirse entra una comedia absurda de esas que su protagonista nos tiene tan acostumbrados; o contar algo más chiquito y que le llegue al espectador. Una lástima porque había elenco, se tenía una premisa atractiva, y a un Sandler menos border que lo normal.
Héctor es un psiquiatra que está estancado en la vida. Pese a que tiene una hermosa novia y un buen trabajo, ve que todos sus pacientes, y él mismo, están en una planicie emocional sin poder ser felices. Así es como de un día para el otro decide salir en búsqueda de la aventura, e investigar qué es lo que hace feliz a la gente. Esta es una de las películas que personalmente catalogo como “buenaondistas”. Films simpáticos que no se proponen cambiarle la vida al espectador, pero sí dejarle un mensaje (medio obvio) y hacerle pasar un buen rato mientras ve el film. Y si esto se logra, es única y exclusivamente por la presencia del gran Simon Pegg. Este es alguien que puede manejar varios tipos de humor, y no solo el de hacer morisquetas. Pero uno de sus matices es el del payaso triste, elemento que usa constantemente en esta película. Además que el inglés se carga toda la trama a sus espaldas, a pesar de que algunas caras conocidas aparecen. Si bien la película es simpática y cumple su propósito, la verdad que los guionistas se pasaron de discursistas. Aparentemente todas las personas que se cruza Héctor en su viaje, tienen la clave de la felicidad y suficiente sapiencia y filosofía para escribir algún libro de autoayuda que dejaría a Coelho como un novato. Está bien que en su viaje, Héctor encuentre gente con algo que contar y una reflexión que regalarle; el tema es que durante su viaje, hace varias paradas (al fin y al cabo es una road movie), y en cada una de ellas, se cruza con alguien que le da suficiente letra como para hacer un ensayo sobre la existencia del ser humano y porqué estamos en este mundo. Y ahí es cuando la película pierde bastantes enteros. La parte de comedia, como dije antes, cumple gracias a Pegg, y de verdad uno se llega a reír con ganas. Pero después, la bajada de línea y los discursos existenciales son tan obvios, que en lugar de inspirar al espectador, lo sacan del relato queriendo que algo gracioso vuelva a pasar. Como suelen pasar en estas películas, el resto de los actores apenas puede aportar algo, porque solo están para que el protagonista interactúe con alguien en cada parada. Irónicamente, el personaje que más se prestaba para lo que quisieron hacer los guionistas, un monje, es uno de los peor diseñados y mas fuera de contexto de todos. Héctor: En búsqueda de la Felicidad podría haber sido una simpática película, pero casi exclusivamente por culpa de los guionistas, se queda a medio camino entre hacer reír, o querer ser un folleto turístico teñido de existencialismo de, justamente, folleto.
Un ex-mercenario deberá evitar ser asesinado mientras descubre quién está cazando a sus compañeros para no dejar cabos sueltos. África mía Jim pertenece a un grupo de mercenarios comandados por Félix, quien hace de contacto eThe-Gunman-Final-Int-1-sheet-High-Resntre ellos y sus clientes anónimos. En pleno 2006, Jim se encuentra en Congo trabajando mientras comparte visitas con su novia Annie, quien es enfermera de una ONG. Tras asesinar al Ministro de Minería, Jim deberá exiliarse; pero tras ocho años e intentos de redención, tendrá que volver a las armas cuando alguien empieza a cazar a todos los miembros de aquella vieja misión. Conciencia social a los tiros Esta película mezcla varios géneros en una misma historia. Pónganle una trama humanitaria anti-corporaciones, agréguele un poco de romance, unas cuantas balas de alto poder, y tendrán como resultado The Gunman. El nuevo film del director de la sorpresiva, y a esta altura casi de culto, Búsqueda Implacable vuelve a repetir casi al pie, la formula de aquella película que tanto éxito le dio a todos los involucrados. Esta vez no hay trata de mujeres, sino ONGs involucrados en África intentando ayudar a la gente en países dictatoriales, y mercenarios ofreciendo sus servicios al mejor postor. Eso sí, la trama se encarga claramente en juzgar y castigar a todos los que sacaron provecho de la situación en dichos países, dejando como impolutos inmaculados únicamente a los que solo estaban ahí para intentar aportar su granito de arena. De nuevo, Pierre Morel vuelve a mostrar su buen pulso a la hora de filmar las escenas de acción, sin recurrir al (por suerte en vías de extinción) molesto recurso de la cámara tembleque donde el espectador tiene que adivinar que pasa. Siempre sabemos quién le está disparando a quien, y que personaje le está dando una paliza al otro. Acá es cuando se hace presente ese estilo de acción a la vieja escuela que tanto le gusta a la mayoría. Y es el momento donde sorprende ver a Sean Penn a los tiros y apuñalando gente, cosa rara en su filmografía pero que no le queda nada mal si algún día quiere volver a repetirlo. Es una pena que el resto del elenco esté tan poco aprovechado y gente como Javier Bardem o Idris Elba apenas tenga un máximo de cinco minutos en pantalla. Conclusión The Gunman: El Objetivo es una entretenida película de acción, que se toma la molestia de introducir elementos de thriller a la historia, para que no quede en la planicie de uno contra muchos. Pese a que no está bien desarrollada está sub-trama, al menos le da una variante más para despegarla de la media de este género. Pero también sorprende ver a Penn involucrado en estos films (aunque si uno conoce sus ideologías, seguramente lo convencieron por ese lado para que acepte). No digo que siga los pasos de Liam Neeson de encasillarse en esta clase de proyectos; pero es una opción más tanto para el actor como para el espectador. Si incluimos The Gunman al grupo de las John Wick y Kingsman, sorprende que en el primer trimestre del año tengamos ya tres films de acción con un piso de entretenidos para arriba. Todo un logro en un género que no suele ser tomado en serio muchas veces.
El dolor de olvidar Alice es una renombrada profesora de Lingüística. Tiene un buen trabajo, una linda familia, una vida casi idílica. Cuando empieza a notar que se le olvidan algunas palabras específicas, o reconocer gente, decide empezar a hacerse estudios. Por desgracia le diagnostican Alzheimer temprano. Así empieza una lucha de Alice por conservar los recuerdos de todo lo que amó en su vida, mientras intenta mantenerse a flote para su familia. Memoria imperfecta siempre_aliceAquellos que vieron Blue Jasmine hace unos años, van a notar varios paralelismos con Siempre Alice, y no solo por la presencia de Alec Baldwin. Ambas películas se sostienen principalmente por el enorme trabajo de sus actrices principales, acompañadas por una historia que cumple sin más. Siempre es complicado contar historias de enfermedades sin caer en el golpe bajo, y acá por suerte los guionistas que adaptaron el libro de Lisa Genova (titulado con el mismo nombre) lograron evitar las lagrimas fáciles y los lugares comunes. El problema viene cuando se abren un par de sub-tramas que jamás logran desarrollarse (una hija enferma, llamadas sospechosas por parte del marido). Si bien la película es corta en su duración, cuando se tiran posibles historias secundarias que no se concluyen, pareciera que es más relleno que otra cosa. Es una pena porque estos hilos argumentales parecían interesantes. Obviamente el trabajo de Julianne Moore es clave para retratar a una mujer que prácticamente lo tenía todo, y que debido a una enfermedad no solo su mente ira degradándose, si no su cuerpo y la dinámica de toda su familia. Por desgracia el resto del elenco solo se limita a cumplir. Alec Baldwin está bastante desaprovechado, siendo que podría haber dado más de sí en su dupla con la colorada. Es una pena que el trabajo de dirección sea tan plano y con poco sello propio. La dupla de directores en vez de arriesgarse por jugar con la enfermedad mental de la protagonista, se decantan por una dirección genérica, sin personalidad, de esas que bien podrían haber sido realizadas por estudiantes de primer año de cine, y no se notaba la diferencia. Es una pena que teniendo algo tan jugoso en manos, no se le pudiera sacar más provecho. Conclusión Siempre Alice es un aceptable drama, que destaca por sobre la media por el trabajo de su protagonista. Luego de verla es entendible como ganó la estatuilla en los últimos premios Oscar. Pero también queda en claro porqué fue la única nominada a algo en una película que tenía bastante más potencial del que sus directores vaya uno a saber porque, no lograron explotar.
Bombas de baja intensidad Pocas veces una película causó tanto revuelo como The Interview. Pensada como una parodia de la actualidad de Corea del Norte, la polvareda que levantó este film, en mis veintinueve años de edad nunca la vi. Hackeos de cuentas de mail, amenazas cruzadas entre grupos de fanáticos y cancelaciones; acompañaron este proyecto, que luego de verlo, uno aun no se decide si era para tanto, o si en realidad, no lo era. Dave Skylark es un entrevistador amarillista mega famoso de la tv norteamericana. En su programa grandes estrellas confiesan cosas personales. Mientras el show es ninguneado por medios mas especializados, su productor Aaron Rapaport es contactado por las fuerzas coreanas, quienes le comunican que el auto proclamado presidente Kim Jong – un, accedería a una entrevista. Al mismo tiempo la CIA se contacta con ambos para encomendarles una misión: asesinar al dictador coreano. Seth Rogen;James Franco;Lizzy Caplan Antes de avanzar voy a hablar únicamente de la película, dejando todo lo mediático para el final. Estamos ante el nuevo proyecto del dúo Goldberg-Rogen. Juntos hicieron unas interesantes comedias, que siempre trataron de diferentes formas, el tema de la amistad masculina y el hecho de tener que dar el paso final para dejar de ser un adolescente de treinta y tantos, y convertirse en adulto. Acá vuelve a hacerse presente esto, quizás de forma no tan evidente como pasaba en Superbad por ejemplo. Tampoco está el tono de bromance (duplas de hombres demasiado amigos entre si y casi sin contacto con mujeres); así que si alguien dice que estamos ante el film más adulto de Rogen y Goldberg, no estaría tan errado. Si, existe el tema de la amistad, pero acá tiene una pequeña vuelta de tuerca. Si bien Rogen tiene importancia, la dupla que destaca y salva el film, es la protagonizada por Franco y Park. the-interview-141124 Usando la entrevista a su favor, el Dictador Kim utiliza al entrevistador Skylark para mostrar una Corea potente, con bienestar entre sus habitantes, y sobre todo, mostrarse así mismo como un ser humano ejemplo. El grueso de la película es esa amistad que intenta venderle Kim a Skylark, como dicen en la propia película “darle el panal de miel”. Así es como esta dupla carga a espaldas la historia, relegando al personaje de Rogen a un segundo plano. El tema es que ya se vieron films similares donde parodiaban gobiernos totalitaristas, y de forma mucho más cruda. A la mente se me viene Team America como buen ejemplo. Y acá es donde uno se pregunta si de verdad era para tanto revuelo. Está bien que la mente en occidente es muy distinta a oriente, y sabemos que a algunos países es mejor dejarlos así; porque donde se los provoca, hay una contestación. Pero uno esperaba mucho más viendo lo que pasaba en la realidad. Si no se usaba la formula de Team America, se podría haber utilizado entonces algo de mal gusto, como lo fue Borat y sus constantes burlas a otras culturas. Esta vez, si bien se ridiculiza un poco la figura de Kim, también se la humaniza en cierto grado, sobre todo cuando se lo ve como un ser pequeño ante la leyenda de su padre. 5158 Es obvio que esta película pasara a la historia por la enorme polémica que se armó en torno de ella. Cosa que también le va a afectar bastante en contra al producto final cuando uno lo vea. Y es que si bien como comedia entretiene y hace reír de a ratos, no pasa de la media general del genero, y de lo realizado por la dupla Rogen y Goldberg.
Amigos son los amigos Que Argentina es un país futbolero, nadie lo puede negar. Solo hace falta juntar a más de dos hombres para que en algún momento de la charla salga el tema del deporte. Pasionales por naturaleza, sorprende que en nuestro cine tengamos tan pocos films sobre el “balón pie” en los últimos años. De hecho, casi que las últimas entregas medianamente conocidas, vinieron desde afuera. Quizás por eso llamaba tanto la atención este film. Fernando, el Ruso, Mauricio y el Mono son cuatro amigos de la infancia, que además comparten la misma pasión por Independiente y el futbol en sí. Luego de la muerte de el Mono, los otros tres deciden hacerse cargo de los gastos para la pequeña hija del primero; el problema es que el Mono gastó toda su plata en el pase de una joven promesa que nunca triunfó y hoy apenas juega en el Torneo Argentino A. Ahora deberán intentar recuperar esa inversión, sin perder la amistad en el proceso. papeles1 Antes de avanzar, quiero admitir que aun no leí el libro de Sacheri, así que me limitaré a hablar únicamente de la película. Film que apunta al corazón del argentino por definición. Futbol, amigos y el sueño de pegarla; solo faltan las mujeres y tenemos ante nuestros ojos al típico argento promedio. Y ahí radica el mayor acierto o error de la película, según como se lo mire. Es un acierto en el sentido que con unas pocas pinceladas, ya conocemos a los personajes y nos identificamos con ellos. Tenemos al triunfador con una vida personal bastante problemática, al busca vida que se mantiene a flote vaya uno a saber como, al alma del grupo que todos extrañan, y al centrado y más responsable. Pero a la vez es criticable lo poco que están trabajados los cuatro amigos. Irónicamente del que mas sabemos como es su vida personal (Echarri) es el que menos tiempo tiene en pantalla de los tres principales protagonistas. De Rago conocemos que está casado (por una única escena) y que apenas sobrevive con su lavadero. Diego Torres era el eterno soñador sin visión de futuro que pasó su vida mirando a su pasado. Y Peretti, quizás el protagonista por sobre los demás, solo sabemos que es maestro y nada más. ¿Entonces por qué la película logra salir bien parada? Porque transmite la famosa “argentinidad al palo” por todos lados. Como dije, el cuarteto pese a lo poco que está trabajado a nivel personajes, se hacen personas reales porque todos conocemos a alguien como ellos. Además hay que sumarle el periodista deportivo chantun, el joven futbolista que quiere triunfar y su padre que se quiere salvar, etc. Es por esto que habrá que estar atento a la película a nivel internacional. El hecho de que juegue tan de local con el espectador, quizás le juegue en contra a países que manejen otros códigos y lenguajes, o no sientan la misma pasión por el deporte. Peretti-Rago-patadura-Papeles-viento_CLAIMA20150108_0213_27 Lo que si no tiene nada que ver con el país donde se vea, es que a nivel historia el film funciona y mucho. Reemplacen el futbol por cualquier deporte, pero el mensaje seguirá estando ahí. La amistad masculina prevalece a todo. Esto también se hace un hecho gracias al cuarteto actoral. Si bien ninguno destaca o sobre sale como para llevarse un premio, tampoco alguno falla en su rol. Pero tienen lo que deben tener los personajes en estas películas grupales y es química. Los chistes hacen reír, los actores se entienden entre si y todo fluye con naturaleza. Y cuando esto pasa, un gran porcentaje del film está asegurado en el público. Papeles en el Viento seguramente no sea un peliculón, ni pase a la historia del cine nacional. Es más, el hecho que aun todos tengamos Relatos Salvajes en la memoria, diría que hasta le juega en contra. Pero para aquellos grupos de amigos que aman ver la pelotita rodar, y manejan el lenguaje futbolero, sus chanzas, que deciden ignorar la parte turbia del espectáculo (cosa que se ve en la película), acá tienen su candidata ideal para el cine.
Agridulce Despedida ¡Atención, la siguiente nota contiene spoilers de toda la saga! Y llegó a su fin. La adaptación convertida en trilogía realizada por Peter Jackson acaba de concluir. Después del extenso debate y la aceptación de que un libro de trescientas hojas se convirtiera en una saga; con el diario del lunes ya en la mano, podemos decir que las quejas tenían fundamentos. Debo admitir que tanto Una Ventura Inesperada y La Desolación de Smaug me gustaron pero sin llegar a volarme la cabeza como habían sido en su tiempo La Comunidad del Anillo y Las Dos Torres. Pese a haber leído todos los libros, y a sabiendas que El Hobbit es bastante infantil en comparación con ESDLA, el hecho que se estirara la historia con agregados nos hacía suponer que Jackson iba a dar rienda suelta a toda su imaginación y ganas de impactar. Bueno, ERROR. Después de prescindir de la idea de hacer solo dos films, se filmaron escenas extras para estirar la historia y así llegar a la trilogía. O sea, todo fue filmado en conjunto como ya hicieron hace diez años. Pero por alguna extraña razón en esta película es cuando queda más presente la sensación de que se hizo por hacer, sin ganas, y a las apuradas. Como el film se estreno en casi todo el mundo hace unas semanas, uno ya podía leer quejas y opiniones casi en cualquier sitio de cine. Y por desgracia cuando uno ve la película, termina coincidiendo. Y si, apunto al infumable “Jar Jar” Alfrid, personaje cómico de la película, pero que la historia no lo necesitaba. Este insoportable se lleva varios minutos en pantalla, mientras que algunas cosas en particular quedan sin ningún tipo de cierre, como por ejemplo que fue de Bardo y los humanos, o Dain y el ejército de enanos. Esto que voy a comentar no lo veo como un fallo de guion, si no como algo que tenía que pasar porque era funcional con la historia, pero de todas formas no me termino de gustar. Y es que si el gran Martin Freeman era una de las mejores cosas de esta saga; acá pierde bastante importancia con respecto a los demás personajes. Ya con la batalla que da nombre al film, ver el destino de los enanos y como Sauron termina acá hasta recobrar fuerza para la saga de ESDLA es prioritario; nuestro querido hobbit pasa a un segundo plano, casi al grado de ser un personaje secundario. También a destacar que Legolas sigue con sus momentos súper heroicos; y a la vez quiero usar este personaje para una última critica, y es el sobre exceso de cgi que tuvo toda la trilogía. Recordando al peor George Lucas, Jackson decidió prácticamente hacer todo con las computadoras, prescindiendo casi totalmente de las maquetas o los maquillajes y prótesis para sus personajes. El tema que cuando esto no está pulido a la perfección (caso Guardianes de…) se nota y queda muy falso. Solo basta ver los primeros planos a Legolas para ver un innecesario cgi en su rostro que lo hace ver totalmente artificial. De todas formas la película no es un despropósito. Teniendo en cuenta el tono del libro que adapta, Jackson supo darle la suficiente epicidad a este cierre de trilogía como para dejar bien parada a la Tierra Media en caso de volver, como ya dijo. El trió de Bilbo, Gandalf y Thorin sigue funcionando. En especial esta vez es Thorin el que se come la película (esos momentos de locura). Una pena que el resto de los secundarios importantes no tuviera el tiempo suficiente para lucirse. Y así termina la saga del Hobbit. Todos sabíamos que tenia las de perder en comparación con su hermana mayor El Señor de los Anillos. Todos lo sabíamos, por eso sorprende tantos fallos conceptuales de parte de Jackson y su equipo en este cierre. Ahora solo cabe esperar otros diez años, en una de esas volvemos a nuestra amada Tierra Media.