¿Qué pasaría si por 12 horas la ilegalidad no existiera? 12 horas para sobrevivir (The Purge) muestra justamente este concepto. Desde una mirada política de denuncia hacia la actual situación de Estados Unidos, esta saga de terror busca que el espectador no solo se asuste, sino que reflexione y relacione la película con su realidad. 12 horas para sobrevivir: El inicio trata de cómo el nuevo partido político “Nuevos Padres Fundadores” propone la primera purga, un experimento de 12 horas sin ilegalidad en Staten Island, Nueva York. Este experimento se presenta como un momento para “liberar angustias”, pero oculta su verdadero propósito, bajar la delincuencia en esta ciudad eliminando a los criminales. O mejor dicho, haciendo que se maten entre ellos. Esta precuela muestra los enfrentamientos y marchas que hubo entre aquellos que se oponían al experimento y aquellos que se sumaban, ya que el estado ofrecía dinero a cambio por participar. Esto no se ve en las otras películas porque desde la primera, la purga ya está instalada en todo el país como un ritual. Si bien esta película sigue la idea principal y el estilo original de las otras el hilo de las otras, no llega al nivel de las dos primeras películas de The Purge. Es rescatable el trabajo que hace al mostrar la sociedad corrupta, y los tratos entre los políticos y los policías que existen en Estados Unidos. En resumen, busca, de alguna forma, retratar el gobierno de Trump. En esta película hay muchos personajes con historias interesantes: dos hermanos con problemas de dinero, una madre e hija desesperadas, un traficante de droga. Algunas de esas historias no concluyen o terminan apresuradamente para poder darle un final a pura sangre y acción a la película. La saga de 12 horas para sobrevivir surgió como una película de terror distinta. No asusta tanto como otras películas del género, pero va hacia algo mas profundo, cuestiona conceptos como la pena de muerte o la pobreza en Estados Unidos. En 12 horas para sobrevivir: el inicio podría explotarse aún más en como fue el proceso que llevó a engendra el experimento y cómo lo vivieron las distintas personas de distintas clases, más allá de los sectores mas humildes y los gobernantes. Es entretenida pero se queda en lo previsible, no arriesga y sigue buscando asustar al publico con los efectos de sonidos y las mascaras extrañas que usan aquellos que participan de la purga.
Como un rompecabezas Un Peugeot 505 se prende fuego a las orillas de un río en las afueras de un pueblo de la provincia de Buenos Aires. La dueña se desespera porque su hija no regresó a su casa y piensa fue víctima del fuego. La joven no está dentro de ese auto pero su madre entra en pánico, su hija menor está desaparecida. Así comienza la historia de una búsqueda de una joven por parte de su hermana mayor y su madre. Una hermana presenta un thriller que se centra en la desaparición de Guadalupe, la hermana de Alba. Alba (Sofía Palomino) indaga sobre lo que sucedió la noche anterior a la desaparición de su hermana menor pero en el proceso se encuentra con conocidos que no quieren ayudar, trabajadores estatales que obstaculizan su búsqueda e historias que no cierran. La película busca mostrar la realidad de muchas familias que deben sufrir la desaparición de sus hijas, hermanas o madres. La situación de desesperación ante lo que pasa, la imposibilidad de resolverlo a través del estado y la falta de empatía por parte de los que los rodean. En Una hermana se destaca el trabajo audiovisual y el montaje. Se muestra a la perfección cómo es la vida en un pueblito de la provincia de Buenos Aires, su gente y sus complicaciones. Cada toma es una fotografía que captura los distintos escenarios y logra hacernos sentir que estamos allí. El río, los trenes, los aviones viejos que aparecen en pantalla sorprenden y nos presentan paisajes que no estamos acostumbrados a ver. La historia se extiende alrededor de un misterio pero jamás entra en tensión con los culpables del crimen. No busca crear suspenso, sino simplemente mostrar la historia de Alba mientras lidia con la desaparición de su hermana, y el estado de su madre y su hermanito. Las actuaciones nos transmiten la angustia y el dolor que viven los personajes. La película es simple pero cumple el objetivo de transmitirnos lo que siente y vive una familia luego de que una hija y hermana desaparezca. No tiene muchos giros, únicamente pretende mostrar la realidad de muchas personas que no conocemos (o no queremos conocer). El argumento pone en foco la situación política y social de nuestra realidad actual. Las directoras buscan que reflexionemos acerca de este tipo de casos, la ausencia, dolor y frustración que viven las familias que tienen que pasar por esta tragedia.
La vida sin sentido Recetas para microondas es la historia de una mujer, sus amantes, el hombre que la violó y el hijo que tuvo como resultado de esa violación. Graciela (Verónica Intile), el personaje principal, es una mujer que vive su vida sin preocuparse por lo que pasará: tiene encuentros con diversos hombres, un hijo que piensa que es su hermana y una relación complicada con su ex, violador y padre de su hijo. Al cumplir su condena, su violador (Fabián Arenillas) busca encontrarse con ella y formar una relación con su hijo. Vemos las distintas reacciones que tiene Graciela y cómo se forma la relación entre los tres personajes. Graciela no parece tener motivación alguna por lo que hace. La vemos quemarse y lastimarse pero nunca sufrir. Nos cuesta empatizar con ella ya que nada de lo que hace tiene sentido alguno, tiene una vida desequilibrada. La película nos muestra diversos personajes, en su mayoría hombres, que apenas llegamos a conocer. Son los diferentes amantes que tiene ella a los que busca para obtener dinero sin trabajar. Todos son muy distintos y solo aparecen en pocas escenas. Veronica Intile hace un buen trabajo poniéndose en el papel de Graciela, sus expresiones y su mirada perdida logran transmitir su desubicación en el mundo que la rodea. Sus acciones no buscan un efecto particular, sino que suceden porque sí. La película lleva a que reflexionemos sobre nuestras vidas y por qué actuamos como actuamos. Graciela es un personaje al que todo le es indiferente: su hijo, su pareja y su vida en general. Recetas para microondas no busca la victimización del personaje sino la naturalización de este; muestra, de forma exagerada, la realidad de aquellos que viven por vivir y nada más. En resumen, la película busca relatar distintas historias pero ninguna cierra. No llegamos a empatizar con ningún personaje y cuando creemos que entendemos lo que hace Graciela, cambia completamente el rumbo de la trama. Nos marea, pero al mismo tiempo nos mantiene alerta a lo que hará después.
Dos actrices perdidas en Moscú Vermelho Russo es la historia de dos actrices brasileras que viajan a Moscú para profundizar sobre las técnicas del maestro Konstantin Stanislavski. La historia está basada en los diarios de la co-guionista y actriz Martha Nowill y muestra el diario de viaje de estas jóvenes en búsqueda de nuevas experiencias. La película de Charly Braun muestra la realidad de muchos artistas que buscan triunfar en el ambiente pero no lo logran. Estas dos actrices comienzan su viaje buscando perfeccionar su técnica pero su entusiasmo se apaga a medida que pasa el tiempo y sus expectativas no se cumplen. La amistad entre ambas se va deteriorando y los conflictos que representaban en el teatro se trasladan a la vida real. Esta road movie (diario de viaje) es una aventura en un país desconocido para estas actrices, con un idioma que no hablan y personas nuevas que van conociendo a medida que se instalan allí. Mezcla drama y comedia de forma tal que hace de Marta y Manuela personajes muy queribles y simpáticas, reímos y lloramos con ellas. Vermehlo Russo no propone nada nuevo, muestra una vez más la lucha de los actores independientes pero en otro ambiente, Rusia. Nos marea con la cantidad de idiomas que incluye (portugués, inglés, ruso, español) y no muestra demasiado la belleza de Moscú. De todas formas, es una película que demuestra cómo viven los artistas de distintas partes del mundo y como se relacionan entre sí.
Ahogarse en problemas Julia (María Canale) descubre que está embarazada de su ex marido, pero no lo sabe. Tiene que tomar una serie de decisiones que la llevaran a toparse con distintos personajes y situaciones que la van arrinconando cada vez más. Julia tiene recurrentes pesadillas en las que se ahoga, se hunde y no escapa del agua. Respirar es el debut en largometraje del director uruguayo Javier Palleiro. Es una película que busca mostrar las pérdidas que vivimos y cómo buscamos evitarlas aunque sea imposible. Palleiro logra transmitir las situaciones tensas y dramáticas que sufre la protagonista con las que podemos empatizar. La pérdida de un trabajo, una pareja, un bebé, son cosas que podemos vivir y se ven reflejadas en la historia de Julia. María Canale hace un buen trabajo representando a Julia y nos transmite lo que ella siente a medida que avanza su historia. Julia solo busca salirse con la suya en toda ocasión, engañando a su jefe, marido y a ella misma. La historia es dinámica y engancha, queremos saber que es lo que va a pasar con la protagonista y cómo va a resolver los problemas a los que se enfrenta.
El misterio del París del Plata Suzanne es una periodista e investigadora francesa que viaja a Buenos Aires tras ser convocada por Martín Dressler, un guía uruguayo. Dressler no asiste a la cita y Suzanne comienza a investigar a Los Corroboradores, una supuesta sociedad secreta porteña que se propuso copiar París en Buenos Aires desde fines del siglo XIX. A medida que avanza la película, Dressler y Suzanne entran en peligro y buscan dejar pruebas de que esta logia existió y que el arte parisino en Buenos Aires y el mundo corre riesgo. Los Corroboradores junta en un falso documental el suspenso y terror del policial negro. Suzanne, la protagonista, nunca muestra su rostro porque se siente amenazada pero solo con su voz nos inserta en la historia y nos atrapa. El director Luis Bernardez usa archivos inéditos, entrevistas a especialistas (sociólogos, psicólogos, historiadores) e imágenes de edificios de Buenos Aires que además de sumar a la trama, muestran lo hermosa que es la ciudad. Bernardez logra una película dinámica que constantemente le otorga información al espectador para especular sobre lo que puede suceder, pero al mismo tiempo comienza a perder la capacidad de distinguir lo verídico de los ficcional. Al avanzar la historia, acelera el ritmo y aumentan los elementos absurdos. Los personajes son misteriosos y se enlazan con el material histórico real que muestra la película. El director y guionista le da un giro de tuerca a la reconstrucción de época, le agrega música típica de un thriller y deja que el espectador llegue a las conclusiones por sí solo. Los Corroboradores logra ser una película diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en el cine nacional y sorprende, en algunos momentos, denunciando la discriminación hacia los inmigrantes que llegaron al país durante los siglos XIX y XX. La película logra llevar las leyenda urbanas e intrigas internacionales a un plano que intenta ser serio y al mismo tiempo absurdo y atrapa al espectador.
El tiempo de El Reloj Alguien más en quien confiar es el documental de una de las bandas de rock pesado más importante de la historia argentina: El Reloj. El título viene de uno de los temas más conocidos de la banda y se escucha a lo largo de la película. El documental cuenta con material exclusivo de la banda desde los inicios hasta su separación y entrevistas con los integrantes y grandes figuras del rock nacional. A partir de estos recursos, se muestra las circunstancias y problemas que se interpusieron en sus diferentes retornos, y como los músicos salieron adelante en cada ocasión inspirando a varias generaciones de rockeros. Matías Lojo, a la cabeza de este proyecto, comenzó el rodaje en 2015 y buscó apegarse a los hechos lo mejor posible. La película ilustra a la perfección los 30 años desde que El Reloj tocó por primera vez hasta que se separaron. El documental busca darle reconocimiento a esta banda legendaria que inició el rock pesado en Argentina y mostrar su potencial a nivel nacional e internacional. La película busca generar nostalgia en aquellos fanáticos de la banda que vivieron su mejor época y curiosidad en los fanáticos del rock nacional que no tuvieron el gusto de verlos en vivo. Alguien más en quien confiar es un documental para aquél que no sabe cómo formar una banda o tiene pasión por el rock pero no sabe como materializarlo. Es una película interesante pero para aquellos que no empatizan con el género es un documental más sobre una banda que ya no existe.
Amor cubano La historia se sitúa en la Cuba de los años 90 y muestra a una pareja de ancianos (Candelaria y Víctor Hugo) viviendo durante una época de crisis económica. De todas formas, eso no los impide descubrir nuevamente el amor y la pasión. Tras años de estar inmersos en la rutina y apenas sobreviviendo el hambre que había en Cuba, Candelaria encuentra una cámara de video en el hotel donde trabaja y cambia por completo sus vidas. Ambos vuelven a sentirse como unos jóvenes que apenas se conocen y descubren pasiones que creían perdidas. La historia está basada en una historia real que conoció el director colombiano, Jhonny Hendrix, en un viaje que hizo a Cuba sobre una pareja de ancianos sin hijos que superaron la crisis juntos. Las actuaciones de los actores, Veronica Lynn y Alden Knight, le dan vida a estos personajes tan particulares que presenta la película. Se los muestra cenando a la luz de las velas y luchando contra la pobreza, pero al mismo tiempo Candelaria cuida pollos que trata como hijos, más allá de las insistencias de su marido y su amigo de cocinarlos. Candelaria es una película divertida que a la vez muestra lo más crudo de la realidad cubana luego de la caída del muro de Berlín. La historia rompe con tabúes como el sexo en la tercera edad y la venta ilegal de videos caseros y cigarros. La música elegida por el director termina de sumergirnos dentro de ese mundo y nos hace querer a Candelaria, a Víctor Hugo y a sus 5 pollitos.
Claridad en la oscuridad Clara (Elisa Carricajo) y Alejandro (Rafael Spregelburd) se mudan juntos a un departamento nuevo. A los pocos días, Alejandro debe viajar por trabajo a Italia y Clara queda sola en una casa llena de cajas e incertidumbres. El desorden va invadiendo su vida y ella empieza a aceptar invitaciones descabelladas que la alejan del mundo en el que vivía. Desde el comienzo de la película, se la nota a Clara incómoda con la situación en la que se encuentra y ella intenta cambiar eso a medida que avanza la historia, descubriendo que no todo era lo que esperaba. Si bien el personaje no tiene un objetivo o motivación muy concreta, sus deseos se van conociendo a través de la historia y el espectador puede seguir el hilo muy fácilmente. Algunas acciones y diálogos quedan sin resolver pero parecer ser la intención de la directora Florencia Percia. La actuación de Elisa Carricajo es la que le da vida al personaje principal y se pone al hombro toda la película. Clara se nota constantemente incómoda, con una sensación de vacío y perplejidad que se ve en pocos personajes. Con sus ojos celestes hipnotizantes demuestra cuando está atenta a todo lo que sucede a su alrededor y expectante a las nuevas situaciones que la invita a participar. Cetáceos es una película corta que demuestra cómo la incomodidad y el caos pueden existir en una persona y cómo se puede escapar de ellos. La película nos hace reír pero también reflexionar acerca de nuestras situaciones y qué significa ser feliz.
Lady Bird es la historia de una adolescente en su último año de secundaria que busca salir de la ciudad “aburrida” donde vive e irse a estudiar a Nueva York. Es la primera película escrita y dirigida por Greta Gerwig y fue aclamada por la crítica y los aficionados, tuvo un récord perfecto en Rotten Tomatoes superando a la histórica Toy Story 2. Acá te dejamos 5 razones por las que tenés que ir a verla al cine. Greta Gerwig Lamentablemente la mayoría de los directores de cine son hombres, pero esto está empezando a cambiar. Greta Gerwig (Frances Ha, Jackie) empezó como actriz pero su sueño de toda la vida era contar historias a través de la pantalla. Lady Bird tiene mucho de su adolescencia en California y la directora tardó casi 4 años en escribir el guion. De esta forma, la historia se siente mucho más personal y profunda. Saoirse Ronan ¿Quién no se enamoró de Saoirse Ronan en Brooklyn? En Lady Bird cambió el acento irlandés por el americano y se puso en el cuerpo de una adolescente conflictiva. Cuando Greta Gerwig le hizo leer una parte del guion pensó que era la opción perfecta para representar a Christine “Lady Bird” McPherson. Es imposible no reírse con algunas cosas que dice e identificarnos con otras. Historia de amor no romántico El cine romántico nos acostumbró a que las historias de amor tenían que ser entre parejas. Greta Gerwig define esta película como una “historia de amor entre una madre y una hija”. Cuando termine la película vas a querer llamar a tu mamá y decirle que la querés, está garantizado. Está bien ambientada La película transcurre en Sacramento, una ciudad de California, en la década de los 2000s. Hay muchas películas sobre los 90s pero los 00s también fueron una década icónica. La película te transporta fácilmente a esa época con clásicos de Justin Timberlake y Alanis Morrisette que te van a hacer bailar un poco desde el asiento. Una película “coming of age” distinta Hay un montón de películas sobre adolescentes que no saben que hacer con su vida o simplemente sienten que no encajan. Lady Bird va más allá de esto, muestra relaciones verídicas dentro de una familia de pocos recursos, el desempleo en Estados Unidos durante una época de crisis y el personaje de Lady Bird es mucho más complejo que la mayoría de adolescentes en este tipo de películas.