DIVERTIDO JUEGO "Maravillosa y entretenida película para disfrutar en las vacaciones, dirigida al público infantil. Sin embargo y gracias a sus bellos mensajes, la familia también la disfrutará y se emocionará." Space Jam: A New Legacy, 2021. ¡Bienvenido al Jam! Campeón de la NBA e ícono planetario, LeBron James se embarca en una increíble aventura junto a Bugs Bunny en SPACE JAM - NEW ERA. LeBron y su pequeño hijo Dom están cautivos en un espacio digital por inteligencia artificial maliciosa. El jugador de baloncesto debe llevar a su pequeño a casa sano y salvo, triunfando sobre Bugs, Lola Bunny y sus compañeros Looney Tunes contra los campeones digitalizados de la inteligencia artificial: un escuadrón de estrellas hinchadas de la NBA y la WNBA. Film digitalizado, azucarado y con reiterativos consejos. La primer Space Jam, tuvo un éxito para los adultos expectantes en obtener la misma magia en esta nueva entrega. Sin embargo, esta información, no es interesante para los niños. Por lo tanto, considero un error, criticarla dese ese lugar. El guion es previsible y su ritmo el acertado para los más pequeños. Si esto no fuese así, se perdería el encanto buscado para que funcione y la sorpresa que provoca. Los personajes están bien construidos, son divertidos y tienen personalidad. Quizás la duración sea algo extensa para cierto sector del público. Los diálogos son abrumantes. Si bien, la interpretación de James LeBron, no es la esperada, juzgarlo desde un lugar de actuación, no resulte justo, ya que es un excelente jugador de baloncesto, no un actor. Pero esa es una elección del Director. Los niños, no se detienen en esos detalles, les resulta divertido y mágico, la transformación entre ambos universos, y la interacción con cada uno de los personajes Looney Tunes. Por otra parte, la animación funciona, aportando la cuota necesaria del hechizo esperado, para jugar e incentivar el vínculo con los personajes en ese espacio virtual bien construido. Una de sus debilidades, es la evidente venta y promoción de los productos Warner, pero una vez más, esto es lo que más le interesa a los pequeños y no es novedoso para los adultos. Space Jam 2: Una Nueva Era, a pesar de ser una película saturada de referencias al cine y al baloncesto, confluye en una comedia de entretenimiento familiar. La música cobra un papel importante, estimulando la imaginación y lo sensorial. "El film Puede no ser lo esperado por los mayores, pero si por el público hacia quien está dirigido y eso es lo importante. La nostalgia por la primer versión, solo le interesa al adulto. De manera que pretender lo mismo, es una pérdida de energía. Los niños se entretienen, ríen, se sumergen en ambos universos y eso es lo que cuenta. Quienes tuvimos la oportunidad de ver la película junto a los más pequeños, damos fe de esto. Sus risas, gritos y sorpresa cada vez que aparece un nuevo personaje animado y entusiasmo por jugar es lo que impera, y es por eso que la recomiendo. La premisa es sencilla y hermosa: -lo que más importa es la familia y la amistad que elegimos, se puede transformar, en un lazo fraternal, siempre y cuando aceptemos al otro como es-, se mantiene durante todo el film y está relatado como el cuento que esperan los infantes. Espero que los grandes no arruinen esa ilusión y logren divertirse junto a ellos, recordando nuestra niñez y conectando con esa inocencia."
BAILARÁS "Expresión estética imponente, en donde lo poético obtiene un lugar relevante y sensorial, atravesando un borde contundente e incluyendo al espectador. Es lo que nos presenta, el Director uruguayo Nacho Alvarez, en su ópera prima" Un viaje de alegría contagiosa a través de los grandes éxitos de la incomparable Raffaella Carrà, EXPLOTA EXPLOTA, 2020 sigue a María, una novia que acaba de huir de su propia boda y cuyo sueño siempre fue bailar. Mientras le da color a la España gris de la década de 1970 al convertirse en una estrella del más importante musical de televisión, su búsqueda de libertad personal irá de la mano de la explosión de una censura impuesta por el régimen desde hace mucho tiempo. Alvarez, logra una prolija dirección, con la finalidad de acentuar la figura de la estrella. Para lo que utiliza una paleta de colores interesantes y resplandecientes. Buscando una mejor conexión, entre el espectador y el film. Consiguiendo así, un relucir más efectivo con los colores y contrastes. Y si bien su guion es predecible, tampoco peca de inocente, entretiene y a pesar de las reminiscencias a musicales, se constituyen en inspiraciones bien logradas y armoniosas, mostrando el estilo del también co guionista. La construcción de personajes y sus justificaciones es la atinada, consiguiendo una buena y simple comunicación de la trama dramática. Destaca y asombra, la magnífica puesta en escena. Cada detalle pensado meticulosamente para lograr el brillo necesario. Las interpretaciones, son sobresalientes, resultado de un gran trabajo de casting en los personajes secundarios. Sin embargo se carga el film al hombro INGRID GARCIA JOHNSON quien interpreta a Maria. La dirección de arte a cargo de UXUA CASTELLÓ se lleva todos los aplausos, siendo puntillosa y exquisita. Consiguiendo denotación y connotación en cada elemento muy bien elegido, para acompañar el brillo de la estrella. "Cómo el camino de la vida de los personajes, la mágica y luminosa María, sólo desea Ser feliz y aspira lo mismo para los demás, logran nuestra empatía desde el comienzo. Esto se relaciona con talentos como Raffaella Carrà, que nos interpelan y contagian de luz, en una atmósfera histórica de cambios repleto de "lagunas o burbujas", en la cual, es más que adecuado, hacerle homenaje, deseando para todos, lo mismo que ella anheló desde el cielo, en donde se encuentra ahora."
ESPEJOS "Cuánta realidad se refleja en una obra, es decir, cuánto en ella se sustenta en lo real y cuánto en la ficción. Pero esto nunca ha sido tan extremo como lo es hoy, donde todo parece estar al revés, donde la ficción se ha convertido en realidad y la realidad en ficción. O más delicado aún, donde la verdad se ha convertido en mentira y la mentira en verdad. Otra lección de guion para el espectador amante del cine oriental. Fabienne (Catherine Deneuve) es una estrella de cine que reina entre hombres que la aman y admiran. Cuando publica sus memorias, su hija Lumir (Juliette Binoche) regresa de Nueva York a París con su marido (Ethan Hawke) y su pequeña hija. Pero el reencuentro entre madre e hija se transformará rápidamente en confrontación: se contarán verdades, se saldarán cuentas pendientes y se confesarán amores y resentimientos. KORE-EDA HIROKAZU explota todos los recursos disponibles, La paleta de colores inspirados en la naturaleza, un crisol de verdes y amarillos, árboles y hojas. Todos los planos y movimientos de cámara, acompañarán al espectador activo hacia el descubrimiento de la verdad y de manera sutil, al igual que sus protagonistas. Además, se destaca en montaje, iluminación, dirección de arte, locaciones, utilería, vestuario y música. Elementos que enriquecen a la trama. Sin lugar a dudas, su fuerte es el guion, del que también es responsable. Tan profundo como multidimensional y simbólico, la trama dramática simula ser sencilla, ya que, de manera astuta, cumple con los tres actos, la premisa aparenta ser sencilla, sin embargo no lo es y brinda pistas. La construcción de personajes, es realmente extraordinaria. Para nada inocente y durante todo el film, utiliza espejos que reflejan los diferentes estadíos emocionales de las protagonistas. La puesta en escena es admirable. Admiro la interacción entre los personajes principales, en un juego de comunicación entre la protagonista y su antagonista. Ambas realizarán una batalla interna y descubrirán que sus conflictos internos van más allá de lo que hubiesen esperado. Decir más sería spoilear. Desde ya que el trabajo de casting es formidable, destacándose la dupla DENEUVE (La Dernière folie de Claire Darling, 2018) y BINOCHE (Copie conforme, 2010). Magníficas actrices, quienes interpretan sus roles de manera exquisita. Es notable la manera de expresar lo que el realizador quiso relatar. Empatizamos de inmediato con estas actrices y con todo el elenco. Prestar atención a la niña que saca fotos todo el tiempo y las miserias de cada familia o matrimonio supuestamente feliz, lo demás se lo dejo al público para que interprete y saque sus conclusiones. Un ejemplo entre el qué y el cómo relatar una historia simple que esconde información, como las capas de cebolla en "Citizen Kane de Orson Welles, 1941". "El cine oriental, tiene esa mágica receta que siempre funciona, porque es en el silencio, en la complicidad de miradas y gestos, en donde todos nos sentimos acompañados e identificados. Siempre sus mensajes son universales y existe un antes y un después de esa conexión entre el espectador y el respetuoso realizador que nos nutre desde un lugar natural e inherente a cada ser humano. Se agradecen estos filmes que alimentan el alma, nos invitan a reflexionar y salir de nuestra zona de confort. Es una obviedad decir que lo súper recomiendo. Paralelismo puro entre nuestra vida y la ficción representada en el trasfondo del universo cinematográfico. Demasiados motivos para verla." Clasificación: 9/10
ENTRE HOJAS "Film impredecible, alegórico a lo que estamos transitando como humanidad. Mantiene al espectador intrigado. Relata una historia que observamos de reojo, sin profundizar ni involucrarnos lo suficiente... por miedo? egoísmo? Indiferencia? porque nunca nos tocó de cerca? En tal caso, el público es el que experimentará una intensa y desesperante búsqueda junto a la protagonista, en esta excelente y diferente propuesta de la Directora y Guionista Alejandra Marino" Ojos de arena, 2020. Carla y Gustavo están separados desde que ella, psicóloga forense, perdió a su pequeño hijo cuando estaba protegiendo a una joven captada por la trata. Alguien se lo llevó. La foto de una niña perdida pocos días después puede ser una pista y se reúnen para seguirla. Llegan a la casona de Inés y Horacio, padres de la niña. Una vidente ronda por la zona buscando a su nieta secuestrada y desconfía de Horacio. El camino es búsqueda incesante y aunque la verdad sea un espanto, echa luz sobre la esperanza. La directora y co guionista ALEJANDRA MARINO sigue a Carla (Paula Carruega). Su dirección es excelente en todo sentido, con flashbacks, que enfatizan el momento en el que su vida se detuvo. Consiguiendo escenas poéticas, simbólicas y secuencias cuyas connotaciones contienen ricos matices. Delinea su fino estilo, con el manejo de contrastes naturales, formas y colores con el agua, flores y hojas; delineando con sutileza, su estilo, sobre todo en los planos detalle y suaves movimientos de cámara. Indudablemente lo que más disfruté es el respeto y conocimiento hacia el guion, logrando una comunicación permanente con la historia. En este caso, al ser un relato sombrío y angustiante, no es sencillo de sostener. Por supuesto que las actuaciones son impecables, destaco a Carruega y a Ana Celentano. Un buen casting. La música es la atinada, y los silencios y miradas aun más. Utiliza una iluminación natural, nos confunde, involucrándonos con el relato, en donde abundan las situaciones extrañas, aunque correctas, al estilo europeo. No nos otorga lo que esperamos; no obstante lo cual, consigue nuestro interés de principio a fin. Investigamos a través de pistas, como si fuese un rompecabezas, vamos armando las piezas y, además, nos desconectamos de la realidad. "Pocas veces, el nombre del film está tan bien elegido, pero si opino los porqué, estaría spoileando. Es muy recomendable por su original manera y ejemplo de una directora segura de lo que quiere contar y como, sin ser indulgente. Lo interesante es recorrer el camino junto a los protagonistas y cómo nos atrapa, sin forzarnos en lo absoluto. Con un ritmo diferente quizás, al que no estamos acostumbrados, y que en lo personal, es el que elijo." Clasificación: 8/10
SANANDO HERIDAS "The Marksman, 2021 es una singular road movie que nos conduce por la peligrosa frontera entre los Estados Unidos y México. Allí se cruzarán dos historias de vida completamente diferentes. Sin embargo, sus protagonistas descubrirán que están unidos por razones muy profundas." Un ranchero Jim Hanson (Liam Neeson), es un ex marine que vive en Naco, a poca distancia de una valla fronteriza de Arizona, se convierte en el menos pensado defensor de Miguel (Jacob Perez), un niño mexicano que huye desesperadamente junto a su madre Rosa (Teresa Ruiz), de los asesinos del cartel que lo han perseguido hacia los Estados Unidos. Una película de Robert Lorenz. Nominado a 3 premios Oscar, Robert Lorenz es un productor y director cinematográfico estadounidense conocido por sus colaboraciones con el actor y cineasta Clint Eastwood, con quien produjo, entre otras películas, Mystic river, Flags of our fathers y Letters from Iwo Jima. Como productor ejecutivo participó en las cintas Million dollar baby y Blood work, ambas dirigidas por Eastwood. Como director asistente ha trabajado en más de veinte filmes. En 2012 debutó como director con la película Trouble with the curve, protagonizada por Eastwood. Con Liam Neeson, Katheryn Winnick (Vikingos) y Jacob Perez. La película permaneció 19 semanas en cartel en Estados Unidos, rankeando #1 las dos primeras, y por otras 6 semanas más permaneció en el top 5. En cuanto a dirección, podemos aseverar que es correcta y adecuada, ajustándose a la trama, acompañando a los protagonistas y con bellos paisajes, en el transcurso de su viaje. No resultan creíbles las acartonadas escenas de acción. Salvando este detalle, contamos con la buena interpretación de Neeson y recursos bien utilizados, como, la música, la utilería, las locaciones interiores y exteriores. Sin tratarse de una gran película, plausiblemente entretenida. Sin embargo, con todos los arreglos, ninguno de los extras son de representación incisiva, con lo cual, el guion de naturaleza predecible, no es su fuerte; alejando al espectador de la historia. Aunque es probable que llegue al corazón de cierto público. Film de amigos, una persecución de cárteles, un relato de liberación sentimental. El nexo entre ellos, quienes se muestran reticentes, será el de un perro, acercándolos desde un lugar de nobleza y pureza. El trabajo de iluminación, montaje y vestuario, ofrecen una buena versión cinematográfica. Los contrastes de colores y texturas, aportan a la diferencias entre el origen y dura realidad de los protagonistas, dato no menor, dada la importancia del drama del protagonista y el antagonista. "Lo que comienza como un tremendo drama, se puede transformar y brindarnos una nueva oportunidad para fortalecernos y avanzar. Film que funciona como alegoría de nuestras vidas y lo que nos separa. Quizás esas "fronteras", no tengan como finalidad dividirnos, sino acercarnos y de esta manera, aprender del otro. Es un mensaje muy positivo y ojalá veamos a esto como una oportunidad, para unirnos y construir nuevos lazos. A cierto público, se le asegura pasar un buen momento y entretenido, con momentos de acción."
ESPERANZA COLECTIVA "El Director y Guionista Juan Pablo Lepore, nos presenta en esta oportunidad, un documental que reivindica, el derecho a la tierra y a la dignidad de los pueblos trabajadores, comunidades organizadas en función del bien común. Del otro lado, el odio, la concentración de la riqueza indiscriminada y el desprecio encarnado en la violencia que ejercen sistemáticamente y muchas veces en complicidad con los gobiernos de turno" COLECTIVO DOCUMENTAL SEMILLAS PRESENTA En tiempos de acompañamiento a las normativas sanitarias vigentes a raíz de la pandemia por COViD-19, los invitamos a este ESTRENO NACIONAL La vuelta al campo...luchas campesinas por el buen vivir, 2020 En un contexto neoliberal marcado por la pobreza y la exclusión, la redistribución de tierras junto con la producción de alimentos forma parte de La vuelta al campo. Los campesinos que fueron desalojados por el avance de la frontera agropecuaria vuelven a la ruralidad construyendo una alternativa frente a tanta desigualdad. GANADORA en el “V FESTIVAL DE CINE ETNOGRÁFICO DE ECUADOR” y en el “FIORENZO SERRA FILM FESTIVAL” de Italia, ambos durante 2020. MENCION ESPECIAL en el “LIFE AFTER OIL” de Cerdeña, Italia. El largometraje "LA VUELTA AL CAMPO, luchas campesinas por el buen vivir" es el quinto documental dirigido por Juan Pablo Lepore. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine Ambiental FINCA 2020. Luego de esa presentación el film fue seleccionado por 20 festivales internacionales. Entre ellos, el WIP 2018 (Work In Progress) del 51° FICVIÑA Festival Internacional de Cine de Viña del Mar. En 2019 fue selección oficial para el Santiago Festival Internacional de Cine SANFIC NET 15. ESTRENO NACIONAL EN CINE.AR JUEVES 20 DE MAYO - 18:00 HS Repite: Viernes 21 de Mayo 06:00 hs y 12:00 hs MOTIVACIÓN PALABRAS DEL DIRECTOR JUAN PABLO LEPORE "La idea de este proyecto surge de la necesidad de hacer visibles las dificultades que ocurren en el campo profundo, en los territorios de los agricultores, donde el agronegocio avanza y obligan a las comunidades a abandonar sus tierras. Este documental muestra que es posible regresar al campo y recuperar esas historias, ese estilo de vida, construyendo un futuro mejor para sus hijos. El largometraje evidencia que la vuelta al campo es una herramienta de transformación social, se trata de hacer visibles los conflictos y trata de ver más allá de los problemas, ofreciendo una alternativa concreta, que plasma el trabajo de las organizaciones rurales que han estado produciendo alimentos saludables durante muchos años e invitando a la recuperación del territorio para proporcionar a la población alimentos locales y saludables." JUAN PABLO LEPORE / DIRECTOR Nació en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina el 10 de Abril de 1982. Estudió en la Universidad de Buenos Aires, en la carrera de Diseño de Imagen y Sonido. Se desempeña como productor, guionista y director de sus películas. "La Vuelta al campo" es el 5to largometraje de Lepore. Los trabajos anteriores estrenados comercialmente son "Sin patrón, una revolución permanente" (2014), "La Jugada del Peón, el agronegocio letal" (2015), “Olvídalos y volverán por más, megaminería y neoliberalismo” (2016) en competencia oficial a Mejor Largometraje Nacional en el Festival de Cine Político (FICIP) 2017. Agroecología en Cuba, estrenada el 24 de agosto de 2017, ha sido seleccionada en competencia para 10 festivales internacionales y proyectada 150 veces por todo el país. "Buena oportunidad para reflexionar y plantearnos, quizás sobre la crisis del paradigma neoliberal, que socava y atomiza a las sociedades, provocando rupturas y rencores. La pregunta entonces sería ¿Queremos una sociedad para pocos o una más justa y equitativa? Clasificación: 8/10 FICHA TÉCNICA Título original: La vuelta al campo...luchas campesinas por el buen vivir Género: Documental País: Argentina Duración: 73 minutos Guión, dirección y producción: Juan Pablo Lepore Dirección de Fotografía: Catriel Marmo Montaje: Juan Pablo Lepore - Mónica Simoncini - Omar Neri - Yasmín Dávalos - Jessica Gherscovic Cámara y fotografía: Juan Pablo Lepore - Catriel Marmo - Nicolás Van Caloen -
ACTUAR MI VIDA "Film ideal para reflexionar con respecto a nuestro: "No hacernos cargo". Mientras observamos como espectadores nuestra vida que pasa y no una que vivimos. Un espejo que tapamos de manera elegante, en el intento de camuflar una realidad que no toleramos." De la noche a la mañana, 2019. A Ignacio (un ya no tan joven arquitecto) su novia le da una inesperada noticia: está embarazada. Ignacio acepta una invitación de último momento para ir a Valparaíso a dar clases. A su llegada encuentra la universidad donde debía presentarse tomada por los estudiantes. Mientras deambula Ignacio comienza a vislumbrar una nueva vida en Chile. La sucesión de éxitos inmediatos y una serie de temblores que parecen presagiar un terremoto lo sumergen en un viaje cómico y profundo. El Director y co guionista Manuel Ferrari sigue al protagonista, haciendo foco y aprovechando su personalidad y profesión, para deambular cómodo en su espacio. Lo que exhibe de Valparaíso, es solo un parcial sector de la sociedad chilena, desde un punto de vista estético de la clase alta. Resultando extraño o tan solo una excusa para contar una historia, que bien podría suceder en cualquier lugar y ser más interesante. Más allá de ser una bellísima ciudad por cierto, que permite obtener postales de cada fotografía, me llamó la atención, la elección y por consiguiente, minimizar el momento del contexto social tan particular que describe a Chile, en el cual se desarrolla la historia. Se aprovechó para marcar las diferencias existentes entre Chile, Perú y Argentina, que a cierto público le podrá resultar gracioso, sin embargo, no es lo que me sucedió. Sin lugar a dudas, es un producto traspasable. Sin embargo, la sensación, es que no se profundizó lo suficiente, pero sí cumplieron con el objetivo buscado: mostrar los encantos e idiosincrasia de la ciudad, pero de un pequeño y privilegiado sector, quedándose en el camino con respecto a la definición del genero como película. Con un guion previsible, escenas que sobran y a su vez, una trama dramática de naturaleza vertiginosa, como es el personaje; el mismo es superfluo, trazando un paralelismo entre ambos. Lo que considero un acierto, puesto que el espectador logrará una identificación. La construcción de los personajes es correcta, marcando un contraste necesario. Las actuaciones son atinadas y creíbles, destacándose la interpretación de Esteban Menis. Los diálogos son elocuentes. El casting, y gran parte de los planos fueron en un corte, por lo tanto el trabajo del montaje y edición, son de destacar; al igual que la utilería y escenografía que se distinguen en este film y el impetuoso y poético mar para acompañar los caminos. De todas maneras, el mensaje a transmitir es de rol multifacético, al igual que el vertiginoso ritmo del film, sin dejar lugar al aburrimiento. "Es evidente cuando una película carece de personalidad y tiene una clara intención, que no cumple con las expectativas de todo espectador. Lo que rescato de "De la noche a la mañana", es la contundencia con respecto a su principal mensaje y la invitación a una reflexión que nos incluye a todos. Lo que se sostiene de principio a fin, gracias a la interpretación de Esteban Menis" Clasificación: 6/10
BÚSQUEDA INTUITIVA "A pesar de una inmensa distancia entre un hijo y su padre, nada es casual y cualquier proyecto resulta ser una excusa para un pendiente y sanador viaje de introspección." Rafa, su papá y yo, 2020. Sebastián Muro, es el Director de esta película. El proyecto es un documental. Primero consideró otras ideas, filmar a un amigo, luego a su novia, hasta que optó por su extrovertido padre, a quien no le dice papá: Rafa, un extrovertido empresario organizador de eventos, para un ejercicio de la facultad. Hipnotizado por la comodidad y displicencia de su padre frente a la cámara, Sebastián continúa filmándolo hasta que, sin quererlo, empieza a contar su propia historia familiar y da con un tema no saldado con su padre: su ausencia de casi una década cuando Sebastián era niño. La regular voz en off de Sebastián como relator, con una desestructurada y desordenada cámara en mano, postergando los planos fijos, entre otros, coincidentes con la comparecencia de réplicas sutiles, hasta que todo en su universo va acomodando viejas piezas de un rompecabezas infantil. Para Rafa el rencor hacia su padre, no es cuota pendiente, debido a una cuestión de madurez o por el paso del tiempo. Por su parte, Sebastián se encuentra estancado en la etapa del no perdón. Sin embargo los tres coinciden hasta en sus traumas más inconscientes y el director intenta destapar esa olla a presión, descubriendo las razones de la apatía y darle voz y comprensión a esos antiguos silencios y ausencias de una numerosa y quebrada familia. Las verdaderas razones fluirán siguiendo el linaje masculino familiar, que casi siempre están más relacionadas a la figura del abuelo. En este caso, las otorga el protagonista: Jaime y en cierta forma, la cámara, que atravesó junto a Sebastian, las mismas etapas. "Dicen por ahí que todo viaje es una travesía, en este caso, el protagonista, bucea, aunque sin profundidad, en un reencuentro personal hacia su interior. En una suerte de terapia transgeneracional, investigará la raíz del resentimiento hacia los padres en su familia; los motivos por los que cierto distanciamiento, los mantuvo y mantiene alejados de una relación sana entre padre e hijo, confluyendo en lo que los une y no tanto en lo que los aleja" Claficación: 5/10 FICHA TÉCNICA Dirección: Sebastián Muro Producción Ejecutiva: Andrew Sala Producido por: Nevada Cine Con el apoyo de: Universidad del Cine Edición de diálogos y armado de bandas: Lara Baldino Mezcla: Camilo Molina Montaje: Anita Remón (SAE), Julia Strafacce (SAE) Asistente de Montaje: José Goyeneche (EDA) Corrección de Color: Alana Oses Sonido Directo: John Figueroa, Marilina Gimenez, Carla Finco Tutoría de proyecto: Rodrigo Moreno y Juan Villegas Asesoría Voz en Off: Cynthia Edul Diseño de poster: Marcos Galindez Reparto: Rafael Muro, Fabiana Yanun, Inés Baum, Andrés Muro, Jaime Muro, María Eva Alvarez, Sandra Flomenbaum, Karina Flomenbaum, Lola Muro, Juana Muro, Miguel Angel Esmoris, Luis Muro Crousillat, Palena Muro, Francisco Muro, Antonieta Guerrero de Muro, Luis Lolin Alejandro Muro Guerrero, Carol Lolina Muro Guerrero, Oscar Muro Doig, Mariangel Muro Brandon, Alejandro Muro, José Muro Alcántara.
Michael Myers sofisticado Secuela que respeta elementos de la primera pero sin continuidad en la trama, dirigida por William Brent Bell y escrita por Stacey Menear. Brahms: El Niño 2 (The Boy 2, 2020) es una película que intriga mas de lo que asusta, le hace honor al compositor alemán pero a no ilusionarse, puesto que se suma al listado de malos films de supuesto terror del 2020. Una joven familia compuesta por Liza (Katie Holmes), Sean (Owain Yeoman) y el pequeño Jude (Christopher Convery), se mudan a una mansión en las afueras de la ciudad, luego de vivir un trágico episodio que no logran superar, sin ser conscientes de la aterradora historia que ha marcado su historial durante décadas. Allí, el miembro más joven de la familia, hace un nuevo amigo: un muñeco con forma humana al que llama "Brahms". Con explícitas reminiscencias a Chucky, el muñeco maldito (Child´s Play, 1988) y a Noche de brujas (Halloween, 1978), es inevitable cuestionarse la motivación de la continuación de estos films de terror: jugar con el público, llenar salas de personas que sólo buscan entretenimiento, y sacar rédito de ello. Sin tener en cuenta, que las expectativas del espectador están cambiando debido al aburrimiento de ver siempre lo mismo. Por fortuna existen nuevas inquietudes y búsquedas de otro tipo de cine que prioriza la sugestión y los aspectos psicológicos. De esta película podemos decir que las locaciones son lúgubres, siendo lo mejor la música aunque por momentos no acompañe la historia o se esfuerce en el intento de asustarnos, que no siempre logra. Las actuaciones son correctas y no creíbles al mismo tiempo, siendo lo peor la interpretación del protagonista, un niño con el que no empatizamos para nada, lo cual es un grave error que nos dé lo mismo lo que pueda sucederle. La dirección también es regular y el guión, predecible, ya que cuenta con escenas ridículas, dando cuenta que no se buscó respetar una estructura sólida, con situaciones sacadas de la galera para rellenar. Destaco elementos de utilería y escenografía por su detallismo, ya que aportan elegancia al muñeco. Los efectos especiales no son buenos, como así tampoco los escasos jumpscares. Es un film que entrega menos de lo que anuncia en su trailer, no obstante, debo decir que no me aburrí, su comienzo es prometedor. Por ese motivo no lo considero malo, entretiene y nada más. Muy lejos del terror e invita a rever los clásicos Chucky, el muñeco maldito y Noche de brujas.
SILENCIO "Con Charlie Kaufman encabezando al equipo de guionistas, realmente esperaba mucho más. Abundan las reminiscencias y si bien, la Dirección, Producción y lo espectacular de los filmes yanquis, están presentes, en este caso, no consiguen la armonía y fluidez para que funcione." Chaos Walking, 2021. El Director Doug Liman nos relata una historia que sucede en un futuro no muy lejano, en un mundo donde las mujeres han desaparecido y los hombres han sido afectados por "el ruido" -una fuerza que exhibe todos sus pensamientos- Todd Hewitt (Tom Holland) se encuentra con Viola (Daisy Ridley), una joven misteriosa que ha aterrizado en su planeta. Con Viola bajo riesgo, Todd jura protegerla y ponerla fuera de peligro. Para salvarla Todd tendrá que controlar su “ruido”, descubrir su propia fuerza y desbloquear todos los oscuros secretos que guarda su planeta y su comunidad. SOBRE EL RODAJE: Gran parte de CAOS se filmó a dos horas de las afueras de Montreal, en un bosque remoto y montañoso. Allí, Doug Liman pudo capturar completamente la dura existencia de los personajes. Al mismo tiempo, el equipo se maravilló ante el singular e impresionante bosque virgen y el paisaje extraterrestre de la zona. Mejorar la sensación majestuosa de este mundo forestal rico y vibrante fue el trabajo del director de fotografía Ben Seresin. El destacado director de fotografía también tuvo el desafío de dejar espacio alrededor de cada personaje, para su respectivo Ruido. "Plantear la premisa en un futuro, no fue una buena elección. El guion es predecible, el protagonista y su antagonista, no logran el enfrentamiento necesario, consiguiendo la misma fuerza y quitándole credibilidad y confusión para el espectador. Sin embargo, tiene un buen ritmo, entretenido de seguir, contrastes interesantes que destacan más a la heroína, entre los maravillosos verdes de las locaciones canadienses, y como de todo se aprende, los mensajes que deja son universales: estamos atrasados como humanidad con respecto al despertar, aún nos estamos buscando como individuos, permitiendo que los otros creen nuestra vida según su criterio, nuestra entrega como seres humanos, es completa hacia los animales y no hacia las personas, entre otros." CLASIFICACIÓN: 7/10 Ficha Técnica: Título original: Chaos Walking Año: 2021 Duración: 109 min. País: Estados Unidos Dirección: Doug Liman Guion: Charlie Kaufman, Gary Spinelli, Lindsey Beer, John Lee Hancock, Andrew Gottlieb, David Rosen. Novela: Patrick Ness Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts Fotografía: Ben Seresin Productora: Quadrant Pictures, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance. Distribuidora: Lionsgate Género: Ciencia ficción. Aventuras. Fantástico | Distopía Reparto: Tom Holland, Daisy Ridley, Mads Mikkelsen, David Oyelowo, Nick Jonas, Cynthia Erivo, Demián Bichir, Kurt Sutter.