El cine afroamericano no solo fue una expresión estética vinculada a la movilización social, cultural y política de esa parte de la sociedad estadounidense que en el pasado fuera sometida a todos los vejámenes que suponen la esclavitud sino también una reacción a los estereotipos del black people que producía el Hollywood blanco y racista desde su nacimiento como industria.killer_of_sheep_2_1024x1024 - Publicidad - Entre finales de los setenta con Killer of Sheep(Charles Burnett, 1978) y comienzos de los noventa con Haz lo que debas (Do The Right Thing, Spike Lee 1989) toda una generación de directores afroamericanos comenzaron a gestar una mirada realista sobre los conflictos sociales/raciales de su comunidad a las puertas del Imperio. do-the-right-thing Moonlight del director afroamericano Barry Jenkins también escarba en los márgenes de la opulenta y festiva Miami la situación de los afros pero lo hace desde una sensibilidad diferente (algunos han visto en este film destellos del maestro chino Wong Kar Wai) porque Jenkins no solo busca hablarle a su comunidad, su film dialoga con una estética que pretende (con los riegos que eso conlleva) estilizar el drama humano. Su protagonista, Chiron, es un niño muy vulnerable que no solo es maltratado por los demás niños del barrio sino que debe convivir con una madre drogadicta que no puede entender ni proteger a su pequeño hijo.MOONLIGHT_BlogPost_600x300 John (Mahershala Ali), es un dealer del barrio que no ha sido padre y cuando rescata al pequeño Chiron también encuentra su propia salvación, ambos se necesitan ya que Chiron no sobrevivirá sin una figura paternal como guía. John lo cuida, lo orienta y le ofrece junto a su novia Teresa (Janelle Monáe) algo parecido al hogar que su madre le niega en los hechos. moonlight-barry-jenkins-pitches-intersectionality-his-latest-movie-r El film buscará mostrar esa evolución de niño desvalido a joven endurecido a través de tres actuaciones descomunales de los jóvenes Alex Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rodas que encarnan al niño/adolescente/joven como si realmente fueran uno solo actor, llevando en sus rostros el sentimiento reprimido y ahogado de Chiron por toda la cinta. Moonlight, con ocho nominaciones a los premios Oscar, se puede dividir claramente en tres con cada actor/estado de Chiron y funciona muy bien en los primeros dos pero no resulta tan bien estructurado dramáticamente en el último ya que el encuentro de su amor homosexual resulta insípido, sin emoción como si el director no supiera como filmar las pasiones. No parece creíble esa historia de amor que no estructura el film y que solo aparece en el pequeño Chiron como discurso y que luego se manifiesta en su adolescencia con un beso ocasional de su amigo/amor de la infancia. Jenkins saca de la galera esa pasión soterrada y la mete en el freezer estilizado de sus imágenes donde demuestra, queridos lectores, que el romanticismo melancólico y postmoderno de Wong Kar Wai es una materia que aún le falta aprobar al bueno de Jenkins.
“Aprendí más sobre lo que es la sociedad burguesa, el capitalismo, etc., leyendo las novelas de Balzac que con el conjunto de los historiadores, economistas e investigadores de estadísticas profesionales de su época” Fredrich Engels Sin nada que perder (Hell or High Water) es un film que retrata a las poblaciones rurales de Norteamérica que han sido saqueadas por los bancos y las políticas económicas de los gobiernos de turno. Pero a no engañarse, Sin nada que perder es en su esencia un policial que, a través de los diálogos hace una ajustada radiografía de esa zona del país donde el racismo, la pobreza, la voracidad financiera se muestran de una manera cruda y directa.hell2 Dos hermanos blancos (Chris Pine y Ben Foster) desarrollan un raid delictivo robando bancos del medio oeste norteamericano para tratar de salvar una situación familiar, los robos convocan la atención de un veterano jefe policial a punto de jubilarse (el inoxidable Jeff Bridges) y su acompañante mitad comanche mitad mexicano (Gil Birmingham). hell-or-high-water_7Cada fotograma que vemos, cada diálogo que escuchamos parece anticipar el triunfo de Trump que supo hacer funcionar la ambulancia (metáfora peronista por excelencia) para juntar a todos los olvidados y maltratados de la gestión demócrata y hacerles creer en una nueva desilusión. Dirigido por David Mackenzie (10 de mayo de 1966), un escocés que tiene muy buenos antecedentes en películas que logran una buena mixtura de drama social y policial como Starred Up (2013). Mackenzie invierte el slogan martinfierrista: es profeta de una tierra ajena. Logra un film superior sin estridencias apostando a un sólido guión con excelentes actuaciones y diálogos donde cada detalle cuenta. Cris Pine sigue siendo ese actor inexpresivo pero funciona bien en el film quizás porque su cara se oculta una buena cantidad de tiempo detrás de un pasamontañas, Ben Foster evoluciona en cada película y Jeff Bridges es cada vez más clásico, y camaleónico, bien acompañando por Birmingham. Mirá también la nota sobre todos los nominados al Oscar 2017 Sin nada que perder, estrenada en el festival de Cannes del año pasado, acumula cuatro nominaciones al Oscar 2017 a mejor film, Actor de reparto (Bridges), edición y guión original y todas parecen justas aunque en la gran fiesta del cine del norte lo justo se reemplaza por lo políticamente correcto.
La primera impresión después de ver Aliados es de desconcierto, no puedo creer que el responsable de joyas como Forrest Gump, Náufragos y El vuelo haya podido llevar adelante tan fallido film. Desde el comienzo ya la película muestras sus dudas, un paracaidista cae en un paraje desértico de Casablanca africana, y al verlo pensé que estaba en el comienzo de una nueva saga de Stars War porque vemos a un Brad Pitt con su cara encerada, excesivamente posproducida, artificial menos creíble que Peter Cushing y Carrie Fisher con sus presencias digitales en Rogue One.aliados Primer error de Zemeckis, un fallo en el casting. Brad Pitt salvo raras excepciones logra sus mejores papeles en films de acción como Bastardos sin gloria, aquí Zemeckis quiere emular a los clásicos de acción y suspenso y en vez de utilizar a un “englishman” como Tom Hiddleston o un versátil Michael Fassbender para espejar aquella temporalidad del cine clásico elige al ex de Angelina Jolie. Su parsimonia es poco creíble y su calma totalmente impostada, con espías tan obvios como estos los aliados nunca hubieran podido ganar la guerra.aliados pitt El film se divide temática y cualitativamente en dos: esa primera parte en donde el bueno de Brad hace de un espía militar que se hace pasar por un francés (su fonética es pésima) casado con la talentosa Marion Cotillard que deben eliminar a jerarcas nazis y la segunda donde ellos ya viven en Inglaterra casados legalmente y con un hijo por venir, aquí la película sale de su sopor y se vuelve dinámica, inquieta y Brad consigue sacar algo de punta al lápiz para no terminar con un aplazo final aunque no le alcance para aprobar. alle pint La película funciona así como esos partidos de futbol donde tu equipo pierde por un par de goles y se despierta faltando minutos para el final, no termina abucheado por la entrega postrera pero la desazón y la tristeza afloran en los simpatizantes. Imagino que Zemeckis decidió tomar riegos y salir de sus patrones fílmicos habituales al querer emular aquella temporalidad de los viejos clásicos como el obvio Casablanca y en la segunda mitad echo mano de aquel efectivo suspense del viejo Hitch pero no alcanzó para redondear un film aceptable.alle pint2 Zemeckis parece estar en una zona de dudas y replanteos de su cine porque ya su anterior film The Walk lo mostraban poco consistente tanto en el guión como en el casting (nunca fue creíble Joseph Gordon-Levitt como el fantástico equilibrista francés Philippe Petit) pero Aliados está unos pasos atrás de esta en todos los sentidos. Tampoco es cosa de eclipsar con este fallido intento una filmografía brillante y esperemos que le pueda servir al gran Roberto para volver a las fuentes con ese tono original entre comedia, ironía y ternura que ha logrado establecer en sus anteriores films y que lo convierten en un clásico.
Todo Zombi es político Michele_bachmann Todo género narrativo es político. Este postulado general sería una declaración vacía si no se pudiera definir que lo importante es cómo cada género construye su politicidad, su especial viínculo con lo social (la polis), la historia y la cultura. Desde que el cine inventó el género zombi, hace más de 70 años, el mismo no ha parado de evolucionar y ha construido pautas propias (leyes) a la par que se fue transformando en un fenómeno social y cultural. rsz_2016_-_train_to_busan Invasión Zombie es un film coreano a estrenarse el 12 de enero del 2017, que tuvo su gala inaugural en el Festival de Cannes pasado y se convirtió en la primera película coreana de 2016 en romper el récord de audiencia con más de 10 millones de espectadores. Invasión Zombie sigue claramente las pautas del género, Seok-Woo es un hombre divorciado que tiene un alto rango en la empresa que trabaja y planea llevar a su hija Soo-an a reunirse con su madre en Busan. Primer ítem: la crisis de familia ado zombique sufre esa niña y un padre más preocupado por los números que por los afectos. Ellos abordan un tren en Seúl que se encuentra colmado de gente con diferentes trabajos y distinta situación económica / social, caldo de cultivo para que una infectada ingrese a último momento al tren para que comience el infierno. Segundo ítem: la plaga atraviesa las clases, nadie queda a salvo. Más cercano en su entramado de personajes a Carpenter que a las agonías individuales de Romero, el film va tejiendo solidaridades impensables, el luchador se vincula al CEO y la pelea por sobrevivir se inicia.Yo-anduve-con-un-zombie Desde Yo anduve con un zombi (Jacques Tourneur, 1943) el género se ha mostrado muy sensible a las crisis sociales y morales, en la época de Tourner un cúmulo de situaciones acechaban el futuro como las secuelas de la crisis del 30’, el racismo vigente en los EEUU y una guerra mundial que incluye a los norteamericanos después del ataque japonés a Pearl Harbor.zombies-09 Pero el que realmente le da al género su actual fisonomía es George Romero con su film La noche de los muertos vivientes (George Romero, 1968) donde los zombis se vuelven caníbales (que, a medida que avanza la saga, van ganado velocidad en sus movimientos y autoconciencia en sus actos) con la guerra de Vietnam como paraguas y el conflicto racial a minutos de explotar con panteras negras incluidas. Invasión Zombie vibra en la cuerda de un conflicto desgarrador que lleva más de 60 años por la partición (por la guerra fría desde la década del 50’) de las dos Coreas (la comunista y la capitalista) y quizás allí estriba una de sus formulaciones originales, si observamos un mapa vemos que el tren sale de Seul (cerca de la frontera con la otra corea) a la salvación supuesta en Busan, frente al mar del Japón. Ni capitalismo ni socialismo de estado son la salida humana que buscan estos seres a la deriva.mapa de corea La exitosa serie The Walking Dead nos trae un conflicto medular de nuestra arquitectura política y social ¿Es la democracia la mejor forma de gobierno ante una mega amenaza externa? Después del 11S se ha querido establecer que para defender nuestras libertades debemos perderlas y pasar a ser vigilados como eternos sospechosos. Esta nueva tiranía libera a las personas como consumidores pero las censura en sus libertades políticas, canibalismo moral que hace que agonicemos indigestados al tragarnos los valores fundacionales de nuestra cultura política y transformarla en un slogan vacío de campaña electoral para zombis. Si un fenómeno como el zombi se pudiera explicar desde una sola causa, Donald Trump en el gobierno (junto a otros impresentables líderes internacionales) le daría al género una longevidad inesperada….
En el principio existía el Verbo, y el Verbo estaba con Dios, y el Verbo era Dios – Juan 1:1. Dios ha muerto […] Encontraron su cadáver en 2019, flotando en el espacio cerca de Alfa. Philip K. Dick, Nuestros amigos de Frolik 8 Primero sueño no es el poema del conocimiento como un vano sueño sino el poema del acto de conocer. Ese acto adopta la forma del sueño, no en el sentido vulgar de la palabra sueño ni en el de ilusión irrealizable, sino en el de viaje espiritual […] El viaje —sueño lúcido— no termina en una revelación como en los sueños de la tradición del hermetismo y el neoplatonismo, en verdad el poema no termina: el alma titubea, se mira en Faetón y, en esto, el cuerpo despierta. Épica del acto de conocer, el poema es también la confesión de las dudas y las luchas del Entendimiento. Es una confesión que termina en un acto de fe: no en el saber sino en el afán de saber. Octavio Paz. Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe Arrival pulp 12 naves extraterrestres de forma ovoide aparecen diseminadas por todo el mundo. Nadie conoce el motivo y para desentrañarlo el Coronel Weber (Forest Whitaker) llega a la a la oficina de la lingüista Louise Brooks (Amy Adams) con una grabación no humana proveniente de esas naves para que ella la descifre. Louise tiene en su conciencia una terrible tragedia personal que no sabemos si es pasado o futuro o de una dimensión paralela y esa situación interior se refleja en la situación exterior esos extraterrestres tiene algo para decirle no solo a la humanidad sino a ella en particular, por lo que ir a ese encuentro será un viaje de revelación. Arrival posterLa ciencia ficción ha sido una verdadera máquina de reciclar mitos, leyendas y relatos bíblicos. Arrival se adscribe, con sutileza, a esta fuente última. Ya desde el titulo se nota una clara referencia al mesianismo, las naves son una y doce a la vez, como los apóstoles de la tradición cristiana que vienen a dar un mensaje a la humanidad, pero al desconocer su lengua nativa necesitan no solo una traductora sino principalmente una exégeta. Louis Brooks (etimológicamente es en el viejo hebrero Baruj: bendita) es una médium, no solo entre los visitantes y los nativos sino también entre distintas lenguas, tiempos y dimensiones. Villenueve explora, por segundo film consecutivo, lo femenino en situación. En Sicario la agente del FBI Kate Macer (Emily Blunt) iba lentamente perdiendo la ingenuidad hasta no saber quiénes son los malos y quienes los buenos en la lucha contra el cartel de las drogas, aquí Louise se va desplazando lateralmente tanto física como temporalmente hasta descifrar (o algo parecido) un lenguaje de otro mundo y a la par conocer, intuir o advertir su probable situación futura. Villeneuve narra magistralmente esa noción de tiempo y temporalidad femenina donde los flashbacks resultan ser flash forwards.edge_of_tomorrow_1 Villeneuve, como en ningún film anterior, desarrolla una poesía sutil y misteriosa. Esas gigantescas doce naves en forma de huevo que no tocan el suelo (otra metáfora cristina de la necesidad de renacimiento de la especie humana y de su elevación de lo meramente material) son visualmente impactantes. Como aquel monolito de 2001 Odisea en el espacio de Kubrick, es una presencia que cataliza una transformación futura. images El investigador Roberto Lépori de la Universidad Nacional de La Plata realizó un trabajo interesante donde ubicaba a la poeta Sor Juana Inés de la Cruz (12 de noviembre de 1651, Municipio de Tepetlixpa, México) como un antecedente de la ciencia ficción. Sor Juana Inés de la Cruz como poeta y mística es la que intercede entre el cielo y la tierra. Como Mística conoce (y remarco aquí la función de conocer) cuestiones que la razón no puede explicar por eso su gran poema se llamo Sueños dado que apela a ese clima onírico (como lo haría cuatro siglos después Freud) para superar el tiempo y así alcanza lo que se oculta, la revelación nos espera en el lugar menos pensado. sara connor El personaje de Louis Brooks encarna ese ideal sor juanesco, de la mujer que no sólo intercede entre los mundos y los tiempos distintos sino que además puede entenderlos consciente de los límites de la razón para explicarlo todo. Ella no es militar, proviene de una ciencia (a veces no reconocida como tal) donde el eje es la comunicación, viene con un mensaje de entendimiento, de paz, de amor, de salvación. Como en Terminator ella puede modificar el futuro porque posee el don de anticipación, don que la emparenta a los viejos profetas. interstellar1Basada en el relato Story of Your Life de Ted Chiang, un autor multipremiado y conocido por los frecuentadores de la Sci Fi, Arrival se nutre de un sinnúmero de narraciones del género, siendo la más notable y cercana Interstellar de Christopher Nolan, donde el foco está puesto no tanto en los juegos temporales sino en la relación emocional de padre (Matthew McConaughey) e hija (Jessica Chastain). Amy Adams se muestra en todas sus posibilidades en Arrival y hace que Jeremy Renner sea un mero partenaire, lleno de tics y miradas que solo apuntalan el esplendor interpretativo de Adams, tan paradojal como el film ya que sabe mostrar una debilidad/fortaleza que seduce al espectador más renuente a empatizar con su rol en el film. ripley_6975Hay todo un linaje de heroínas del cine, frágiles y fuertes a la vez vinculado a la ciencia ficción. Desde la teniente Ripley en Alien, Sarah Connor en la primer Terminator (no la segunda, ya masculinizada) la princesa Leia de Stars Wars, Dana Scully de Los Expedientes Secretos X pero los antecedentes más claros con Brooks son la Eleanor Arroway de Contact (sobre el libro de otro buscador de diálogos interestelares como Carl Sagan) con esa decisión de no medir riesgos en su búsqueda de respuestas y otro encarnado también por Jodie Foster (aunque no emparentado con la Sci fi) como Clarice Starlingde de El Silencio de los inocentes, solo ella puede interpretar que bajo lo más monstruoso (en Arrival no se los ve claramente pero sabemos que no son lindos) está la verdad que buscamos.el_silencio_de_los_inocentes_1318_620x Si hablamos de cine, puede parecer contradictorio y hasta naif, parafrasear a Saint Exupery diciendo que el slogan que mejor le cabe a este film es aquello que lo esencial es invisible a los ojos y agregaría y está más allá del tiempo. Arrival es un ojo que se transforma en puerta, Arrival es una gran paradoja poética. Ted ChiangTed Chiang: escritor norteamericano ganador de los premios más prestigiosos del rubro como el Nébula al mejor relato por La torre de Babilonia (1990); el premio John W. Campbell al mejor autor novel en 1992; el premio Theodore Sturgeon Memorial por La historia de tu vida (1998) y el premio Hugo al mejor relato por El infierno es la ausencia de Dios (2002). Su novela corta El ciclo de la vida de los objetos de software (2010) ganó tanto el Locus como el Hugo a la mejor novela corta.
El monje de clausura, Salus (Toni Servillo), llega a un aeropuerto donde compra un grabador. Luego, es llevado a una mansión frente al mar; allí lo espera una reunión del FMI y un agasajo a su director, Daniel Roche (Daniel Auteuil), que festeja su cumpleaños. daniel ateuil Al conocerlo, Daniel le solicitará al monje un favor: confesarse. Al día siguiente, Roche aparece asfixiado con la bolsa del grabador que compró el monje. Ante el temor de que el director del FMI haya revelado secretos sobre la economía mundial, los hombres interrogan al religioso que se excusa en su voto de silencio. Ahora, siendo el FMI y sus mentores, el grupo de los ocho, una suerte de médicos conservadores y nada imaginativos con una misma receta (ajuste) para un mismo mal (la economía capitalista) parece tan elemental que el secreto no sea otra cosa que un brutal plan de austeridad mundial que nunca se enuncia por lo extremadamente obvio. Culpa, responsabilidad, intrigas, soledad son los tópicos que el film trata de manera esquemática y sin mucha originalidad salvo ciertas escenas donde la sapiencia y credibilidad de Toni Servillo hacen del monje un ser de otro tiempo y espacio. A los ya mencionados Servillo y Auteuil se le suma la bella y algo olvidada Connie Nielsen que personifica a una escritora con claras referencias a J. K. Rowling, creadora de la saga Harry Potter, y que en el cambio de tipo de novelas que quiere escribir hay más de una indicio de la resolución del crimen.Además trabajan Pierfrancesco Favino , Lambert Wilson, Marie-Josée Croze y Moritz Bleibtreu. El escritor Roberto Andó es un director preocupado por el entramado socio político, evidente no sólo en su film anterior ¡Viva la libertad! sino al ocuparse de autores como Lampedussa y Maquiavelo, filósofos claves en cualquier teoría sobre el poder. Le Confessioni El monje Salus (seguridad en latín) parece ser la resultante del efecto Francisco (Jorge Mario Bergoglio) sobre la credibilidad moral del cristianismo en el mundo Occidental, cuando la religión vuelva a ser el reservorio de valores que contrastan con la avaricia material y el sadismo de actores económicos que sólo miran números en vez de personas. Fabula moral y fábula política que, de tan simple y explicita se vuelve una lección fast de ética para el nuevo milenio. Lo que comienza como un thriller (con citas explicitas a I confess del maestro Hitchcok) se desarrollará como un drama social entre banal y maniqueo que deja al final un sabor a incompleto, a malogrado.
Relatos del Postsocialismo Ben (un convincente Viggo Mortensen) y su esposa Leslie viven en los bosques, lejos de la civilización asumiendo la educación de sus hijos ya que los mismos no han sido escolarizados. Desde geografía, lenguas, política física y arte, hasta defensa personal y un curso diario (muy Rambo) de supervivencia han sido diseñados por estos especiales padres para sus hijos. Sin embargo ese mundo bucólico e idílico se rompe cuando Leslie es hospitalizada y luego muere al suicidarse. capitan f2 Allí empieza la película y allí empieza el cuestionamiento de Ben si han decidido bien la vida que han llevad,o sabiendo que además Leslie padecía una enfermedad mental que debería haber tratado en la ciudad. Los padres de ella, Jake y Abigail (encarnada por esos tremendos actores de Frank Langella y Ann Dowd) lo culpabilizan por el suicidio de su hija y primero le impiden ir al funeral y luego lo amenazan con quitarle la custodia de todos sus hijos por negligencia. Ben recorrerá un camino de dudas existenciales al pensar que puede perder todo lo que ha construido durante su vida. Capitán Fantastico es como la segunda parte, cuarenta años después, de aquél clásico de Peter Weir The Mosquito Coast basada en la novela de Paul Theroux, sobre el protagonista Allie Fox, que piensa su vida en las antípodas del American Way way of life llevando a su familia a vivir a las selvas hondureñas para construir su propio paraíso, su propia salvación.. costa mosCapitán Fantastico es la vuelta de la utopía hippie, mostrando que el único lugar en el mundo habitable ha quedado reducido a la propia familia, que quizás aquellos sueños de cambio social y movimientos pro derechos es parte del pasado. A pesar de la convincente actuación de “nuestro” Viggo , el padre de esta familia de Fantástico no tiene nada, con un auto orgullo desmedido y con un nivel de exigencia “antisistema” para con sus hijos bastante patológico. Si ser progresista significa que los chicos conozcan de memoria las frases de Noam Chomsky estamos en el nivel más superficial de conciencia para el cambio y ni que hablar con su entrenamiento tipo marine para que sus hijos puedan matar ciervos con cuchillos y hacer fogatas con piedras para “entrenarse” (entrenamiento que nunca sabemos para qué: ¿Holocausto nuclear? ¿Capitalista? ¿Zombi? ¿Trump?). capitan f3Este Capitán es solo un eslogan vacío anti-establishment, puro marketing de una izquierda impotente y nunca queda claro si el film lo critica o lo pondera porque el director nunca da mensajes claros al respecto. El director y actor Matt Ross ganó el premio por Mejor Dirección en la sección “Un Certain Regard” en el último Festival de Cannes por este film. Ya no sé qué pensar sobre el tema premios….
El Limonero Real de Juan José Saer es una historia simple, narra el derrotero de Wenceslao, un campesino que vive en una choza junto al río. La historia se concentra en un día, el 31 de diciembre, que el personaje vivirá entre la familia, la ausencia de un hijo muerto y el aislamiento de su esposa por el duelo. Lo complejo y genial del asunto es cómo está narrado. Como el Ulises de Joyce, Saer muestra una cosmogonía del detalle, de todo lo que se puede percibir, donde lo importante es la poesía del narrar que a su vez es una exploración sobre las posibilidades del lenguaje. juan-jose-saer-el-limonero-real-primera-edicion-nuevo-D_NQ_NP_379611-MLA20619390199_032016-F Fontan tiene mucho de esa dinámica de Saer, elige historias sencillas que le sirvan de plataforma para investigar sobre el lenguaje fílmico. En ese sentido lo que uno puede ver en El Limonero Real es deslumbrante; luz, naturaleza y sonido fundidos poéticamente como pocas veces se ha visto en el cine. Fontan elude la mirada a la naturaleza como la que produce National Geographic, aquí la naturaleza no se ofrece sólo para la contemplación, interpela la visión, cuestionando el formato de la mirada que ha sido domesticada para el consumo acrítico de imágenes. Y por sobre todo el Río, el agua que se desliza, como metáfora mayor, como fuente de vida y condena de esos hombres, como idea sublime sobre la naturaleza de la imagen fílmica. El agua es una constante en las historias de Fontan porque representa el arte de filmar, la summa teológica de la imagen. saer El río así es una figura precisa del cine donde la luz/agua son los vectores por donde se registra todo movimiento, el ojo por donde pasa el tiempo de su cine. El agua todo lo cubre y en ese proceso genera la ilusión de que mientras cubre, transparenta aunque sabemos que esa idea es pura ideología, que al cubrir encubre, que al mostrar opaca como ese río turbio y rugoso del Paraná en el que se sumerge Wenceslao como buscando en su seno la utopía de la propia imagen. Admito, hay cierta desesperación del ojo por conquistar lo que dicen las imágenes del Limonero Real, sea porque lo que muestra es reacio al entendimiento, sea porque supone otro órgano para su percepción. El cine de Fontán es un filtro perceptivo que sirve para distinguir en la gran constelación de imágenes las que son Arte y las que no lo son. limonero filmando 2 Aquel sintagma de Saer que preside cada uno de los nueve segmentos narrativos que conforman el texto original del Limonero Real, Amanece / y ya está con los ojos abiertos, sirve para el cine de Fontán, un cine para los ojos abiertos por la luz que lo fecunda. Cine y Literatura Fontan ha buscado una forma particular de crear puentes entre Literatura y Cine, eludiendo todo criterio adaptativo. De Macedonio y Fijman pasando por Marechal ahora se estaciona en Saer, un infilmable según los criterios normales para un guión. Dos criterios se descomponen en la filmografía de Fontan, la adaptación y la transposición, aquí el texto literario y el texto fílmico se ofrecen en paralelo donde lo que importa al film no es temas ni climas sino procedimientos del texto literario. Después de ver el Limonero Real sabemos que literatura y cine tienen vínculos mucho menos explícitos y obvios de lo que se creía pero nunca estuvieron más a la vista. Ladeado 1 Dice Fontán en su Blog (http://gustavo-fontan.blogspot.com.ar) durante cuatro semanas rodamos a orillas del río Colastiné, en la Provincia de Santa Fe. Los tres ranchos fueron construidos para la película siguiendo las viejas técnicas del uso del adobe. Conocíamos los riesgos de inundación en la zona, esa amenaza permanente. Nos arriesgamos, construimos los ranchos junto al río y el agua nos acompañó mansa ese tiempo de orilla. Hace unos meses el río se ha desbordado y los ranchos están bajo el agua. Y quizás pronto no quede huella de ellos. Hace un año arrancábamos el rodaje con esa conciencia de intemperie; conciencia que nos acompañó durante todo ese tiempo y nos acompañará ya para siempre. El Limonero real tiene algo que brilla y es su exterioridad, como diría el propio director su situación de intemperie, el signo desnudo buscando sentido. Como salidos de alguna novela (imposible) de Frederich Nietzsche, los personajes carecen de toda interioridad, son hijos de la luz con que se los filma.lr1 Si Tarkovsky pensaba al tiempo como el material con el que trabaja el cine, Fontán agrega luz /agua a sus elementos primordiales. De esa argamasa esta hecho el Limonero Real.
Gonzalo Tamayo (Álvaro Ogalla) quiere que lo retiren de la base de datos de la Iglesia, a los que inician ese proceso se los llama apostatas, proceso que no supone abandonar la fe católica ni volverse ateo, simplemente es un habeas data religioso. Ese proceso es el objeto del film y de todas las vicisitudes que tiene al enfrentarse a la burocracia eclesiástica y a su vez a los temas familiares y afectivos que vive. In Focus: Federico Veiroj Tamayo y Obispo Jorge Gonzalo es un personaje que al mirarlo podemos dudar de su madurez y de su inteligencia pero lo que es indubitable es su honestidad y su decisión de seguir adelante con su derecho sobre sus datos personales, así contado la historia no sería más que un film de enredos con cierto nivel de comicidad pero lo que la hace diferente es el cómo. Federico Veiroj define a este personaje de una manera extraña que pendula entre la euforia, la melancolía y ciertos estados metafísicos que transforman en original y entrañable a la cinta. Un ser con ciertos aires de endogamia ya que se encuentra enamorado de su prima Pilar y sus días pasan ente su familia y un niño (Antonio) vecino al que lo ayuda con las tareas escolares y de cuya madre siente una fuerte atracción. Como para reforzar esa impronta el film comienza en forma epistolar donde Gonzalo le escribe a “javi” y no sabemos si es una persona real o imaginaria, combinando (con un montaje desparejo y poco convincente) momentos de vigilia y momentos de ensoñación que producen ese clima de encierro que no llega a ser pesadilla. apostata_CLAIMA20151027_0186_15 Los personajes de los films de Veiroj son seres atrapados en la tradición y en la familia como Jorge en la vida útil y el adolescente Rafael Bregman en Acné, largometrajes del uruguayo anterior al Apostata, en todos el sexo parece ser un pasaje, un cambio de estatus, un pasaporte a una exterioridad saludable y necesaria. Si bien el film es muy español, metido en su cultura y sus tradiciones y simbologías también resulta extrañada gracias a ese personaje que en su extrema inmadurez busca la quimera de crecer sin dejar de ser niño, que como dice una vieja canción popular que se canta en el film, está perdido en su cuerpo, el encuentro entre el niño y el hombre sin anularse parecen ser la utopía de Veiroj. Festival de Cine - Zinemaldia. "El apóstata". Estrenada en septiembre de 2015, en el Festival Internacional de Cine de Toronto, El apostata cuenta con un elenco importante donde destacan el debutante Álvaro Ogalla, las bellas Marta Larralde como la prima tan deseada, Bárbara Lennie como la sexi vecina y madre de Antonio (el luminoso Kaiet Rodríguez) y Vicky Peña como la madre. Alvaro Ogalla Alvaro Ogalla Ha trabajado en cine toda su vida, en áreas técnicas y de programación. En la Filmoteca Española, el Círculo de Bellas Artes, la Sala de proyecciones del Museo del Prado,la Academia de Cine de España, el Matadero de Madrid, en festivales como Documenta Madrid, San Sebastián, Sáhara, entre otros. Además de ser uno de los co-guionistas e iniciadores de la idea original de El apóstata, su personaje, Gonzalo Tamayo, marca su debut como actor protagonista. veiroj Federico Veiroj Nació en Montevideo, Uruguay, en 1976, y es licenciado en Comunicación Social. Colaboró con la Cinemateca Uruguaya y trabajó en la Filmoteca Española en Madrid. Dirigió cortos, como De vuelta a casa (2001) y Bregman, el siguiente (2004) y los largos Acné (2008; nominado al Goya a la mejor película hispanoamericana) y La vida útil (2010). Share this:
UNO TIENE QUE DEFENDERSE DEL ÉXITO, NO SE PUEDE CREER EN LA FAMA – LINA W. Detrás de los anteojos blancos es un documental vaporoso y nostálgico de la figura de Lina Wertmüller (Roma, 14 de agosto de 1928) realizado por uno de sus últimos asistentes, Valerio Ruiz. La Wertmüller es toda una leyenda, pionera en la dirección, primera directora nominada a los premios de la Academia, que se desarrolló en una época en donde las mujeres solo actuaban. Dietro gli occhiali Bianco La amistad de Wertmuller con Marcello Mastroianni la llevó a convertirse en ayudante de dirección de Federico Fellini en 8 ½. “Yo era una pésima director asistente” admite Wertmuller, una de sus funciones principales era encontrar el tipo de rostros exóticos que amaba Fellini incluyendo, resalta LW, la propia madre de Wertmuller. Lina_Wertmuller Con esos pergaminos decidió encarar en 1963 la dirección, siendo su primer film I Basilischi, luego se sucedieron las películas más celebradas como Mimí metalúrgico (1972), Amor y anarquía (1973), Insólita aventura de verano (1974), Pasqualino Siete bellezas (1975, con cuatro candidaturas a los Oscar), Amor, muerte, tarantela y vino (1978). Sus actores no sólo dan testimonio, sino también muestran un cariño inmenso por los momentos vividos durante la filmación como su actor central Ginacarlo Giannini, la fallecida Mariangela Melato, Sophia Loren, Harvey Keitel, etc. Dietro gli occhiali Bianco portada amigos También opinan el ácido critico John Simon que la rescata como artista verdadera en su pasión por el cine, un directores lúcido y talentoso Martin Scorsesse que pondera los films de LW en su mezcla de sexo, feminismo, comedia y política que conforman una estética única, inigualable. El film navega entre los recuerdos de una época y de una vida llena de arte y de talento de un cine italiano en su era dorada, LW es una mujer optimista, aristócrata de la luz, que emana vida en cada acto en cada palabra aún cuando recuerda a sus “muertos” como Mariangela Melato o a Enrico Job, su compañero de toda la vida y fantástico artista que acompaño a LW en el armado del diseño visual de escenarios tanto para el cine, el teatro o la opera. Esos marcos blancos de los que habla el título del film son toda una declaración de principios, son la forma en que ve la vida LW, son la manera en la que hizo de su arte un placer único, un ser solar, mediterráneo, que sigue trabajando en nuevas ideas. Con Lina Wertmúller la vida y el cine se aman indefinidamente… Salud LW!! Dietro gli occhiali Bianco portada Estrena Hoy en Bama Cine Arte, Diagonal Norte 1150 14:30hs | 19:30hs. valerio ruizValerio Ruiz: Nació en Roma en 1986. Luego de estudiar en su ciudad natal y en París, se graduó en Ciencias de la Comunicación en dicha Universidad de Roma. Valerio trabajó con Lina Wertmu?ller por diez años. Fue su guionista y asistente de dirección en el documental Roma, Napoli, Venezia… in un crescendo rossiniano (2014), en dos de sus obras de teatro: Il Giornalino di Gianburrasca (2010) y Un’allegra fin de sie?cle (2013) y en la película televisiva Mannaggia alla miseria (2009). En 2012 Ruiz alcanzó gran experiencia en teatro trabajando con otros directores, como Raffaele Curi y Marco Carniti. Ese año colaboró en la realización del borrador de la autobiografía de Lina Tutto a posto e niente in ordine y además la asistió en varias master classes de actuación, como por ejemplo, la que se llevó a cabo en Taormina Arte (2009), dedicada al escritor Vitaliano Brancati (wikipedia)