REVIEW: El Círculo -Las Vidas De Henry Engler- Una película uruguaya con Tupamaros de varios países sobre la identidad. El círculo se describe desde el comienzo hasta el final. Sin cerrarse deja las bases de una idea netamente socialista como su personaje principal, el doctor Henry Engler –Neurólogo uruguayo oriundo de Paysandú que vive en Suecia- quien viaja de vuelta a Uruguay y recorre, casi treinta años después de su liberación, los lugares por donde estuvo recluso por trece años entre el ’72 y el ’85 aislado del mundo. El plano que más llama la atención de la peli es al comienzo cuando en Uppsala, Engler va a buscar el correo a su buzón en donde está su nombre inscrito. El buzón funciona como un símbolo, significa que reconoce a la persona y la ubica en espacio y tiempo accesible para todos. A partir de ahí comienza el viaje de El Círculo y la reclusión que encuentra parecidos con muchas otras. Engler inició su militancia, pacífica al comienzo, en Paysandú durante sus estudios secundarios, liceo para los orientales, debido al maltrato que veía en los cañeros del norte. Luego en Montevideo mientras estudiaba medicina su carrera militante fue fortaleciéndose. ”¿Cómo puedo ejercer en el futuro mi profesión de médico cuando en el país no hay medicamentos para brindarle a la gente?” – Engler El período pacifista –llamémosle- culmina ante la muerte de algunos estudiantes en las protestas. Allí Engler piensa que si por las buenas no mejora la cosa lo hará por las malas. Al volver a Uruguay se va encontrando con muchas personas. Aparece el apodo que le daban a él y su hermano por su herencia alemana, El Nazi , en su caso era el Nazi Chico -un panchero en Montevideo se encuentra y lo saluda como “Eh… Nazi querido ¿Cómo andas?”-. La película ensaya sobre la identidad –el subtítulo: Las vidas de Henry Engler – en este encuentro del Neurólogo erradicado en Uppsala con su vida cuando niño, sus recuerdos más felices, su vida como Tupamaro en el Movimiento Nacional de Liberación y su vida como rehén de la dictadura. ”Estar vivo acá después de lo que pasó es algo casi inexplicable” –Engler Conclusión Su etapa en la cárcel refleja una voluntad increíble como la de todos aquellos quienes a pesar de las torturas psíquicas y físicas lograron sobrevivir enteros y seguir adelante con sus vidas. La peli está lejos de caer en el golpe bajo o la sobriedad sobre la dictadura. Es como dije antes, un ensayo muy interesante sobre la identidad, el cual a pesar de llamarse El Círculo no se cierra al final sino que sigue, no sé a dónde pero parecido a una espiral como esa idea que tenía un tal Karl sobre la historia. “La técnica tiene que estar dirigida por la ética y ahí va a estar al servicio del hombre. Sino es algo muy peligroso y puede hundir al mundo” -Engler El Dr. Henry Engler trabaja hoy en Uppsala contra el Alzeimer, lucha contra el olvido.
Érase una vez un médico que quiso dejar algo a la sociedad y concibió el vibrador, el juguete sexual más popular de la historia. La película de Tanya Wexler que vio la luz el año pasado en el festival de Toronto llega a los cines de Argentina el 13 de septiembre próximo. Cuenta con las actuaciones de Hugh Dancy, Jonathan Pryce (Gobernador Swan en Piratas del Caribe) y la hermosa Maggie Gyllenhaal. Vayan a verla… Sinopsis En la Inglaterra victoriana un joven médico, Mortimer Granville (Hugh Dancy), lleva consigo la inercia del progreso y la investigación científica moderna. Sus ideas radicales sobre la existencia de seres llamados gérmenes lo llevan a perder su trabajo en el hospital. Básicamente ningún dinosaurio está dispuesto a contratar a este joven hasta que da con el Dr. Robert Dalrymple quien en su consulta privada trata a las mujeres que padecen histeria. Mortimer comienza a trabajar en la clínica en donde lo único que hace es masturbar a las mujeres de clase media alta a quienes, en una época de suma represión para la mujer, no son bien atendidas por sus esposos. Durante su trabajo en la consulta se enamora de la hija perfecta del doctor Dalrymple, sin embargo su corazón (awwwww) lo lleva hacia la errática, rebelde y compasiva Charlotte Dalrymple, (Maggie Gyllenhaal), la otra hija del doctor, quien lejos de seguir los pasos conservadores de su padre, atiende una escuela en donde educan a los niños pobres a que se higienicen para prevenir enfermedades. Además les enseña a las mujeres que merecen los mismos méritos y respeto que cualquier hombre. Una comedia simple y básica pero hermosa y genial. Contexto La película transcurre en un momento de suma represión para la mujer ya que están destinadas a ser amas de casa, a no expresarse y no tienen ni voz ni voto en ningún asunto. Así y todo, deben proveer hijos para la familia y no mucho más. En la película, las mujeres que se hacen atender por el doctor Mortimer y Dalrymple, lo hacen porque no pueden desprenderse de las ataduras de la sociedad en la que están sumidas. Han existido casos en donde las mujeres sufrían parálisis, ceguera, etc. En la medida en que la sociedad progresó y la mujer fue ocupando un lugar más justo y equitativo en el mundo, la histeria como enfermedad fue desapareciendo hasta que en 1952 se declaró el último caso (punto para la humanidad). A priori, la antagonista de la película parece ser esta joven Charlotte a quien no le importan las formas de etiqueta de su época sino que piensa en el futuro de la mujer y de su país. El dinero sólo le interesa para proveer de todo lo que pueda a los niños y niñas de clases más bajas para que tengan algo, pero no sólo para ellos sino para el país y el mundo. La peli El momento quizá más interesante de la peli, además de las incontables escenas cómicas en las que estallé de risa, es, para mí, el encuentro entre Mortimer y Charlotte en la escuela. Allí, ella le muestra el trabajo que realiza en la escuela y por qué lo hace. Su pasión se basa en educar a los niños para que vivan limpios e impartirles el concepto de igualdad sin importar el género. Mortimer la acusa de socialista y ella le responde que el socialismo no es más que un grupo de gente preocupada por el otro y su comunidad. Creo que ese es el valor más destacable de la película. Charlotte piensa en el progreso, al igual que Mortimer, y esa idea se condensa en que pensar en el futuro es pensar en los demás. Podemos quedarnos con la comicidad de la peli que es genial, pero todo lo que trata de base me parece tanto o más interesante, quizá por eso me haya gustado tanto. Una peli redonda como una pizza. La comedia La peli maneja muy bien los tiempos, lo cual es clave para una buena comedia. Sin caer en lo burdo hace de las absurdas situaciones de tratamiento contra la histeria (masturbación de la mujer, básicamente), algo hilarante. Me gustaron muchos los diálogos, especialmente aquellos que ocurren entre Mortimer y su magnate amigo Edmund, un inventor que trabaja con la electricidad, pieza clave para desarrollar el vibrador. Conclusión No quiero spoilearles más de la peli pero la verdad es que tiene bastante tela para cortar. Es una comedia que pinta de lleno una época y, al tomar como punto de partida la invención del vibrador, nos permite pensar todo lo que como individuos podemos conseguir trabajando y pensando en los demás -lejos de la intolerancia- si nos basamos en el amor y el respeto. Esa idea de progreso es una mucho más interesante que la mayoría que pululan por ahí. PD: Se entiende que no es para llevar niños a verla.
La primera película de Seth MacFarlane con actores “en vida real” es una historia sencilla con una serie de gags para reir un rato y no mucho más. Seth MacFarlane ya estrenó su película el pasado Junio en USA. De la mano del BAFICI Animado recibimos la primera proyección oficial en nuestro país en el cierre esperando por su estreno el 4 de octubre en nuestro país. La película generó risas, muchas por momentos y luego es una meseta donde no sucede nada nuevo, lo cual a priori no es algo necesariamente malo. Otra cosa que no entendí es por qué el oso sostiene un cartel que dice que la peli es para mayores de 18 años. Para mí, tranquilamente la pueden ver jóvenes en los albores de la pubertad. Ya me parece un tanto ridículo prohibir películas para mayores de esa edad, es simplemente absurdo. En el caso de esta peli, no tiene ningún sentido más que el absurdo que puedan encontrarle los polémicos y generalmente contraproducentes censores. O quizá sea una vuelta marketinera en donde quieran mostrarla como “prohibida”, buuuu. Argumento John Bennett, (Mark Wahlberg) era un niño solitario y sin amigos hasta que su oso de felpa cobró vida propia y se volvieron inseparables. A los treinta y cinco años John sigue siendo amigo de Ted y su novia de hace diez años, Lori (Mila Kunis). El conflicto pasa porque Lori quiere avanzar hacia una relación más comprometida pero esto no es posible en la medida en que John siga apegado a su osito de la infancia y no se haga cargo de nada. Entonces Mark tiene que decidir entre Ted y Lori. Él quiere estar con su novia y hace los cambios necesarios pero con altibajos, sin comprometerse del todo. La resolución pasa ya no por tener a Ted cerca sino por entender que el crecimiento es personal y no está atado con quien se relaciona sino cómo. ¿Humor ácido? Sí, ponele. Como espectadores de Family Guy esperás chistes de esa índole y ahí están. Tiene momentos muy buenos que causan mucha gracia aunque por momentos abusa de los gags y nada más. Eso no está mal, me parece que si es una comedia no tiene porque respetar en forma marcial la línea argumental o tener sentido siempre. Así funcionan las últimas temporadas de Family Guy también. A veces abusa de los chistes de judíos no siendo gracioso, buscando que sea gracioso nada más por nombrarlo. Me gustó la inclusión de Sam Jones (Flash Gordon), como el héroe de la infancia de John y Ted que aparece y forma parte del delirio general de la peli. Un detalle del director que es consistente con Family Guy son las escenas de pelea y persecución que se parodian en la serie. John y Lori tienen que rescatar a Ted en el final a medida que la tensión va subiendo y el oso se escapa de su captor y termina escalando una torre en el estadio de baseball. Conclusión Por un lado pienso que se buscó con esta película hacer hincapié en el humor que “va más allá”, que busca romper fronteras morales con el sexo, la droga, los excesos en sí. Todo eso es moneda corriente que quizá romper los valores de nuestra sociedad hiperreal y excesivamente mediatizada sea volver a las películas de Mel Brooks o Monty Python que pecaban de graciosas y sutiles. Acá es donde me pregunto si recomendaría esta peli a alguien que va a pagar $40 para verla, tan sólo de la entrada. Hoy ir a un cine comercial con otra persona puede llegar a salir $100 tranquilamente con descuento en la entrada y la compra de un combo para dos. En ese caso, yo les recomendaría otros planes. No es un gran película sino una más para pasar el rato y listo. Es probable que si Seth MacFarlane hace otra peli sea mucho mejor pero esta, para mí no vale $40 en el cine. Por eso pagué $10 en el Bafici, All right! Pero no se desanimen, reír van a reír, un rato, y nada más.
Las estrellas nos iluminan y nunca se pregunta por qué Sinopsis Una película en 3D sobre Pilo Molinet, un niño que vive con su madre en un asteroide y es muy cercano a su abuelo quien le cuenta acerca de esta máquina que genera las estrellas cada noche, la cual si se rompe, alguien de su familia tendrá que ir a repararla. ¿Y a qué no saben qué? La maquina se rompe y a Pilo le toca ir a arreglarla pero solo. Así se inicia el viaje del joven héroe y sus peripecias. Contexto Finalmente se estrena en nuestro país “La máquina que hace estrellas”. Luego de idas y venidas mañana se podrá ir a ver esta linda peli a los cines con los chicos y sin ellos también. Todos recordamos a “Condor Crux”, otra película animada argentina la cual muchos no la aceptaron por la calidad de su producción en contraste con los grandes tanques americanos. Bueno, esta peli no deja nada que desear y convence. Parte de esto es gracias al avance de las tecnologías que terminan abaratando muchísimas cosas las cuales permiten conseguir mejores resultados con menos dinero. Eso sí, demandan una labor muy grande. Director y productor ya contaron por ahí que se trata de un proyecto de cinco años de desarrollo, (cinco años, cinco años), y dos años y medio de desarrollo. Claramente para dedicarle tantos años de tu vida a una peli animada o estás loco o estás convencido, o ambas. El productor mencionó en su momento a los cincuenta artistas que trabajaron en la peli como cincuenta locos, (de hecho, una de las productoras se llama “Nuts Studio). Arte Como ya dije, sorprende gratamente la calidad de las animaciones y también de los decorados y diseños. Es realmente muy difícil lograr ello, y sí para mi es importante, hacerlo en estas latitudes. Se trata de un trabajo monumental en donde está expresado la pasión y el cariño hacia un proyecto que el espectador sabe apreciar y también disfrutar. En la página web pueden ver algunos diseños de los decorados y algunas fotos muy buenas. Recorrido Esta peli fue proyectada el año pasado en el 26 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y esperaban un estreno comercial para comienzos del 2012, (16 de febrero). Esto no pudo ser, había que competir con los estrenos de los blockbusters de los Óscares (las pelis que fueron ternadas) y tuvieron que esperar hasta mañana, 30 de agosto en que finalmente podrán ver la luz (¿Entienden? Por lo de las estrellas, buenísimo). Conclusión Podría sentarme a hablar sobre lo importante que es defender la producción local. No porque la foránea sea invasora sino porque las producciones locales son las que generan trabajo y permiten la proliferación de los artistas (lo expreso así porque no encuentro mejor palabra). Creo que antes de sentarnos ante bodrios como “The Iron lady” (La dama de hierro) y “The devil Inside” (Con el diablo adentro), películas como “La máquina que hace estrellas” deberían tener mayor prioridad. Just saying…
Un tesoro fuera de competencia en el 26 Festival de Cine Internacional de Mar del Plata. Me tocó tener la suerte de conocer, junto al equipo de la FADU al director de la pelicula, Fernando Dominguez. La relacion se dio como una camaraderia desde el estreno del film en el festival. Tanto él como su Directora de fotografía me cayeron muy bien desde el principio. Eso no significa que opine igual de su película. Si hay que criticar hay que ser justos. La pelicula es impecable. A lo largo de los 70 minutos que dura nos cuenta superficialmente a través de las imagenes tomadas desde el taller del pintor Nicolás Rubió a un hombre que de niño tuvo que exiliarse de su pueblo natal en España debido a la dictadura dejando atrás sus juguetes y su memoria. La familia fue adoptada por un pequeño pueblo en Francia en el que, como narra el pintor durante la pelicula, habian 75 habitantes, 20 casas, 300 vacas. Su vida en el exilio ha sido retratada por el pintor a lo largo de 600 cuadros ,(pensar que la mayoria no alcanzo en su vida ese numero de las figuritas). Es una historia muy tierna y conmovedora que vale la pena conocer. Sin embargo, la pelicula nos interpela a lo largo de los 70 minutos que dura acerca de los recuerdos y de como son estos retratados. Y no sólo los recuerdos, sino las historias en general. He aquí lo fenomenal del film. Recortando partes de los cuadros la cámara va trasponiendo la historia del pintor mientras este busca recordar la cantidad exacta de ventanas que tenía su casa de la infancia. Esta búsqueda lo llevara a pedir que le envien desde Europa fotografías del lugar porque la casa ya ha sido demolida. Sin embargo la busqueda es en vano ya que ninguna foto le puede dar la respuesta que él necesita. ¿Cuál es valor de los recuerdos? ¿La exactitud fría y científica de una foto o la calidez que los sentimientos le imprimen? Rubió y la pelicula parecen llegar a un acuerdo hacia el final. Ojala ustedes tambien puedan cuestionárselo al verla.
You have it inside! (the demon) Eso se dicen los exorcistas que buscan depurar un misterio y el alma de una mujer traumada. Estamos ante un mockumentary más del estilo “The Blairwitch project” o “REC” con un documentalista joven que registra la investigación de una joven de 25 años que viaja desde USA al Vaticano a buscar a su madre quien está internada desde hace veinte años en un loquero. Al principio la película busca establecer un punto neutral entre la creencia del exorcismo y la ciencia occidental. Algunos inserts de especialistas de cada lado en la materia surgen para dar sus opiniones pero no vuelven a aparecer. No se entiende el porque de algunos movimientos de cámara o el uso de determinados planos. El guión tiene sus puntos flacos, la historia termina de manera repentina como en “Blairwitch project” casi porque sí como si no pudiesen hacerlo de otra manera sin lograr cerrar nada de lo que fueron abriendo e intentaron mostrar. Esta película probablemente pertenezca a ese selecto grupo que ves cuando tenés trece y te gustan. Quizá si repesara algunas de las películas que me gustaron durante la pubertad las termine odiando. Pero hay algunos pasajes que determinado público puede disfrutarse o con lo que pueda divertirse. Algunos momento generan cierta tensión y algo de suspenso, pero se queda ahí. La historia se va complicando cada vez más y nunca termina de resolverse. Pareciera ser que en USA es un hit ya que costó 1 millón de dólares y hasta ahora ya recaudó más de 50 millones superando en la semana de su estreno a Misión imposible. Sin embargo está nominada para ser una de las peores películas del año.
