El realizador argentino Nicolás Entel consiguió que Sebastián Marroquín, hijo de Pablo Escobar Gaviria (líder del Cartel de Medellín), accediera por primera vez a dar su testimonio acerca de lo que significó crecer al lado del narcotraficante más importante de los años 80. El documental presenta dos lineas narrativas. La primera (y más interesante) detalla la historia del zar de la droga desde la mirada de su hijo. Con una gran cantidad de material de archivo inédito (fotos, videos, grabaciones), sumado a los testimonios de María Isabel Santos (viuda de Escobar) y familiares de víctimas, se describe el ascenso y caída de este hombre: los comienzos, la fortuna, el ingreso a la política, los crímenes cometidos, la persecución, el paso a la clandestinidad y, finalmente, la muerte. La segunda linea narrativa muestra el acercamiento y encuentro entre Sebastián Marroquín (antes Juan Pablo Escobar) y los hijos de políticos asesinados por orden de su padre. Un intento de reconciliación meritorio que resulta un tanto forzado. "Pecados de mi Padre" es un documento valioso sobre un personaje violento y ambicioso, contado por alguien que lo vivió y sufrió de cerca.
Los productores que diagramaron este proyecto seguramente creyeron tener un éxito garantizado. Convocaron a dos de las "mega stars" más importantes del cine norteamericano actual, Johnny Depp y Angelina Jolie. Eligieron al valorado director alemán Florian Henckel von Donnersmarck, responsable de la premiada "Das Leben der Anderen". Adaptaron el guión del film francés "Anthony Zimmer", un thriller protagonizado por Sophie Marceau y Yvan Attal, y trasladaron el desarrollo a los hermosos paisajes de Venecia. Sobre papel, todo hacía pensar que funcionaría. Sin embargo, el resultado final deja bastante que desear. Quizás se podría responsabilizar a von Donnersmarck, quien tentado por la maquinaria hollywoodense acepta este mega proyecto como director y co-guionista, intentando construir un relato en la linea de clásicos como "Charade" o "To Catch a Thief " pero obteniendo finalmente un largometraje trabado, carente de intriga o suspenso, con pobres secuencias de acción y un humor forzado. Quizás se podría responsabilizar a los productores, por haber elegido una adaptación de un thriller francés que ya de por sí no era tan atrapante o interesante como para merecer su remake norteamericana. O quizás por haber seleccionado a Johnny Depp y Angelina Jolie, dos convocantes y carismáticas superestrellas que reunidas en la pantalla grande dan como una de las parejas más desparejas que he visto en mucho tiempo. Un Johnny Depp incómodo interpretando a un tipo común y una Angelina Jolie sexy y fría interpretando a una "femme fatale". Lo cierto es que "The Tourist" termina siendo una propuesta ligera y olvidable en donde poco importa quién es el misterioso Alexander Pearce.
Cambiando constantemente de tono, "Love and Other Drugs" deambula entre la comedia crítica, la comedia romántica y el melodrama sin encontrar nunca un rumbo claro. Primero, realizando una crítica a la industria farmacéutica (basado en el libro de Jamie Reidy, un vendedor de Pfizer que ventiló algunos de los secretos de este mundo) al describir un negocio dominado por sobornos y arreglos. Luego, transformándose en una comedia romántica trillada con la relación entre el visitador médico y una chica independiente que no busca una relación seria y disfruta del sexo sin ataduras. Por último, intenta con el melodrama cuando la enfermedad que afecta a uno de los protagonistas se interpone en su relación. El carisma, la simpatía y los (muchos) desnudos de los lindos Anne Hathaway y Jake Gyllenhaal no alcanzan para sostener esta mediocre, predecible y despareja comedia del director Edward Zwick ("Blood Diamond", "The Last Samurai", "Legends of the Fall").
"The King's Speech" cuenta con todos los condimentos que buscan los integrantes de la Academia a la hora de premiar un film con el Oscar: es un drama de época, basado en un hecho histórico real e inspirador, con importantes valores de producción (vestuario, banda de sonido, dirección de arte) y un destacado elenco inglés. Tras recibir, hace pocos días, el PGA Award a Mejor Película (un premio que suele coincidir con el Oscar), se ha convertido en la principal candidata a la estatuilla dorada junto a "The Social Network". Sin ahondar demasiado en el escenario político/social de la época, el director Tom Hooper ("The Damned United", "John Adams") describe el ascenso al trono del Duque de York como Jorge VI de Inglaterra, sus conflictos personales, inseguridades y miedos causados por un problema de tartamudez, y la cercana relación que entabla con el peculiar Lionel Logue, un profesor de métodos poco ortodoxos que lo ayuda a trabajar este impedimento y a preparar un inspirador discurso que luego pronunciaría al país a comienzos de la Segunda Guerra Mundial. Con un guión que combina el drama con toques de humor, una lograda reconstrucción histórica, una hermosa fotografía y una acorde banda de sonido, "The King's Speech" se convierte en un emotivo y elegante film de época guiado por la impresionante actuación de Colin Firth (seguro ganador del Oscar) como el Rey Jorge VI.
El nuevo trabajo de Neil Jordan ("The Crying Game", "The End of the Affair") nos cuenta la historia de Syracuse, un pescador que rescata a una mujer en sus redes. Esta misteriosa mujer llamada Ondine está asustada y no recuerda cómo llegó hasta allí. Syracuse le ofrece alojamiento y descubre que le trae suerte. Es que cuando ella canta con esa voz angelical, atrae a los peces. Annie, la hija del pescador que sufre insuficiencia renal, está convencida que Ondine es una "selike", una criatura mitológica irlandesa similar a una sirena. Pronto ellos comienzan a enamorarse, pero todo se complicará con la aparición de un misterioso hombre en el pueblo. Inicialmente, el film se presenta como un drama romántico con un toque de fantasía, girando luego al género de suspenso cuando se comienza a descubrir quién es esta mujer. Además de un buen trabajo de dirección, sobresale la fotografía que resalta los paisajes irlandeses. Colin Farrell entrega otra interesante actuación como el pescador ex-alcohólico, demostrando en sus últimos trabajos ("Crazy Heart", "In Bruges") que estamos frente a un gran actor. La desconocida Alicja Bachleda, pareja de Farrell en la vida real, también se destaca gracias a la buena química que mantiene con el actor. En el rol de la hija está Alison Barry, otra de esas pequeñas actrices para tener en cuenta. Stephen Rea, un clásico colaborador de Neil Jordan, interpreta al cura confidente. "Ondine" tiene una buena combinación de cuento y thriller.
Basado en el libro "Between a Rock and a hard Place" sobre la historia real de Aron Ralston, el nuevo trabajo del reciente ganador del Oscar Danny Boyle ("Slumdog Millionaire") presenta una atrapante aventura de supervivencia y coraje. Con algo de "Into the Wild", este intenso largometraje se centra en un hombre y su deseo de sobrevivir. Un hombre atrapado en una montaña que debió subsistir durante 5 días y se vio obligado a tomar una terrible decisión. Al igual que la reciente "Buried", este es otro desafiante relato que transcurre en un reducido espacio y con un único protagonista dotado de pocos elementos (videocámara, navaja, sogas). El desarrollo nunca pierde fuerza gracias a la excelente interpretación de James Franco que consigue transmitir perfectamente lo que vive su personaje, un gran trabajo de dirección y fotografía compuesto por muchos primeros planos, y una buena banda de sonido. Además, el director elige abrir la historia, saliendo por momentos de este acotado escenario a través de los recuerdos y alucinaciones que sufre el protagonista. Para quienes conozcan cómo termina este hecho real, sepan que ese momento final está muy bien tratado y cuidado, aunque no deja de ser impresionante.
Una historia simple acerca de un amor prohibido entre un albañil y una maestra. Un hombre que se debate entre la atracción que siente por una nueva mujer y el amor que tiene por su familia. Un film que sugiere más de lo que muestra, en donde sus protagonistas recurren a miradas y gestos, en vez de palabras, para transmitir sus emociones y sentimientos. "Mademoiselle Chambon" es un melodrama melancólico y romántico con ritmo pausado, largos planos, pocas palabras y muchos silencios, algo característico de un cine francés que no suele seducir a todos por igual.
Un hombre atrapado en un ataúd bajo tierra durante 90 minutos. Partir de un concepto tan limitado y lograr mantener la atención del espectador durante toda la cinta representa un gran desafío que merece doble reconocimiento. Una idea osada que deseaba ver cómo se ejecutaba y resolvía. Quentin Tarantino ya había intentado algo similar en el doble capítulo “Grave Danger”, que escribió y dirigió para la serie “C.S.I.”, en donde uno de los investigadores es enterrado vivo y el resto de su equipo corre contrareloj para intentar rescatarlo. La diferencia es que, en ese doble capítulo, Tarantino dividía la acción entre lo que vivía este hombre atrapado y la investigación que llevaba adelante su equipo. En “Buried”, la cámara del director español Rodrigo Cortés nunca abandona este reducido y oscuro espacio. Valiéndose de pocos elementos (un teléfono celular, un encendedor, una linterna) y con un desarrollo prácticamente en tiempo real, Cortes consigue sostener la acción y aumentar la tensión a medida que corren los minutos, obteniendo como resultado un film atrapante e intenso que homenajea a Hitchcock desde sus títulos y posters. Tras unos agobiantes primeros minutos a oscuras, conocemos al único protagonista, un camionero contratista enterrado en algún lugar de Irak que cuenta con un teléfono celular como único medio de comunicación con el exterior. La historia se construye a partir de las conversaciones telefónicas que este hombre mantiene con sus captores, su familia y diferentes empresas u organismos gubernamentales (a los cuales se critica fuertemente). El director elige un camino acertado: evita los innecesarios flashbacks (que podrían haber alimentado el relato y servido como excusa para abandonar por momentos este escenario) y mantiene siempre el foco en su protagonista, logrando que nunca se corte el tenso clima que construye. Con un excelente trabajo de fotografía y edición, se saca provecho de esos pocos elementos con los que cuenta el protagonista para iluminar el ambiente y se realizan constantes cambios de plano para captar todos los ángulos posibles de este claustrofóbico espacio. Ryan Reynolds compone su personaje más interesante dentro de una (hasta acá) decepcionante carrera dominada por roles olvidables en comedias. El actor de “The Proposal” y futuro “Green Lantern” consigue transmitir los diferentes estados y sentimientos que atraviesa su personaje: miedo, sufrimiento, desesperación, resignación, rabia, esperanza y desolación. “Buried” es un gran film de suspenso que, como dije al principio, merece doble reconocimiento por jugarse con una propuesta arriesgada como ésta.
En 1988, Giuseppe Tornatore estrenó la obra maestra "Nuovo Cinema Paradiso", por la que recibió reconocimiento internacional y fue galardonado con el premio Oscar a Mejor Película Extranjera. El problema es que este reconocimiento le llegó muy temprano en su carrera ("Paradiso" fue su segundo largometraje) y todos sus siguientes trabajos han sido comparados con ese gran film. Por esto, ninguna de sus otras películas ha logrado un reconocimiento internacional similar (a pesar que "La sconosciuta" es tan buena como "Paradiso"), quedando siempre opacadas por el recuerdo de "Cinema Paradiso". Esta nueva super-producción (una de las más caras del cine italiano), nominada al Globo de Oro a Mejor Película Extranjera y al León de Oro en Venecia, es un film épico de larga duración (150 minutos) que abarca tres generaciones a lo largo de más de 5o años. Según comentó el director, éste es un tributo al pueblo de Bagheria en Palermo (al que los habitantes llaman Baarìa), lugar donde Tornatore nació y creció. La historia, que contiene algunos puntos autobiográficos, relata la vida de tres integrantes de una familia (Cicco, Peppino y Pietro; padre, hijo y nieto) a lo largo de varias décadas. Combinando el drama y la comedia, "Baarìa" se centra principalmente en la vida de Peppino, desde su niñez, pasando por la adolescencia, hasta llegar a su adultez. El director aprovecha este largo período para explorar temas como las costumbres del pueblo, los problemas sociales, la pobreza, la guerra, la política, el amor, la familia y los hijos. Y es éste el principal problema de "Baarìa", Tornatore intenta reflejar demasiados temas alrededor de una familia y obtiene como resultado una película muy cargada y extensa. Algo similar a lo ocurrido con "Australia", el último trabajo de Baz Luhrmann, en donde el director realizó un film épico cargado de acontecimientos y se le fue la mano. Creo que aquí faltó un mejor trabajo de edición, recortando algo de material como para lograr una cinta más corta y llevadera. Al final, el que mucho abarca... poco aprieta.
Al igual que en su último film "The Fighter", el director Darren Aronofsky vuelve a enfocarse en un personaje traumado que dedica su vida a una actividad deportiva/artística exigente. Mientras que en "The Fighter" se seguía la decadente carrera de Randy (interpretado por Mickey Rourke) en el agresivo mundo de la lucha libre, en "Black Swan" se sigue la ascendente carrera de Nina Sayers (interpretada por Natalie Portman) en el elegante mundo de la danza. Nina Sayers es una joven y destacada bailarina que consigue el protagónico en la próxima obra de su compañía de danza, "El Lago de los Cisnes". En esta nueva versión del clásico de Chaikovski, Nina deberá interpretar un doble rol, el del angelical cisne blanco y el del oscuro cisne negro. Pero pronto se sentirá amenazada por Lily, una nueva bailarina que se une a la compañía, y esta rivalidad despertará un lado desconocido en su ser. Este intenso y atrapante thriller psicológico hace un estudio de la transformación que atraviesa el personaje de Nina, una dedicada bailarina que busca alcanzar la perfección en lo que hace. La presión física y psicológica que sufre por parte de su madre y su profesor, sumado a la rivalidad con su nueva compañera, despiertan en la protagonista diferentes emociones que le descubren un lado oscuro y tenebroso. Balanceando el melodrama, el suspenso, el terror y ciertos aspectos sobrenaturales con justa precisión, Aronofsky construye un relato cargado de tensión que mantiene algunos puntos en común con clásicos como "All about Eve" y "The Red Shoes". Así como ocurrió en "Requiem for a Dream" con Ellen Burstyn y en "The Fighter" con Mickey Rourke, el director necesitaba en "Black Swan" una actriz que fuera capaz de transmitir de forma creíble los cambios que vive este personaje. La hermosa Natalie Portman asume el papel más desafiante de su carrera y desaparece en el rol que interpreta. La actriz de "Closer" logra representar a la perfección las dos caras de su personaje, el cisne blanco y el cisne negro. Una impresionante actuación nominada al Globo de Oro, al Independent Spirit Award y al SAG Award, que seguramente recibirá también una merecida nominación (y posible premio, si Nicole Kidman y Jennifer Lawrence se lo permiten) al Oscar. En los roles secundarios se destacan Vincent Cassel, como el exigente profesor de danza que manipula a sus alumnas, Winona Ryder, como la bailarina retirada, Barbara Hershey, como la madre controladora, y principalmente Mila Kunis (nominada como Mejor Actriz de Reparto al Globo de Oro y SAG Award), como la nueva alumna y rival de Nina. Nominada a Mejor Película en los próximos Globos de Oro (y seguramente también lo será en los Premios Oscar), "Black Swan" es el mejor trabajo de Darren Aronofsky a la fecha y una de las primeras en mi top ten de este 2010.