Luego de 7 años del estreno de “El transportador 3”, llega a nuestras salas una nueva entrega denominada “El transportador Recargado”, que como noticia importante cambia al actor principal Jason Statham por el joven Ed Skrein. ¡Qué gran error! Todos coincidimos en que la saga “El transportador” que comenzó allá por el 2002 nunca se caracterizó por tener grandes historias o tramas, sino más bien una buena dosis de acción pochoclera para pasar el rato, acompañada de la peculiaridad de un chofer a prueba de lo que sea, y que encima este sea el mismísimo Jason Statham con un protagonista que parece fue ideado a su imagen y semejanza. Ahora bien, cuando tenes en tus manos una saga que no explota en muchos aspectos y que tiene tan caracterizado a un actor, cambiarlo no es la mejor idea, ya que el resultado ante el público puede ser catastrófico. Como ya dije, el joven Ed Skrein es quien se calza los pantalones de Frank Martin en esta entrega. Sin desestimar los dotes actorales que pueda tener Ed Skrein, hay que decir que este paso por una producción cargada de acción, seguro no quedara en el stand de glorias de su carrera. Jason Statham dejo su sello insuperable en la saga, además que Ed no parece encajar en el tipo de película que se presenta, mas allá de su condición física, con un papel que no termina de contagiar al público y donde en repetidas circunstancias parece ser forzado con gestos un tanto bruscos o poco creíbles para el nivel de producción del film. Buscando alguna similitud, es como sacar a Liam Neeson de "Búsqueda Implacable". ¡Muevan las piezas secundarias, pero no el eje! Con respecto al resto de los protagonistas principales no hay mucho para decir, cumplen en su papel, tanto la joven francesa Loan Chabanol como los experimentados Ray Stevenson y Radivoje Bukvic. Bueno, dejemos de asesinar a Ed Skrein y sigamos analizando un poco el resto de los puntos de la producción. "El Transportador 4" no presenta el cambio únicamente en el actor principal, sino que encontraremos grandes diferencias en varios aspectos más, comenzando por la historia. La trama nos trae algo diferente, que sigue siendo simple y predecible, pero con cambios radicales a lo que venimos acostumbrados. Esta nueva producción nos envuelve en una historia vinculada a la prostitución, donde una linda mujer contrata a Frank para un trabajo, que en un principio aparenta ser uno más de los que venimos viendo en las anteriores entregas, pero que rápidamente este pensamiento se desploma rotundamente, siendo para Frank un trabajo con tinte personal, más allá de la remuneración económica, donde lentamente se rompen todas las reglas básicas que venía sostenido a lo largo de todo su trabajo y termina pareciendo más una película estilo "Misión Imposible" que a lo que estamos acostumbrados, que no digo que sea mala pero es bastante diferente a lo esperado en un principio. Eso sí, la acción desenfrenada y constante con peleas a lo karate kid y grandes corridas de autos con escenas tan increíbles como fantasiosas, no faltan. ¡Menos mal! En fin… ¿Qué podemos decir? Es la típica película para ver en el cine y pasar el rato, pero sin ir con grandes expectativas de ver la obra maestra de acción del año, de lo cual queda muy lejos. Si la vemos como una nueva película, tiene lo mínimamente suficiente para ser buena y entretener, ahora bien, si la vamos a ver pensando en sus antecesoras, nos vamos a llevar una linda decepción.
En un 2015 que se llevó el final de la saga de "Actividad Paranormal", otra importante franquicia se despide de la pantalla grande, llamada "Los Juegos del Hambre", inspirada en las novelas de Suzanne Collins. Parece ayer cuando comenzamos a conocer a la joven Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) allá por el 2012, e interiorizarnos sentimentalmente con los protagonistas de los distintos distritos, en una producción que premeditadamente parecía ser una más, pero que con su salida gano muchos más seguidores que detractores, posicionándola como una de las sagas más importante de estos últimos años. Hoy llega la cuarta y última parte donde se definirá el destino de los 13 distritos de Panem. ¿Snow lograra detener la rebelión contra el capitolio? ¿Podrán los distritos finalmente liberarse de la opresión y el monopolio del capitolio? Les contamos… ¡Tranquilos! No les vamos a hacer spoiler, pero la historia es bastante fiel al igual que sus antecesoras. Llego el momento, luego de los últimos ataques del capitolio a los distritos, el intento de asesinato a Katniss por parte de Peeta y demás, los distritos están más que convencidos que es la hora de marchar hacia el capitolio y terminar con Snow, es a todo o nada. La película comienza lenta, quizás demasiado, hasta que luego de varias idas y vueltas Katniss finalmente sale al frente marchando junto a su grupo hacia el capitolio, de aquí en más el ritmo es excelente, manteniéndonos casi sin pestañar frente a la pantalla. El camino hacia su destino no será nada fácil en una historia fantástica que es llevada correctamente con mezcla de mucha acción y sentimentalismo, con momentos que nos sacaran una alegría como que nos pondrán la piel de gallina y prácticamente nos harán lagrimear ¡Si, lleven un pañuelo! Como ya dije anteriormente, la historia es fiel a las novelas. Para quienes no la hayan leído pero vienen siguiendo las películas, por momentos la trama parece tener demasiadas vueltas de tuerca con finales cambiantes una y otra vez, generando esa sensación de querer que no termine nunca, y a su vez querer que termine de una vez para ver el desenlace final. Para los que leyeron la novela, básicamente se van a encontrar la mejor adaptación de la saga, donde se cuida la mayoría de los detalles, tanto de los eventos como de los protagonismos. Un punto importante es que nuestra querida Katniss vuelve a ser la que era, y no en ese papel mediático que se la utilizo en varias oportunidades. Como si de caballos habláramos, una pura sangre. Fiel a sus principios y siguiendo los lineamientos de su corazón vuelve a llevarse la película por delante justificando por qué decimos que esta no es una saga más, el porqué de su popularidad frente a otras franquicias y la fama que logro en un papel protagónico femenino, que hoy en día no es un detalle menor teniendo en cuenta las críticas que esto recibe y los pocos riesgos que asumen las productoras en realizar producciones de tal calibre como "Los Juegos del Hambre", y con un papel principal femenino. Cosa que no entendemos. En conclusión, "Sinsajo – El Final" es la mejor película de la saga. Fiel como nos tiene acostumbrados. Con una Katniss que sale a relucir todo su potencial junto a un gran elenco que acompaña a un nivel esplendido, en una historia cargada con muchas escenas de acción muy bien logradas y con una gran cuota de sentimentalismo, la justa y necesaria, logrando dar un cierre final perfecto a una de las mejores sagas del cine de los últimos años.
Sentimientos que curan nos trae una historia de una familia “tipo” (Madre, Padre y 2 hijas) que viven en el campo, en lo que parece ser una línea temporal entre la década del ´80 y el ´90 o un poco más, según los detalles escenográficos. El padre de familia (Cameron), padece la enfermedad maniaco depresivo, por lo que la vida que llevan es un tanto compleja. Todo el drama comienza cuando Cameron sufre de un trastorno serio de depresión cuando su esposa (Maggie) decide que la relación no da para más y busca separar a sus hijas del padre, por el peligro que ella cree que este les genera con sus cambios de personalidad. El padre es internado y la madre se muda a un chico departamento en una zona de bajos recursos juntos a sus dos hijas. Las distintas circunstancias dramáticas que nos propicia el film hacen que el padre se debe “hacer cargo” de las niñas, en una historia que saca a relucir lo mejor de Mark Ruffalo. Y pongo las comillas porque durante la película nos preguntamos constantemente si es el padre quien se hace cargo de las niñas o al revés y quien realmente ayuda a quien, que considero es algo mutuo mediante el cariño que se tienen. La película se lleva bien, con un Mark Ruffalo que hace de un difícil papel, fácil, en un film que usa el cambio de personalidad constantemente para formar las relaciones que busca exponer entre el padre y sus hijas, buscando llegar el sentimentalismo al público. ¿Lo logra? Si, lo logra. Pero no de la forma que nos imaginábamos en un principio. Si bien la historia es realmente simple, el punto más importante es cómo logra llegar al público desde digamos “la parte menos dura” de la enfermedad, es decir, la fase maniaca y no de la depresión, que como sabemos desde ese punto no hay quien no se sensibilice con el protagonista. Ojo, también tenemos de esas escenas, pero principalmente la película se enfoca más en el lado maniaco de la enfermedad. A su vez, y además del drama, se usa el recurso de la comedia perfecto, en los momentos justos y con la cantidad necesaria para profundizar la emoción en los espectadores. El título de la película puede ser un tanto engañoso, haciendo pensar al espectador que existirá una solución mágica al problema raíz, pero no es así, por más que el público se lo quede esperando. Con un fuerte uso del amor, la película avanza haciendo notar de que mientras el mismo exista, todo es posible y siempre hay una solución, siendo este el mensaje principal que se busca transmitir, aunque al final no termine encajando en todos los aspectos. Si bien la línea principal está clara, nos encontramos durante la película con varios temas extra a los que el film aprovecha y les hace una dura crítica, como el sistema educativo o la discriminación en la contratación laboral de mujeres con hijos, además de otros temas interesantes. En fin, Sentimientos que curan es de esas películas donde para algunos es una joya para otros queda con sabor a poco. Con una historia simple que utiliza el lado “menos crítico” de una enfermedad, quizás en abuso ya que nos quedamos con ganas de ver un poco más del otro aspecto, pero que termina logrando su cometido gracias al acoplamiento de la comedia y buenas actuaciones. Sin ser la joya del año en el género, es una muy linda opción para ver en familia.
Finalmente la espera acabo y Escalofríos o Goosebumps en inglés, está en nuestras salas. Para quienes no recuerdan Goosebumps es una famosa serie de terror, principalmente infantil, que se emitió en los 90 basada en los libros de R.L. Stine. Básicamente lo que pasaba era que los monstruos creados en los libros de Stine tomaban vida en cada capítulo para aterrorizar a las personas de los pueblos. Ahora bien, aquella serie que tanto nos gustó tenía un tinte principal de terror hacia el público, no así la película que se acaba de estrenar, que como vemos en la ficha técnica la comedia es uno de sus géneros. ¿Hicieron bien en cambiar tan rotundamente de género? ¿Vale la pena esta adaptación de la TV a la pantalla grande? Ahora les cuento... Comencemos hablando del elenco, algunos conocidos y otros no tanto, pero que realmente cumplen en su papel tal cual lo esperado. A destacar, son los 4 principales: Jack Black realizando un triple papel poniéndose físicamente como el profesor R. L. Stine y en las voces de Slappy y el Niño Invisible, dos de los monstruos más importantes de la película, atentos a eso. Si bien por momentos Jack debe hacerse el malo, realmente se nota que no queda en él así como también en contraparte se reluce en las escenas de comedia. Siguiendo nos encontramos con Dylan Minnette en el papel de Zach, un personaje solitario y emocionalmente dolido que le encuentra un nuevo giro a su vida al conocer a Hannah (Odeya Rush), hija de Stine, que comparte el sentido de soledad y la tristeza de Zach, cada uno por sus propios motivos. Por último y no por eso menos importante esta Champ (Ryan Lee), el típico niño con problemas para relacionarse con el resto de los jóvenes y además un miedoso total. ¿Resultado? Un grupo que se relaciona perfectamente unos con otros, complementando las ventajas y desventajas de cada uno forman una linda unidad con la que nos encariñaremos durante toda la película. Escalofríos, de la mano del director Rob Letterman, nos trae una historia que no se queda simplemente en una comedia más, también nos genera suspenso y emoción por las distintas circunstancias que viven los protagonistas. Todo comienza cuando Zach y su madre Gale se mudan al pequeño pueblo de Madison para darles un nuevo giro a su vida luego de una dura tragedia familiar, comenzando Gale un nuevo trabajo en la escuela del pueblo. Zach no está nada de acuerdo con este cambio, hasta que conoce a Hannah, esa extraña vecina que nunca sale de su casa por orden de su “cruel” padre, aunque obviamente no siempre puede retenerla. Luego de la breve introducción ya todo se va al demonio cuando Zach y Champ ingresan a la casa de Stine luego de escuchar unos gritos y encuentran los tan famosos libros del escritor cerrados con candados. ¡Y si! ¿Qué más podían hacer? ¡Abrirlos y liberar a las bestias escondidas en su interior! Acá comienza realmente la película y no les cuento más nada para no hacer spoiler. Sin duda el hecho de que una serie tan querida se convirtiera en algo que no tenía nada que ver me asustaba bastante, pero gratamente desmintieron mis pensamientos y lograron darle una nueva visión a Goosebumps con una película que brinda diversión constante para chicos y grandes. Llena de situaciones que nos harán saltar de la risa, algunas que nos hacen pensar un poco y otras que no, principalmente dadas por Champ, un protagonista que en un principio parecía del montón pero que con el transcurso del tiempo se va convirtiendo en el eje de la comedia en base a gestos y acciones que nos mataran de la risa, quizás en exceso, ya que llega un momento que nos molesta la idiotez del mismo. Pero para no cansar al público, no todo es comedia. La liberación de todos los monstruos creados por Stine, principalmente el tenebroso Slappy, seguido de Los Enanos, El Hombre Lobo y El Abominable Hombre de Las Nieves dan lugar a que la película de un respiro sano a la comedia, usándola de complemento, y brotando el suspenso, la acción constante de los personajes y los tintes de emoción suficientes para dejarnos enganchados toda la película. ¿Peca en algo? ¡S! El desenlace es muy fácil de descifrar para cualquier adulto haciendo perder un poco de emoción sobre lo que sucederá o como resolverán el inconveniente. Lo bueno es que para contrarrestar esto el tiempo que pasa entre la primera opción de resolución que es frustrada y la nueva opción mostrada es relativamente rápido, no dando lugar a la frustración del espectador. Además, la película tiene un par de temas muy sensibles que casi nos llevaran hasta las lágrimas y un final impresionante, y que personalmente, no esperaba. ¿Escalofríos 2? Aunque no termina de encuadrar en el desenlace, pero tranquilo Rob, te lo perdonamos. Para cerrar, hay que destacar el nivel técnico de los efectos especiales y la banda sonora que están muy bien logrados. No doy muchas vueltas con esto ya que hoy en día estas productoras no suelen fallar en estos aspectos. En conclusión, para todos los que tenían el mismo miedo que yo con respecto a esta producción, vayan a verla tranquilamente. No es la súper producción del año, pero sin duda es una gran película que hará a los niños saltar más de una vez de la butaca con algunas situaciones que buscan dar miedo, además de hacerlos reír constantemente, y para los adultos nos hará vivir ese sentimiento de nostalgia al revivir a nuestros personajes de terror favoritos de la infancia, en una película que apunta a otra cosa, pero que la esencia de ellos sigue intacta.
Guillermo Del Toro presentó finalmente su tan esperada producción, La Cumbre Escarlata. Como era de esperarse de este genio, nuevamente dio en la tecla y estamos ante una de las grandes producciones del año, basada en un género venido a menos en los últimos tiempos en cuanto a su uso, pero que Del Toro le pone su varita mágica y saca a relucir todo del género, como nos tiene acostumbrados en cada una de sus producciones. Sí, estamos hablando del viejo estilo de novela gótica, utilizado en películas como "El Fantasma de la Opera" o "Sweeney Todd", entre muchas otras. Caracterizado principalmente por escenarios arquitectónicos, como castillos o cementerios, eventos sobrenaturales y una atmosfera típica de misterio y suspenso abrumador que deja al público al borde de la butaca expectante de lo que pasara en cada momento. Nada de esto falta en La Cumbre Escarlata. La mansión en la que transcurre la mayor parte de la película, y que fue preparada especialmente en su interior para esta, es alucinante. Tanto que diría se lleva gran parte de la película. Deja al espectador mirando los alrededores, decoraciones y demás elementos del mismo que llaman la atención en cada escena. Encima está ubicado bien lejos de cualquier pueblo y con un camino intransitable ante cualquier cambio brusco climatológico. ¡Un combo de recursos infaltable y espectacular para quienes amamos este género! Pero eso no es todo. Los fuertes vientos que producen sonidos de ultratumba, el rechinar de puertas, ventanas y pisos, ruidos de manijas antiguas, son solo algunos de los elementos que sumados a muchos efectos más logran generar una atmosfera de suspenso magnifica en el interior de la casa en casi dos horas que dura el film, y que le dan un sentido de "vida" a la misma. Igual hay que aclararlo, es suspenso y no terror. Las escenas que puedan llegarnos hacer saltar de la butaca, son contadas con la palma de una mano ya que los fantasmas no asustan en casi nada, ni por su diseño ni por sus apariciones, además, el gore es prácticamente nulo por lo que tampoco impresionara desde ese plano. ¡Una lástima! Por otro lado, con unas actuaciones correctas de Mia Wasikowska, Jessica Chastain y Tom Hiddleston el film nos deja inmersos en una historia apasionante y escalofriante, que como mencione antes, da la sensación de ser sacada de una novela con narrativa gótica, pero que según confirma el mismo Del Toro, no lo es y encima muchas partes están inspiradas en un hecho personal de su infancia. No hace Spoiler de la trama principal, así que pueden buscarlo tranquilamente. La trama se lleva muy bien, dejando una historia que logra dar varios giros en la mente del espectador, en cuanto a pensamientos sobre lo que sucederá, pero que gratificantemente, o por lo menos en el caso de quien escribe, toma un giro no esperado en una línea que en un principio aparentaba ser clara como el agua y tomar una camino clásico. Sin embargo, personalmente considero que peca en revelar su trasfondo de forma temprana y algunas situaciones que no terminan de cerrar, una escena tiene un error grosero, pero que con el pasar del film compensa con los giros mencionados anteriormente y logra mantener la atención del público, dejando un final a toda orquesta. La Cumbre Escarlata es una película que todo amante del Séptimo Arte tiene que ver. ¿Contras? ¡Si! ¡Los fantasmas! No puedo aclarar mucho sobre ellos porque prácticamente haría spoiler de todo, pero ya lo verán.
El narcotráfico, un tema crítico y mundial, utilizado en decenas de películas y series desde distintos puntos y formas tantas veces que pareciera ya estar quemado, pero no, Sicario es la prueba fehaciente de que la trama del narcotráfico, manejada como lo hace esta producción, tiene rienda suelta por un tiempo más, sin la necesidad de agregar más acción que algun otro film del mismo tema o revivir alguna vieja historia. Si bien la película comienza con escenas típicas, haciendo creer al espectador de que nos encontraremos con una nueva producción del montón pero con algo más de acción, rápidamente este pensamiento se desvanece y nos damos cuenta que nos vamos a encontrar con algo diferente. Con Sicario nos olvidamos de las típicas películas de pandillas y policías combatiendo el narcotráfico de alguna ciudad en particular ya que la historia nos lleva de lleno a las zonas donde los peces gordos hacen estragos, zonas principalmente desérticas tanto ambientalmente como urbanamente pero no así de negocios ilegales, donde la agente del FBI Kate Macer, especializada en tácticas de equipos anti secuestros, es reclutada por una fuerza de élite gubernamental luego de un lamentable y escalofriante hecho, para combatir desde la raíz el crecimiento de la distribución de drogas, pero que ese mundo que no conoce e ingresa, es más duro de lo que ella espera y al que debera adaptarse rapidamente si quiere sobrevivir. Kate (Emily Blunt), sumada a Alejandro (Benicio Del Toro) y Matt Graver (Josh Brolin) son el elenco principal de Sicario, realizando cada uno de ellos su papel de forma excelente pero que sin dudas el que más se destaca es Benicio Del Toro con una actuación soberbia de un protagonista que parece creado a la imagen y semejanza de Benicio, siendo con el que más nos identificamos sentimentalmente durante la película, mas allá de su perfil extraño y sospechoso. Prácticamente las 2 horas que dura Sicario, logra mantener al público expectante en la butaca siguiendo cada detalle de lo que pasa en una historia atrapante, llena de suspenso y con giros constantes. Historia que nos muestra en todo su esplendor como un fin puede justificar medios que parecen injustificables y donde los limites realmente no son limites, llevando a los protagonistas a un sorprendente nivel de concientización sobre dichos medios a causa del fin para algunos y de sobrevivir para otros. Sin embargo el plato fuerte es el recurso del suspenso, un suspenso constante, no así agotador, que Denis Villeneuve logra introducir perfectamente en el momento necesario y con la cantidad justa para que la película se pase volando y nos mantenga en vilo sin la necesidad de saturar de acción con escenas de tiroteos y explosiones, que no es lo que más abunda en Sicario y lo que la hace realmente sorprendente, además de la nula utilización de banda sonora, que resulta innecesaria en una película que lleva el suspenso lígada a ella. Sicario se estrena el 8 de Octubre en nuestras salas y sin duda es una película que no podes dejar pasar, por lo cual se lleva nuestro mayor puntaje
Los hermanos Dowdle vuelven a la acción, en este caso con Sin Escape. Un film que nos cuenta la historia de una familia que se muda al otro lado del mundo, sudeste de Asia, por un reacomodamiento laboral del padre (Owen Wilson). Como bien dice la portada, "llegaron al lugar equivocado en el momento incorrecto", será un nuevo comienzo para la familia Dwyer pero no del modo en que esperaban ya que un golpe de estado es desatado en el país y sus vidas corren peligro. Una historia muy bien plasmada y que refleja un duro mensaje político hacia Estados Unidos. Sin Escape es un film que no nos permite ni acomodarnos en la butaca que ya la acción se hace presente, acción que prácticamente dura toda la película. Ahora bien, la acción prevalece constantemente pero se ve acompañada del recurso de la comedia, como era de esperarse al estar Owen Wilson, manifestándose desde el plano del guion teniendo los protagonistas asiduamente frases que nos hacen salir de esa posición rígida frente a la pantalla y soltarnos varias carcajadas. Como si de los corredores de Maze Runner se tratara, la familia se la pasara escapando de los rebeldes con el fin de sobrevivir y haciendo lo que fuese necesario para que esto se cumpla, y digo lo que fuese necesario porque en el film tenemos varias escenas increíbles que realmente nos ponen los pelos de punta, cosa que logra el objetivo de conectar al publico con los protagonistas y lo que pase con ellos. Con respecto a los protagonistas y solventando la duda que seguramente tienen, Owen Wilson cumple como nos tiene acostumbrados. Familiarizados a verlo en películas donde su papel es enteramente cómico, el ver a Owen conducirse en algo totalmente diferente podía generar dudas en cuanto a su desempeño, que por suerte salio a relucir nuevamente y no defrauda, dejando notado el gran actor que es y que si lo llaman a las armas, también dice presente. El resto de la familia cumple una buena actuación, al igual que Pierce Brosnan que lamentablemente no aparece mucho en el film, sino más en momentos clave cumpliendo la función de un comodín, si de cartas habláramos. Desde un aspecto técnico, Sin Escape se apoya en una banda sonora principalmente instrumental que cumple en profundizar el sentimiento de dramatismo o acción cuando estos son necesarios. Las escenas también son correctas, utilizando frecuentemente el recurso de la cámara lenta. Una de las pocas críticas que se le puede encontrar a esta producción es la realización de efectos especiales, como las explosiones o el fuego que realmente no parecen muy reales, además de varios detalles relacionados con la destrucción de los escenarios.
Hombre Irracional nos cuenta una historia que parece simple donde hay un profesor que ya no le encuentra sentido a la vida, y que por varios hechos en cadena le da un nuevo propósito a la misma. Una historia que desde un principio nos hará pensar que ya sabemos lo que va a pasar, lo típico, pero que con el transcurso de la misma este pensamiento se va diluyendo a causa de varias facetas cambiantes en una línea principal que no termina de ser clara, pero no por eso mala. Quizás por hechos que para algunos pueden resultar ridículos como para otros sorprendentes pero la trama de Hombre Irracional no termina teniendo un objetivo principal, sino que se va construyendo en base a varias historias, algunas con más importancia que otras, y que dependiendo el espectador pueden terminar dejando una sensación de desconcierto o gratificación al tratarse de algo diferente principalmente, y repito, porque personalmente la historia toma un giro realmente inesperado a lo que venía esperando de la misma, tanto para el inicio de la trama, como en el final que es a todo bombo y platillo. Como es costumbre, Woody Allen hizo de las suyas con el guion. De esos guiones que marcan claramente un público especifico al que apunta la producción, siendo extenso y lleno de tecnicismos, potenciado por la introducción constante de un glosario filosófico. Súper recomendable para quienes ya estén acostumbrados a la calidad de Woody, siendo este el punto más alto de la película, cuidando cada detalle del mismo y, si se entiende, logrando una gratificación constante en el espectador con cada párrafo. Ahora bien, si el público no está acostumbrado a este tipo de producción, el uso de un guion así pueden resultar en un total fiasco y provocar un dolor de cabeza constante provocando en el espectador el deseo de que la película termine lo más pronto posible. Las actuaciones estan bien, sin ser extraordinarias. Si bien la película involucra constantemente a varios protagonistas, claramente todo se enfoca en Abe (Joaquin Phoenix) y Jill (Emma Stone). Emma nos regala un papel correcto como nos tiene acostumbrados, interpretando excelente a una estudiante universitaria muy cambiante sentimentalmente, pero que sin duda donde más se destaca es en las escenas donde sale a relucir toda su belleza y poder de seducción. Joaquin Phoenix, por otro lado interpreta al profesor de filosofía Abe, un seductor venido a menos con un historial grande en lo que respecta a "amor", cuando la vean lo entenderán. Joaquin parece no encajar con el perfil de lo que uno espera del protagonista, aunque mucho de la película no es lo que uno esperaba de antemano, un tanto inexpresivo por momentos o sobreactuado por otros, pero que de igual forma no desentona, aunque personalmente considero que no es su mejor interpretación. Una crítica al film es la banda sonora que es realmente floja, si bien la canción principal no está mal y encaja con el tipo de producción, es prácticamente la única que hay y se repite en varias ocasiones generando cansancio por momentos.
Con una mención especial hacia James Horner, exitoso compositor de la banda sonora de incontables películas, que falleció hace unos meses a causa de un accidente con su avioneta, pasó Southpaw por nuestras salas. La película, que dura aproximadamente dos horas, cuenta con las actuaciones principales de Jake Gyllenhaal - Billy Hope, Rachel McAdams - Maureen Hope, Forest Whitaker - Tick Wills y Oona Laurence - Leila Hope. Cada uno de los nombrados representa su papel de forma maravillosa, teniendo un lugar preponderante en la historia y con mayor o menor participación, no así importancia, no dejando espacio a la crítica en sus representaciones. El nivel de actuación es alto, principalmente de la joven Oona Laurence, que aunque es pequeña se maneja en las escenas con una actitud sorprendente y comparable con actrices de varios años de experiencia, dejándonos en varios momentos con la boca abierta. El papel de Billy también esta también muy bien representado, siendo algo complejo de acuerdo a las características sentimentales cambiantes que tiene el personaje a lo largo de la historia. En tercer lugar lo ubico al incansable Forest Whitaker, que pasan y pasan los años y sigue sin decepcionar, siendo un tipo muy leal a sus personajes, que normalmente tienden a tener un perfil parecido en las distintas producciones. Finalmente en último lugar está la bella Rachel McAdams y su papel de Maureen, que tampoco desentona con el resto. Esta producción nos trae una historia fuerte, de esas que realmente nos llegan y muchas veces nos ponen a pensar y recapacitar sobre la vida, y ni nombrar de hacernos caer unas largas lágrimas. Billy Hope, campeon mundial de peso semipesado que lo tiene todo, una carrera impresionante, una mujer hermosa y cariñosa, una hija adorable y un lujoso estilo de vida, una vida donde nada parece salir mal hasta que algo pasa, una tragedia que le da el golpe más duro que pudo recibir en cualquier pelea, una tragedia que lo inmersa en un limbo del que no puede salir y lo obliga a tocar fondo. Una vida que cuando parece perdida, como bien dice la sinopsis, recibe una vuelta de tuerca cuando Hope acude a Tick Willis, y junto emprenden una alucinante aventura que llega muy de cerca al público, usando varias situaciones más de relleno que acompañan perfectamente una línea principal, a la cual realmente no hay nada para reprocharle. El extenso guion diría que va de la mano con las actuaciones, presentando líneas simples y claras, que llegan directamente al espectador y donde cada una de ellas no actúa como relleno sino que marcan algo de lo que se intenta transmitir hacia el público. Juntando el guion con las actuaciones se genera algo muy satisfactorio que muchas veces nos hace sentir que estamos casi dentro de la escena viviendo lo mismo que los actores y compartimiento los sentimientos. Si, van a mover las piernas mucho por los nervios. Me gustaría encontrar un punto débil de la película pero realmente no hay muchos, ya que si nos adentramos en la calidad de producción artística/escenográfica o sonora, tampoco desentonan. El uso de las cámaras es espectacular, principalmente en las peleas, generando planos desde las distintas perspectivas y hasta en primera persona, además del buen uso del recurso de cámara lenta, dejando una calidad fotográfica alucinante y con nada que envidiarle a las peleas de boxeo que vemos normalmente por la TV. Por el lado del aspecto sonoro, nos encontraremos con una banda sonora que presenta canciones principalmente instrumentales y que suenan a lo bajo en las escenas, generando aún más ese sentimiento de drama que transmite la película de por sí. Veredicto final "Southpaw es una película que se disfruta de principio a fin, haciendo llegar claramente su mensaje al público. Es de esas películas que no pueden dejar pasar, ya que te deja algo más allá de la gran calidad de producción"
Antes de comenzar a análisis, quiero dejar en claro que Clown no es una película de terror, sino mas bien una mezcla de suspenso y drama. La película no comienza contando una historia como muchas otras, sino que va directo al hecho en primera instancia y luego nos adentra en el trasfondo de la misma. Un padre (Eli Roth) que encuentra en el sótano de una casa en venta un traje de payaso, y decide usarlo para el entretenimiento de los chicos durante la fiesta infantil de su hijo (Christian Distefano), por la ausencia del payaso contratado luego del aviso de su esposa (Laura Allen). La primera hora parece más de una película de drama que de terror o suspenso, donde veremos la transformación del padre en algo completamente diferente y su lucha constante interna contra esto, por el amor hacia su familia. Dicha transformación esta muy bien llevada, dando varios tintes sentimentales que invitan a la emoción del publico, pero que vamos, no es lo que vinimos a buscar teniendo en cartelera otras películas más interesantes para esto. Ya pasado eso, Clown parece empezar a mostrarnos algo. Dijimos que esta producción no encaja en el genero de terror, sino en suspenso, con lo justo, y te cuento porque. La película no deja ese tinte emocional y dramático nunca, solo que agrega pasada la primera hora las escenas de violencia. Escenas que son una total decepción, donde no usan ninguno de los recursos conocidos dentro del género de terror ( cámaras, sonidos, apariciones, luces etc), sino que simplemente suceden y realmente no asustan a nadie, hasta que algunas causan gracia por el exceso de gore sobre las victimas, mas allá de que se trate de inocentes niños. Otro punto flojo es la banda sonora, los sonidos están bien pero no encajan con las escenas, dejando varias mudas, como si de una película de mimos se tratara. Otro aspecto molesto, o por lo menos para quien relata, es la ausencia de los clásicos sonidos de payasos (risas siniestras, voces, etc) y el uso excesivo del ruido del estomago por hambre, que se vuelve muy repetitivo. Veredicto final Clown es una película que mezcla los géneros de suspenso y drama, no entendiendo muy bien cual es el objetivo final y no se sabe si intenta asustar o emocionar al publico. De terror no tiene nada, las escenas son super simples y no usan ningún recurso como para generarnos tensión en el momento que llegan, y hasta en muchas de ellas ni vemos lo que pasa. En contraparte hay que destacar que en comparación con otras películas de la misma temática, Clown se destaca en su calidad artística, como evoluciona el payaso me encantó, no así en la sonora. "Personalmente la considero una nueva decepción del género y la recomiendo solo como excusa para ir con un/a chico/a."