En el otoño de 1987, un grupo de amigos de una pequeña localidad tiene que sobrevivir a una noche en casa de una longeva pareja (Tobin Bell y Lin Shaye, dos leyendas dentro del cine de terror contemporáneo) tras una serie de eventos que les conduce a sus puertas. Los misteriosos anfitriones se encargarán de convertir la visita en una pesadilla. Largometraje que evoca a los tumbos el cine de los ochenta, pasea por los noventa e intenta acercarse al público contemporáneo. Salvo la presencia de los dos mencionados actores veteranos, es prácticamente imposible que este largometraje deje una marca en la memoria de los espectadores. Justamente, entre su falta de ideas y el coqueteo con conceptos de otros films, el largometraje se vuelve invisible y casi imposible de registrar. Para colmo, con el mismo título original, The Call, se estrenó una película mucho más original en Netflix en el mismo año en el cual este estreno tardío llegó a las salas.
Sam Ali, un joven de Siria, abandona su país poniendo rumbo hacia el Líbano huyendo de la guerra. Para poder viajar por Europa y vivir con la mujer que ama, acepta tatuarse la espalda a manos de uno de los artistas contemporáneos más importantes del mundo. La obra que llevará en la espalda es una reproducción enorme de una visa para entrar a Europa. Esa obra que implica un comentario político contiene la ironía de denunciar el sufrimiento de los refugiados y al mismo tiempo usar a uno a cambio de la tan deseada entrada al primer mundo. La película combina algunos momentos de humor y sátira del mundo del arte con un tono más bien angustiante y un protagonista lleno de patetismo. A medida que avanza la trama Sam descubre que la libertad que buscaba y que creía haber obtenido se transformó en su maldición. Pero aun así El hombre que vendió su piel no se entrega a los golpes bajos y trata de encontrar una mirada comprensiva dentro de la compleja situación del personaje principal. Más amable de lo que suelen ser estas películas, aunque nunca llegue tampoco a convertirse en una película particularmente compleja o profunda.
Jackass por siempre no es una película graciosa. La fórmula que pasó de la serie al cine está completamente agotada. Necesita demasiada complicidad e indulgencia de los espectadores para forzar risas. Su extraño formato de documental slapstick que mezcla gags armados con el registro de estos es digno de estudio. Lo que un comediante hace con muchos ensayos, protección y dobles, los protagonistas de Jackass lo hacen de forma estructurada pero librados al azar, con mucho margen para que todo salga mal e incluso con la esperanza de que esto ocurra. Como nunca, la nueva película se ve artificial y en muchos momentos no consigue ser mínimamente creíble. El mundo ha cambiado y ya no son tan efectivos los trucos del grupo. Pero hay cosas que no deben ser pasadas por alto. La propuesta extrema que tiene la película tal vez no lo sea tanto, pero el cine está tan retraído y asustado que este grupo salvaje -sea gracioso o no- expone temas y situaciones que el cine evita sistemáticamente. Los cuerpos, el dolor, los fluidos, la deformidad, los vómitos y el excremento como algo que existe y que el cine siempre evita o lava para que no sea tan chocante. La cámara lenta expone lo que el mundo quiere esconder, el grupo es bastante ecléctico y sus cuerpos no son particularmente bellos. Muchos de ellos son una pandilla de freaks, dicho esto en el término cinematográfico. Hay un grupo de pertenencia que los contiene y los hace ser parte. Ellos se divierten muchísimo más que los espectadores, no hay duda alguna. Parte del delirio es ver como se exponen a morir en una prueba pero luego se los ve con barbijos, algo que no puede ser casual. La inclusión de una mujer tiene autenticidad nula y la prueba es que no pueden excederse en las pruebas de las que ella participa. Aunque por algún motivo las mujeres viven más, claro. No existe, sin embargo, algo más allá de lo que se ve. Este ensayo sobre la comedia física es más interesante que divertido y más curioso que gracioso. Una cámara oculta en el año 2022 es aún más estúpida de lo que era hace veinte años atrás. Y las bromas pesadas de común acuerdo es un asunto de ellos. Como idea del humor, es bastante violenta y desagradable. Jackass por siempre, tiene sus momentos y me alegra mucho que sigan siendo amigos, al menos frente a la cámara. Johnny Knoxville tiene carisma, como lo ha demostrado en sus películas como actor, pero ya está cansado y se nota en cada escena, donde básicamente actúa alegría y diversión. Tan forzado que da vergüenza.
Cuando un cineasta vuelve sobre los años de su infancia muchas veces dice lo que intenta decir y a la vez termina mostrando su más auténtica concepción del cine en general. Cada licencia poética, recurso visual, detalle emotivo o resolución de escenas confirma como entiende el arte cinematográfico y como lo utiliza para mostrar algo que suele ser profundamente subjetivo y muchas veces inexacto. Volver sobre la infancia es mostrar cosas que no se entendían en aquel momento e intentar reconstruirlas desde el presente. Si el cineasta se anima, tendrá escenas inverosímiles, absurdas y muchas veces graciosas sobre situaciones que en su momento tal vez no lo fueron. Por eso Belfast de Kenneth Branagh, con virtudes y defectos, es una gran película, la confirmación de todo lo que Branagh tiene para contar y sus herramientas más poderosas para hacerlo. Seguramente a un artista no le gustaría la siguiente afirmación, pero igual en este caso yo la considero un elogio: Kenneth Branagh no es oscuro. Su cine, más tarde o más temprano, delata una mirada feliz del mundo, una alegría de vivir que se les escapa al director, incluso cuando en 1996 dirigió una versión íntegra de la tragedia más grande de Williams Shakespeare: Hamlet. Belfast transcurre en un barrio de la capital de Irlanda del Norte en el año 1969. Buddy (Jude Hill), el protagonista, es un niño de nueve años que vive con su familia protestante de clase trabajadora en el momento en el cual estallan los conflictos conocidos como The Troubles. Grupos de protestantes atacan las casas y negocios de los católicos y la familia de Buddy queda atrapada en medio del conflicto a pesar de las presiones para que sea leal a los miembros de su religión. El padre de Buddy trabaja en Inglaterra, pero regresa para ver que su familia esté bien. La madre (Caitríona Balfe), el padre (Jamie Dorman), el hermano mayor (Lewis McAskie) y Buddy observan la creciente violencia y la división del barrio donde viven. A su vez, los abuelos paternos de Buddy (Judi Dench y Ciarán Hinds) cuidan y comparten la experiencia de las nuevas generaciones y la tristeza de los conflictos que van en aumento. Branagh filma en blanco y negro esta mirada de su propio pasado. No es el primer film en blanco y negro de su carrera, pero igualmente tiene un prólogo y un epílogo en colores, más algún momento más que no anticiparemos. Su capacidad para hacer convivir momentos más ambiciosos y otros más estándar ha sido desde siempre la marca de su cine. Alguna vez declaró, al contratar a Michael Keaton para Mucho ruido y pocas nueces (1993), que su deseo era que la gente entendiera que Batman y Shakespeare pertenecían al mismo mundo. Por eso también dentro de la película ven Un tiro en la noche (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962) y A la hora señalada (High Noon, 1952) dos películas que la cinefilia más dura jamás mezclaría pero que para Branagh representan el heroísmo del western. El heroísmo fordiano y el otro. Pero también aparece Disney, que le da color a la salida familiar. El cine como escuela de valores, el cine como fantasía, felicidad, el cine como la manera de entender el mundo. La película tiene momentos extraordinarios, llenos de humor y profunda emoción. La imagen del niño como caballero con espada y escudo, la mirada del padre como un gigante protector, los temores por cosas menores y la inocencia de no entender lo que realmente debería producir miedo. Los abuelos de manual, idealizados, novelizados prácticamente, construidos por la memoria familiar más que por la realidad. La burla a los momentos de “irlandeses profesionales” y en definitiva la historia que se parece a la de todos nosotros. Ya sabemos que no fue todo así, pero como bien dicen en la película de Ford mencionada, imprimimos la leyenda. Como muchos cineastas en la historia del cine, Branagh mira esa ciudad que lo vio crecer y que dejó atrás con una mezcla de sensaciones. No es solo una ciudad lo que se abandona cuando toca irse a buscar otros rumbos y Belfast lo capta a la perfección. Branagh es simple por momentos, subrayada en otros y el director se siente obligado a decir cosas para entender que ama a Irlanda del norte. Pero como cineasta y como niño que nació allí, se siente agradecido y comprometido con su pasado. La ciudad de Belfast tiene como lema la frase “Pro tanto quid retribuamus” que en latín significa “Habiendo recibido tanto, lo que debemos devolver” y curiosamente esto no solo se aplica a este film de Branagh sino también a gran parte de su filmografía. Kenneth Branagh sigue siendo un cineasta versátil, apasionado y lleno de energía, y también parece un artista agradecido por el camino que lo ha traído hasta aquí.
Noche americana juega, desde el título, con cierta cinefilia al mismo tiempo que abre la puerta para que todo pueda pasar. Iván, un joven de veinticuatro años, queda varado en Roma y la aerolínea le asigna un hotel para que pase la noche. Se trata de un hotel de lujo, lo que lleva a que el destino lo cruce con Michelle, una estrella de cine internacional nacida en Argentina y veinte años mayor que él. Fascinado por su presencia, busca acercarse a ella tímidamente, cosa que ocurre torpemente cuando un argentino conocido de Iván, resulta ser empleado del hotel. Este pesado produce un primer choque entre el joven y la estrella, lo que anuncia que el aire a Perdidos en Tokio que la película traía tal vez se transforme en algo diferente. Y sí, cambia. Todo el encanto inicial se rompe con una trama policial torpe, mal resuelta y peor actuada. Curioso porque todo estaba bien al comienzo. El volantazo podría tomarse como la idea de una locura vivida por el protagonista, un momento en el cual la magia del cine se cruza en su camino para luego abandonarlo. En la teoría podría ser, la “Noche Americana” del título refiere a un evento que se desarrolla en el hotel en homenaje a Estados Unidos. Un homenaje a la fantasía de Hollywood, podría entenderse. El final podría indicar eso. La vuelta de tuerca del cierre, sin embargo, habla de cierta arbitrariedad que no termina de cerrar. Despareja, algo perdida en el medio, Noche americana pudo haber sido mucho mejor.
Markus (Mads Mikkelsen) debe regresar del frente de batalla para cuidar a su hija Mathilde, luego de la muerte de su esposa, en un trágico accidente de tren. Mientras trata de lidiar con las emociones del duelo y la relación con su hija adolescente, recibe la visita de un sobreviviente y dos de sus colegas quienes sostienen que el supuesto accidente puede haber sido provocado. Justicieros (Retfærdighedens Ryttere, Dinamarca, 2020) es una película dirigida por Anders Thomas Jensen que cuenta la historia de un militar, Markus (Mads Mikkelsen), que debe volver anticipadamente del frente de batalla cuando una tragedia golpea a su familia. Su mujer muere en un accidente de tren y Markus debe regresar para hacer el duelo y reconstruir la relación con su hija Mathilde (Andrea Heick Gadeberg). Pero un sobreviviente del accidente, Otto (Nikolaj Lie Kaas) llega hasta la casa de Markus para decirle que cree que no ha sido un accidente, sino un atentado. Markus, Otto, y dos amigos de este último, Lennart (Lars Brygmann) y Emmenthaler (Nicolas Bro), empiezan a trazar un plan para vengarse. Justicieros es una película de venganza, un género que le ha dado al cine innumerable cantidad de grandes títulos. Las películas de venganza tienen una estructura catártica que deja feliz al espectador. Una injusticia ocurre, algo terrible, y luego el protagonista arrasa con los responsables. Es un género que nos dice que el mundo tiene oscuridad, pero al final posee un orden y un sentido. El que las hace, las paga, y lo hace de forma espectacular. Con esa base en mente, Justicieros ensaya una vuelta de tuerca que la hace interesante, sin dejar nunca de ser entretenida. Justicieros es una película acerca del azar. El mundo es un lugar caótico y si existe algún sentido para las cosas, este no es comprensible por el ser humano. La obsesión de Mathilde por analizar los hechos que llevaron a la muerte de su madre o el deseo de sangre de Markus que solo desea matar a los culpables de lo ocurrido, son dos caras de la misma moneda. Ambos quieren que las cosas tengan un sentido, una explicación, un motivo. La película a lo largo de sus dos horas analiza y teoriza sobre este tema, no de forma solemne, pero sí de forma seria. Lo que no le impide a la película ser una comedia, una gran comedia y un gran drama de acción, una rarísima combinación que sale perfecta. Se le perdonará algunas licencias poéticas, menores a las que habitualmente posee el género, pero es tan contundente en su narración que no hay mayores objeciones. El azar no es solo algo negativo y monstruoso, también abre la puerta para salvar vidas, generar vínculos y formar nuevas familias. No es ni bueno ni malo, simplemente es parte de la existencia. Justicieros es, en definitiva, una película navideña, con todo lo que esto conlleva. Una de las mejores actuaciones de Mad Mikkelsen y un elenco muy sólido, son otros motivos para disfrutar de este entretenimiento lleno de ideas y humanidad.
Punto rojo es la nueva película de Nicanor Loreti, cineasta argentino especializado en cine de género. Esta vez elige contar una historia con pocos actores, pocas escenas y pocas locaciones. La película no se ve barata ni forzada, al contrario, visualmente es impecable y esos pocos espacios donde está narrada funcionan bien. Hacer cine de género necesita de un espectador que acepte las reglas y juegue con ellas. De todas las películas del director esta es, probablemente, la más lograda. Las locuras de la distribución y exhibición actual no le darán el espacio que debería haber tenido y que tuvieron film menos logrados del director. Aunque la trama desatada remite al cine de Quentin Tarantino y a todo el cine que este a su vez colocó en su propia obra, Punto rojo es todo lo argentina que puede ser, no como una bandera, claro, sino por la omnipresencia de elementos locales, como el auto de la película, un Dodge 1500, así como también el lenguaje absolutamente local. El protagonista, Diego, empieza la historia con su auto en medio de la nada. Para entretenerse escucha un concurso de radio sobre Racing Club, equipo de fútbol del cual es hincha fanático. Acto seguido ocurrirá un evento sorprendente que trastocará todo, pero el concurso seguirá en pie. Policial, thriller de espionaje, película de gángsters, narración que bordea lo fantástico, Punto rojo siempre intenta hacer cosas y aportar estilo visual prolijo y sólido. No llega su efectividad a que podamos pasar por alto eventos sin sentido para la propia trama, pero aun con eso sigue siendo una película con ideas y ganas de narrar. Lo visual es impecable, se precisa un guión más fuerte para acompañar.
Uncharted es la primera producción de Sony PlayStation Productions. Cómo Marvel, como Star Wars en la era Disney, Play Station tiene un logo que presenta primero a sus personajes en lo que ya es un golpe al corazón para los espectadores que previamente han jugado esos juegos durante años. Pero eso está fuera de la película, solo es la promesa de lo que vendrá, un universo cinematográfico Play Station que empieza ahora con Uncharted y cuyos límites son imposibles de predecir. El dilema de si una de las sagas más exitosas y queridas del mundo de los videojuegos se puede transformar en una saga igualmente querida y exitosa de cine se lleva gran parte de la energía de los seguidores de Nathan Drake y sus aventuras. Pero en definitiva sigue siendo siempre el mismo conflicto falso de comparar la película con universos previos, desde Hamlet a Lara Croft, desde Homero a Pikachu. Se lleva la energía, sí, pero también distrae inteligentemente cuando cada jugador descubre un guiño o una clave que conecta con los juegos que tanto quiere. No dejemos que la película se pierda en esto. Las películas de aventuras son tan viejas como el cine, y aun así Los cazadores del arca perdida (1981) parece haber fundado el género de nuevo. Alguien hicieron Steven Spielberg y George Lucas allí que hizo que todas las aventuras posteriores parecieran un poco lentas, un poco incompletas, y que siempre tuvieran que rendirles homenaje y respeto a los films de Indiana Jones. Uncharted no es la excepción y se mueve bajo la sombra de esos films. La diferencia es bastante clara y a esta altura el único que ha sabido salir a competir de igual a igual fue Stephen Sommers con La momia (1999). Pasaron ya cuarenta años del film de Spielberg y todavía están dando vueltas sin un rumbo definido. Uncharted arranca con una gran escena de acción para que los espectadores estén enganchados y luego retrocede a la adolescencia de Nathan Drake y su hermano Sam. Esta estructura la toma del videojuego, pero para la película delata la incapacidad de ser entretenida con la historia contada de forma lineal. Luego se presenta a Nathan ya adulto (Tom Holland) y como este conoce a Sully (Mark Wahlberg) quien lo recluta para una gran aventura en búsqueda de un gigantesco tesoro relacionado con la expedición de Magallanes y Elcano. En toda esa primera parte se muestra la lógica de las aventuras cazafortunas y la traición como moneda constante. También aparece el villano, Santiago Moncada (Antonio Banderas) un español que hará lo que sea necesario para quedarse con el tesoro. También está Chloe Frazer (Sophia Ali) para sumarse al triángulo de traiciones y competencias. Lo que no se llega a entender es porque no pueden apostar todo el tiempo a la aventura y el sentido del humor. Hay muchas escenas charladas, emociones, explicaciones y situaciones que detienen la acción. La certeza de las secuelas hace que no se preocupen por hacer la película lo más divertida posible y se ocupen en presentar cosas. La escena inicial en el avión prometía más de lo que la película luego cumple. Por suerte cuando ha logrado hacer todas las presentaciones se encamina y el final es verdaderamente espectacular, como si recién allí se encendieran todas las luces y comenzara el show. La película evita la violencia del videojuego y tiene momentos un tanto insólitos, como cuando alguien tiene una muerte que debería ser sangrienta pero solo tiene unas gotas que son mostradas en más de un plano, subrayando sin querer el ridículo. Un poco se aleja de los juegos y se acerca a un cine de aventuras más para todo público. La película tiene chistes pero no tiene sentido del humor en un sentido estricto. La sensación de que lo mejor está por venir esperemos se cumpla. Con un público cautivo tan grande, ya demostraron que quieren ser respetuosos, pero se hace imprescindible más acción, tiros y un espacio para la fantasía. Las mejores adaptaciones de videojuegos serán aquellas que aprovechen lo más demencial de estos y lo conviertan al lenguaje del cine. Por ahora estamos frente a una película que cierra bien pero que avanzó a los tumbos, que promete pero escatima, que no quiere dar pasos en falso y por eso queda limitada. Y sí, hay regalos para los fans de los juegos, lo que sin duda logrará cautivar a los que disfrutaron de una saga que ha hecho historia y a la que siempre vale la pena volver.
Pablo Larraín ha logrado encontrar un espacio como director, el de las biografías misóginas más lamentables del cine contemporáneo. No hay nada como un buen embaucador capaz de vender un producto que no es tal, disfrazarse de feminista con un cinismo pocas veces tan claro y avanzar sobre películas que le prometen a sus protagonistas la posibilidad de ganar premios haciendo imitaciones simiescas de personas famosas del siglo XX. Todos ganan, excepto el espectador. Luego de mostrar a Jackie Kennedy como una idiota irrecuperable, ahora Larraín se aferra a una Diana Spencer completamente chiflada, víctima del bullyng familiar, que en su locura charla con Ana Bolena y que practica un complejo de Edipo necrófilo digno de un film más sofisticado que este. Se podrá decir que Spencer no es una biografía tradicional y es cierto. Este retrato de la mente de Diana hace que el clima sea el de El bebé de Rosemary pero en versión comedia. Toda una familia de monstruos acosa a la protagonista que desciende hacia la locura de manera progresiva, repitiendo todas las veces que puede las mismas ideas. Larraín y el guionista Steven Knight juegan todas las cartas que están de moda. Tiene una mujer sojuzgada por un entorno cruel, aunque no importa lo que quiera insinuar la película no logra establecer que sea machista, porque tanto no logra mentir. Para denunciar el machismo en la corona británica se debe remontar hasta Enrique VIII, a quien trata sin piedad, eso sí. Tiene una protagonista con problemas alimenticios, algo que describe con el realismo que le niega al resto de la historia. Tiene muchas quejas con respecto a la realeza en general y defiende a capa y espada a los locales de comida rápida. Un revolucionario que le da al público lo que quiere y a su protagonista la nominación al Oscar que quería. Kristen Stewart quiere premios. La mayoría de los actores quieren eso, al menos eso parece apreciarse en la manera en la que arruinan su trabajo en pos de tener estatuillas, laureles y otros reconocimientos. Los actores aman ser premiados. Los primeros minutos de película alcanzan para desear no haber empezado a ver la película. Su concepto de actuación es la imitación, algo que se ha convertido en pasaporte al Oscar en los últimos veinte años. Ver la manera en la que se arrastra para conseguir ese premio merece en sí mismo algún tipo de galardón, lo único malo es tener que verla durante dos horas. Nunca se convierte en Diana, nunca es algo diferente tampoco, simplemente hace gestos e inclinaciones de cabeza que parecen medidas por un transportador y un compás, para que todos puedan decir: ¡Inclina la cabeza en un ángulo de treinta y cinco grados, tal cual lo hacía Diana! Y eso es todo lo que ofrece Pablo Larraín con su película. Ya debe estar mirando revistas para ver quien es la próxima mujer famosa a la que puede retratar.
Georgia Nolan ha soñado desde niña con ser bombero. Pero su padre, un veterano retirado de la profesión, le explica que las mujeres no se pueden dedicar a esa profesión. Ella no busca ser la primera, pero cuando ya más grande, la vida le dé la oportunidad de ser bombero, ella se disfrazará de hombre para formar parte del cuartel de Broadway, en Nueva York. Ni su padre conoce el secreto, pero ella no descansará hasta lograr su sueño. Esta película de animación con mucho humor y bastante aventura disfruta con su tono de feminismo clásico, eufórico y feliz. Absolutamente todos los chistes funcionan, como en las comedias de los treinta y los cuarenta. La película transcurre justamente en esos años, lo que además permite una ambientación bonita y una banda de sonido espectacular. Toda la película es una homenaje a esas pioneras, pero por encima de eso es unentretenimiento genuino, con ideas fantásticas que ojalá se replicaran en más películas. No es bajada de línea, es convicción.