Ernst Lubitsch, uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos dijo alguna vez: “Hay infinitos lugares donde poner la cámara, pero sólo uno correcto”. Bueno, Michael Bay no conoció a Ernst Lubitsch o al menos no la segunda parte de la frase. Michael Bay pone la cámara en cualquier lado. Ojalá fuera metafórico o una exageración. En sus películas más desaforadas, como los films de Transformers todo es ruido y caos, pero aquí, donde el mundo es el mismo que habitamos todos, se nota mucho más la arbitrariedad ilimitada del trabajo del director. Un veterano de guerra necesita desesperadamente dinero para cubrir las deudas médicas de su esposa y decide entonces recurrir a su hermano adoptivo, Danny, quien le ofrece participar del más grande robo a un banco de la historia de la ciudad. Por supuesto que el robo sale mal y ambos terminan secuestrando una ambulancia con un policía herido y una paramédica. Todas las fuerzas de seguridad de la ciudad saldrán ahora detrás de ellas en una espectacular persecución. Michael Bay está convencido de que puede hacer cualquier tontería con la cámara y que no puede salir mal. Hay algunas tomas que son directamente abyectas desde el punto de vista del lenguaje cinematográfico. De golpe un plano es un movimiento de cámara que trepa o desciende por los costados de los edificios sin finalmente no tomar nada de la acción principal. Entre tanta tontería hay algunos planos bien logrados, porque sus experimentos sin sentido son como un reloj descompuesto, dan la hora aunque sea dos veces al día. Michael Bay es un autor. Su costoso, feo, arbitrario y confuso estilo es fácil de reconocer. Hay tanto descontrol que parece que al final el desastre dará toda la vuelta y el ridículo se volverá genial. No pasa, en mitad de ese sueño todo se derrumba. No es difícil pensar que hubiera pasado si esta historia la hubiera dirigido Tony Scott, alguien con un estilo excesivo pero capaz de darle algo de cine a este tipo de películas.
Un empresario multimillonario de la industria farmacéutica quiere producir algo que se convierta en su legado. No sabe si construir un puente que lleve su nombre o producir una película prestigiosa. El cine, algo de lo que no sabe nada, parece la mejor opción. Paga derechos carísimos de un libro importante y contrata a la directora más prestigiosa para dirigirlo, Lola Cuevas (Penélope Cruz). Para los protagónicos elige a los dos mejores actores, aunque son todo lo contrario a nivel actoral. Félix Rivero (Antonio Banderas) es un famoso actor de fama mundial, protagonista de grandes éxitos de taquilla e Iván Torres (Oscar Martínez) es un actor teatral extremo y exigente, contrario a las ideas comerciales asociadas al arte. Ambos son brillantes en lo suyo, pero están destinados a chocar de frente en los ensayos para la película. Gastón Duprat y Mariano Cohn son una sana rareza para el cine argentino. Creadores de comedias feroces, no se hunden en la banalidad del discurso político populista de casi toda la cinematografía nacional. Su cine, con fuerte estilo visual, muestra una misantropía también infrecuente en una cinematografía voluntarista y cínica como la que habita en esta parte del mundo. Aquí la sátira lanza todos sus dardos contra el cine, con chistes fáciles de entender para todos los que entiendan un mínimo de la realización cinematográfica pero también con guiños un poco más exclusivos para aquellos que sepan algo más. Las marcas más evidentes son la asociación entre el productor que aparece aquí y Hugo Sigman, millonario farmacéutico y productor de cine. Y obviamente Lola no es otra más que Lucrecia Martel. La película es justa: a Lola, a pesar de la burla, la quiere mucho más que al oscuro, siniestro y también burro productor. La película está filmada casi exclusivamente una sola locación que aprovecha al máximo. Un enorme espacio minimalista y gigantesco a la vez donde el trío protagónico realiza la preparación de la película. En estos ensayos se producirán las peleas que no son otra cosa más que viñetas cómicas de enorme efectividad gracias a un trío protagónico impecable. La película es demoledora en su primer tercio, donde los tres personajes se lucen y se sacan chispas. Luego de lograr eso no puede crecer más como comedia y los chistes pierden fuerza, en parte porque son previsibles. Luego arremete con un humor negro lleno de vueltas de tuerca y recupera el aliento. Competencia oficial es una película arriesgada porque pelea contra sí misma en muchos aspectos. Se burla del ego y la locura de los que hacen cine, de los directores, los actores y los productores. Esta comedia negra se ríe desde su título del mundo del cine pretencioso, pero sabe que irá a los festivales que pone en duda. La misantropía de los directores no se detiene frente al trabajo que ellos mismos hacen. Lo mejor que tiene la película es justamente como se pone en duda mientras hace volar por el aire a la gran familia del cine.
Drive My Car (Doraibu mai kâ, 2021) es una de las diez películas nominadas al Oscar destinado a premiar la producción del año 2021. Se trata del primer film japonés en llegar a la nominación en la categoría más importante de todas. Aunque a lo largo de los años muchos títulos no hablados en inglés pudieron ser elegidos para todas las nominaciones, solo unos pocos lograron alcanzar ese lugar. Hace unos años ocurrió algo aun más inusual, una película coreana, Parásitos (2019) ganó el Oscar a mejor película. Aunque suene una generalización absurda, la Academia ha posado sus ojos en oriente y el juego se abrió, al menos por ahora. Drive My Car tiene como protagonista excluyente a Yusuke, un actor y director de teatro que junto a su esposa, guionista de televisión, viven la angustia de haber perdido a su única hija. Para Yusuke no será la última tragedia. Su esposa, que él sabe le es infiel con un actor, muere sorpresivamente sin que ambos pudieran hablar sobre el tema. Yusuke acepta dirigir una adaptación de Tío Vania en un festival de teatro a realizarse en Hiroshima. Por razones de protocolo una joven llamada Misaki le es asignada como chofer y los largos viajes en auto son un lugar para explorar sus angustias y su dolor. La silenciosa conductora carga también sus culpas y traumas y ambos se identificarán a lo largo de los días en los que harán los trayectos hacia el lugar de los ensayos. Las tres horas que dura la película son la adaptación de un relato breve del autor japonés Haruki Murakami, lo que también ayuda a llamar la atención de los miembros de la Academia a la hora de las nominaciones. Pero no es el Oscar el punto de mayor reconocimiento hasta la fecha, Drive My Car ganó tres premios en el festival de Cannes. La conexión entre esa competencia y el Oscar es algo bastante común. Pero a pesar de su duración la película es muy intimista y tiene pocos personajes. La mayor parte del tiempo transcurre entre los viajes en auto y los ensayos, donde los diferentes personajes hablan o escuchan un texto grabado. La construcción elaborada de la narración no llega, sin embargo, a justificar esa duración. No está estirada la narración, simplemente se excede con un prólogo que se lleva casi un tercio de la historia. Justamente cuando, de manera inusual, aparecen los títulos de la película luego de más de treinta minutos desde que comenzó, queda claro que esa es la parte que podría haber quedado fuera de la historia. Pero en casi todo momento hay una escena lograda, un encuadre, un momento que tiene personalidad e ideas. No tantas como para hablar de una obra maestra, pero sí como para valorar la construcción que plantea el director. Drive My Car tiene en total cuatro nominaciones: Mejor película, mejor director (Ryûsuke Hamaguchi), mejor guión adaptado y mejor película extranjera. Como es habitual, tiene chances en el último de estos cuatro premios, pero aunque se fuera con las manos vacías ya encontró un lugar en la historia del cine. Lo que no pudo lograr es que la forma de ver cine tuviera la diversidad de otras épocas. Apenas una sala de cine en Argentina y el estreno en MUBI, una plataforma de gran calidad pero marginal en comparación con las más importantes. Si hay algo que es evidente es que Drive My Car es una película para ser vista en cine. La forma en la que plantea el conflicto, los climas que logra y la mencionada duración de tres horas es algo que se disfruta y se entiende mejor con la experiencia de una sala. Murakami y Antón Chéjov tal vez le abrieron la puerta del Oscar. La pequeña moda del cine oriental de estos años es otra posibilidad. Tampoco se descarta el bello detalle de un personaje sordo, una de las actrices que participan de la obra. Ella es una pieza clave de la trama y tiene la reflexión final, algo obvia, de la película. Si Coda, una remake americana de un film francés, es otra de las candidatas fuertes de este año, es evidente que la Academia ha puesto el foco en las personas sordas, no solo este año, recordemos también Sound of Metal (2019). Los Oscar son tan arbitrarios y volátiles como absolutamente todos los premios del mundo, con la única diferencia que el mundo les reclama a las pobres estatuillas que cumplan con una serie de normas que a nadie más le exigen. El Oscar, cada vez más acorralado, trata de ir con los vientos que corren. Si las películas son buenas o malas, es otro tema. Drive My Car tiene ahora el interés de muchos, aprovechemos la puerta que se abre para un cine con poco espacio en general. Tal vez detrás de este título venga un reconocimiento y un crecimiento de la oferta del cine de Japón, una de las mejores cinematografías de todo el mundo.
“Sting sería otra persona que es un héroe. La música que ha creado a lo largo de los años, realmente no la escucho, pero el hecho de que la esté haciendo, lo respeto.” Hansel, modelo masculino. Zoolander (2001) Foo Fighters, son mis héroes, la música que han creado a lo largo de los años, realmente no la escucho, pero el hecho de que hayan producido y protagonizado una película de horror satánico donde hacen de ellos mismos, lo respeto. Studio 666 (2022) es una película de terror dirigida por BJ McDonnell y escrita por Jeff Buhler y Rebecca Hughes, sobre una historia de Dave Grohl. La banda, en medio de una crisis creativa, es llevada a una casa en Encino para la grabación de su décimo disco. Lo que ellos no saben es que años atrás una banda murió brutalmente asesinada en esa misma casa. Pronto descubrirán que fuerzas oscuras habitan allí y que la música puede estar conectada. Studio 666 arranca con un asesinato brutal y de ahí corta a unos hermosos títulos de cine de terror clásico con una música que recuerda a la que John Carpenter compuso para sus películas. ¡Y está compuesto por John Carpenter! Ya con eso la película se acomoda en el género y pasa ahora sí a la presentación de la banda. Luego habrá un par de sorpresas muy bien utilizadas y el propio John Carpenter hará un pequeño papel. Pero lo que realmente hace al corazón de la película es ese género absurdo que podríamos llamar banda de rock que se divierte haciendo una película. Incluso, como ya fue mencionado, sin seguir a la banda, se nota la diversión en cada momento. La película es salvajemente violenta y aunque es en gran parte una comedia, los asesinatos se presentan con el nivel de gore adecuado que necesita cualquier seguidor del género. Aunque el protagonista es Dave Grohl, toda la banda participa y se divierte. Pat Smear, particularmente estático como actor, parece Harpo Marx, con su sonrisa inocente. Creo que se dan cuenta, porque le ponen un gorrito de dormir como los que el cómico usó en algún film de los Marx. Toda la iconografía del género horror satánico está bien representada, pero tal vez la idea más graciosa es la del líder de la banda con un objetivo distinto al resto. Justificado por la historia, pero jugando con la idea de quien estando al frente solo piensa en sí mismo. Recuerda en ese aspecto a uno de los sketches más famosos de Saturday Night Live, en el cual Jon Bon Jovi convencía al resto de su banda de que se llamaran Bon Jovi. Nunca confiar en el más famoso miembro de un grupo de rock. Studio 666 es una pequeña joya del terror que no tiene desperdicio.
El país de las últimas cosas (In the Country of Last Things, Argentina/República Dominicana, 2020) es un largometraje escrito y dirigido por Alejandro Chomski, basado en la novela del mismo nombre escrita por Paul Auster. Esta fantasía distópica sigue los pasos de Anna, una joven que viaja para encontrar a su hermano desaparecido. Ella está en una ciudad sin nombre y la voz en off es el relato de los eventos que ella vivió. Filmada mayormente en un cuidado y bello blanco y negro, la película se ve lujosa en ese aspecto pero bastante obvia y pobre en la construcción de ese mundo destruido en el cual transcurre la historia. Aunque Anna parece estar condenada a un derrotero solitario, ella conoce en la biblioteca a Sam, un periodista extranjero que busca conservar la mayor cantidad de información de la cultura del lugar. A pesar de estar narrada con estilo, la película no puede escapar de las referencias visuales más evidentes, 1984 de Michael Radford y El proceso de Orson Welles. De este último ojalá hubiera tomado la astucia para hacer una película inolvidable con un presupuesto limitado. Todo el largometraje está teñido por su carga literaria, lo único que explica su voz en off pesada y forzada. Como película es solemne, alegórica y bastante antigua. El cuidado estético y el amor por el libro no alcanzan para construir una obra que valga la pena. Hay, sin que sume nada, algún homenaje a Auster con un retrato en la pared o a Siri Hustvedt, pero son tonterías para los fans del matrimonio y nada más.
Hay muchas promesas en Las noches son de los monstruos, película argentina que juega con el género fantástico y el terror. Con una estética que recuerda a algunos films de terror europeo, en particular la película sueca Dejame entrar (Låt den rätte komma in/Let the Right One In, 2008), la historia sigue los pasos de Sol, una adolescente atormentada por su entorno. Ella y su madre se han mudado junto al novio de esta última, un personaje algo incierto al que con cierta ambigüedad podría referirse el título. Pero además de la situación familiar, Sol sufre el bullying de sus compañeras del colegio. Sin un horizonte luminoso por delante, la suerte de Sol parece cambiar cuando una misteriosa perra blanca se cruce en su camino. La película juega sin sutileza alguna con el concepto de lo monstruoso y se mueve generando mucha expectativa, aunque no alcance a satisfacer con la resolución de la historia. Algunos personajes muy mal trazados quedan sueltos y un par de situaciones parecen quedar incompletas. Está claro que la bajada de la película es narrar la historia de una joven que encuentra el camino hacia su propia fuerza interior y su capacidad de sobreponerse a todo.
Un equipo de jugadores de fútbol infantil tailandés queda atrapado en una cueva en Tham Luang, Tailandia. Esta es la historia verdadera de este rescate realizado en el año 2018 para salvar al grupo de doce niños de entre once y dieciséis años y su entrenador de veinticinco. La película narra todo el trabajo del equipo de rescate que luchó día tras día por salvarlos en una de las historias más espectaculares y tensas de la historia de los rescates modernos. Los realizadores decidieron jugar al límite entre la ficción y el documental. Muchos de los que participaron, en particular los rescatistas, son los mismos que protagonizaron la historia real. Al haber pasado tan poco tiempo entre los eventos reales y su recreación, no queda artificial mostrar los mismos rostros en las situaciones ya vividas. Se filmó parcialmente en las cuevas donde ocurrieron los hechos, lo que le da un realismo extra. Pero por razones de drama, lo que le falta esta gran historia es el suspenso natural que le hubiera dado una producción mayor, algo más recreado, con actores profesionales y un timing para la tensión que aquí no está. Pronto se estrenará una versión más inclinada a la ficción de esta historia y es posible que en ese aspecto termine siendo mejor.
Axiomas es una ONG ambientalista para la que trabaja Isabela, la protagonista de la historia. De su misión en Sahara es transferida a la Argentina, a la provincia donde nació. La misión que tiene es detener la empresa minera que desde hace muchos años trabaja allí. El gobernador la defiende a capa y espada y la gente también, pero crecen las sospechas de que la población está siendo envenenada. Isabel deberá enfrentar al gobernador que además es su padre. Pero no todo es lo que parece y en el camino las revelaciones serán sorprendentes. La ecología y el medio ambiente son un tema cada vez más urgente, aunque en el cine llevan bastante tiempo en el centro de las tramas. La película busca, con mayor equilibrio de lo que parece en un comienzo, explorar las miradas contrapuestas. Lamentablemente lo resuelve de manera un poco manipuladora, torciendo el debate inicial. Para peor, cae en todo un costado místico en el cual un cóndor es capaz de señalar el camino. Los pueblos originarios son sabios y escuchan el mensaje de un animal. Nadie puede tomarse en serio eso en una película que quiere hacer una denuncia ambiental. La película no es un proyecto espurio desde lo cinematográfico, sino que cae presa de sus propias limitaciones. Consigue captar la belleza del paisaje y busca tener una narración clásica, entretenida. Jorge Marrale interpreta con la ambigüedad necesaria al gobernador y el resto del elenco está atrapado en diálogos imposibles, muchas veces fallidos a la hora de buscar ser naturales. Siendo un tema tan delicado siempre queda por entender que es lo que realmente busca decir la película, porque desde lo estrictamente narrativo se encuentra con muchas limitaciones y poca credibilidad.
Si no estuviera en los títulos el director de la película, Matt Reeves, cualquier espectador creería que esta nueva versión de Batman fue dirigida por David Fincher. Así como la película de Christopher Nolan El caballero de la noche estaba inspirada en Fuego contra fuego de Michael Mann, aquí la referencia estética central gira en torno a Pecados capitales (Seven, 1995) y Zodiaco (2007). Es cierto que hay algunas ideas tomadas de Cloverfield (2008) el primer largometraje de alto impacto que dirigió, pero la luz, los decorados, el tono y el guión son sacados de los títulos de David Fincher recién mencionados. Cada época tiene su Batman y esta no podía ser la excepción. Aunque hay muchos elementos discutibles, la misión de crear una nueva versión del personaje está lograda. Se copia de Fincher, sí, pero no de las películas anteriores. Por supuesto tiene un momento para homenajear a la versión de la década del sesenta, la verdaderamente responsable de la fama mundial del personaje. Acá la historia es una policial y Batman es, durante gran parte de la trama, un detective de policial negro. Sí, con su traje, pero sin hacer abuso de aparatos sofisticados ni elementos de gran tecnología. Los dos o tres gadgets que aparecen lo hacen con cierto tono verosímil que confirman su condición de detective más que de superhéroe. Como buen investigador de film noir, él no es un policía ni está a cargo de la investigación policial. Ciudad Gótica está en su punto más alto de corrupción y el villano es un asesino serial que dice combatir dicha corrupción. Los trajes son más reales, el Batimovil es más realista también. Nada de lo que se ve es bello, todos los objetos, las locaciones, la ciudad, el vestuario, todo parece deteriorado, viejo, oscuro, pero a la vez muy potente. La fotografía permite apreciar las texturas, captar los matices más sutiles del traje del protagonista que ya no es brillante, incluso la máscara de cuero se ve mucho más real. No hay ni un solo instante en la trama dedicado a los artefactos del protagonista ni a su creación. Cualquier atisbo de ligereza, simpatía o humor ha sido erradicado de este film. Batman no es oscuro, es triste. Pero esto no le impide estar regido por sus obsesiones habituales y su deseo de hacer el bien. Es un Batman bajado a tierra, como se ve en una de las escenas más importantes de la película y que termina definiendo sus ideas. Este Batman no habita en las alturas de los seres superiores, este personaje se embarra. Tampoco Bruce Wayne tiene vida social ni dice cosas divertidas. La película le huye a la diversión, su condición de culposa le impide ser divertida. No es otra cosa más que la extensión de la psicología de su protagonista. El Batman de Robert Pattinson es un Batman emo. El pelo teñido de negro y su peinado más el tener pintado de negro sus ojos (algo que casi todos los Batman tuvieron, pero acá se hace explícito) y parecerse mucho al sonámbulo Cesare (Conrad Veidt) de la película El gabinete del Doctor Caligari (1920). La exploración de su propio pasado lo obsesiona más que a cualquier otra versión que se haya hecho antes. Los fans del comic están bastante conforme, pero los fanáticos del cine se encontrarán con un personaje que necesita evolucionar y crecer si quiere seguir teniendo más aventuras. El resto del elenco está bien, excepto Colin Farrell como El pingüino, enterrado en tal cantidad de maquillaje que no hay motivo alguno para que lo hayan elegido a él. Ciudad Gótica tiene aspectos reales, pero a la vez tiene imágenes más artificiales que las venía usando Christopher Nolan para su trilogía. Las dos horas cincuenta y cinco minutos que dura la película difícilmente sean justificadas. La hora inicial es inesperadamente aburrida y luego sí va encontrando su forma. Tiene algunas escenas memorables y originales, como por ejemplo la persecución en plena noche. La relación entre Batman y Gatúbela está bien y es interesante. Después los temas son más ambiguos. El villano es un resentido social insufrible al que la trama parece darle la razón pero finalmente no. Aun así, si tuviéramos que definir qué es lo que marca la época en que fue hecha la película, sin duda es su rechazo por la belleza y su culpa por tener entre manos a un héroe brillante, valiente, fuerte y millonario. Es el Batman que inicia hoy su recorrido, es muy posible que mejore y se termine de desarrollar sus posibilidades. Por ahora está por detrás de los mejores.
Un grupo de viejos cazadores recuerda, mientras beben, la historia de Luciano: un personaje legendario, un bastardo loco y justiciero. La primera parte de la película transcurre en el pequeño pueblo de Tuscia, Italia, a fines del siglo XIX. Luciano es un borracho, un loco que sacude las estructuras de su comunidad ya que no le importa encajar en ninguna de ellas. La rebelión ante la autoridad y un amor prohibido desencadenan una tragedia. Una sensibilidad de otra época pero vista desde el presente. Ahora en su condición de criminal, Luciano es exiliado a la lejana Tierra del Fuego donde, junto con un grupo de despiadados buscadores de oro, se embarca en la búsqueda de un mítico tesoro, que al mismo tiempo es el camino de su redención. La película se ve diferente a casi todo lo que se hace en el cine argentino. Esa pasión aristocrática por los aventureros del siglo XIX se ha plasmado en varios films nacionales, siguiendo esta maravillosa clase de relatos. Aquí el romanticismo de otra época, algo de western y mucho de aventuras se conjugan para construir un relato que se ve algo pretencioso y acartonado en la primera parte pero apasionante y profundo en la segunda. No es accidental ese cambio, pero se posterga demasiado el momento en el cual la película se explica y justifica su visión. La leyenda del rey cangrejo tarda en mostrar su juego pero vale la pena la paciencia.