Extraña coproducción entre Estados Unidos, México y Venezuela. Película de exorcismo que intenta, con mucho esfuerzo, darle una vuelta de tuerca al tema de los exorcismos en el cine. Una tarea difícil porque si hay un tópico que no puede hacerse con éxito es justamente ese. Cuando en 1973 se estrenó El exorcista, dirigida por William Friedkin, la vara quedó tan alta que todas las siguientes películas parten con una desventaja insalvable. Cuando los niños de un pequeño pueblo mexicano comienzan a morir de posesión demoníaca, los habitantes buscan la ayuda de Peter Williams, un sacerdote norteamericano marcado por un exorcismo que salió mal. Si bien Williams es considerado un santo entre sus feligreses, su primer encuentro con el diablo le ha dejado una marca para siempre. Su desafío es entonces doble, ya que no sabe si podrá estar a la altura del desafío mientras lo acosan los traumas de su pasado. Hay, como mencionamos, búsquedas, intentos de que las escenas no sean la clásica rutina ya conocida. Esto no es suficiente de ningún modo, sólo marca que hubo una intención. Es hora de pensar seriamente en no hacer más películas de exorcistas si no se tiene una obra maestra entre manos.
La comedia romántica con estrellas parece un género olvidado. Durante la década del noventa hubo un furor no del todo estudiado donde estas películas eran una presencia constante en la cartelera de los cines. Hoy la calidad parece haber bajado tanto que ni la taquilla les presta atención. Silenciosamente se ha vuelto un género de segunda línea, aunque como suele ocurrir, siempre está listo para renacer. ¿Será algo generacional? ¿Se pueden hacer comedias románticas hoy en día sin estar abrumados por la agenda ideológica? Si tomamos en cuenta Cásate conmigo la respuesta es sí. Inesperadamente este 2022 tiene una comedia romántica de la vieja escuela. Pero no por nada sus protagonistas, Jennifer Lopez y Owen Wilson, tienen más de cincuenta años, lo parezcan o no. Las superestrellas de la música Kat Valdez (Jennifer Lopez) y Bastian (Maluma) se casarán ante una audiencia global de fanáticos en pleno recital. Pero justo antes de salir al escenario aparece un video de él siéndole infiel. Delante de todo el mundo toma una decisión urgente, decide casarse con cualquier persona que esté en el público. El azar ha llevado hasta allí a Charlie (Owen Wilson) un profesor de matemática que junto a su hija y una amiga ha ido al recital a último momento. Cuando Kat mira al público lo ve a Charlie con un cartel que dice “Cásate conmigo” que ni siquiera es de él, se lo ha dado su amiga un minuto antes para poder ella grabar el momento. Kat lo hace subir al escenario y allí arranca el núcleo de la historia. Esta versión de cuento de hadas con roles cambiados y actualizaciones varias muestra perfectamente que la comedia romántica está viva y lista para reclamar su lugar. Cásate conmigo está muy lejos de los clásicos del género, pero al mismo tiempo está tan sola en el cine actual que se destaca muy por encima de sus posibilidades. El miedo al romanticismo del cine y sobre todo de las series actuales ha puesto a un costado esta clase de historias. Ya van a regresar, por ahora Cásate conmigo sirve para valorar esta clase de películas.
Muerte en el Nilo es una nueva adaptación del clásico escrito por Agatha Christie en 1937. Kenneth Branagh vuelve a dirigir y protagonizar una adaptación de la escritora británica luego del gran éxito alcanzado por Asesinato en el Expreso de Oriente (2017). Este renacimiento de las adaptaciones de Christie emula aquel ocurrido en la década del setenta, cuando el detective Hércules Poirot se convirtió en la estrella de varios títulos taquilleros. Kenneth Branagh sabe que mientras que Asesinato en el Expreso de Oriente era un libro perfecto, Muerte en el Nilo es un texto que requiere un poco más de paciencia del espectador para perdonarle algunos detalles que en el libro funcionan pero en la pantalla resultan algo inverosímiles. Por eso esta vez se toma más libertades con el texto original y realiza todos los cambios necesarios para que la historia funcione adecuadamente. Esta vez el célebre detective Hércules Poirot (Kenneth Branagh) participa de un crucero de lujo por el Nilo, donde está de luna de miel la millonaria heredera Linnet Ridgeway (Gal Gadot) y su flamante marido Simon Doyle (Armie Hammer). Los acompañan un grupo de personajes vinculados con ella que tienen más motivos para odiarla que para quererla. Estamos en una historia pensada por Agatha Christie, así será la joven rica la que aparezca muerta en ese entorno aislado del mundo y todos serán sospechosos de haber cometido el crimen. Cuando Branagh hizo Asesinato en el Expreso de Oriente dejó en ridícula a la fea y superficial versión de 1974, pero además le dio a Poirot un aire de héroe melancólico que elevó al personaje a un nivel inesperado. Aquí su versión compite contra la que en 1978 protagonizara Peter Ustinov y en la comparación la situación es más pareja. El Poirot de Ustinov era una verdadera joya y la película era casi exclusivamente su actuación y la del elenco sublime que lo acompañaba. Es muy recomendable y hasta aquí llegan las comparación, pasemos directamente al año 2022 y esta nueva adaptación. Branagh está mucho más en solitario esta vez, no hay estrellas de su calidad como sí ocurría la última vez que adaptó a Agatha Christie. Lo actoral no define la nueva versión de Muerte en el Nilo. Branagh repite los recursos estéticos que van de lo magnífico a lo gratuito y la película es más despareja en todos los aspectos. Pero el director apuesta a sorprender a quienes conocen la historia tanto como aquellos que no. Fuertes cambios en el guión ayudan a que todos disfruten de la trama. Aquella melancolía de su anterior película se repite pero en otro tono. Sigue siendo un apasionado lector de Charles Dickens y sigue preocupado por su bigote, aunque con una explicación. Lo que sí aprovecha Branagh es el humor para burlarse de él mismo. Ese detective pedante y coqueto parece ser el propio Kenneth, cuyo ego ha sido expuesto varias veces en su ecléctica y sorprendente carrera. Se deja en ridículo a sí mismo, aun cuando sigue siendo el brillante Poirot, y se reserva algunas vueltas de tuerca más allá del crimen y el sentido del humor. Pero su principal fuente de inspiración es encontrarle un tema a la historia. El amor es el hilo conductor de todos los personajes. Más que el dinero, más que el poder, incluso más que la venganza, todos están animados por el romanticismo, todos son esclavos de sus pasiones. Ya había insinuado Branagh que no todo podía ser racional en la película anterior, pero acá esto queda en primer plano. Tal vez demasiado, porque con más sutileza también se entendía. Kenneth Branagh, quien adaptó muchas veces William Shakespeare y dirigió un film de Marvel, mostró este año que sigue su plan de no ser encasillado. Muchas salas del mundo tendrán al mismo tiempo Muerte en el Nilo y Belfast, una película autobiográfica en blanco y negro. Su energía y su amor por hacer películas sigue tan vivo como hace treinta y tres años cuando estrenó Enrique V. Ojalá en el futuro vuelva a Shakespeare y a Agatha Christie, mientras siga buscando otros proyectos que sorprendan a todos.
Los paseos es una película de superficie sencilla que puede ser confundida con muchos títulos del cine argentino por su condición de retrato de jóvenes que buscan con rumbo incierto un sentido para su vida. Pero justamente, esta es una película mucho más profunda que la inmensa mayoría, y son las otras las que no llegan a nada. Que un país del tercer mundo tenga una cinematografía tan abultada es una rareza que esperemos alguna vez alguien explique, mientras tanto hay que elegir bien y separar lo bueno de lo irrelevante. Los paseos pertenece al selecto grupo de películas inteligentes, sensibles y sofisticadas, por eso es, a pesar de su aparente sencillez, una gran película. Diego (Sergio Mayorquín), es un estudiante de arquitectura en pausa. Trata de moverse por la bella ciudad de Buenos Aires sin prejuicios, enamorado de su arquitectura sin importar el barrio. Cuanto entre muchos trabajos le surge el de paseador de una anciana, su destino parece cambiar. Solo debe manejar y mover por la ciudad a una señora y a la chica que la cuida, Belén (Camila Peralta) quien también aspira a algo más que lo que tiene. Diego odia las multitudes y las presiones, Belén está cansada de su trabajo. Surge entre ellos una relación. El protagonista está interesado por el arte en general, la arquitectura, la música, el cine, la literatura. La película no se avergüenza de tener ese marco, al contrario. Una vez más, mientras que los cineastas nacionales viven enamorados del pobrismo, la marginalidad y sus pobres expresiones culturales, Los paseos se aferra a la belleza de otra clase de arte y disfruta de todo. Buenos Aires se ve bella porque está vista con una mirada estética de gran sensibilidad. En el medio puede haber una sutil pero justificada escena que refiera al cine de Leonardo Favio sin nombrarlo y en la melancolía algo resignada y con un poco de humor también se hacen presentes ecos de Eric Rohmer. El cine argentino no está hecho solo por brutos militantes, también hay directores de cine con talento como Esteban Tabacznik.
Después de muchos años el famoso Gulliver es invitado a regresar a Lilliput, la ciudad que lo convirtió en leyenda. Pero durante todo ese tiempo el Rey -quién era un bebé la última vez que vio a Gulliver- le ha hecho creer al pueblo que Gulliver es un gigante todopoderoso, por lo cual al llegar es un hombre común y no un gigante, el alboroto es generalizado. La consecuencia es que se lo lleva a juicio y se lo condena a muerte. Lilliput está en máxima tensión porque fuerzas extranjeras están a punto de invadir y no tienen un campeón que salga en defensa de la población. La animación es muy básica y el humor es completamente disparatado pero no siempre gracioso. La trama es demasiado larga y su tesis, la de que se puede ser un héroe sin ser un gigante, es tan simple como excesivamente pobre. No hay nada más que agregar en este film de animación europeo que llega hasta Sudamérica porque debe ser parte de un paquete de películas baratas. Barato no es bueno, por supuesto. ¿Existirá una alegoría política sobre Europa del este en esta coproducción que incluye a Ucrania? No es fácil de saber y tampoco importa nada.
Moonfall está dirigida por Roland Emmerich, una verdadera leyenda -para bien o para mal- del cine catástrofe. Stargate (1994), Independence Day (1996), Godzilla (1998), The Day After Tomorrow (2004) y 2012 (2009) es una selección de parte de su filmografía donde se observa su amor por la catástrofe y la grandilocuencia, aunque también ha hecho otra clase de films. Algunos de sus trabajos son buenos y otros todo lo contrario, su filmografía es despareja y su momento de mayor éxito ha quedado un poco atrás. Una fuerza misteriosa afecta la órbita de la Luna, haciendo que con ese cambio se acerca a la Tierra en lo que se anuncia como una catástrofe absoluta que significa el fin de la humanidad. Pero por supuesto existe una pequeña posibilidad de evitar esa aniquilación. Una misión comandada por dos astronautas retirados puede ser la última chance. Jo Fowler (Halle Berry) ejecutiva de la NASA y ex astronauta deberá unirse a otro astronauta retirado y caído en desgracia, Brian Harper (Patrick Wilson). Harper y Fowler estuvieron en una misión fallida diez años atrás, lo que los ha enemistado desde entonces. Se podría pensar que siendo Emmerich un experto la película tendría algo interesante para ofrecer. Pero lejos de eso, se trata de una especie de refrito lastimoso que busca imitar los peores lugares comunes de un género construido sobre clichés. Hay un loco marginal que descubre la verdad, en este caso KC Houseman (John Bradley) y hay ex parejas y nuevos maridos que son egoístas, para recordarnos que segundas nupcias son inaceptables en el cine catástrofe. Y no, tampoco hay un humor paródico o un guiño para no tomarnos todo muy en serio, aunque al comienzo el tema África de Toto prometía algo diferente. El último tercio de película es intolerable. Cuando la película intenta dar explicaciones al misterio cae en lo peor de la ciencia ficción pretenciosa y a la vez tonta. Pero tal vez lo menos tolerable es la bajísima calidad de los efectos visuales. La pantalla verde tan común en el cine actual acá es usada incluso para un personaje llegando en moto a un edificio, el colmo del cine falso y estéticamente horrible. No le va mejor con las escenas espectaculares. Es verdad que se ahorra mucho dinero haciendo un cine con efectos berretas, pero más se hubieran ahorrado si directamente no hacían la película. Por lo menos nos ahorraban dos horas y diez minutos de nuestras vidas.
Daphné, embarazada de tres meses y de vacaciones en el campo, recibe como huésped a Maxime, primo de su novio Francois, que ha tenido que volver a París para reemplazar a un compañero enfermo. Durante cuatro días, mientras esperan el regreso de Francois, Daphné y Maxime se van conociendo, mientras comparten historias muy íntimas que los acercarán. La película escrita y dirigida por Emmanuel Mouret consigue reflexionar acerca de la dinámica de las reflexiones humanas a partir de una serie de cruces que en varios casos tienen que ver con el azar. Sin poder compararse en calidad con Eric Rohmer, si se pueden percibir de ese director algunas de sus ideas. Pero Mouret agrega historias, relatos que arman capas que respaldan esta idea acerca del amor y el paso del tiempo. En un tono que pasa de la amabilidad a la amargura y del silencio a la verborragia, la película es ambiciosa y posee ideas, elementos que hacen desear seguir el camino de este realizador en el futuro.
Pedro Almodóvar lleva ya cuarenta y dos años dirigiendo largometrajes, una carrera enorme que incluye clásicos contemporáneos, algunos títulos fallidos, y una impronta personal cuya influencia excede incluso al cine. Es uno de los cineastas más reconocibles y famosos del mundo, sus ideas fueron de avanzada en la década del ochenta y siguió buscando un camino de desafíos en los años siguientes. En la era de la cancelación y la corrección política algunos de sus mejores títulos podrían caer en desgracia, pero por suerte nadie se dedica a cuestionarlo. El único que lo juzga y le pone límites al mundo de Almodóvar es él mismo, al menos eso parece en este nuevo título que estrena ahora y cuya historia parece armada para agradar al mundo más que para expresarse él mismo. Dos mujeres se conocen en una habitación del hospital donde van a dar a luz por primera vez. Son madres solteras que no han buscado el embarazo que tienen. Janis (Penélope Cruz), de mediana edad, no se arrepiente y está feliz. Pero Ana (Milena Smit), una adolescente, está a disgusto y preocupada. Surgen en esos breves momentos una incipiente amistad que crecerá más adelante cuando a ambas madres el destino las una para siempre. Desde el comienzo hay una historia que corre en paralelo a la de las dos madres. Janis quiere que un arqueólogo forense y su fundación excaven una fosa común en el pueblo de donde su es su familia. Allí su bisabuelo y otros hombres del pueblo fueron asesinados y enterrados durante la Guerra Civil. Al melodrama puro y duro vinculado con la maternidad se le agrega esa trama política que poco a poco se apodera de la trama y que al final parece ser lo único que le importa al director y guionista Pedro Almodóvar. Mientras que todo en la película cumple con las características temáticas y estéticas del director, el costado político es poco menos que un papelón digno de los peores cineastas políticos de Sudamérica. No es el tema que trata, sino como lo hace. Almodóvar se vuelve pomposo, solemne y, finalmente, abyecto como nunca en su carrera. De nada sirve su pulso para el drama maternal, ni sus actrices favoritas, ni árbol genealógico de referencias artísticas, de golpe el director pierde el rumbo, vaya uno a saber porque, y decide lanzarse al terreno de la política que claramente no es su fuerte. Pero lo peor no es eso, lo malo es que lo que tenía de interesante y poderoso la película se deshace en los últimos minutos. Incluso la provocación habitual en él se transforma en lo contrario. Madres paralelas es la película más tontamente demagógica que ha hecho en su carrera. Tal vez haya sido una necesidad muy profunda o una culpa que arrastra como español, pero eso no es cuestiona, lo que sí es terrible es que no pueda expresarlo con la sofisticación y la belleza de lo que lo constituyó como cineasta y lo trajo hasta aquí.
Jesús López es un joven piloto de carreras que muere en un accidente. Su primo Abel, un adolescente sin un rumbo claro, parece querer ocupar el espacio vacío de Jesús en su entorno familiar, sus amistades y sus actividades. En el pueblo se organiza una carrera en homenaje a Jesús y Abel podría encontrar allí el lugar que se ha sentido tentado a ocupar. Desde la película Germania (2012) Maximiliano Schonfeld ha demostrado habilidades narrativas y estéticas indiscutibles. Pero en este caso los momentos completamente logrados se intercalan con otros menos definidos. Los cambios de tono e intenciones no le ayudan a la película, sino que la empantanan en más de un momento. Hay que rescatar algunos momentos de clara belleza y sentimiento, pero en promedio el resultado no está a la altura de otros film del director.
Qué una película que en el original se llama Fila 19 se estrene en Latinoamérica con el título de Pasajero 666 ya habla de una falta de honestidad intelectual y una subestimación del espectador que predispone mal. Pero si uno puede olvidarse por un momento de esa comercialización espuria puede dedicarse a analizar la película en sí mismo. ¿Qué culpa tienen los rusos de ese título fuera de su país? La historia que se narra aquí es la de una pequeña que viaja con su madre en un vuelo de avión que se viene abajo. La única sobreviviente es la niña, lo que muchos consideran un verdadero milagro. Algo raro pasó en ese vuelo, imágenes extrañas que la niña vio antes de la catástrofe. Pasaron muchos años y la niña se ha convertido en una mujer que ha superado aquel trauma. Finalmente se anima y con su hija de seis años viaja en avión. Se trata del único vuelo que sale ya que una tormenta de nieve complica la operatividad de la pista. Se trata de un misterioso vuelo casi vacío, lleno de personajes raros. Esta película de terror tiene más promesas que logros, consiguiendo algunos momentos buenos pegados a otros sin ningún sentido. El avión en el cual transcurre la historia es un decorado poco realista y todo es demasiado forzado como para no sospechar acerca de los posibles giros de la trama. En su afán desesperado por imitar a Estados Unidos sin lograrlo, Rusia nos entrega otra película de género fallida. Es posible que en los últimos dos años se haya estrenado más cine ruso que en los últimos veinte, algún distribuidor ha logrado encontrar un mercado. Ahora solo basta que respete los títulos originales.