Julián Lemar (Diego Peretti) es un famoso escritor de best-sellers de misterio que se va de vacaciones con su familia a una cabaña en un bosque, alejado de todo. Pero en la primera noche, durante una fuerte tormenta, una mujer desesperada llega a la puerta pidiendo ayuda. Se ha escapado de su marido quien aparentemente ha matado al hijo de ambos y ahora quiere asesinarla a ella. No hay manera de comprobar su historia y la llegada del hombre a la cosa obligará a Julián a tomar una decisión rápida. Este policial dirigido por Cristian Bernard muestra interés por el aspecto estético y el deseo de narrar una buena historia. Aunque su inverosimilitud es el anuncio del desenlace, igual es demasiado difícil seguir las actuaciones acartonadas y una presencia musical excesivamente marcada. Es demasiado evidente que la película juega con un giro sorpresivo, pero esto no hace más que dejar al espectador a la espera de una sorpresa, valga la contradicción. Su prolijidad y amor por el misterio no la salvan de una construcción que hace agua con el guión y más aun con las actuaciones.
Paul Thomas Anderson es uno de los cineastas más importantes del siglo XXI. Su obra todavía breve, tiene varios títulos importantes que son referencia obligada del cine actual. Más allá de la opinión que cada uno tenga de su cine, queda claro que no se trata de un cineasta irrelevante. Las nueve películas que conforman su filmografía son Vivir del azar (Hard Eight, 1996), Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), Embriagado de amor (Punch-Drunk Love, 2002), Petróleo sangriento (There Will Be Blood, 2007), The Master (2012), Vicio propio (Inherent Vice, 2014), El hilo fantasma (Phantom Thread, 2017) y Licorice Pizza (2021). Sus películas son intensas, potentes, con una estilo narrativo que rompe la narración clásica yéndose muchas veces en direcciones inesperadas, mezclando una línea principal con apuntes que acompañan y a la vez quiebran el relato. La intensidad mencionada no siempre tiene que ver con armas de fuego o escenas de acción, a veces la violencia surge del vínculo entre los personajes, con una tensión creciente al borde de lo tolerable. A pesar de que uno reconoce la calidad de su cine, es casi imposible unificar lo que se ve en Phantom Thread y Licorice Pizza. Hay una versatilidad en Anderson que le permite cambiar radicalmente de tono. Tal vez Phantom Thread sea la más rara de sus películas, aunque Licorice Pizza sea por mucho la más liviana de sus obras. La película transcurre en el Valle de San Fernando, California, en 1973. Los personajes principales son Alana Kane (Alana Haim) y Gary Valentine (Cooper Hoffman). Se conocen en la fila para sacarse la foto del anuario del secundario donde estudia Gary. El tiene quince años y ella veinticinco. Gary se enamora al instante pero Alana acepta solo ser su amiga. Juntos vivirán una serie de aventuras mientras crecen y cambian su mirada sobre el mundo. Ella busca ser actriz, él busca ser un adulto exitoso en cualquier tipo de negocio. En los primeros minutos de película Licorice Pizza muestra que tiene detrás a un director de cine. En los tiempos actuales, donde en lugar de hablar de cine se habla de contenido en plataformas, que alguien sepa lo que quiere filmar es casi un oasis. Anderson tiene la habilidad para mostrar los rostros en una escena en la que ambos están en movimiento. La cámara los acompaña y rápidamente estamos dentro de su mundo. Unos minutos que avisan que esto es cine. Luego la película abrirá su juego en varias direcciones, anécdotas y otras ramificaciones, pero siempre con esos dos protagonistas juntos. Sin duda es la película más liviana de Paul Thomas Anderson. Toda la trama uno espera un momento perturbador, terrible, sórdido, pero en general los peligros no son tales y el costado siniestro del mundo parece ir por un costado. La película está llena de referencias cinematográficas, empezando por Sean Penn, quien interpreta a Jack Holden, en clara referencia a William Holden. Su amigo Rex Blau (Tom Waits) podría ser muchos directores, pero habiendo dirigido a Holden, uno imagina que se trata de Mark Robson, ya que gran parte de la escena en la que él está, recrean Los puentes de Tokyo-Ri (1954) dirigida por Robson y protagonizada por Holden. El personaje también habla de otra película que no es otra más que Breezy (1973) donde fue dirigido por Clint Eastwood. No es casual la elección, en esta película la pareja protagónica tiene una diferencia de edad notable y el tono general de la historia es luminoso y optimista. El protagonista del film, Cooper Hoffman, es el hijo de Philip Seymour Hoffman, uno de los actores favoritos de Paul Thomas Anderson y fallecido muy joven. Aparecen también las hijas de Steven Spielberg y el hijo de Jack Nicholson, entre muchos otros familiares de la farándula, como el padre de Leonardo Di Caprio. Pero también hay referencias cinematográficas de otro tipo, como toda la parte del local político, donde los aires de Taxi Driver (1976) también se hacen presentes. Todas estas capas de ficción, referencias, cosas reales e inventadas le dan un aire entre familiar e imaginario, como si los protagonistas vivieran dentro de una película. Tal vez eso los protege de las peores cosas del mundo. Licorice Pizza (una forma de referirse a los long play de vinilo) es una comedia romántica de entrada en la adultez que tiene una libertad y una vitalidad asombrosas. Apoyada en personajes insólitos que crean escenas delirantes, los protagonistas viven momentos de absoluta felicidad que son fáciles de ver para los espectadores aunque los propios personajes no estén tan seguros de que sean felices. Las familias de ambos personajes son increíbles. Alana Haim tiene en la película a sus verdaderas hermanas y a sus verdaderos padres. Alana y sus hermanas tienen una banda en el mundo real y Paul Thomas Anderson hizo muchos de sus videos. Todo se mezcla en esta película. Los protagonistas son jóvenes y se nota. Aunque se ve un poco menos sentida que otros títulos del director, su felicidad es contagiosa y la libertad que tienen muestra a las claras que esta vez Anderson no los quiso juzgar, una novedad dentro de su cine, por cierto. La energía demente de varias escenas sí es una clara marca del realizador. Como en esas películas románticas inocentes de los años setenta, acá los protagonistas no son las parejas clásicas así como tampoco su mundo, pero si tienen ese mismo impulso vital juvenil que al cine siempre le costó captar y acá se despliega completamente frente a nuestros ojos. Licorice Pizza es pura fuerza y corazón, además de estar extraordinariamente bien filmada.
En la escena inicial el protagonista de la historia coloca un cadáver envuelto y atado en un agujero de una casa. Ha roto el piso de madera para colocarlo allí. No lo tapa, ni le pone maderas arriba, lo deja allí y prende fuego la casa. No queda muy claro para que hace el pozo que finalmente no tapa, pero igualmente allí está el origen del personaje y el costado psicológico que la película utilizará para explicar las conductas y ambiciones del protagonista. Solo se lleva un reloj que también será clave en la trama. Stanton Carlisle (Bradley Cooper) es un buscavidas inescrupuloso que luego de la mencionada escena sale a buscar suerte, llegando a una feria ambulante, donde los espectáculos le llaman la atención y decide sumarse. Su ascenso dentro de la estructura de esta farándula nómade lo irá acercando a sus sueños, pero él siempre buscará más. Estamos en la década del treinta y Estados Unidos sufre la gran depresión, pero Carlisle las cosas marchan bien, salvo que sea incapaz de ponerle límites a sus ambiciones. Siendo un policial negro no cuesta nada saber que es lo que pasará. La película escrita y dirigida por Guillermo Del Toro está basada en la novela de William Lindsay Gresham, que ya fue adaptada en un film de 1947, dirigido por Edmund Goulding y protagonizado por Tyrone Power. Del Toro declaró que no se trata de una remake y al ver las dos películas hay que reconocer que tiene razón. Son dos películas muy diferentes, aunque la que veamos primero condicionará la experiencia de la segunda, probablemente. Hay algo más de riesgo y potencia en el film de 1947, posiblemente porque Tyrone Power buscaba salir del lugar seguro que tenía su carrera y puso lo mejor que tenía para transformarse en un monstruo. A pesar del gran elenco de la película del 2021, no hay manera de conectar emocionalmente. Técnicamente muy deslumbrante, el film de Guillermo Del Toro no tiene la menor energía para saber a dónde se dirige, simplemente está filmada muy lindo. Sí, se trata de una película bien hecha, no un producto berreta de streaming de esos que demuelen a diario el cine. Pero no alcanza. Por suerte Guillermo Del Toro se aleja acá de la minuciosa agenda ideológica que poblaba La forma del agua, una película que se veía perjudicada por su bajada de línea carente de sutileza. Sin embargo la historia, realmente muy buena, no consigue generar empatía alguna. No es fácil identificarse con un personaje de villano, pero no se trata de quererlo, sino de sentirnos cerca de su destino. En 1947 se había podido lograr, pero en el 2021 las película no quieren asumir sus riesgos, aun cuando se supone que tienen más libertad para contar historias. Es abrumadora la belleza de los decorados y el vestuario, así como también el cuidado en la fotografía. Hay una versión en blanco y negro pero no es fácil de ver fuera de Estados Unidos. En lo estético Del Toro funciona, pero en esta, su primera incursión fuera del cine fantástico, no consigue insuflar de vida a sus criaturas. Cuando uno piensa que fue inspirado por cineastas como Tod Browning y James Whale, es una pena que no haya podido lograr acá el enorme corazón de estos directores.
Belle (2021) es otra muestra de que el cine de animación japonés es el más grande del mundo. Tal vez no tenga la difusión que se merece, pero es el más amplio y diverso que existe, aunque en occidente solo se conozcan los productos televisivos o los largometrajes de Hayao Miyazaki. Por suerte la era digital permite que el público más fiel pueda ver en pantalla grande muchos de estos títulos, logrando éxitos moderados o grandes, pero demostrando que este cine no es ignorado. Belle (Ryū to Sobakasu no Hime, El dragón y la princesa pecosa)fue la tercera película más taquillera en Japón y ese fue el inicio de su camino por el mundo. Se trata de una brillante adaptación del clásico relato La bella y la bestia (1740) de Gabrielle-Suzanne de Villeneuve. Aunque es evidente que se trata de ese texto, este es sólo el punto de partida, ya que la película sale en busca de muchos otros temas. Como siempre en el cine japonés de animación, todo es bastante más complejo. Las primeras imágenes de Belle son verdaderamente impactantes. Pero Mamoru Hosoda es un director capaz de manejar tanto el espectáculo gigantesco como el retrato más intimista. Ambas cosas son imprescindibles en esta historia. Suzu, una estudiante de diecisiete años que vive con su padre en el pueblo rural de Kochi. Aún traumada por la pérdida de su madre cuando era niña, Suzu descubre un día el gigantesco mundo online de ‘U’. tímida y retraída, decide sumergirse en esta realidad alternativa de la mano de su avatar: Belle. Lo que no espera es que su irrupción en ese mundo la convertirá de forma casi instantánea en una estrella absoluta, seguida por millones de usuarios gracias a su talento para cantar. Pero un día aparece otra figura, una bestia misteriosa que interrumpe su canto y allí comenzará una historia completamente nueva. La combinación de mundo real con mundo virtual es uno de los muchos temas que la película tiene y es mucho más interesante que la mayoría de las series que plantean conflictos en ese choque de mundos. El animé ha entendido que las posibilidades de la animación son infinitas. Estos films adultos son capaces de construir mundos imposibles y recrear de forma sensible la vida cotidiana. La dureza del mundo real versus el mundo virtual (o cinematográfico) es también algo que el cine ha trabajado y acá se renueva de manera actual y elegante, mezclando con bastante elegancia las transiciones y finalmente creando una protagonista inolvidable.
Qué claro y contundente es cuando una película es completamente fallida. Algo sale mal desde el origen y no tiene arreglo. El guión está mal, la actuación está mal. Hay muchas escenas donde hasta el espectador más distraído se encontrará perplejo ante el nivel de arbitrariedad y torpeza. Agentes 355 tiene ese tono de lo resuelto de cualquier manera porque nadie quiso pensar un poco acerca de cómo ejecutar tal o cual situación. Se hace muy difícil, aún con paciencia, tolerar dos horas de película tan improvisada y aun así de alto presupuesto. El gancho era conseguir cuatro estrellas para que compartieran cartel, formando un equipo de espías improbable pero aún así con una posible química que las hiciera interesantes. Las actrices no son ajenas a un proyecto malo y se nota que ninguna pudo poner finalmente su corazón para elevar aunque sea un poco el resultado. El McGuffin de la historia es un programa capaz de acceder a todos los sistemas del planeta, dándole un poder absoluto a quien lo tenga en sus manos. La agente especial de la CIA, Mace Brown (Jessica Chastain) deberá unirse a la agente alemana Marie (Diane Kruger), la ex MI6 y especialista en informática Khadijah (Lupita Nyong’o), y una psicóloga colombiana Graciela (Penélope Cruz) para recuperar dicho programa. Una quinta mujer, Lin Mi Sheng (Fan Bingbing), sigue de cerca sus pasos, sin que se sepa para qué bando juega. Nada se ve natural, auténtico, hecho con ganas. Nadie se siente a gusto, ni los que hicieron la película ni cualquiera que se siente a verla. Un par de escenas al comienzo buscan enganchar, pero siempre algún detalle expulsa todo encanto que se haya desplegado frente a nosotros. No hay nada que hacer, cuando algo sale mal, no se puede inventar nada.
El cine ruso de género llega a la Argentina de forma sistemática desde hace más de un año. Es divertido conocer un poco otras cinematografías en sus aspectos menos conocidos. Ojalá pasara eso con todos los países. Pero claro, salvo algunos hallazgos la calidad es limitada. Muchas, como Boda negra, parten de buenas ideas, pero no siempre pueden alcanzar a cerrar una película realmente buena. Si de buenas ideas iniciales hablamos, esta vez hablamos de una muy interesante. Zhenya es una joven madre con el corazón roto porque su marido la ha abandonado. En la desesperación, recurre a la magia negra y particularmente a un hechizo poderoso llamado boda negra. El joven marido vuelve gracias a ese hechizo, pero con un amor obsesivo y violento que lo convierte en un monstruo y no en un enamorado. Ahora Zhenya deberá encontrar la manera de revertir la situación, si acaso esto es posible. La película es más interesante de guión que de puesta en escena. No evita los lugares comunes visuales del género y consigue su mayor logro en los apuntes acerca del amor y la pareja. Como en el buen cine de terror, detrás de los sobresaltos hay siempre algún tema interesante. La película no consigue de todas formas mantener el interés de su gran premisa inicial.
Rifkin´s Festival es la nueva película de Woody Allen, estrenada en un momento crítico de su filmografía. Luego de que las viejas acusaciones en su contra aparecieran una vez más, Amazon Studios quiso cajonear su largometraje anterior, Un día lluvioso en Nueva York (2018), lo que terminó en tribunales con una victoria de Woody Allen que recibió la indemnización correspondiente. Por ese motivo ocurrió algo raro: En el 2018 no hubo un largometraje de Woody Allen en salas. Pero si bien varios artistas salieron a condenarlo, otros los defendieron y ninguna de las nuevas acusaciones llegó a la justicia. Allen seguía con su carrera. Rifkin´s Festival se estrenó en el 2020, pero la pandemia afectó su circulación mundial. En el 2021 no hubo, una vez más, película de Woody Allen, una mala noticia para sus admiradores y para la carrera de cualquier director veterano. Entre tanta incertidumbre esta película es la suma de todos los lugares seguros para el realizador. Tiene referencias concretas y homenajes a sus films favoritos, tiene problemas de pareja, tiene una mirada misántropa del mundo, está filmada en una ciudad preciosa y el protagonista, Wallace Shawn, es uno de los actores que más veces ha trabajado con Woody Allen. Rifkin´s Festival transcurre durante el festival de San Sebastián y Allen lo filma con absoluta devoción, llenando la película de postales turísticas de la ciudad fotografiada espléndidamente por el gran Vittorio Storaro. La felicidad del entorno se siente y a esta altura queda claro que Woody Allen también busca disfrutar de la experiencia del rodaje. Pero eso no altera el guión, una clásica historia suya. Mort Rifkin (Wallace Shawn) es un profesor de cine que lleva mucho tiempo sin terminar una libro. Su mujer Sue (Gina Gershon), es la agente de prensa de un joven realizador (Louis Garrel) que está de moda y es la estrella del festival. Mort está fastidiado con el cine actual, mira con recelo la relación más que amistosa entre Sue y el joven director y, como era de esperar, tiene algunas angustias de salud. Esto lo lleva a cruzarse con una joven doctora local llamada Jo Rojas (Elena Anaya) que le hace olvidar de sus problemas físicos y le despierta un interés romántico inesperado. Los mismos personajes que Allen ha escrito desde hace más de cincuenta años. Empujado por la sensación de ser engañado, nostálgico del cine que más ama, Rifkin pasea por la ciudad con sueños de sus películas favoritas, recreadas por el propio Woody Allen, desde El ciudadano (1941) a Persona (1966) vemos escenas parodiadas y homenajeadas por el director. Siempre disfrutó Allen el hablar de sus cineastas favoritos. La parodia y la sátira fueron los modos en los cuales él eligió moverse al comienzo de su filmografía y nunca abandonó eso del todo. Como ocurrió luego de su película de quiebre, Annie Hall (1977), que lo llevó a ganar el Oscar y lo dejó en un lugar inesperado en su carrera. Allí comenzó una búsqueda entre arriesgada y caótica, como con un sentimiento de culpa por ser prestigioso que lo llevó a imitar a Ingmar Bergman en Interiores (1978) y a Federico Fellini en Recuerdos (1980). Filmó en blanco y negro varios títulos mientras seguía explorando. El desenlace de este período fue Zelig (1983) donde fue capaz de burlarse de su propia condición camaleónica, entre muchas otras cosas. No solo era una película compleja, también era muy pero muy divertida y graciosa. Algo de aquella búsqueda aparece nuevamente aquí, acompañado con otro tema recurrente: la sensación de no estar a la altura de los grandes. La lealtad y coherencia de Woody Allen es una rareza en la historia del cine. Puede que no sea uno de los grandes maestros, pero nadie puede negarle una mirada y un camino firme y constante. Esta película, más allá de los siempre efectivos chistes, posee una delicada y resignada melancolía. Una pequeña historia con una mirada muy profunda de la vida. Cada película de su cine es una pincelada más de su obra. Acá toca una cuerda un poco más amarga, pero no todos sus films son así. Ya no tiene tantas estrellas a su alrededor, porque más allá de lo ideológico, cada uno cuida su carrera. Los actores que aún siguen con él lo hacen con la alegría que hace treinta años hacía que todos formaran fila para acompañarlo. Europa lo ayuda a seguir filmando y ya tiene un proyecto listo para volver a París. Lejos han quedado las obras maestras del director, aunque la película más taquillera de toda su carrera ha sido Medianoche en Paris (2012) lo que muestra un recambio generacional en su público. Veremos si el siguiente proyecto lo vuelve a poner otra vez en la primera línea, pero mientras tanto Allen sigue haciendo cine por encima del promedio de lo que vemos a diario.
El empleado y el patrón cuenta la historias de dos jóvenes que viven en el campo. El patrón disfruta de una buena posición económica y una felicidad opacada solo por algo: la salud de su bebé. El empleado está buscando trabajo para mantener a su bebé recién nacido, por eso no duda cuando el patrón decide contratarlo para trabajar en sus tierras. Ambos se ayudan mutuamente y la relación parece ser muy positiva. Pero un día ocurre un accidente en el campo y todo se altera. El conflicto irá creciendo y sus consecuencias son difíciles de calcular. Mientras se busca restaurar el orden se vuelve inevitable pensar que ya no hay vuelta atrás. El empleado y el patrón tiene las actuaciones desparejas propias del cine rioplatense. Están los naturales, los no profesionales y los que actúan a la antigua, pero en promedio la puesta en escena y la tarea del realizador hace que no afecte demasiado ese conglomerado actoral. Las ideas políticas que se desprenden de la historia no son el centro de esta, sino que el drama central está concentrado en conflictos más puntuales y un desenlace de una potencia dramática intensa, no tanto por el guión, sino por como está filmada. La ideología de la película es la del cine, no tanto la de la política. La amargura trágica que sobrevuela a El empleado y el patrón es su mayor valor, sea aceptado por el espectador o no.
Una reunión navideña en un caserón en la campiña inglesa donde se reúnen un grupo de amigos para festejar la Navidad. Al principio parece una especie de comedia dramática del género navideño, pero ciertas frases y situaciones avisan que hay algo más allá de lo que hemos visto. Y es así. No es una reunión normal aunque los participantes intenten fingir que lo es. La humanidad está llegando a su fin y esa reunión es la despedida del mundo. La historia juega con el humor negro pero se vuelve cada vez más dramática. Más aún cuando entre los participantes hay niños que tienen frente así el mismo destino que sus padres. Esa mezcla de film familiar navideño y relato apocalíptico consigue poco a poco generar claustrofobia e independientemente de los trucos del género, la película consigue transmitir una profunda angustia. Esto no es fácil de definir si es una virtud o un defecto. Su gravedad algo cruel no termina de cerrar completamente con respecto al inicio algo más ligero y ambiguo. La presencia de varias estrellas hace que la historia genere un interés extra en el espectador, porque como cualquier sabe, un rostro identificable logra una empatía más rápida. Keira Knightley, Matthew Goode y Roman Griffin Davis son tres de los integrantes del elenco de esta oscura comedia melancólica.
El último gran éxito del cine argentino antes de la pandemia fue El robo del siglo (2020) dirigida por Ariel Winograd. El primer estreno argentino con ambición comercial luego de la pandemia es Hoy se arregla el mundo (2022), también dirigida por Ariel Winograd. Esto es cualquier cosa menos la casualidad que uno podría imaginar. El 90% del cine argentino se hace sin la menor intención de llevar público y los pocos que sí apuestan por hacer películas para llenar salas son siempre los mismos. David “Griego” Samarás (Leonardo Sbaraglia) es el productor general de un programa televisivo llamado Hoy se arregla el mundo, donde dos personas en conflicto debaten hasta encontrar un acuerdo. Soltero, adicto al trabajo, tiene un hijo de 9 años llamado Benito (Benjamín Otero) que tuvo con Silvina (Natalia Oreiro) una relación ocasional que ahora le avisa que se mudará a España con el niño. Dos eventos inesperados se dan cita en la misma noche y cambian toda la vida de David. Silvina muere luego de avisarle que Benito no es su hijo. Con esa noticia David y el pequeño buscarán al verdadero padre para eventualmente dejarle la crianza del niño. Pero no tienen por donde empezar y la búsqueda por supuesto será el centro de la historia. Winograd tiene una filmografía sólida, bastante pareja, con film más logrados que otros, pero siempre buscando hacer películas en serio, que valgan la pena ser vistas. Parafraseando a Billy Wilder: películas que se vean más caras que la entrada del cine. Algo no muy común en Argentina. Comedias con emoción, basada en vínculos familiares o de pareja, con buen timing y guiones prolijos que si bien son de fórmula no dejan de ser mejores que el promedio local. Hoy se arregla el mundo tiene las virtudes del director ya conocidas. Chistes muy graciosos, buena dirección de actor, narración clásica con ritmo y cuidado visual que se ve real y no armado para una película. En casi todos sus films aparece un elemento también destacable y es que no tiene un humor desagradable ni un maltrato al espectador. El cine argentino, campeón mundial del golpe bajo y del discurso de dudosa ideología, no logra generalmente ir al grano de la diversión y la emoción. Aquí se logran muy bien ambas cosas y es uno de los mejores films de Ariel Winograd. La universalidad de sus películas queda demostrada por la cantidad insólita de remakes por todo el mundo que tuvo, por ejemplo, Mamá se fue de viaje. Hoy se arregla el mundo tiene una historia todo lo previsible que el espectador desea para disfrutar. Desde el minuto uno conoce el camino y solo resta disfrutar. Se ríe cuando se ríe y se llora cuando se llora. Y si alguien cree que eso está mal, se pierde la gracia de buenas películas como esta. La calidad cinematográfica no está reñida con los géneros o la felicidad.