Ya no recuerdo que tan mala era Scream 4, si acaso era mala. Sí sé que Scream 3 era menos de lo mismo y que Scream 2 estaba bien. Pero ninguna pudo estar a la altura de Scream (1996) la obra cumbre de Wes Craven y su guionista Kevin Williamson. El director ya había realizado grandes películas dentro del cine terror y cuando parecía que no quedaba nada por descubrir fue Scream la película que logró reinventar todo. Porque esa película era parodia, homenaje, metalenguaje, comedia brillante y, por encima de todo, una gran obra de terror. Scream, que no es otra cosa más que Scream 5 intentando engañar a los espectadores para que entren como caballos si no saben lo que pasa, es una película mediocre en el sentido más puro del término. El producto ideal para un público desprevenido y desganado, que se conforma con entender guiños y claves secretas metidas en la trama. Nada más necesita esta película, porque si necesitara algo más no tendrían ni que haberla hecho. ¡Está llena de referencias! ¿Y eso qué valor tiene? Exprime la trama hasta la indiferencia, no hasta el enojo. Los chistes no son solo repetidos, son inútiles. No le importa a nadie la protagonista y su trauma. Uy, sí, amigos, la película menciona el fandom, lo que es tomado como una muestra de genialidad. El aporte de la película es acuñar el término recuela, mezcla de remake y precuela. Tanto nos están aburriendo con estas nuevas versiones que hasta inventan palabras para definirlas. En la película aparecen también Dewey Riley (David Arquette), Gale Weathers (Courteney Cox), Sidney Prescott (Neve Campbell), los tres en roles secundarios, para jugar a que este regreso viene con todo. Arquette y Campbell están muy bien, pero con todo el cariño del mundo hay que decir que Cox está sepultada en un rostro transformado por operaciones de cirugía estética que hacen imposible cualquier expresión facial. Scream de Wes Craven es insultada en cada escena de esta nueva película. El guión tiene serios problemas, deja personajes, abandona situaciones, fuerza todo de forma visible y la resolución es un chiste, más allá de las arbitrariedades que se le puede permitir a una película así. Sí, un personaje se llama Wes y la película está dedicada a Wes Craven. El mejor homenaje habría sido no mencionarlo, si es obvio que el motivo para Scream 5 no es otra cosa más que perder el tiempo de los espectadores dándole la peor versión de aquello que alguna vez amaron. Uno de los personajes dice amar otra clase de películas de terror, por ejemplo El Babadook, por considerarlas más complejas y profundas. Esa mención parece inicialmente una ironía, pero cuando Scream 5 termina yo también pensaba: Me gusta más El Babadook. Ojalá Scream 5 sea la última de las películas de esta serie, porque hasta Scary Movie ha demostrado mayor dignidad y respeto por Wes Craven.
Máximo Ferradas (Mariano Martínez), empresario e hijo menor de una poderosa familia de pescadores de toda la vida, le pide a Francisco, su padre (Jorge Marrale), su parte de la herencia. Así, comienza un largo viaje que lo llevará hacia tierras lejanas, intentando construir su propio imperio. En ese comienzo el personaje tiene esa condición que el título de la película parece establecer. Máximo se instala en “Perla del Mar”, un pueblo pesquero en la Patagonia argentina, donde conoce a Caviedes (Arturo Puig), un enigmático empresario que le ofrece la cima de los negocios. Pero los pescadores más humildes, liderados por Coletto (Osvaldo Santoro) le hacen frente y el gran desafío es imponer o no una ley de pesca. Como una especie de Wall Street (1987) pesquera, la película muestra el ascenso sin medir las consecuencias de un joven y las trampas que su conducta le pondrá en el camino. Un poderoso mensaje religioso y moral irá asomando en la película de forma tan infantil y torpe que aún creyendo en el camino de ascenso y caída y redención que ha dado tantas buenas películas, aquí es difícil tomarse las cosas en serio. Un elenco de actores importantes al servicio de una película muy fallida que a primera vista no parece serlo. En todo caso, el mayor mérito de Yo traidor es disimular tan bien lo mala que es.
Secuela de Sing ¡Ven y canta! (Sing, 2017) que repite la idea de comedia musical de la original, donde los personajes interpretan covers de temas muy conocidos. Ahora Buster (Matthew McConaughey) tiene pensado estrenar un espectáculo sin precedentes en la Crystal Tower Theatre en Redshore City. Pero el poderoso empresario a cargo de montar el espectáculo es despiadado y solo lo han convencido de darles un oportunidad a Buster y su pandilla porque le prometieron que tendrían a la leyenda del rock, el león Clay Calloway (Bono) como parte del show. Es una carrera contrarreloj donde habrá todo tipo de canciones, humor y algunas enseñanzas. Si la ven en inglés las voces son un casting fuera de serie. Si la ven doblada, no. La película es un eficaz producto demagógico que no aporta novedad alguna, pero las canciones son buenas y algunas interpretaciones son aceptables. Algunos chistes son graciosos y nada más. Fácil para pasar el rato si uno tiene una exigencia muy baja y aun más fácil de olvidar. Secuelas son secuelas y esta película es la confirmación de todos los lugares comunes. Definitivamente no está a la altura de la original.
Las historias de los grandes clásicos que estuvieron a punto de no llegar a buen puerto son siempre interesantes. Cuanto más grande es el clásico, más absurdo se ve todo en retrospectiva. La dolce vita (1960) es uno de los grandes títulos del cine italiano de todos los tiempos y pensar que tuvo problemas para realizar hoy es sorprendente, pero no tanto cuando ve este documental. La película no es solo una forma de recuperar el film de Federico Fellini, sino principalmente la de su productor Giuseppe Amato. Fellini tenía ya una trayectoria espectacular y dos de sus films, La Strada y Le notti di Cabiria habían ganado el Oscar a mejor película extranjera. Sin embargo, su nuevo proyecto no era mirada con total confianza y fue justamente su productor quien tuvo que conciliar los intereses del director con los del otro productor del film, Angelo Rizzoli, encargado de la distribución. El documental tiene testimonios, muchos anteriores a su realización y un material de archivo interesante donde se destacan las cartas entre Amato y Fellini, testimonio fundamental para entender las tensiones del proyecto. Para que no se trate de un documental común, el director Giuseppe Pedersoli reconstruye escenas donde se lo ve a Giuseppe Amato mirando La dolce vita y tratando de resolver el dilema que tiene delante suyo. No son escenas particularmente inspiradas, pero si tenemos en cuenta que el director es nieto del mencionado productor, entonces todo cobra un sentido más emocionante. Hay que agregarle la presencia de Carlo Pedersoli, padre del director, más conocido por su nombre artístico internacional: Bud Spencer. Aunque no hay mucho vuelo más allá de lo contado aquí, la película tiene cosas muy bellas, en particular los testimonios de personajes menores, no los más grandes, que viven con la felicidad de haber formado parte de una de las cumbres cinematográficas de todos los tiempos. Películas de verdad, obras de artes que trascendieron, logros definitivos.
King’s Man: El origen (The King’s Man, 2021) dirigida por Matthew Vaughn es el tercer film de la trilogía comenzada con Kingsman: El servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014) y continuada por Kingsman: El círculo dorado (Kingsman: The Golden Circle, 2017). Tres films que difícilmente puedan ser tomados como una unidad, porque esta precuela destruye y traiciona el espíritu de los primeros dos films. King’s Man: El origen es un drama ambientado en los días previos a la Primera Guerra Mundial. Un alegato antibelicista que crítica el colonialismo británico y discute el patriotismo del Reino Unido. Un relato solemne que evita hacer chistes o generar situaciones simpáticas a lo largo de gran parte de sus dos horas de duración. Quien conozca y disfrute de los dos films anteriores tal vez crea que esta descripción del nuevo título es imposible. Pero lamentablemente es así. Pasan los minutos y no hay nada que se parezca al espíritu de los films de Kingsman. Asumimos que el prólogo ambientado en Sudáfrica en 1902 es dramático para ponernos en clima, pero no. La bajada de línea política antibritánica asoma su nariz por primera vez allí para cerrar con una promesa de pacifismo por parte de un marido a su esposa que por supuesto será difícil de cumplir, ya que luego pasamos al contexto que ya anunciamos antes. El espectador que pagó la entrada para ver más de ese humor provocador y esas adorables escenas de sangre y locura que caracterizaron a los otros films, tardará en notar que todo ha cambiado. No hay más chistes, no hay más simpatía, no hay nada que hacer para salvar la película que ha decidido ir en dirección contraria a su esencia. A medida que pasan los minutos cobra algo de vida al usar personaje históricos y deformarlos para estar al servicio del guión. Cuando se vuelve irresponsable y atrevida, algo de la simpatía original parece cobrar vida, pero luego retrocede para generar golpes bajos absurdos y forzados. Promete un misterio que no es tal, al ocultar un villano que es más que obvio. Solo dos escenas de acción funcionan un poco, pero están pobremente ejecutadas. Es raro, porque el director de los tres films es el mismo. Pero King’s Man: El origen tiene un problema más complicado y es que no se sabe quien es el protagonista. Ralph Fiennes interpreta a Orlando Oxford, un duque que ha sido condecorado en su paso por el ejército. Intenta que su hijo Conrad (Harris Dickinson) no siga sus pasos, ya que le ha prometido a su madre que lo alejaría de la guerra. Orlando y Conrad se disputan ese protagonismo en la historia pero no queda muy claro hacia donde va el relato. Esa confusión hace que toda la película esté algo fuera de tono, buscando un centro. Más interesante son los personajes secundarios, aunque son desaprovechados por la falta de humor del guión. Los disparates históricos pueden hacernos creer que se trata de una parodia. Pero Orlando Oxford bajando línea todo el tiempo rompe cualquier esperanza de que la ironía sea lo que anime el espíritu del film. Es normal que el primer film sea el mejor, pero es muy raro el cambio de tono y género que se acá. El potencial era extraordinario, el resultado es lamentable. Es una película mediocre, pero sabiendo como son los dos títulos anteriores, es realmente un insulto.
Sexo desafortunado o porno loco (Babardeala cu bucluc sau porno balamu, Rumania, 2021) es una película original, que más allá de sus discutibles decisiones estéticas, es diferente a lo que en este año se ha podido ver en las pantallas grandes y chicas. La originalidad no lo es todo, y tampoco es que la película sea del todo única, es el entorno aplastado del cine actual lo que hace que uno le preste más atención. No es poco, no es suficiente. La protagonista de la película es Emi, una profesora que se graba teniendo sexo con su marido pero cuando mandan a reparar su computadora, esas imágenes son robadas y subidas a una página web de pornografía amateur. La difusión del video la afectará a ella y generará un revuelo en la comunidad educativa a la que pertenece. La película, con mucha inteligencia, con el video de sexo casero, completo. Es la mejor manera de que todos sepan, de ahí en más, de lo que se habla. Luego sigue a la protagonista por la ciudad durante treinta minutos. Es una mirada casi documental donde la vemos hablar por teléfono y hacer diferentes cosas mientras una ciudad ruidosa, violenta y fea la rodea. Los ruidos son insoportables, la gente es mala y todo es una mezcla de hostilidad y aburrimiento. Una búsqueda estética algo estirada, por cierto. El segundo bloque parece ser una enciclopedia de la condición humana. Una especie de diccionario de hechos, situaciones, cosas y definiciones de lo más variadas y absurdas. Material de archivo, fotos, fragmentos de programas de televisión, poemas y reflexiones de todo tipo. Divertido, sin sentido aparente, simplemente alejarse mucho, mostrar el mundo y luego volver a la protagonista. La parte final es la reunión de padres donde discuten si la profesora debe seguir en su cargo o debe ser expulsada. Otros treinta minutos de argumentaciones varias. Algunas graciosas, otras obvias, de lo espontáneo a lo completamente escrito, como si fuera un libro leído en voz alta. Algunos trazos gruesos muy tontos, aunque le daremos un margen de error al humor rumano, que es raro y poco gracioso. Se podría emparentar este film con cineastas de otras épocas y autores varios. El director sabe el marco teórico que lo trajo hasta acá. Pero en el sentido puramente cinematográfico, lo que quiere contar no es un largometraje, por eso inventa todo un show perteneciente a otro. Todas las semanas se estrena una película a la que todos consideran la mirada más inteligente sobre las redes sociales. La verdad es que una vez por día debe ver la luz una película que lo hace, tal vez muchas más. Hoy es el nuevo lugar común. En cuanto a las discusiones que la película ofrece, están charladas, pero no resueltas. La humorada final de la película es decir que todo es un chiste absurdo y tirar la pelota afuera.
El aro: Resurrección (China, 2020) utiliza en su título en castellano la palabra excusa para decir que ahí vamos de nuevo. ¿Por qué seguir viendo estas cosas? Las fórmulas agotadas a veces logran encontrar una vuelta de tuerca que las hace revivir. Por alguna extraña situación hace mucho tiempo que nos ponemos a felicitar a quien se escapan de lo que parece un callejón sin salida en lugar de ignorar el enésimo intento de ir por el terreno seguro de lo probado comercialmente. Deberíamos empezar a considerar seriamente la posibilidad de ignorar estos intentos y si nos perdemos un film decente, mala suerte, porque en general siempre nos moveremos en una mediocridad con pocas excepciones. La película tiene un par de ideas de base que son su única razón de ser y al mismo tiempo la novedad que nos llevaría a prestar atención. Para empezar la película es China, no japonesa, con lo cual la serie de El aro se vuelva insiste en su periplo mundial, luego de sus pasos por Estados Unidos y Corea del sur. La historia se sitúa en una ciudad al sur de China, allí una joven llamada Tang Jing encuentra una historia web, escrita por un grupo al que ella solía pertenecer. En ese relato aparece un nuevo capítulo de autoría desconocida. Todos los que lo leen comienza a fallecer y sus muertes se incorporan de manera misteriosa al relato web. Y eso es todo, ahí termina el interés y la curiosidad, todo lo demás es rutina y lucha por convertirse en un producto digno. El objetivo no se consigue y el espectador perdió noventa minutos de su vida.
Secuela de la película italiana 10 días sin mamá (10 giorni senza mamma, 2019), que a su vez era una de las cuatro remakes oficiales de Mamá se fue de viaje (2017), comedia argentina dirigida por Ariel Winograd. En esta secuela toda la familia se va de viaje con mamá, dejando Italia y yendo hacia el norte en una motorhome. A ella le han ofrecido un puesto en Suecia y todos la acompañan por las rutas nevadas mientras se acerca la Navidad. En el camino se encuentran con un hombre vestido de Papá Noel que dice ser el verdadero Papá Noel y no alguien que lo está interpretando. Si la primera película ya estaba agotada, la segunda pelea para obtener alguna risa mediante los chistes que los hijos de la familia producen. Pero el giro navideño le cambia el tono y el estilo. Esta clase de films muestra la búsqueda del cine de gran parte del mundo por buscar productos cómodos, mecánicos y taquilleros. Fabio De Luigi, el protagonista, es una de las estrellas de la comedia italiana actual. Es lo mismo que la película, cómodo, mecánico y taquillero. Con un poco de simpatía, pero con la obligación de cerrar la película con más sentimentalismo que diversión.
Gato vive con su hija adolescente Emma en una pequeña comunidad, en una granja aislada, sin acceso a tecnologías. Pero un día la joven, consigue un teléfono móvil y lo activa, haciéndose visible al mundo. Luego de que eso ocurre, abandona la granja. Gato sale a buscarla junto a su amigo Sombra, con quien diecisiete años atrás tuvieron una rara aventura con una secta. Emma podría estar en manos de esta gente y deberán rescatarla antes de que sea demasiado tarde. La película tiene ambición. El realizador demostró este año con otro film, Sola, que era capaz de crear mundos originales e interesantes. Pero aquí arma un universo que no es ninguna de las dos cosas. Qué tiene una posible influencia de realizadores como Jean-Pierre Jeunet o Terry Gilliam. Ya estos dos directores son famosos por no tener un trazo fino, imaginen una copia no lograda de ellos. No solo falla en su construcción de un imaginario, sino que el elenco está completamente fuera de tono. La presencia del prolífico Danny Trejo es una especie de lujo para el cine argentino. Digo especie porque tampoco es el más exquisito de los actores a la hora de elegir proyectos. Habla en español con acento y le cuesta bastante verse espontáneo. Después hay un grupo de actores cada uno trabajando en su propia película, Maite Lanata hace un rol de televisión, Rita Cortese procura no alejarse de sus propios lugares comunes y también están Luis Machín y Miguel Ángel Sola. Tal vez es injusto no destacar ciertos trabajos, porque en su búsqueda independiente de actuar sin dirección alguno logra generar algo. No Luis Machín, que quede bien claro. Tampoco la película de tan descontrolada y fallida se vuelve simpática. Lamentablemente se queda atrapada y no logra despertar ese encanto inesperado de las obras menos dignas. Con dos películas estrenadas y una por venir en el 2022 llamada Lennons, José María Cicala parece ser un realizador del que se puede esperar cualquier cosa. Todavía no es un elogio esto, pero podría serlo en el futuro. Mientras tanto en su filmografía La sombra del gato queda como la mala y Sola como la interesante.
Matrix: Resurrecciones (Matrix Resurrections, 2021) es la cuarta entrega de la serie de películas iniciadas en 1999. En el film inicial parecía haber algo revolucionario e innovador, pero aunque no todos la consideren una película de tal importancia, sí queda claro que instaló una estética que marcó a una buena parte del cine posterior. Las dos secuelas buscaron ir mucho más allá y en el camino encontraron muchas cosas, aunque también perdieron todo lo importante. Esta cuarta parte tomó nota muy en serio de todo aquello en lo que las secuelas fallaron, particularmente en la parte visual y los efectos visuales. Matrix Resurrecciones arranca con un juego de autoconciencia muy particular. Colocando a Matrix como una trilogía de videojuegos de la cual Warner Brothers, según le cuenta su socio Smith, busca hacer una cuarta parte. El creador de esos juegos es Thomas Anderson (Keanu Reeves), un hombre que tiene problemas para diferenciar la realidad de sus sueños. Va a un terapeuta (Neil Patrick Harris) que intenta guiarlo mientras le indica que tome unas pastillas azules. Pronto un grupo encabezado por Morpheus lo encontrará e irá a buscarlo. Por otra parte, Thomas/Neo se cruza en una cafetería con una mujer llamada Tiffany (Carrie-Anne Moss) a la que cree recordar de algún lado. Esta cuarta parte se mueve en diferentes niveles y discursos. Así como el film de 1999 fue un éxito de público, pero también de artículos que analizaban los textos y teorías detrás del guión, aquí se repite esta idea de ser un entretenimiento profundo y de un nivel superior al resto. Antes era más sutil, ahora es directamente una fanfarronada. Pero le daremos el beneficio de la duda a la directora Lana Wachowski y pensemos que también se burla de esa profundidad. De hecho se ríe de las secuelas y de los comités que las arman pero allí está ella, al frente de una cuarta parte. También coloca a un personaje de los films anteriores a gritar contra los tiempos que corren y la falta de originalidad y personalidad en las historias. No es que no tenga razón, es que justo lo hace en Matrix Resurrecciones una secuela que no tiene mucha razón de ser y que parece saberlo. Es ahí donde hablamos del beneficio de la duda. Tal vez no se trate de una película pretenciosa, sino más bien cínica. La escena al final de los créditos muestra ese hartazgo con el cine y los videojuegos. Tal vez si la película fuera eso, un juego de ida y vuelta con la propia trilogía y una parodia de sí misma, hubiera sido interesante. También hubiera sido un fracaso, porque la idea acá era hacer un espectáculo imponente. Al no elegir una sola cosa, también fracasa en los momentos de acción. No hay nada nuevo y tampoco hay una escena como la de la autopista, lo mejor de las secuelas. La pareja protagónica, por suerte, mantiene el carisma de siempre, aunque no sea aprovechado. Recién al final Lana Wachowski parece reencontrarse con su propia identidad, poniendo un desenlace que es lo más emotivo, personal, divertido de la película. Neo y Trinity, eso es lo que todos queríamos ver, igual que Lana, pero nos los escatiman demasiado y nos hacen recorrer la versión aburrida y sin gracia de todo lo que ya conocíamos.