Spider-Man: Sin camino a casa es una película hecha para los fans. Todas sus virtudes tienen un vínculo directo con conocer los films anteriores, incluso tener bien presente el inmediatamente anterior a este. Si un film es lo suficientemente popular como para que la mayoría de su público sea fan, entonces no hay problema, ya que la película estaría hecha para millones de personas que la disfrutarán de punta a punta. El mundo ya ha descubierto que Peter Parker es Spider-Man. Esto le genera admiradores y detractores, ya que muchos no lo ven como un héroe. La vida de Parker se complica, así como la de su novia y la de su mejor amigo. Desesperado, recurre al Dr. Strange para ver si puede resolver esta situación que le hace imposible la vida. Pero la solución parece peor que el problema y allí comienza el conflicto principal de la película. Peter Parker comete errores y deberá aprender de ellos. Sus conflictos son algo menores si se los compara con lo que se ha visto en el mundo Marvel de los últimos años. Es un poco forzado y bastante absurdo como se llega al conflicto, pero hay que aceptarlo porque la fiesta empieza allí. Como decía, todas las alegrías y tristezas de la historia están hechas para los fans. Para los demás son diálogos sin mucho sentido y momentos de profunda emoción incomprensibles para el resto de los espectadores no iniciados. Pero alguien que no sea fan e igual conozca los films se encontrará con emociones muy prefabricadas y momentos de humor que consiguen tres o cuatro escenas verdaderamente luminosas. Curiosamente, algunas situaciones de humor tienen más emoción que los momentos dramáticos. Ojalá la película se hubiera instalado allí A esta altura las escenas de acción de las películas de superhéroes se parecen todas. Esta no es la excepción. No está mal elegir uno de ellos e ignorar el resto, porque el género tiene para todos los gustos y estilos. Spider-Man ha ido cambiando a lo largo de los años pero sus admiradores saben que clase de personaje es. Para ellos, y solo para ellos, está hecha está película.
Hacer un documental sobre las Islas Malvinas en Argentina siempre es un desafío peligroso. No hay posibilidad alguna de abrir el debate, solo de discutir diferentes aspectos de la guerra, pero de las islas no se puede decir nada. ¿Se puede encontrar un equilibrio o encontrar una nueva mirada? Las Falkland Islands versus las Islas Malvinas son lo que le dan el nombre a esta película: Falklinas. La promesa de entender que hay dos puntos de vista ya coloca a este documental por encima del noventa por ciento del cine argentino que ha tocado el tema. Santiago Isler entra al tema a partir de un grupo de personas cuyas vidas fueron afectadas por el Conflicto del Atlántico Sur, lo que los argentinos conocemos como la Guerra de Malvinas. Así aparecen las historias de Simón Winchester, Rafael Wollmann, Laura Mc Coy, Andrew Graham Yooll y Osvaldo Ardiles. Algunos son famosos, otros no, todos vieron cambiados sus caminos a partir de algo que no pudieron elegir. No necesariamente es un film antibélico, otro lugar común, sino una reflexión sobre las infinitas ramificaciones que tienen los hechos históricos. La película busca también ser dinámica, divertida, a veces se esfuerza demasiado por ser original, pero no cae en todas las trampas que el tema le plantea. Tiene buen material de archivo y, lo más importante, aporta información nueva e interesante.
Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar. El fantástico hallazgo se convierte en alarma cuando descubren su verdadero tamaño y el hecho de que se estrellará contra el planeta, destruyéndolo por completo. Con una premisa contundente y clara, muy parecida a la gran cantidad de films de cine catástrofe, la película despliega una sátira acerca de la Humanidad, los políticos, los medios y el estado actual de las cosas. Juega a muchos niveles al mismo tiempo, apuntando en diferentes direcciones, tratando de mantenerse equilibrada entre el humor y la denuncia, un terreno siempre pantanoso del cual es complicado salir airoso. Tan difícil es la apuesta que la propia película acierta y falla por partes iguales. Pasa de un gran chiste a un subrayado lamentable. De una actuación brillante a un papelón actoral. Por momentos se parece a ¡Marcianos al ataque! (1996) pero luego busca hablar en serio. Fluctúa entre la pedantería de Dr. Strangelove (1962) y la desesperación de Network (1976). Incluso las dos escenas después del final caen en lo mismo, chistes tontos mal ejecutados, pero realizados por uno de los mejores directores y guionistas del cine contemporáneo. Adam McKay debutó en el largometraje con El reportero: La leyenda de Ron Burgundy (The Legend of Ron Burgundy, 2004) una de las mejores comedias de la historia del cine, y por lo tanto, una de las más graciosas. Le siguieron Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby (2006), Step Brothers (2008) y The Other Guys (2010), todas protagonizadas por Will Ferrell. En el 2013 repite su mejor película al dirigir Al diablo con las noticias (Anchorman 2: The Legend Continues) otra obra maestra y la mejor sátira sobre los noticieros de televisión jamás realizada. Conforme con esta etapa de su carrera, McKay se lanza a proyectos más serios y ambiciosos y obtiene reconocimiento instantáneo. La gran apuesta (The Big Short, 2015) y Vice (2018) muestran todo lo bueno que puede ofrecer, en el primer caso, y todo el desastre que puede producir cuando se desespera por bajar línea, en el segundo. No mires arriba (2021) parece caer más cerca del segundo grupo que del primero, aunque intenta una narración clásica y fluida y su contenido político no da nombre y apellido, no está basada en hechos reales. La película primero recorre los chistes sobre redes sociales que todos conocemos. Las estrellas bobas que se divorcian y producen más interés que el destino de la humanidad, los empresarios tecnológicos que se transforman en personas cada vez más poderosas, las grietas que hacen que todos desconfíen del otro. Pero detengámonos en la pareja de presentadores de noticias, interpretados por Cate Blanchett y Tyler Perry. Son la versión realista pero satirizada de los protagonistas de Anchorman. La película hace chistes pero los quiere dejar del lado real de la vida, perdiendo gran parte del humor y resignando muchos apuntes inteligentes. Y acá está la clave: Adam McKay no confía demasiado en la inteligencia de quien va a recibir la película y busca hacer pie permanentemente. Sin llegar al mesianismo del mencionado Stanley Kubrick, no se anima a darle al espectador un producto completamente sofisticado. No se puede reír de todo y allí encuentra los límites de su película. Por otra parte, la película funciona mucho mejor con sus dos protagonistas. Las actuaciones y los personajes de Di Caprio y Lawrence son divertidos, interesantes, contradictorios y carismáticos. Y no creo que sea un error, de la misma manera que destruye las actuaciones de Meryl Streep (la presidente) y Mark Rylance (el millonario tecnológico) por miedo a que alguien los quiera, pone en los dos científicos su corazón y logra su mayor triunfo. Jonah Hill está perfecto porque es horrible y gracioso a la vez, en su rol de hijo estúpido, malo y drogadicto de la presidente, ocupando un poder que hereda pero para el que no está a la altura. La película empieza con una narrativa poderosa, arriesgada aunque fácil de seguir, golpeando contra lugares comunes y luego acomodándose poco a poco hasta encontrar su tono. Pierde ritmo al final, cuando se acelera y aconsejo a los espectadores ni acercarse a las dos escenas post créditos. Lo mejor de No miren arriba es su capacidad de generar una cierta angustia sutil que algunos no llegarán a ver y otros notarán desde el vamos. Entre tanto descontrol, actores famosos y temas que toca, algo queda flotando en el aire y surgen preguntas genuinas acerca de dilemas existenciales. La película tal vez es demasiado grande para que sean profundos, tal vez la realidad que vivimos lo es aún más. Las cosas simples pueden ser también muy menores con respecto al destino de la humanidad, y aun así no dejan de ser el sentido de todo. Se complica evaluar una película tan despareja, pero a la vez se agradece la oportunidad de pensarla desde distintos lugares. Es mejor una película con fallas y ganas que una obra prolija que acierta en todo pero tiene solo objetivos de mínima. Aun así, no dejen de ver los dos films de Anchorman, porque eso es arte con mayúscula.
La oferta excesiva y en general irrelevante del cine argentino tiene cada cierta cantidad de tiempo una excepción. Películas que no son conocidas pero que muestran el talento y las posibilidades de muchos nuevos cineastas. El perfecto David es un buen ejemplo de ese cine que existe y merece ser diferenciado de la mediocridad general. El protagonista de la película es un adolescente está obsesionado con su cuerpo. Entrena día y noche en su casa y en el gimnasio. No está solo en esta obsesión, su madre respalda ese camino y lo supervisa permanentemente, fascinado por la figura de su hijo al que intenta convertir en una obra de arte, como la que ella misma como artista plástica está buscando. La relación madre e hijo es rara, ambigua, el contacto físico que juega al límite, la idea del hijo como una obra de ella, en más de un sentido. Pero él intenta tener además una vida, salir con chicas, probar un mundo fuera de esa claustrofóbica relación con su mamá. El realizador no se conforma con filmar este perturbador vínculo como quien ilustra un guión, sino que hace un trabajo de cámara que aporta desde la imagen, no desde los diálogos. Toda la película está reencuadrada de forma muy clara. Los personajes habitan en una parte del cuadro mientras que el resto está oscuro, fuera de foco, alejado. El espectador siente esas viñetas donde hijo y madre se aíslan, se obsesionan en un mundo que se vuelve oscuro e incluso peligroso. La película tiene pocos elementos pero les saca el máximo provecho. Una prueba más de que hay cineastas y películas argentinas que traen algo nuevo e interesante.
Film póstumo del realizador Pino Solanas, fallecido en el año 2020. Doblemente fantasmagórico, para citar a Horacio Quiroga, ya que otro de los protagonistas, Tato Pavlovsky murió en el año 2015. Tres viejos amigos se reúnen para charlar sobre el arte, la vida, la amistad y la muerte. Ellos son el pintor Luis Felipe “Yuyo” Noé, el dramaturgo y actor Eduardo “Tato” Pavlovsky y el realizador Fernando “Pino” Solanas. El núcleo del film es una amena charla familiar donde ellos son el centro. Toman un vino, comen una picada y miran su vida en retrospectiva. A ellos se le suman sus hijos, los tres artistas y amigos entre sí: Gaspar Noé, Juan Solanas y Martín Pavlovsky. En la forma en la cual se suceden estas escenas iniciales queda claro que hay algo planificado y algo improvisado, algo pactado y algo no del todo aclarado. El cine documental tiene muchos ejemplos de despedidas. Alejado hace muchos años de la ficción, Solanas se venía dedicando al documental político. En paralelo, ahora lo sabemos, planificaba este trabajo. Hay elementos políticos acá también, pero más como parte de algo autobiográfico. Lo que prioriza es un recorrido por la obra de los tres artistas. Tal vez Solanas debió haber hecho un documental sobre sus amigos, porque lo más fallido es cuando realiza su propia biografía, un momento algo incómodo con un nivel de autoindulgencia bastante bochornoso. Jamás se hará un documental sobre él que muestre sus contradicciones o sus errores, algo que sería más justo con su figura a lo largo de los años. No se practica en Argentina el documental crítico de los artistas, mucho menos si están vinculados con el peronismo o la izquierda. El último que criticó a un artista fue el propio Solanas en La hora de los hornos, furioso con Manuel Mujica Láinez en un largometraje donde exaltaba la figura del Che Guevara. En su último film, Solanas despide a un amigo y se homenajea a sí mismo. Lo primero es noble y hasta emocionante, lo segundo es innecesario. Tampoco queda muy claro porque la película se desvía y se va con los hijos a Paris. Acá se repite la idea de que el exilio forzado convierte a cualquiera en una persona de una casta superior, igualando a genios y a mediocres sin problema. Los hijos de estos tres artistas no parecen tan preocupados por ubicarse en el rol de víctimas y a todos se los ve muy bien. Casi al terminar la película Solanas apunta sus dardos contra el neoliberalismo, mientras añora sus sueños de una revolución. Tal vez por eso murió en la bella ciudad de Paris, lugar que eligió para el exilio durante tantos años.
En la escena inicial, la protagonista del film aparece cantando la canción Pronta entrega, que fuera popularizada por la banda Virus. Es una escena incómoda, ya que la falta de simpatía y la horrible interpretación que destroza el tema, ubica al espectador en un lugar de distanciamiento insalvable. De ahí en más no habrá forma de que nos caiga bien ese personaje. Luego se hundirá más, por lo cual uno imagina que la directora la eligió por eso, por su incapacidad de transmitir algún tipo de emoción o humanidad. Un personaje endeudado siempre ofrece drama, pero no aquí. Está claro que hay una intención en esa construcción, pero la película deambula por esa historia y otras y no consigue hacer pie en ninguna. Ese camino de retorno que emprende la protagonista no genera nada. El cine argentino tiene docenas y docenas de títulos como este al año, películas que nunca lograr encontrar el rumbo, ni el público, pero que ahí están, en un camino difícil de precisar. Imposible recordarlas y, en muchos casos, encontrarlas luego de su estreno. Un cine efímero, invisible, que sumado da una escalofriante cifra. El cine nacional, el cine argentino, es un fantasma. Películas que van a ninguna parte.
Emily Elizabeth es una niña de sexto grado que sufre la discriminación en la escuela. Ama a los animales y a la naturaleza, por eso cuando en el parque aparece una misteriosa carpa con animales rescatados acude inmediatamente. El dueño del lugar le ofrece un perro rojo que han encontrado suelto y sin dueño. Se trata de un labrador retriever rojo, lo que lo hace diferente a cualquier otro perro. Como Emily, es único pero adorable. La madre de la pequeña está afuera por razones de trabajo y debido a eso el tío Casey, que debe cuidarla, cederá y aceptará que se lleve al perro. Al otro día, la sorpresa será enorme, como Clifford, que ha crecido de manera insólita. Clifford nació en formato de libros, luego fue una serie de animación y ahora es película. Para los niños tendrá indiscutible simpatía, pero no va más allá de eso. La animación del perro es mala cuando en pequeño y solo aceptable cuando es gigante. Demasiados planos de reacciones de personas hacen que la película tenga una narrativa muy torpe y estática. Está claro que un plano sin efectos visuales es más barato, por eso se los ahorran y se completa la escena con caras que parecen filmadas otro día. Los chicos disfrutarán los chistes pero también sufrirán algunos momentos un tanto inquietantes. Y ya se sabe, el sufrimiento solo es aceptable en las grandes películas y Clifford no es una de ellas.
La maestría de Steven Spielberg se ratifica en esta versión de Amor sin barreras (West Side Story) que supera ampliamente a la original, mostrando qué la genialidad del realizador está a la altura de los más grandes maestros. El musical de Leonard Bernstein, Stephen Sondheim y Arthur Laurents, música, letra y guión, respectivamente, merecía una mejor adaptación cinematográfica, una que se desprendiera de su raíz teatral y explotara las posibilidades que esas canciones extraordinarias le daban. Steven Spielberg hizo exactamente eso y creó un nuevo clásico del musical, con algunas secuencias que ya nacieron para instalarse en la memoria cinematográfica. Esta versión muy libre de Romeo y Julieta está ambientada en la Nueva York de la década del cincuenta, en el West Side de la ciudad. Al inicio se ve que se están haciendo demoliciones para construir el Lincoln Center y es en esa zona que parece territorio de guerra, es donde transcurre la historia. A Steven Spielberg le alcanza y le sobra el comienzo para mostrar que la teatralidad del film anterior acá no se está. El director se atreve a construir nuevamente la ciudad, como si estuviera filmando en aquellos años, algo que otorgará algunos momentos tan deslumbrantes como asombrosos. Qué fácil es para Spielberg entrar en el mundo del cine, que sencillo se ve en sus manos el oficio de cineasta. No hay una sola escena que no sea puro cine. La versión de 1961 tenía demasiados artífices. El estudio, la censura, el coreógrafo genial y el director-productor mucho más práctico. Es sabido que Jerome Robbins fue echado del rodaje porque su minuciosidad era inaceptable. Y fue Robert Wise quien completó la película. Ambos ganaron el Oscar, aunque en realidad fue un premio al musical de Broadway más que a la película. Nueve premios, en una ola de amor por el musical que marcó el final de la edad dorada de Hollywood. West Side Story tenía música y letras modernas, aunque se veía como de la década del cincuenta. Las escenas filmadas por Robbins son un ballet espectacular, pero el estudio tenía razón, no iba a poder sostener eso por dos horas y media. Wise era más práctico y las coreografías de Robbins seguían allí, el problema era que fuera de los números musicales todo se veía muy acartonado, falso, definitivamente no cinematográfico. Las canciones eran irresistibles, algunas de una perfección jamás igualada. Ahora Spielberg usa esas canciones, las explota perfectamente, realiza cien cambios que no alteran el corazón de la historia y entrega una película completamente nueva. Aun conociendo el film original, lo que se ve acá es definitivo. Es verdad que una remake en manos de un genio es como tomar un primer borrador y corregirlo, pero Spielberg hace más que resolver tres o cuatro escenas imposibles de la versión de 1961. El director entiende que hay conflictos que fueron postergados y le agradece a la versión anterior adelantarse con algunas cosas, como el personaje de Anybodys, que acá recibe el espacio que con mucha osadía intentaban ubicar en la década de sesenta. Si la primera película respetó los paradigmas de esta época, la nueva también lo hace, con más aciertos que la original, consiguiendo un resultado intachable. Las coreografías del inicio de Amor sin barreras (1961) eran perfectas. Spielberg decide ser mucho más cinematográfico y que todo fluya de manera más realista, aun siendo un musical. Prefiere dejar los momentos coreográficos para más adelante. Sabe que la teatralidad ya no es aceptable. El punto es que todo en el director está coreografiado. Su cámara siempre se mueve con un ritmo y el montaje, siempre con su antiguo colaborador Michael Kahn (acá junto a Sarah Broshar, parte del team desde hace años), tiene la perfección milimétrica de todo su cine. Ver su trabajo es ver cine. Cómo consigue que cada posición de cámara sea perfecta y funcional, como narra con una claridad y un ritmo únicos, como si fuera el único capaz de entender de que se trata el cine. Parece exagerado, hasta que uno ve el resto de lo que se hace actualmente. Otro de sus colaboradores, el director de fotografía Janusz Kaminski, hace magia. Los exteriores se ven como los de un film de la década del cincuenta. Sí, con efectos especiales, vestuario y dirección de arte, pero se sienten de aquellos años por la luz, un trabajo aun más sorprendente. La historia es la misma, no hay que contarla. El final es mucho mejor, sin tampoco anticiparlo, y el elenco claramente está mejor que su antecesor. Spielberg hace que los actores parezcan nuevas estrellas, aunque algunos ya tienen experiencia, y que uno los imagine nacidos para el papel. Están bien en las partes musicales, pero también fuera de ellas, lo que también le hace ganar distancia con los de hace sesenta años atrás. Una escena, sin embargo, se lleva todos los laureles, aún en este conjunto magnífico. La canción América, una de las más sofisticadas y divertidas de todas, tiene una puesta en escena que tiene todo el impacto de la película original y la nueva en un solo número. De pronto, como suele ocurrir en Spielberg, toda la pantalla cobra vida, todo es posible, las imágenes se adueñan del mundo y pasamos a un nivel como espectadores que nadie más consigue hoy. Su cine es uno de los pocos que logra emocionar por la construcción visual, no porque la escena sea para llorar o dramática. Dan ganas de aplaudir cuando termina esa escena. Si alguna vez en esta era de streaming nos olvidamos del cine, de nuestro amor por la pantalla grande, ver Amor sin barreras será el antídoto perfecto. Aun se me pone la piel de gallina al recordar ese número. Ese es el cine. Y ese es, sobre todo, el cine de Steven Spielberg. Gracias por tanto, maestro.
Resident Evil (1996) es uno de los más importantes videojuegos de la historia. Cuando en el 2002 se realizó la primera adaptación cinematográfica, dirigida por Paul W. S. Anderson y protagonizada por Milla Jovovich, la respuesta fue positiva, iniciando una saga que llega hasta hoy. Los films de Resident Evil conforman la más exitosa saga de films basados en videojuegos y su popularidad nació bien desde abajo, creciendo a lo largo de los films. Las películas varían en su calidad, pero la idea de base y su protagonista las hacían siempre atractivas y divertidas. En Resident Evil: Bienvenidos a Racoon City (2021) es el comienzo de la historia y tiene todos los ingredientes que los seguidores de los juegos y las películas esperan. Su estética es menos inspirada que la que vimos en los films de Anderson, pero todo el conjunto se ve más cercano a los juegos, llegando a tener más respeto por esas formas de las que tal vez hayan tenidos todos los títulos anteriores. Se sabe limitada y de segunda línea, pero tampoco se derrumba en escenas inservibles. Es menos aburrida que algunos de los tanques más grandes de Hollywood, lo que no es poco. Aun estando lejos de ser una gran película, su estilo es puramente cinematográfico. La protagonista, Kaya Scodelario, mantiene la tradición de heroínas fuertes de la saga y es una gran actriz de cine de acción.
Todos conocen a Venus y Serena Williams. Sus carreras extraordinarias son parte fundamental de la historia del tenis. Estas dos hermanas vienen haciendo historia desde hace mucho tiempo. También muchos conocen a su padre, Richard Williams, pero mucho menos. Su fama no va más allá del mundo del tenis. Rey Richard cuenta su historia, el trabajo minucioso y obsesivo que realizó para convertir a dos de sus hijas en las potencias más deslumbrantes del tenis mundial. Will Smith decidió producir este film protagonizado por él junto con la participación de las hermanas Williams como productoras ejecutivas. Es decir que se trata de una biografía completamente autorizada de la familia. Smith también tiene a su cargo el rol principal, imitando al padre de las tenistas, con un poco de sobreactuación, como buscando su Oscar. Nada grave, pero se nota que está actuando, haciendo un esfuerzo. Las actrices que interpretan a las hermanas, Saniyya Sidney (Venus) y Demi Singleton (Serena) son de un carisma tan natural que logran que la película recupere autenticidad más allá de su protagonista. Por otro lado, el guión resalta la figura de la madre, a la que le da al menos dos escenas de Oscar pero también de valoración en la educación de sus hijas, algo que otro film podría haber olvidado. Aunjanue Ellis, interpretando a Oracene Williams ya tiene su nominación en el bolsillo. Sin embargo, el gran mérito de la película consiste en que todos sabemos como termina y esto no impide que tenga emoción, incluso suspenso, en cada escena. Desde las calles del duro barrio de Compton, California, a los mejores torneos del tenis mundial, la historia de las hermanas Williams es conmovedora y sorprendente. Sus pocos recursos, el racismo del tenis, la falta de fe en ese raro padre, todo es puro drama. Richard es intenso, maniático y agotador, saber el final del camino lo hace tolerable y querible, porque si hubieran fracasado otra sería la historia. La película se esfuerza por mostrar un lado cariñoso y diferenciarlo de los padres que depositan sus frustraciones en sus hijos. La historia de la familia Williams merecía una película porque su drama tiene carácter cinematográfico. El lugar donde la película decide cerrar, también es inteligente y cargado de una enorme emoción. Su discurso es bien norteamericano. El esfuerzo, el trabajo y la dedicación, llegar hasta lo más alto por mérito propio y sin que nadie regale nada. En eso la película representa a la perfección el sueño americano.