Matías Piñeiro es una leyenda entre los críticos de cine. A pesar de tener una filmografía prácticamente desconocida en salas comerciales, ha sido valorado por los especialistas como pocos directores de cine de los últimos años. El romance entre sus películas y estos críticos sigue intacto, siendo Isabella tan festejada y elogiada como sus títulos anteriores. No me toca a mí ser parte de esa alegría comunitaria, al menos no con este nuevo film del director. El título alude a un personaje de la comedia Medida por medida en un nuevo trabajo de intertextualidad con la obra de William Shakespeare. Ejercicio aplicado en un formato minimalista que le copia algunos recursos a Bresson, otros a Rohmer, y nunca llega a ser ni Bresson, ni Rohmer, ni Shakespeare. Se notan las ideas en un cine que puede ser interesante en la teoría pero definitivamente no lo es en la práctica. Un film que funciona exclusivamente bajo el amparo complaciente de ciertos ámbitos pero que no está a la altura de los planteos. Su director parece estar haciendo una tesis sobre William Shakespeare, construida para el mundo académico, no para la pantalla de cine. El material parece interesante, pero su aplicación no. A pesar de parecer una versión moderna y libre, se escapa de la tradición para quedar atrapado en otra cárcel que limita a la película y la vuelve un objeto de estudio, no de disfrute. El personaje protagónico, Mariel, es interesante y todo el tiempo parece que la película encontrará el rumbo, pero no lo hace. Esta actriz en busca de un rol, entre el éxito y el fracaso, es una heroína interesante que, como la película, no termina de cerrar. El intencional distanciamiento del director produce un abismo entre la película y el espectador. Un film cuyo consumo no puede salir, ni por accidente, del mundo cerrado al que pertenece.
Una investigación sobre una supuesta transmisión paralela a la llegada del hombre a la Luna, captada por un radioaficionado de Avellaneda, lleva al director de la película a rastrear que hay de cierto y que hay de falso en aquel evento. La supuesta revelación que unos días más tarde el propio aficionado habría negado, aunque tampoco hay registro de ello. Teorías conspirativas, análisis de las imágenes, algo de delirio y un interesante margen para la ambigüedad con respecto a lo real y lo completamente inventado. La película por momentos no parece tener un rumbo claro y el final tampoco puede resolver lo que propone, pero esto más que un error parece una intención. La diversión está en el camino más que en el punto de llegada. Hasta llegar a ese momento todo resulta entretenido e interesante, y eso es mérito de quienes han hecho la película.
Roberto y Sonia son un matrimonio en crisis. En un día que debe ser de festejo, ella decide separarse. Comienza la pelea para dividir los bienes, pero un evento inesperado los reúne momentáneamente, lo que puede generar una reconciliación o un desastre de mayores proporciones. La película anterior de Sabrina Farji era un documental llamado Desmadre: fragmentos de una relación (2019). Vale la pena mencionarlo porque era muy gracioso, con muchos más momentos hilarantes que la comedia que estrena hoy. No hay nada que cause gracia en este caso, desde la escena inicial todo se ve falso, distante, con un timing imposible y con situaciones que delatan el armado. Es como si se viera el decorado, la orden de acción, las posiciones de los actores, elegidas por la directora. Felicitamos que hayan conseguido que la provincia de La Rioja se vea tan linda y digna de ser visitada, pero esta comedia no lo es. Es raro que alguien que pueda dirigir un documental con un gran sentido del humor no logre dar en la tecla cuando se trata de una comedia. Todo se ve como las películas argentinas de los noventa, donde todo se veía con una ausencia total de autenticidad. Las fórmulas podrán dar resultado en la teoría, pero en la realidad es muy distinto.
Para rescatar a Baba Yaga y Renfield de las garras de la cazadora de monstruos Mila Starr, la familia Wishbone se transforma una vez más en, un vampiro, Frankenstein, la momia y el hombre lobo. Con la ayuda de sus tres murciélagos mascota, la Familia Monstruo vuelve a recorrer el mundo para salvar a sus amigos. Aparecen grandes monstruos como Nessie del Lago Ness y el Abominable hombre de las nieves. Es decir que ponen todo lo que tienen acá. Producto mediano, con muestras de desgaste, con arranques de diversión y momentos de pura rutina. Es complicado sostener un producto tan mecánico que copia a tantos otros que ya hemos visto. No hay nada nuevo bajo el sol, pero acá todo se ve aún menos nuevo. Los chistes actuales para las nuevas generaciones se ven tan forzados como ridículos. Un film de animación de segunda línea con poco para ofrecer. Solo sirve como juego para ver quien reconoce más referencias, plagios y homenajes en lo que dura esta película.
En las montañas de Colombia vive la maravillosa familia Madrigal, lejos de todos, en una casa mágica situada en un enclave maravilloso llamado Encanto. La magia de la casita, como la llaman ellos, ha dotado a todos los niños de la familia un don único. Todos menos uno de los miembros de la familia: Mirabel. Pero tal vez la pequeña normal, la diferente de la familia, pueda ser la que salve a todos cuando la casa y el futuro de la familia estén en peligro. Otro colorido ejemplo de cine de Hollywood de explotación latina. Rindiendo homenaje a los estereotipos del continente, esta vez hacen una tonta caricatura de la cultura colombiana. Con canciones muy aburridas, con lugares comunes a granel y venerando lo latino aunque la película es en inglés. Eso sí, van mechando con palabras en castellano e incluso expresiones locales. Lo latino vende y este es otro ejemplo. Aburrimiento asegurado pero con muchos colores y chistes para nenes chiquitos con poco cine encima.
Ridley Scott es un cineasta raro. Su filmografía es particularmente ecléctica y amplia. No solo por la variedad de los temas y géneros de su obra, sino porque ha sido capaz de realizar obras maestras y bodrios infames. Este año estrena dos películas importantes, ambas son de época, pero mientras que una transcurre en el medioevo, otra está ambientada en el mundo de la moda en los años noventa. La casa Gucci gira en torno a hechos reales ocurridos dentro del clan familiar fundador de la conocida casa de moda. Un asesinato que conmovió a Italia y que tal vez no sea tan conocido en otros países. El centro de la trama es la historia entre Patrizia Reggiani y su esposo Maurizio Gucci (Adam Driver), nieto de Guccio Gucci, fundador de la empresa. La película busca retratar ese vínculo, las internas de la familia, los intereses empresariales externos y el contexto en el cual todas estas cosas ocurren. La casa Gucci funciona más en las escenas que en la totalidad. Lady Gaga es el corazón del film pero también su principal problema. Ella es magnética, atractiva en un sentido completo del término, pero también actúa y se nota. Al personaje extrovertido lo compone a la vista y eso hace ruido. Pide a gritos un Oscar que posiblemente le den. Ni hablar del siempre, pero siempre insufrible Jared Leto, otra vez apostando a ser un actor fuera de serie y logrando solamente ser un intérprete fuera de tono. Al Pacino y Jeremy Irons se divierten más, porque saben jugar en sus roles secundarios. Saben que su mejor época ya pasó y les queda el disfrute. Usan la historia de los Gucci para verse reflejados. Adam Driver, por supuesto, busca ser más sobrio, como era de esperarse. Por mérito de Scott o de los protagonistas, Driver y Gaga consiguen destellos de química muy sutiles, pudiendo ellos con su actuación explicar cosas que el guión descuida. La película tiene la suerte de que ambos hayan combinado adecuadamente. Algo de genuina sensualidad surge, de la misma manera que aparece en el vestuario, algo completamente esperable debido a la temática del film. Pero en su conjunto, La casa Gucci no termina de convencer y se ve como un film caro y algo barato a la vez.
Asalto a la casa de la moneda (Way Down, España, 2021) puede que se suba al éxito de una serie de streaming cuyo nombre no será dignificado escribiéndolo aquí. Desde ya que es mejor, el problema es que no llega tampoco a marcar la diferencia. El director Jaume Balagueré, el mismo que creó la gran película de terror Rec (2007), muestra oficio y habilidad narrativa. Pero este film de robo a banco inexpugnable no le aporta nada al espectador con cierta cantidad de cine encima. Thom Johnson, un brillante y joven ingeniero es reclutado para averiguar cómo acceder al Banco de España y su ultra segura bóveda con los más sofisticados sistemas de prodección. El objetivo es un pequeño tesoro que va a estar depositado en el banco durante únicamente diez días. Son solo diez días para hacer todo, la investigación, el análisis, la entrada, el robo y la fuga. No es cualquier época, la película transcurre en el año 2010 y España avanza en el Mundial de Fútbol de Sudáfrica. Ambas historias podrían terminar confluyendo en el centro de Madrid. Un elenco de habla inglesa se une a los actores españoles y todos dan lo mejor, nuevamente, mostrando mucho profesionalismo. Pero es imposible que un espectador no se acuerde de muchas películas anterior que ya trataron temas y situaciones parecidas. Y sí, también algunas series.
Sara y su niñera Yarisa tienen una relación que parece trascender su clase social: son lo más parecido a una hija y una madre, pero un accidente irrumpe en sus vidas y pone a prueba la inocente ilusión de que nada las separará. Esta coproducción entre República Dominica y Argentina camina por los ya conocidos caminos de la relación entre empleada doméstica y empleadores, como lo han hecho muchos films del continente, siendo el más famoso Roma, de Alfonso Cuarón. Pero a diferencia de ese interesante título, acá estamos frente a un clásico título al que no le importa si un solo ser humano paga la entrada para ver la película. Sus búsquedas estéticas, por momentos ambiciosas, por momentos fuera de cualquier interés, no le alcanzan para construir una película con interés u originalidad. Algo tan pequeño que solo puede existir en el mundo de los subsidios y los festivales, nunca más allá.
Taranto hace referencia a la ciudad mediterránea del sur de Italia donde ocurre el conflicto principal de este documental dirigido por Víctor Cruz. La película cuenta como la acería ILVA contamina el ambiente, generando un problema ecológico y sanitario que ha cobrado muchas víctimas. A pesar del año, hay un conflicto en el lugar y no todos están a favor del cierre. La película muestra esos dos puntos de vista. Carece del encanto y el estilo de los grandes documentales de denuncia. Digamos que no es Raymundo Gleyzer, por nombrar a uno. Pero Ruiz cuenta su historia con oficio. ¿Por qué esa historia sobre la fábrica italiana aparece en la plataforma Contar? No se sabe, pero la plataforma pública de contenidos audiovisuales tal vez merezca un documental que analice su contenido.
Samuel es un niño parapléjico que vive junto a su madre en una villa italiana, en una mansión alejada de la civilización. Ha sido convencido de que no debe dejar el lugar por ningún motivo. Ese entorno inquietante pero protector se verá trastocado cuando aparezca una asistente adolescente que pondrá en duda todo. La película mantiene el misterio gran parte de la trama y se desarma al final. Aunque es de origen italiano, lo único realmente identificable de ese país son los rostros, por el resto, parece un film de suspenso norteamericano, de esos que evitan el sobresalto fácil y apuestan a algo más sofisticado. Aun así, la película no consigue su objetivo de tener un final a la expectativa de lo que promete. La siguiente obra del director Roberto De Feo, llamada La clásica historia de terror (2021) se estrenó en Netflix y más interesante que este título.