Una joven amante de la moda viaja en el tiempo y termina en Londres en la década de 1960. Allí conoce a su gran ídolo, una cantante. Sin embargo, tiene que descubrir que la vida en ese momento en el Soho es diferente de lo que ella esperaba. El misterio de Soho (Last Night in Soho, 2021) es la nueva película de Edgar Wright, director de culto que con media docena de títulos que trabaja los géneros cinematográficos con originalidad y les imprime un ritmo que es su marca de fábrica. Aquí muestra con que naturalidad es capaz de construir narraciones ambiciosas que en sus manos fluyen de manera asombrosa. Acá la trama policial y el cine fantástico van se unen en una reconstrucción del famoso Swinging London, aquel esplendor de moda, música, cine y cultura de la década del sesenta. Eloise (Thomasin McKenzie) es una joven que viaja a Londres en la actualidad para cumplir su sueño, estudiar para ser diseñadora de moda. Su abuela (Rita Tushingham), que vivió en esa ciudad en los sesenta, le pide que se cuide, más aun recordando que la madre de Eloise, se ha suicidado años atrás. Cuando la muchacha llega finalmente a la ciudad, la hostilidad del entorno la hace mudarse sola y rentar una habitación en un edificio en el Soho, administrado por la señora Collins (Diana Rigg). Pero desde la noche inicial Eloise vivirá una experiencia que la conectará con aquella década de Londres que tanta idealiza. Al dormir será testigo y doble de una joven llamada Sandie (Anya Taylor-Joy) que como Eloise, llegó a la ciudad llena de sueños. Pero verá pronto como esos sueños se transformaron en una pesadilla. Todas las noches Eloise soñará con ella pero poco a poco eso afectará su vida y hará que todos duden de su cordura. Con la maestría técnica que ya todos le conocen, Edgar Wright juega visualmente con el tema del doble y la suplantación de identidad. Aprovecha todos los trucos que la cámara le permite con una puesta en escena intensa y veloz, embriagante como la ciudad de Londres. Una mezcla de fascinación y horror, en una película que fluctúa entre el cine policial y el de terror. La protagonista es espectacular como también lo es su contraparte. Y además elenco juega a estar lleno de rostros del cine del Swinging London. Diana Rigg fue nada menos que Emma Peel en Los vengadores, la serie más representativa de esos años. Pero también está Terence Stamp, quien trabajó en Modesty Blaise; Margaret Nolan, famosa chica Bond en Goldfinger y Rita Tushingham recordada por su rol en The Knack… and How to Get It. La música, el vestuario y la reconstrucción de época consigue llevarnos sin problema por aquellos años. También se ven y se reconocen rastros del terror italiano, de Repulsión, de Blow-Out y de Don´t Look Now. Siempre dentro de las reglas del cine de Edgar Wright, a quien las influencias no le impiden hacer un cine personal. Los tiempos que corren tienen sus reglas y acá el director decide jugar su juego dentro de los parámetros actuales. Por eso las protagonistas son mujeres y la historia cuenta un punto de vista olvidado o despreciado de aquellos años. El director consigue darle a todo la ambigüedad necesaria para que la trapa tenga sorpresas y no se quede en la primera lectura. Tal vez, solo tal vez, se trata tan solo de una mujer que se abre paso en un mundo hostil, entre hombres peligrosos y mujeres competitivas, con la enseñanza de un pasado siniestro que la acecha pero que también puede liberarla. Una historia de fantasmas diferente a todas.
Después de ser desalojados de su hogar, una madre soltera y sus dos hijos se ven obligados a mudarse a una granja en ruinas en Summerville, Oklahoma, que les dejó el difunto abuelo de los niños. Pronto los niños descubrirán que son los nietos de Dr. Egon Spengler, uno de los Cazafantasmas que fueron famosos en la década de los ochenta y hoy han sido olvidados. Los motivos por los cuales Egon dejó todo atrás y se aisló del mundo, pronto serán descubiertos por sus familiares. La película tiene una escena inicial que es una copia fiel del cine de la década de los ochenta. Una mezcla entre Spielberg y los directores que produjo él en aquellos años. Algo de Zemeckis, algo de Donner, un poco de Dante. Los encuadres, la luz, la música, los personajes, todo es de ese universo. La fórmula que han usado muchos en los últimos años, empezando por la serie Stranger Things. Lo curioso es que Los cazafantasmas (1984) no forma parte de ese mundo. La película dirigida por Ivan Reitman era una comedia irreverente, en la vereda de enfrente de los directores mencionados. Por ese motivo la película arranca muy bien y luego se empantana. El personaje del maestro que interpreta Paul Rudd es horrible y eso también destroza la lógica de la historia. Hay humor como alivio, pero no es una comedia. Hacer una película de Los cazafantasmas que no sea comedia es una falta de respeto, una traición inútil. Al final, la película trae a los actores originales para que hagan su show, pero están completamente fuera de lugar y sus chistes causan gracia cero. Para peor, se mezclan esos chistes con un cierre emotivo, un verdadero mamarracho indigno. La canción original produce una sonrisa, pero definitivamente nos recuerda que esto que acabamos de ver es otra cosa. Una cosa sin rumbo.
Algo se enciende es un documental que cuenta la historia de un grupo de adolescentes atraviesa su último año de secundaria y vive el duelo de la desaparición y femicidio de una de sus compañeras. La película toma los testimonios de cada uno de ellos y los difíciles días que vivieron. Desde la incertidumbre de la ausencia hasta la certeza del asesinato. Un crimen terrible que los ha marcado, tal vez para siempre. La película muestra el triste estado de los colegios en Argentina, así como también el esfuerzo genuino de los jóvenes por encontrar su identidad mientras tratan de entender el horror que la vida les ha puesto frente a ellos. La película es anticlimática y el final es menos poderoso que el nudo de la historia. Funciona más como una honesta catarsis para ellos que un gran largometraje.
Retiros (in)voluntarios es un documental que trata un tema interesante pero lo hace con esa mala costumbre de la voz en off amateur y el poner en primer persona la historia para blindarse frente a cualquier opinión crítica. La directora Sandra Gugliotta combina el tremendo caso de los empleados de Telecom Francia, cuya alto número de suicidios entre los empleados terminó en un juicio a los directivos. La realizadora arma su tesis en base a que la libertad de mercado, Estados Unidos, los avances tecnológicos y el fin de una deplorable empresa estatal caen en la misma bolsa que los maltratos laborales, los mecanismos siniestros de las empresas y los suicidios de los empleados. Nada indica que todo sea lo mismo, salvo en la simplificación de la realizadora. Un tema que no parecía ser discutible se vuelve polémico porque la directora se enamora de su propia voz y su mirada del mundo. Tener un material tan rico y convertirlo en esto es simplemente hacer un cine mediocre que poco favor le hace a quienes se supone quiere rescatar.
La Plata contada es un documental que cuenta que la historia de la creación, desarrollo y declinación de la ciudad de La Plata, la capital de la Provincia de Buenos Aires, fundada el 19 de noviembre de 1882 por el Gobernador Dardo Rocha. La película, entre otras cosas, le da particular importancia al rol fundamental de la Masonería en el diseño y concreción de tan singular espacio urbano. La historia de La Plata también parece la historia del país. Sus sueños, sus internas, su caída y su estado actual. Aunque el director intenta no hablar de política, se adivina en cada escena que la ciudad se convirtió en lo que es hoy por los mismos motivos que una parte importante de la República Argentina se quedó en el tiempo y no pudo seguir creciendo y avanzando. Algunos entrevistados, genuinamente enamorados de su ciudad, sueñan todavía con un resurgimiento y un renacer. Ojalá algún día ocurra, porque en su origen la ciudad tenía muchas cosas, aun las tiene, para ser un ejemplo a seguir y un modelo. El documental no logra abarcar toda las posibilidades que el material le ofrece, porque para hacerlo debería durar cinco veces más. También es un deseo genuino que el director consiga convertirlo en serie, porque está claro que debe tener más material. Por lo pronto la película cubre bastante bien el tema de la Masonería. Quien no sepa sobre el origen de La Plata, no debería perderse este documental.
Una explosión en una mina en Manitoba atrapa a 26 mineros. Mike McCann (Liam Neeson) y su hermano Gurty, un veterano de la guerra de Irak que sufre de trastorno de estrés postraumático, se quedan sin su trabajo como camioneros. Entonces aceptan la misión casi suicida de atravesar largos caminos de hielo que pronto se romperán para llevar las grandes piezas que permitan rescatar a los mineros. Tres camiones viajan con el mismo material, por si dos de ellos no llegan. La recompensa monetaria es grande, como también las posibilidades de morir en el camino. Pero el hielo es solo uno de los muchos problemas que encontrarán. Liam Neeson se instaló hace rato como héroe de acción. Su talento actoral, su voz y su estatura lo hacen un protagonista creíble para esta clase de films. Filma uno tras otro y, salvo excepciones, ninguno es malo. No todos son buenos tampoco, dicho sea de paso. Riesgo bajo cero recuerda el concepto de películas como El salario del miedo (1953) o su fantástica remake Sorcerer (1977) pero queda muy lejos de estos dos grandes filmes. Deambula entre la denuncia y la acción, con no pocos momentos de drama. Es un ejemplo perfecto de película despareja. Por momentos tiene grandes momentos de suspenso y en otros se pierde en situaciones ridículas sin sentido. Al forzar la lógica de las situaciones gana en ocasiones y pierde en otras. Consigue poner al espectador al borde de la butaca para más tarde perderlo por completo. Esos buenos momentos la hacen entretenida y Liam Neeson sigue entrega
La crónica francesa parece realizada para facilitar la valoración de los espectadores y críticos. Lleva el estilo del director Wes Anderson a su estado más elevado y al mismo tiempo menos sorpresivo, generando la sensación de que se está repitiendo o auto parodiando. Es la sensación inicial, la fácil, la directa. También, al tener muchas historias dentro de la película, es sencillo acusar al director de ser cada vez más preciosista y barroco, a la vez que más frío y cada día menos humano. Como en todo film de Wes Anderson, si uno viera la película muchas veces, encontraría cien capas de detalles que iluminan las intenciones de su obra en general y de esta en particular. Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), editor del revista The French Dispatch, muere repentinamente de un ataque al corazón. De acuerdo a lo expresado en su testamento, la publicación de la revista se suspende inmediatamente después de un último número de despedida, en el que se vuelven a publicar tres artículos de ediciones anteriores del periódico, junto con un obituario. La película narra la historia detrás de cada uno de esos artículos, además de describir el funcionamiento de la publicación previo a la muerte de Howitzer. La película tiene tres grandes historias que vienen luego de la presentación, donde se cuenta un cuento más breve: El reportero ciclista por Herbsaint Sazerac (Owen Wilson). La acción principal transcurre en la década del setenta, la historias son anteriores. La primera es por lejos la mejor. La obra maestra de hormigón por J.K.L. Berensen (Tilda Swinton) cuenta la historia del artista Moses Rosenthaler (Benicio Del Toro), un personaje violento que está cumpliendo condena por asesinato. Tiene como musa inspiradora a su guardia cárcel Simone (Léa Seydoux) y pasa sus días como el blanco y negro en el que está filmado este sector del largometraje. Hasta que un dealer de arte, Julien Cadazio (Adrien Brody) lo descubre y lo ve como a un verdadero genio. La búsqueda por convertirlo en el artista más importante de su generación es el puntapié inicial para contar, siempre en tono de comedia, las locuras del arte y la imposibilidad de controlarlo. Revisiones de un manifiesto por Lucinda Krementz se mete de forma jocosa con el Mayo francés y genera nuevamente una comedia acerca de los sueños, los delirios y las tonterías de los jóvenes de esa época. Puede ser tanto un gesto de ternura como una crítica feroz, con Anderson en este caso es muy difícil de precisar. Aunque sube la apuesta estética acá los actores se han lanzado a actuar de actores de Anderson y están particularmente aburridos y fueras de cualquier interés. Ni actores se necesitaban para contar lo que se cuenta aquí. El preciosismo, sin embargo, alcanza planos maravillosos. El comedor privado del comisionado de policía por Roebuck Wright (Jeffrey Wright). Durante una entrevista televisiva, Roebuck Wright relata la historia de una cena privada con el comisario de policía a la que él mismo asistió. La cena se interrumpe cuando el hijo del comisario, Gigi, es secuestrado y retenido por delincuentes para pedir rescate. Hay aquí tres o cuatro planos que sirven para conmover en el tráiler pero que no generan nada dentro de la película. La belleza apabullante del cine de Wes Anderson es indiscutible, pero su funcionalidad ya es otra cosa. Aquí busca contar historias dentro de historias y este juego de cajas chinas es más cansador que disfrutable. Al revistar el descomunal elenco de la película, queda claro que hay dos actores que han entendido todo y estos son, no por nada, los que más han trabajado con Wes Anderson: Bill Murray y Owen Wilson. Ojalá estuvieran más tiempo en pantalla. Pero la mencionada historia del artista preso funciona también en ese nivel con sus tres protagonistas, solo Tilda Swinton, con una exageración que le queda bien a Jerry Lewis pero no a ella, arruina la experiencia. Tal vez sea intencional, el presentador es inferior al material que presenta. El orden de la historias afecta la apreciación de estas. Poco a poco la energía del espectador disminuye, abrumado por tanto material en la pantalla o aburrido por los recursos hermosos pero ya demasiado conocidos de Anderson. Hay genuinos momentos gloriosos, bellos, sofisticados. Pero la multiplicación de personajes y detalles impide una conexión más directa. “No llores en mi oficina” le dice Howitzer a un empleado que acaba de despedir. El empleado mira sobre la puerta y ve un cartel que dice que no se llora. Más allá del chiste, Anderson renuncia oficialmente a la emoción. Varios de sus films anteriores conseguían, partiendo de su distanciamiento habitual, emociones profundas que podían ser acompañadas por reacciones más básicas. Acá solo queda espacio para la risa y una leve melancolía, pero nada que cale muy profundo. También queda claro que la película juega con personajes de la vida real y puntualmente con la revista The New Yorker. Los dibujos del final son un homenaje concreto, pero eso no le suma mucho a la película, más bien lo contrario. La voz en off de Anjelica Houston es de una enorme belleza y ayuda a generar clima en más de un momento. La paleta de colores y el artificio de Wes Anderson también son un bálsamo para un cine cada vez más feo y desprolijo. El director vive y filma bajo su ley. A veces salen mejores películas que otras, pero esta casa de muñecas de ninguna manera es una obra para pasar por alto, porque nos entrega varios momentos cinematográficos bellos y puros.
Documental que recupera la historia de las enfermeras de la Fuerza Aérea que trabajaron en un hospital móvil ubicado en Comodoro Rivadavia durante el Conflicto del Atlántico Sur, la guerra de Malvinas. Allí murieron más de seiscientos soldados argentinos y más de mil resultaron heridos. Muchos de esos hombres fueron atendidos por catorce enfermeras. Después de treinta y siete años de silencio, tres de ellas, Alicia Reynoso, Stella Morales y Ana Masitto, dan su testimonio y vuelven al lugar donde vivieron la guerra. El documental arranca un poco a los tumbos, con las tres mujeres vestidas con uniforme, caminando de forma algo confusa por el lugar donde estaba el hospital. Pero poco a poco se va ordenando y organiza el material valioso que tiene frente a sí. Tal vez le falta insistir en el tema del silencio, del no decir lo que se vio y se vivió allí, aun luego del paso del tiempo. Sí queda mucho más claro, por apuntes sutiles y no por subrayados, el machismo del ejército de aquella época y de los años siguientes. La película tampoco carga las tintas con el tema político, porque confía en que los hechos hablen por sí solos y se aferra a ellos. No hay mucho para decir más que recuperar la historia de estas mujeres y su paso por el otro lado de la guerra, tan duro e impactante que aun en el presente sigue mostrando la marca que dejó en ellas.
El cine de terror es un desafío mucho mayor de lo que parece. Habiendo tantos exponentes del género y siendo sus espectadores consumidores ávidos de todo lo que se estrena, es complicado desmarcarse con un producto original o logra un relato clásico pero por encima del resto. La forma del bosque tiene no pocas ideas e intenciones de conseguir un resultado que supere al promedio y en algunos momentos lo consigue. El problema es que no llega despegarse del todo. Este cuento de hadas que transcurre en un bosque alcanza sus mejores momentos al comienzo, cuando Silvia y Andrés, dos hermanos que viven junto a su abuelo en el bosque despiertan la ira de una entidad que habita en el lugar. Es la promesa de todo lo que vendrá lo que sostiene a la película, que luego deberá resolver las situaciones planteadas quedando un poco por debajo de lo que venía consiguiendo. No le falta clima a la historia, pero le falta terror, aquello que angustia y asusta de verdad. Su prolijidad técnica y su banda de sonido están en la búsqueda sin hallar el resultado adecuado. Pero como todo cuento de hadas la historia es clara y el guión se encarga no por nada de dividir en capítulos el relato, mostrando una estructura que termina cobrando sentido en las escenas finales. Con reminiscencias a muchos films del género La forma del bosque es un exponente digno con algún que otro detalle fallido. Un nuevo film de terror argentino, tal vez el género con más largometrajes en nuestro país en el siglo XXI.
Ilse Fuskova es una verdadera leyenda dentro de la militancia lésbica y feminista. Pero tal vez la palabra leyenda se colocarla en un lugar de homenaje y a la vez de distancia. El documental que lleva su nombre rompe todas las barreras y la vuelve humana, cercana, y por lo tanto aun más enorme. Su imagen pública la encontró en una militancia con un discurso político siempre bien estructurado y sólido, esta película completa su imagen contando su historia completa, algo difícil de hacer cuando se trata de militancia en los medios. Su proceso de reconocimiento como lesbiana y las luchas contra un feminismo preocupado por quedar asociado exclusivamente al lesbianismo. Aunque siempre la lucha principal es contra la invisibilidad de las lesbianas, contra el machismo y contra la lesbofobia. Feminismo lesbiano de verdad, de las épocas difíciles, de arrancar desde cero, en una supuesta soledad, aunque en realidad solo se trataba de que las lesbianas se pudieran reconocer entre sí. La película sí es un homenaje, pero más que nada es una exposición de una persona enorme. Hoy la militancia es diferente y muchas se han vendido al poder político, renunciando a mantener esas luchas sin importar el poder. Pero Ilse lo hizo contra viento y marea, peleó por los derechos lesbianos y fue, junto contras personalidades de aquella época, como su pareja Claudina Marek o Mónica Santino, a la televisión a debatir un tema que en aquel momento era muy complicado de tratar. Un hallazgo brillante es cuando se lo ve en uno de los videos de archivo al Padre Grassi, cura condenado años más tarde por abuso sexual y corrupción agravada de menores, discutiéndole a Ilse sobre lo incorrecto de la homosexualidad. Hay pocas películas en Argentina que cuenten la historia de las lesbianas en nuestro país. Una excepción es Lesbianas de Buenos Aires (2003) donde aparecen algunos rostros que también están acá. Y en los últimos años la ficción ha incorporado más historias de lesbianas hasta volverlas parte de la ficción. Mirando hacia atrás, se vuelve evidente hasta qué punto Ilse Fuskova fue una pionera, una mujer extraordinaria, una lesbiana que ayudó a que la sociedad mejore y avance. Este documental le hace justicia y todo el mundo debería verlo si quiere saber como es su historia.