Quinta y esperemos que última entrega de la saga iniciada por La noche de la expiación (The Purge, 2013). Ha corrido mucha purga bajo el puente y la fórmula obviamente se fue volviendo repetitiva. Acá elige ir un paso más allá y explorar la violencia más allá de la noche de licencia para matar. A plena luz del día, en cualquier lugar, la purga se abre paso para arrasar con todo. Toda la metáfora ahora está centrada en el odio hacia los inmigrantes, hay que aclarar. Algunas escenas de tensión y drama, casi regaladas por el conflicto inicial de la historia, coletazos del concepto original, son lo que se puede destacar dentro de un conjunto repetitivo y obvio. Una especie de manual progresista para bobos, con ideas tan superficiales como evidentes. Para peor, todo el discurso cae a destiempo en el 2021, en esta película ideológicamente muy perezosa que sigue luchando contra un presidente que ya no está en el poder. Si al menos hubieran hecho una buena película, la falta de timing sería perdonable.
El avance tecnológico que hubo en el cine entre 1996 y 2021 es lo único que vale la pena destacar de este aparatoso evento llamado Space Jam 2: Una nueva era. Más que una secuela es una remake de la que seguramente en veinticinco años harán una nueva versión. No, corrijo, los tiempos han cambiado, harán un reinicio en dos años y de ese harán varias secuelas y una serie, solo para empezar. El protagonista humano de esta película es LeBron James, cuyo estatus de estrella es el único equiparable al que tuvo Michael Jordan cuando hizo el film anterior. Su talento es indiscutible y lo mejor de la película son los fragmentos de archivo que aparecen al comienzo. Cuando tiene que actuar la cosa es complica un poco, pero nada grave, cualquier admirador de semejante figura se sentirá agradecido por verlo en pantalla grande. Acá la excusa para el partido está relacionada con el hijo de LeBron. Fanático de los videojuegos, es también un brillante diseñador. Una creación suya es usada entonces por un algoritmo malo de Warner Brothers (el mismo que decidió hacer esta película, ahora que lo pienso) que mete al padre y al hijo en un mundo virtual a competir entre sí. Al joven lo acompaña un grupo de jugadores rediseñados para el mundo digital y a LeBron las estrellas de los Looney Tunes, con Bugs Bunny a la cabeza. Un chiste gracioso. Uno solo. Nadie le pide a los que hicieron esta película que estén a la altura de los Hermanos Marx, o Ben Hecht, o Billy Wilder. Nadie los obliga a ponerse a la altura de Jerry Lewis o de Ernst Lubitsch. Sí hubiera sido digno que se hubieran acercado al humor de los dibujos de la Warner que exprimen sin sacar nada de jugo. Un esfuerzo sobre humano en el aspecto visual asegura espectacularidad y grandilocuencia, pero ni una sola risa. Y el mundo digital, tan avanzado como está, tampoco es capaz de dar una sola imagen bella. El broche de oro es el uso y abuso de los films y series en poder de Warner. Como empleados cansados y obligados por el jefe, ahí están conviviendo todo aquello sobre lo que Warner tiene derechos. Puede ser Matrix, Mad Max, pero también Casablanca y El mago de Oz. Citas que quieren ser ingeniosas, pero son ofensivas. Alguna méritos de la digitalización impecable, otros extras disfrazados al lado de la cancha. Por cierto: todos los vean el film coincidirán que la película tiene los peores extras en la historia de Hollywood, algo insólito pero notorio. Uno puede ver a Penélope Glamour junto al Pingüino de Tim Burton y el Batman de Adam West, pero también a los secuaces del protagonista de La naranja mecánica. Así, todos ellos, apilados, haciendo de hinchas, tirando morisquetas y festejando la muerte del cine. Algunos dicen que es un homenaje, para mi es una burla que, como el resto del film, no produce gracia alguna.
Fabienne (Catherine Deneuve) es una de las grandes estrellas del cine francés, una actriz legendaria amada por todos y admirada. El mundo y los hombres se han rendido a sus pies. Lumir (Juliette Binoche) viaja con su marido (Ethan Hawke) e hija a París cuando Fabienne publica sus memorias. La famosa actriz ya no está en su esplendor y el reencuentro con su hija traerá reclamos y tensiones. Las memorias de Fabienne están muy lejos del pasado real de ambas y al mismo tiempo la vejez de la diva anuncia lo que podría ser una última oportunidad de hacer las paces. El director Hirokazu Koreeda tiene una larga trayectoria con grandes títulos en su país de nacimiento, Japón. Nadie sabe, De tal padre, tal hijo y Somos una familia son algunos de los títulos más famosos de su carrera. Aquí por primera vez filma fuera de su país y en un idioma que no sea japonés. Aunque los vínculos familiares son una constante en su obra no habría manera de reconocer este título como dirigido por él si no lo supiéramos de antemano. Más bien resulta una serie de lugares comunes del cine francés, tanto en la construcción del relato como en los vínculos y hasta las locaciones. La misma película que ya hemos visto docenas de veces con mejores o peores resultados. El lujo actoral suma un poco de atractivo, pero no hace milagros. La menos personal y atractiva de las películas de Hirokazu Koreeda.
Black Widow es la primera película de la Fase 4 del Universo Cinematográfico de Marvel y su trama principal se ubica en la línea temporal entre Capitán América: Civil War y Avengers: Infinity War. Alcanza esta introducción para decir que las película está inmersa en un mundo gigantesco de películas y resultará por momentos incomprensible para los espectadores que no sigan al universo Marvel. No todo el tiempo, porque hay un cierto esfuerzo por darle vida propia a la historia de la película más allá de las conexiones. También hay un acercamiento al universo de James Bond, no solo por las citas explícitas a ese cine, sino también por dedicarle un espacio mayor a las intrigas de espionaje que al mundo puro de los superhéroes. No alcanza para atraer a quienes no les guste el mundo Marvel. Black Widow era un personaje del que algunos dudaban si podía tener su propio film. Todo tiene un tono de ramificación de la línea principal del UCM una duración menor no le habría venido nada mal. Sin embargo, sus ideas son claras. Busca un film de acción con elementos de melodrama familiar y empoderamiento femenino y amor fraternal. Algunas escenas de acción son muy buenas y otras son bastante fallidas. De una gran calidad técnica se pasa de golpe a efectos especiales de segunda línea sin explicación alguna. Nada en la película tiene aire de clásico. Basta ver una persecución en moto para ver la distancia abismal que la separa, por ejemplo, de los films de Misión: Imposible. Un poco de sentido del humor forzado intenta alivianar sin necesidad la intensidad dramática que la historia de los personajes reclama a cada paso. El valor de la película está más en ser parte de algo mayor que en sí misma. Tiene las escenas post créditos que corresponden y todos los guiños necesarios. Scarlett Johansson interpreta una vez más al personaje protagónico y ya se la ve un poco cansada del rol o tal vez sea la película y su desviación de la línea central del inagotable y a la vez cansador universo de films de Marvel.
Secuela de la película del año 2013 que repite virtudes y defectos por partes iguales. Tal vez tiene a favor un mundo más colorido y mayor cantidad de chistes, pero sigue conservando ese recorrido de espacios demasiado conocidos sin el menor atisbo de originalidad o sorpresa. Sin ser tampoco una obra maestra narrativa. La familia protagónica busca un nuevo lugar donde vivir. En la búsqueda de ese hogar se topan con un una muralla que encierra un paraíso. Allí vive una familia feliz de apariencia perfecta que tiene resuelta todas las necesidades de su vida. El choque entre los caóticos Croods y los impecables Bettermans es el centro de todos los chistes. Varios conflictos le pondrán sal a la historia y la familias pasarán de la pelea a la alianza, según el momento. La película es divertida, muy simple, hace abuso de los chistes anacrónicos, pero no con simpatía o de manera justificada. Chistes por el chiste mismo, muchos colores y un ritmo por momentos acelerado y en otros cayendo en la trampa del sentimentalismo. El espectacular elenco de voces de actores conocidos se pierde si la película se ve en versión en castellano. La clásica trampa de los films para toda la familia que pierden lo que más podrían disfrutar los adultos.
Nadie es una de las películas más divertidas de los últimos años. Dura poco más de noventa minutos, pero la sensación de que pasa volando está directamente relacionada con lo bien contada que está. No le falta absolutamente nada, pero no pierde el tiempo en explicaciones ni vueltas de tuerca. Va hacia adelante con firmeza y ofrece un espectáculo cinematográfico puro. Extraordinaria economía narrativa, montaje exacto, ideas claras a la hora de resolver escenas y muchos planos de una remarcable mirada estética. Hutch Mansell (Bob Odenkirk) es un hombre de familia común y corriente sometido a una rutina absoluta. Cuando una noche unos ladrones entran a su casa, él renuncia a defenderse y defender a su familia para evitar mayores peligros. La policía lo felicita por ser prudente, pero esto decepciona a su hijo Blake (Gage Munroe) y a su mujer Becca (Connie Nielsen) que empiezan a distanciarse de él. Esto afecta el ánimo de Hutch y despierta en él un lado oscuro que lo hace emprender una venganza. No es para nada casual que el guionista del film sea el mismo de la saga de John Wick. Aunque hay claras diferencias, la idea de la violencia directa, seca, yendo directo al grano se repite aquí. La película arranca rápido, sigue a buen ritmo y termina a toda velocidad. Los actores, empezando por Odenkirk, productor del film, entienden la diversión que tienen frente así. La película posee un muy notable sentido del humor, una musicalización también juguetona e igualmente bella y la vieja idea catártica del hombre solitario que hace justicia enfrentándose a los malos, no importa cuantos sean. Presencias de lujo en el casting como Connie Nielsen, Michael Ironside y Christopher Lloyd muestran la apuesta de calidad que la película posee.
Rápidos y furiosos 9 muestra desde su título que la saga originada en el año 2001 se volvió una fuente de locura de acción que ya lleva veinte años dando películas. Contrario a lo que pasó con otras series de películas, era difícil en aquel momento pensar todo lo que seguiría al primer film. Ya la segunda parte parecía más de lo mismo y se sentía agotada. Pero en el año 2011 la quinta película fundó de nuevo la saga al pasar de ser un film exclusivamente centrado en los autos para convertirse en una gigantesca producción de aventuras donde absolutamente todo era posible. La alegría de ese renacimiento duró hasta el octavo film, sumando actores como Dwayne Johnson, Jason Statham, Helen Mirren, Kurt Russell y Charlize Theron. La novena parte, sin embargo, muestra un desgaste notable con respecto a los títulos recién mencionados. La simpatía de Johnson y Statham se extraña y no por nada han tenido su propia película. Ahora sí la falta de Paul Walker es notoria y no hay nada que reemplace todo ese carisma perdido en estos tres actores que acá no participan. Hay regresos y cameos que no serán delatados aquí, pero ya empieza a verse demasiado forzado todo. No hay un humor genuinamente gracioso, solo algunos chistes. El problema es que la maquinaría de acción cede espacio al drama y ese drama entra por la ventana sin demasiada justificación. Un sinfín de flashbacks duermen el ritmo de la película en varios momentos. Es el guión lo que falla. Tantas piruetas da la película en el aire para justificar su historia y tanto intenta construir personajes nuevos que se le van casi dos horas y media con solo tres escenas de acción. La primera anuncia un alto nivel de delirio, lo que no está mal. La segunda tiene menos coherencia de lo tolerable y recién la tercera, cuya inverosimilitud busca ir más allá de todo lo conocido, termina teniendo la gracia y la emoción que caracterizó a la saga. Los corazones tiernos que disfrutamos de los films anteriores (del 5 al 8, es importante aclararlo nuevamente) vamos a darle un voto de confianza al último tercio de película. Pero los primeros dos tienen escenas de más, charlas demasiado largas y los mencionados flashbacks que rompen toda la estructura. Además de los actores ausentes que ya mencionamos, existe la posibilidad de que también se sienta la falta del guionista Chris Morgan, presente en casi toda la saga, incluyendo los mejores films.
En el barrio es un insufrible musical de dos horas y veintidós minutos que combina todos los lugares comunes de la cultura latina con un nivel de exceso y subrayado que se ve como una de las películas más racistas de la historia del cine. Pero no, no es racista, es una reivindicación de la cultura latina en Nueva York, un saludo, un festejo, una fiesta. Claro, es una adaptación del musical de Broadway y uno se pregunta, con razón, porque no lo dejaron ahí. La respuesta es obvia, por dinero. Y porque cualquier reivindicación de lo que no sea cultura blanca anglosajona hoy está muy bien visto. Lo que no está bien visto es hacer buenas películas, eso queda claro. El director de la película, Jon M. Chu, es responsable de otro bodrio grotesco llamado Locamente enamorados (Crazy Rich Asians, 2018) y parece que lo han declarado vocero oficial de estereotipos raciales. La película sigue a un grupo de vecinos del barrio Washington Heights en Nueva York. Todos cantan como si fuera un comercial televisivo de un canal de habla hispana festejando la cultura latina en Estados Unidos para fin de año. Igual la película es en inglés. El primer número musical es horrible, como lo es la letra de la canción, pero las que siguen son peores. Cada canción gira en torno a lo mismo: reivindicación del esfuerzo latino en Estados Unidos. Una idea que se entiende en un minuto, pero se va a repetir doscientas veintiún veces más. Insoportable por donde se la mire. Sin una buena puesta en escena para filmar los números, con una clara intención de ser diversa en el sentido más demagógico de la palabra, incluso tiene una canción contra el machismo latino, para que no haya riesgo de no encajar en la cultura dominante. Los blancos, claro, son malos, eso también queda claro. El resto de las tonalidades están aprobadas. La bajada de línea solemne aumenta en la segunda parte de la película. Al revés de los musicales clásicos, que ponían más canciones a medida que avanzaba la trama, acá ponen más frases serias con cara de compromiso social. Todo es un discurso, todo, con actuaciones exageradas de personajes de por sí sobreactuados. Carente de esfuerzo alguno para no parecer un musical de Broadway convertido en negocio cinematográfico. En algún sentido es triste ver el éxito de artefactos de esta clase.
Jim (Liam Neeson) es un ranchero en la frontera de Arizona. Peleó en Vietnam y como el título de la película indica es un tirador experto. Ha enviudado y está a punto de perder su rancho por las deudas acumuladas. Su hija, policía, intenta ayudarlo a salir de la tristeza y el alcohol. El azar lo cruza con una madre y su hijo en la frontera con México. Ilegales, ambos escapan de un cartel de drogas. Jim no puede salvar a la madre, pero le promete que llevará al niño con sus familiares. Esa misión se convierte en una cuestión de honor para el exmarine. Si no supiéramos que el director es Robert Lorenz, colaborador de Clint Eastwood en una docena de sus films y productor de varios, igual veríamos la conexión entre este film y Un mundo perfecto o Honkytonk Man. No solo el que sea una road movie sino también el tiempo narrativo, los encuadres y los temas. Hay mucho de la vieja idea del cine y el mundo en The Marksman. También, en algunos pasajes, recuerda a Witness (1985) de Peter Weir. Y Jim es tan decente como lo era el John Book interpretado por Harrison Ford. Este es el segundo film de Robert Lorenz, el primero, Curvas de la vida (Trouble with the Curve, 2012) estaba protagonizado por Clint Eastwood. Curiosamente es la única actuación de Clint Eastwood en un film no dirigido por él en el siglo XXI. Ese nivel de respeto tiene el maestro por su discípulo. En sus dos films la relación padre e hija se hace presente, otro punto de interés de Lorenz, como lo ha sido de Eastwood también. La diferencia está en que Lorenz tiene una mirada menos sabia que la de Eastwood. No consigue ir más allá de su protagonista, no consigue hacer un retrato más abarcador como el que lograba Eastwood en la mencionada Un mundo perfecto. Pero el camino de este hombre de honor y el peso moral del recuerdo de su mujer son temas que cada vez parecen interesarle menos al cine actual. Una mirada trascendente sí aparece en la elección entre el bien y el mal en cada momento de la vida. The Marksman es, sin que esto parezca una frase hecha, una película fuera de época. Una mejor época, si me preguntan. Donde el cine era menos payaso y se podía contar una historia de manera clásica con un gran personaje. Protagonistas de pocas palabras y acciones claras. Clint Eastwood sigue filmando, pero además ha dejado varios discípulos que han entendido la grandeza de su arte. Acá se ve claramente el trabajo de uno de ellos.
Tercera película de la saga de El conjuro (The Conjuring, 2013). Su creador original, James Wan, no regresa a la dirección, pero es el productor y uno de los creadores de la historia. Para los interesados en saber si es coherente con la clase de terror de los films anteriores la respuesta es sí. Una vez más estamos frente a una película cuyos efectos visuales se mantienen dentro de lo mínimo y necesario y los efectos especiales, los que se hacen durante el rodaje, trabajan con la vieja escuela. Una vez más los protagonistas son el matrimonio Warren. Lorraine (Vera Farmiga) y Ed Warren (Patrick Wilson) son una pareja de la vida real que ha sido la inspiración para estos films. Sus investigaciones e incluso el asesoramiento de ella han sido parte esta saga de terror. El film comienza con el exorcismo de un niño y las derivaciones que ocurren a partir de allí. En la escena inicial la película homenajea a El exorcista con un plano del cura en la puerta de la casa y lo que sigue, aunque no pueda compararse con el film de William Friedkin tiene una efectividad que el cine de terror en general ha perdido. No es poco intentar narrar una película en serio, no ser solo la suma de escenas de sobresaltos. Una vez más, tener buenos actores y rostros conocidos le funciona muy bien a los films de esta serie. Acá la trama, sacada de uno de los casos de los Warren, gira en torno a un homicidio ocurrido en 1981, donde el acusado dijo haber sido obligado por una entidad demoníaca. Los Warren había participado del mencionado exorcismo que era del hermano menor del acusado de homicidio. La película consigue mezclar los elementos de la vida real con la trama de terror sin problemas. Hay que entregarse y creer en este juego ya que realmente está basada en hechos reales. Es decir, parte de algunos hechos reales, el resto claramente es cine. Sin tener le impacto del primer film, es saludable que una saga hecha con talento tenga tanto éxito. Nada justifica hacer películas malas, ninguna excusa. A El conjuro 3 le sobra para estar muy por encima del promedio general del género de las últimas décadas.