El revisionismo de Disney contra Disney es una de las ideas más insólitas de la historia del cine. Sumergidos en la corrección política, la generación woke y la venganza contra su propio patrimonio, Disney realiza en Cruella la más absurda y cruel destrucción de su propio patrimonio. 101 dálmatas, uno de los clásicos más queridos del estudio ya había sufrido desviaciones en su versión con actores, pero acá el disparate alcanza límites inimaginables. Pero en todo caso ese es solo el comienzo de las calamidades. La película se olvida del público infantil y hace una larga y tediosa narración sobre moda para un público adulto pero aniñado, dejando a la historia en un híbrido que no sirve a ningún público. Da vergüenza ajena que un film tan fallido se de el lujo de creerse brillante al jugar el juego de la competencia entre diseñadoras. Un reality de televisión con una banda de sonido cara pero forzada. Nos intentan convencer qué una de las más memorables villanas de Disney era en realidad una pobre chica sufrida y menospreciada por la clase alta, traumada por la muerte de su madre a manos de tres dálmatas. ¡Dálmatas! Y ahora ella vuelve en formato punk, burlándose de la vieja escuela al mismo tiempo que busca venganza contra la culpable de la muerte de su madre. Una ecuación al estilo Guasón (2019) pero sin absolutamente nada de coherencia. Por supuesto que hay vueltas de tuerca, al menos dos. Era obvio que el guión no iba a avanzar en su estigmatización de los dálmatas, porque a Cruella no le queda finalmente ni el odio por los perros. La película se inclina hacia explicaciones psicoanalíticas, burdas, subrayadas a niveles que si las contáramos acá el lector no podría creerlo. Más de dos horas de un espectáculo de moda y no una película. Y un remate que busca aclarar de un plumazo la diferencia entre esta historia y lo que luego se convertirá en el clásico de Disney. Film que en Argentina se llamó La noche de las narices frías, posiblemente el más absurdo y bello cambio de título jamás realizado. Qué alguien le saque a Disney su propio catálogo urgente, porque lo está destruyendo.
Un periodista en decadencia descubre en un viaje una serie de aparentes milagros de una joven que dice haber sido visitada por la Virgen María. Estos milagros habrían ocurrido en un pequeño de Nueva Inglaterra con un pasado oscuro. El periodista ve en este evento una posibilidad de relanzar su carrera. Pero detrás de estos posibles milagros hay algo terrible y peligroso para todos. Un gran desafío para los amantes del cine de terror es recordar la mayoría de las películas del género un par de años luego de estrenadas. La rutina y la repetición son tales que es muy complicado que un nuevo título haga la diferencia. The Unholy pone su única esperanza en un elenco de rostros bastante conocidos. Jeffrey Dean Morgan es el protagonista y lo acompañan nombres como Cary Elwes y William Sadler. También busca desesperadamente la chance de crear un personaje con máscara y todo que pueda ser el comienzo de una franquicia. Y aunque sea tímida y algo contradictoria, también se atreve a mostrar cierta locura peligrosa en las creencias religiosas tradicionales. Había un terreno para explorar pero la película no juega a pleno en esa dirección. Será difícil que este título perdure y podamos seguir interpretando sus significados.
Podríamos ser piadosos con este documental si pasamos por alto lo mal filmado y editado que está en el estricto sentido cinematográfico. Pero una vez tolerada la mediocridad estética del mismo, debemos caer en el sinfín de manipulaciones y testimonios lamentables que el realizador acumula para corroborar lo que el piensa. En esencia la película es una defensa sin matices de la toma de terrenos y las usurpaciones. A esto le suma la idea infantil de que el campo puede volver a ser el que era varios siglos atrás. Es insólito que alguien que estudia un tema termine haciendo una película tan básica, torpe y aterrada de poder mostrar algún matiz de complejidad o contradicción. Algunas perlas es cuando alguien menciona a un abogado con corbata como sinónimo del mal o un abogado que dice que las personas son como los animales, en teoría apoyando la teoría de que pueden por eso ocupar las tierras. Tiene la música y las canciones de un cine abandonado y olvidado en todo el planeta desde hace más de cuatro décadas. Un nivel de negación de la realidad mundial y una malintencionada denuncia contra los sistemas que han sacado a más gente de la pobreza en toda la historia de la humanidad. Un cine de barraca que no le sirve a nadie porque como ya sabemos, el mal cine es mala política. Después mezcla temas de manera torpe y forzada, lo que por momentos da pena, ya que seguramente hay causas nobles perdidas en este cambalache. Volviendo al comienzo, si las ideas del film fueran correctas -no logra demostrarlo- y el director tuviera un poquito de coraje y un mínimo de inteligencia para darle complejidad a su tema, no podríamos igualmente dejar de notar lo más filmada que está. Con el apoyo del INCAA en medio de un cine argentino destruido y silenciado. Como broche de oro la película tiene la arrogancia de sumar imágenes de Raymundo Gleyzer, un cineasta con más talento y valentía que este documental irrelevante y mal filmado.
Una bombera forestal paracaidista (Angelina Jolie) trabaja en los bosques de Montana junto con su grupo. Arrastra un trauma del pasado por no haber podido rescatar a unos niños de un incendio tiempo atrás. Pero la vida le dará una nueva oportunidad cuando deba mantener con vida a un adolescente que huye de dos asesinos que han matado a su padre y ahora van detrás de él. La película tendrá, claro un incendio forestal descomunal para agregar más elementos a la cacería. Aunque en varios momentos la historia tiene tensión y algo de diversión, mayormente maneja un tono inverosímil sin humor que hace ruido en casi todas las escenas. Angelina Jolie no parece en ningún momento la heroína que la película propone y eso vuelve aun más ridícula a la película. Y la película también falla cuando intenta, al comienzo, mostrar la vida cotidiana de los que arriesgan su vida protegiendo los bosques.
Rodrigo y su madre viajan al pueblo donde acaba de morir su hermano mayor. En ese lugar calmo, transitarán los primeros tiempos del duelo. Rodrigo se irá asomando al dolor de los adultos y de manera imperceptible irá dejando la infancia. Su madre intentará revelar los misterios de esa muerte. Nosotros nunca moriremos aborda temas difíciles de tratar si se desea aprovechar el lenguaje cinematográfico y evitar el discurso excesivo y explícito. Gira en torno a la muerte, el duelo y construye su historia a partir de la ausencia. De las cosas que no se dicen, pero ocupan la mente de los personajes. A pesar de ser excesivamente austera en los intérpretes, la puesta en escena logra dar el ingrediente extra para expresar todo lo mencionado.
De la noche a la mañana es una coproducción entre Argentina y Chile que cuenta la historia de un joven arquitecto que luego de una clase en la Facultad es invitado por dos estudiantes chilenas a que viaje a Chile a dar un seminario. Aunque él no lo recuerda con claridad, ellas ya lo habían contactado vía mail. Con dudas, decide viajar. Se paga su propio pasaje esperando que se lo reintegren al llegar, deja de lado un encuentro con su suegro y la noche antes de salir se entera que su novia está embarazada. Todo el viaje es un delirio surrealista porque no logra nunca contactar a las personas adecuadas y los incidentes que complican todo se suceden inmediatamente al arribar a Chile. El protagonista, torpe, inseguro, neurótico, parece ser el protagonista de After Hours (1986) de Martin Scorsese interpretado por un Woody Allen argentino. Es más efectivo el guión que su ejecución y los apuntes políticos laterales que acompañan todo el film son menos interesantes que el absurdo en sí mismo. Con sentido del humor pero también con cierta angustia, la trama sigue al desesperado y al mismo tiempo curioso aventurero en sus no siempre malos momentos en otro país. Que no haya manera de pensar en la película de Scorsese al ver De la noche a la mañana no sé si es una virtud o un defecto. En comparación, las ideas de puesta en escena son pocas, todos los aciertos están aquí en el guión, como por ejemplo el creciente temor a terremotos que finalmente no sabemos si están ocurriendo o sí están en la cabeza del atribulado personaje principal.
Nomadland es una de las estrellas de la temporada de premios correspondiente al inusual y deprimente 2020. Las temporadas de premios son siempre arbitrarias y absurdas. Una docena de películas compite en al menos medio centenar de lugares. Busquen como era el cine hace setenta años. Los más grandes maestros realizaban películas extraordinarias y había solo un par de premios dando vueltas. Ahora hay más premios que películas. Esto lleva al aburrimiento, al negocio del lobby y a la alimentación desmesurada del ego de los artistas. Hacer películas para los premios es un arte en sí mismo. Un arte muchas veces reñido con el cine. En lo personal me resulta agotador ver como un actor o una película va recibiendo el galardón de cada grupo, país, sindicato, raza, género y la mar en coche que anda dando vueltas por ahí. Pero ocurre algo más: Cuántos más premios gana una película, más enojo despierta en aquellos que no la disfrutan. Gente que se siente defraudada al creer que un premio es un sello inequívoco de realidad. Todos los años la gente se pregunta con renovada inocencia si tal o cual film era para ganar el Oscar. No importa si es una obra maestra o una porquería a todo vapor. Es parte de la industria, es parte del negocio, pero no debería ser parte de la experiencia de los espectadores el luchar contra los premios. Cómo sería Nomadland si hubiera sido olímpicamente ignorada en esta temporada? Lo mejor, cuando se puede, es centrarse en la película. Muchas veces se usa un premio para elevar una película, pero muchas veces se lo usa para confirmar que no nos gustó. Nomadland cuenta la historia de Fern (Frances McDormand) quien en el año 2011 se queda sin trabajo al cerrar la planta donde trabajaba. Recientemente viuda, ella deja todo atrás y se convierte en nómada. Vive con trabajos temporales en diferentes lugares según la estación del año, mientras conoce a otros nómadas y sus historias en el camino. Eso es todo lo que cuenta la película que se mueve entre los recursos de la ficción y el documental, como los anteriores films de su directora, Chloé Zhao. Chloé Zhao es una realizadora nacida en Beijing, China, en 1982, estudió en Gran Bretaña y luego se radicó en Estados Unidos, donde ha desarrollado su carrera cinematográfica. Sus primeros dos films se caracterizaron por el retrato de personajes no urbanos interpretados por actores no profesionales. Songs My Brothers Taught Me (2015) transcurría en una reserva india y The Rider (2017) en el mundo de los cowboys de rodeo. En ambos casos los límites entre la ficción y el documental se diluían. Historias minimalistas con algunos de los vicios del cine independiente pero que ambos casos terminaban mostrando un gran corazón y un enorme cariño por los personajes. Ambas eran buenas. Se notaba, además, un camino. La ópera primera era más descarnada, salvaje, de verdad buscando lo documental, mientras que la segunda ya mostraba más estructura clásica y una intervención más grande de la ficción. Esa línea no le quedaba mal a la directora. En Nomadland el salto es muy grande para quienes vieron los dos títulos anteriores. Para empezar pone a la actriz más prestigiosa del mundo de los premios en Estados Unidos, Frances McDormand. La actriz también es la productora. Otro actor importante, David Strathairn, es el segundo personaje clave de la historia. Ellos conviven en la narración con los actores no profesionales, algunos de los cuales se interpretan a sí mismos, como Bob Wells, el gurú de la vida nómade. McDormand y Strathairn son excelentes intérpretes. Hay momentos en los cuales ella actúa de parecer actriz no profesional y es un show secreto que merece un estudio aparte. Pero aun así es una estrella de cine. Verla ir al baño en un balde no parece un documental, parece una estrella de cine haciendo de pobre. Es decir, a veces deslumbra y a veces nos distancia. No es culpa de ella, es el problema de jugar a dos puntas. Es difícil mostrar la marginalidad y la pobreza. La película, como en los films anteriores de la directora, nos muestra cosas que no son tan conocidas. Casi se podría decir que conforma una trilogía con estas películas. Primero retratando a los indios, luego a los cowboys y finalmente a los pioneros que se movieron por Estados Unidos en su período fundacional. Son los indios marginados, los cowboys frustrados y los pioneros sin destino. En los primeros dos films la familia los salva y los recupera. Acá la soledad se impone, aunque con ella también la libertad. No es una película demoledora porque no va hasta el fondo con respecto a la crudeza de la vida que llevan los personajes, en eso no está claro si es pudorosa o si simplemente busca idealizar ese mundo. Muchos realizadores no nacidos en Estados Unidos se han fascinado por la América profunda y la han retratado en cine. Zhao no busca la belleza de, por ejemplo, Win Wenders, su estética es más primitiva y simple, aunque los cielos de Estados Unidos a veces ayuden a cualquiera a dar un buen marco para las historias. El siguiente film de la directora es una superproducción de Marvel, por lo cual sí podemos decir que aquí cierra una etapa de su carrera. En cuanto a los premios hay que decir que esta será la temporada más fácilmente olvidable de todos los tiempos, así que con los años no le jugarán ni a favor ni en contra.
La legendaria franquicia de videojuego de lucha Mortal Kombat tuvo su comienzo cuando arrasó en la década del noventa, volviéndose un clásico instantáneo y generando, además, algunas polémicas con respecto a la violencia en los videojuegos. El éxito llega hasta la actualidad y también tuvo un paso por la televisión y el cine. Los fanáticos pueden dedicarse a analizar las mil y una diferencias entre cada juego, serie de animación o película, pero la que se estrena en el año 2021 no requiere tener un conocimiento previo para disfrutar de la espectacularidad visual. Corrijo: el espectador novato no sabe que lo requiere, por eso solo le queda disfrutar. Si uno espera de Mortal Kombat peleas, entonces ha llegado al lugar adecuado. Hay pelea tras pelea. En el prólogo, en la presentación de personajes, en los entrenamientos y en las batallas finales. También hay sangre, mucha, lo que muestra respeto por el origen de la historia. Ver una producción de alto presupuesto sangrienta hoy en día casi un milagro. No es una película del costo de una de superhéroes, pero tampoco un film clase B. Y las fatalities son una maravilla gore que sorprende en el año 2021. No hay otra cosa en la película. Los roles secundarios tienen buenos actores y los principales son los clásicos gestualidad reducida que se necesitan aquí. No se equivocaron en el casting. No es una película para todos los gustos, no conformará a la mayoría, no busca congraciarse con públicos opuestos. O les gusta Mortal Kombat o vayan a otra sala. Hay algo de dignidad en elegir y no buscar la demagogia de querer abarcar todo.
La lucha voluntarista del cine de animación que no hacen los grandes estudios de Hollywood pero intenta copiarlos tiene aquí otro exponente irrelevante y mediocre. Freddy es el joven heredero de una manada de hombres lobo buenos cuyos únicos enemigos son los perros. Cuando intenta seguir a su familia durante una patrulla nocturna utilizando una Piedra Lunar mágica, termina convirtiéndose en un caniche, víctima de la burla de unos niños que lo tiñen y lo convierten en una ridícula mascota perruna y no en un poderoso lobo. Solo y perdido, encontrará inesperados aliados en los perros callejeros. Inesperado para él, porque se trata del lugar común más visitado de todo el cine de animación con protagonistas animales. Todo es irrelevante y de segunda línea. Fácil de comprar para la distribución internacional y tal vez del agrado de algún niño que ya de chico tiene poca exigencia como espectador. Solo un par de gags subidos de tono y algo pesados le dan identidad a esta película sin importancia.
Robert De Niro nació el 17 de agosto de 1943 en Greenwich Village, Nueva York. Comenzó su carrera en cine en la década del sesenta, ascendiendo a lo más alto en la década siguiente. Sus trabajos junto a grandes directores como Brian De Palma, Francis Ford Coppola y en particular Martin Scorsese lo convirtieron en leyenda. Un gigante entre gigantes. Supo también reinventarse y hacer algunos excelentes roles ligeros, mostrando verdadera versatilidad. Pero también apareció en películas como En guerra con mi abuelo, un título que nos empuja a recordar todo lo bueno que hizo para no enojarnos con él. La única pregunta que suena en la cabeza del espectador al ver esta porquería es: Por qué Robert De Niro hace algo así? No contesten por dinero, por dinero se pueden hacer películas mediocres, pero no estas cosas insalubres. Ed (Robert De Niro) ha enviudado. Sus conductas algo alocadas muestran que no está en condiciones de vivir solo. Por eso su hija (Uma Thurman) decide que se mude con su familia. Pero esto provocará que Peter, el nieto de Ed, pierda su cuarto para que lo ocupe su abuelo. Esto desatará una batalla entre ambos parientes testarudos. La película es una comedia. Al menos eso se deduce de los golpes y porrazos que abundan en esta batalla entre generaciones. Los amigos de Peter y los amigos de Ed (Nada menos que Christopher Walken, Stephanie Seymour y Cheech Marin) son parte de esta guerra. El elenco es de lujo, pero no hay manera de reírse. Todo lo contrario, la película provoca que la cara se petrifique por la ausencia absoluto de gags efectivos. Al final habrá orden y un final feliz. Pero la mayor felicidad es la de saber que la pesadilla terminó y que nunca más nos volveremos a cruzar con este titulo infame que produce más pena que otra cosa.