Ya no es necesario anunciar que en el cine argentino hay mucho cine de género. Tampoco hay que aclarar que el terror tiene un número creciente de títulos que van armando una historia en las últimas dos décadas de nuestro cine. Se han hecho en Argentina más películas de horror en este siglo que en todo el siglo pasado. Lo que cuesta es que aparezcan títulos que brillen en la taquilla y vuelvan a estas películas tan populares como lo son en otros países. La funeraria (2020), con guión y dirección Mauro Iván Ojeda parte de ideas prometedoras pero no consigue plasmar su ambicioso plan. Las obras no se juzgan por sus intenciones sino por sus resultados y esta película no es una excepción. Bernardo dirige una funeraria y su familia vive detrás de la misma. Un planteo inicial muy interesante que tiene algunos momentos inspirados. El mundo de los vivos y de los muertos convive en una disfuncionalidad que abarca dos planos. Con el avance de la trama se irá develando el misterio detrás de las presencias y cuanto más nos acercamos al desenlace más lejos quedamos satisfechos con la resolución del director. También queda claro que las limitaciones de presupuesto suelen acotar las chances de cubrir con técnica las falencias artísticas. Y que hay actores veteranos como Luis Machín que no encajan con la nueva generación de cine. Para compensar, Celeste Gerez si interpreta correctamente su rol y Camila Vaccarini está a la altura del género, su trabajo es digno de un gran exponente del terror en cualquier cinematografía. Un film más para la estadística y para quienes quieran ir armando una historia del cine de terror en Argentina.
Muchas películas malas se dan cita en Sin rastros (The Vanished, 2020). Como una esas variantes de mal cine es la vuelta de tuerca final, el espectador que tenga tiempo y ganas de tolerar esta historia hasta el final recibirá su merecido castigo. Están avisados, nada justifica que vean esta película. Un matrimonio va de campamento con su hija. Viajan en una motorhome en la cual llegan a un lugar soñado. Conocen a varias personas algo raras, pero nada fuera de lo común. Hasta que su pequeña hija desaparece y empieza ahí una desesperada búsqueda de la pequeña. Aunque la historia hace agua por todos lados desde el comienzo, el espectador puede ser tolerante y perdonarle todas las cosas sin sentido que ocurren. Aunque la película está dirigida por un actor, el irrelevante Peter Facinelli, una de las peores cosas que tiene la película es el trabajo de los actores. Anne Heche y Thomas Jane, los dos protagonistas, están fuera de todo y fallan en absolutamente todas las escenas, subrayando sus sentimientos y avisándole cosas al espectador que el guión no puede avisar. Jason Patric, como el policía local, tiene un poco más de dignidad dentro de esta película fuera de todo rumbo y sentido.
El escuadrón suicida tiene una generosa cantidad de elementos y contradicciones que la convierten en una película interesante, pero a la vez la liberan de ser coherente o seria. Repite la fórmula más perezosa del cine al tiempo que la cubre con sus propias ideas. ¿Y cuál es esa idea? Muy sencillo, cada cual puede elegir su propia aventura. Personaje espantosos, cínicos, imposibles y mal actuados, mezclados con otros nobles, clásicos y emocionantes. Con cosas que resultan completamente insufribles como Harley Quinn, interpretada por tercera vez por la gran Margot Robbie en un papel que ojalá pueda abandonar cuando antes, a otras hermosas como el tiburón digital con la voz de Sylvester Stallone. James Gunn se repite y busca hacer nuevamente Guardianes de la galaxia, pero con más cosas, porque así es el cine actual, más cosas para convertirse en menos de lo mismo. En 1967 Los doce del patíbulo contó todo lo que se cuenta acá pero bien. Aportó complejidad, humor, acción y ambigüedad moral de una forma que este mamotreto no puede ni soñar. Le agradecemos a Gunn ser un poco menos estático y aburrido que la mayoría de las películas de superhéroes, pero aun así está oda al vale todo no cierra. No hablamos del vale todo el cine, sino de la historia que elige contar. La disparatada nación Latinoamericana con elementos argentinos es graciosa y aburrida a la vez, jugando en el fleje de la pavada, cayendo de un lado y del otro en varios momentos. Aun no aprendí a reírme de la muerte de los héroes, no está en mi naturaleza, aunque acepto que sean las reglas anárquicas de la película. Y después la pereza de la grandilocuencia que es idéntica a la de los bodoques que hacen los demás films. Me gustaría que la anarquía no alcanzara al guión y sus arbitrariedades, y que la narración fuera más sólida. El escuadrón suicida tiene una catarata de chistes bobos mezclados con chistes buenos. Quién tira cien chistes puede tener la suerte de acertar la mitad, lo mismo pasa con sus personajes y todas sus ideas. La mitad son brillantes, la mitad son tontas e incoherentes.
Inteligente y original adaptación del libro de Jack London, ambientada en Italia. Martin Eden es un chico humilde marinero que se gana la vida con el trabajo diario. El destino lo cruza con Arturo, un joven de clase alta, a quien Martin defiende de una agresión. Agradecido, Arturo invita a Martin a su hogar y poco a poco le va permitiendo entrar en su estilo de vida. Eden conoce así las ventajas de la educación, y ve esto como una oportunidad para progresar y convertirse en el escritor, mientras lleva una vida de lujos. Además, cuando Martin conozca a Elena, la hermana de Arturo se enamorará al instante. Esta ambiciosa película retrata la Europa del siglo XX. Habla de la lucha socialista, del individualismo, del proletariado y la clase alta y de las grandes guerras. De la ilusiones y el desencanto, de la pasión y del destino. Eden es un personaje rico y complejo, como la película. No compra ningún discurso cerrado y choca con los dogmas de todos lados. La película no se deja encasillar ni se estanca en ningún momento. La mezcla de material original y un excelente uso de material documental le da a la película una dimensión poética inesperada y a la vez luminosa.
La película arranca como una sátira de la televisión. Lo hace con conocimiento del tema y aun para los que no entiendan los guiños que el film tiene, queda en claro que describe un mundo despiadado y mediocre. No se refiere a toda la televisión, sino puntualmente a la de chimentos. El director pone casi toda la carne en el asador en las escenas iniciales, pero lamentablemente la puesta en escena no mantiene el mismo nivel de dedicación. Un presupuesto limitado se adivina a cada momento. La sátira troca rápidamente hacia comedia negra y con ese cambio surge la esperanza de una película más sofisticada. Pero allí se encuentra con dos problemas: en primer lugar una protagonista sin ninguna gracia, incapaz de lograr una escena graciosa y al mismo tiempo sin chances de generar empatía alguna con los espectadores. El otro problema es que la película pega un giro más y decide volverse policial, dejando de lado ese humor en el guión que parecía ser el tono más efectivo. Los realizadores pueden haber visto otros films sobre los ascensos despiadados en televisión, como por ejemplo Todo por un sueño (To Die For) de Gus Van Sant, pero si fue así no queda del todo claro. Lo que sí es obvio es que buscan un espíritu hitchcockiano en muchos momentos. No es mala idea, pero una vez más el problema es la actriz. En una película de Hitchcock no importaba quien fuera el personaje, siempre queríamos que se saliera con la suya. Acá eso no pasa en ningún momento de la película.
Jungle Cruise es una película de fórmula. Esto no es ni bueno ni malo a priori, aunque obviamente le pone un límite a la película. Ni hablar del hecho de que está basada en una atracción de Disney, lo que le da otra base algo disparata y forzada. Pero la fórmula está construida sobre tres grandes films: La reina africana (The African Queen, 1951) de John Huston, Tras la esmeralda perdida (Romancing the Stone, 1984) de Robert Zemeckis y La adorable revoltosa (Bringing Up Baby, 1938) de Howard Hawks. Tres películas unidas por la comedia basada en la lucha de los sexos. Las dos primeras pertenecientes al género de aventura y la tercera una pura Screwball Comedy. Ambientada en 1916 durante la Primera Guerra Mundial en Sudamérica. Allí, el capitán de un pequeño barco turístico, Frank (Dwayne Johnson) sobrevive a duras penas entreteniendo a turistas como en una atracción de parque temático pero hecha en el mundo real. Las cosas cambian cuando una valiente y alocada científica (Emily Blunt) y su hermano (Jack Whitehall) lo contratan para viajar a buscar el Árbol de la Vida, que se cree que posee poderes curativos. En paralelo, el dueño de todos los barcos del lugar, Nilo Nemolato (Paul Giamatti), intenta detener el viaje y un demente príncipe alemán llamado Joaquim (Jesse Plemons) busca llegar antes que nadie al lugar del asombroso árbol. La pareja protagónica tiene un talento para la comedia que le permite estar a la altura del timing de los films que inspiraron a Jungle Cruise. Un jaguar recorre la trama para que nadie dude de dichas influencias. A pesar de la era de la cancelación que persigue al cine y en particular a Disney y a la atracción que inspiró este film, alguien tuvo la buena idea de generar alocados estereotipos raciales tan confusos y contradictorios que son verdaderamente desopilantes. Hay lugar para la corrección política, pero los excesivos personajes de Giamatti y Plemons son dos delicias salidas de las viejas comedias previas a toda corrección, algo que se agradece. Pero la fórmula mencionada al comienzo parece haber llevado a los productores a querer ir a lo seguro y agregar otra entrada bien Disney: Piratas del caribe: La maldición del Perla Negra (Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl, 2003) que termina siendo lo menos interesante de la película aunque lleve consigo el clímax del film. Un poco de mezcla que le quita algo de la todavía predominante simpatía que tienen los protagonistas y la historia. Jaume Collet-Serra, el director, es uno de los grandes artesanos del cine actual. Y esta película es entretenida, muy graciosa, fácil de querer.
M. Night Shyamalan es un director cuyo esplendor fue a fines de la década del noventa, con la película Sexto sentido. Confirmó su talento con El protegido y luego las aguas comenzaron a dividirse con Señales y La aldea. Luego cayó en desgracia y hoy tiene fans pero también es uno de los favoritos de los odiadores, que suelen cargar su furia contra él más que con casi cualquier otro director. Cada película suya sigue mostrando ambición y estética, pero hay algo que parece no encajar como lo hizo con aquellos films de hace veinte años. Viejos (Old, 2021) es la nueva película del director y viene a confirmar que ya entró en la categoría de mito del eterno retorno. Es decir que algunos anuncian que ha vuelto a su mejor forma mientras que otros difícilmente puedan seguir digiriendo sus películas. Old está llamada a dividir aguas, lo que es un disparate, ya que se trata de cualquier cosa menos de una película lograda. Un matrimonio y sus hijos consiguen unas vacaciones soñadas en un hotel paradisíaco en el Caribe. Ellos están en crisis de pareja y además ella está enferma. Intentan ocultarle esto a su hija preadolescente y a su hijo de seis años. Todo es más que soñado, hasta que les ofrecen un día en una playa secreta escondida detrás de unas rocas. Ellos y otros visitantes son llevados allí pero algo ocurre en el lugar, el tiempo transcurre de manera diferente, y ellos quedan atrapados en una situación de la que deben escapar si quieren vivir. La película estaba basada en una novela gráfica, pero si no lo supiéramos daría la sensación de estar inspirada en un cuento de ciencia ficción. Gran parte de las escenas catastróficamente resueltas serían más lógicas leídas que vistas. Muchas cosas no tienen sentido alguno y se nota. En un buen film de Shyamalan no podrían decir muchos de estos disparates y no nos daríamos cuenta por la fuerza narrativa. Pero acá la locación casi excluyente, los pocos personajes y el conflicto principal nos llevan a concentrarnos aun más en la película. Pocas películas profesionales he visto con tal cantidad de agujeros de guión y contradicciones. Hay muchos elementos aislados que son verdaderamente interesantes, pero son arrasados por la siguiente mala escena. Además, la película tiene un particular fervor por explicar todo con los diálogos, desde el comienzo hasta el último minuto. Algunos diálogos son obligatorios porque no hay manera de entender lo que pasa sin ellos, pero otros subestiman al espectador sin más. En cuanto a la puesta en escena M. Night Shyamalan tiene sus pequeños detalles visuales, pero en general se concentra en un encuadre de tipo vanguardista estilo década del sesenta. Es decir: está mal encuadra pero a propósito. Esto le agrega solemnidad y un elemento pretencioso que arrasa con cualquier empatía que pudiéramos sentir por la historia. No llega a ser una comedia porque el guión no lo permite, pero está a punto de serlo todo el tiempo. Incluso para los estándares de los últimos films de Shyamalan esta película falla. Una vez más: su verosímil es más literario que cinematográfico. El mostrar obliga al espectador a preguntarse cosas y la película no tiene respuesta alguna. Las resoluciones finales son particularmente perezosas y decepcionantes. No hay sorpresa, solo hay fastidio.
Los hermanos Templeton, Tim y Ted, se han convertido en adultos que se han alejado el uno del otro. Tim es ahora un padre de familia y Ted es un líder y CEO. Pero la hija de Tim es una nueva jefa en pañales. Tan disparatado como el film anterior, pero subiendo la apuesta para que la diversión sea total. La película respira una libertad poco habitual para el cine de animación actual. Los personajes son delirantes, toda la trama apuesta al humor y no se preocupa por se correcta o medida. Se lanza a la locura con convicción y el resultado es una gran comedia donde todo puede pasar. Aunque hacia el final es un poco más convencional, igual funciona en la emoción y son pocos los minutos en los cuales Un bebé en pañales 2 pierde su magia. Las voces originales son un lujo y no importa que tan bueno sea el doblaje nunca estará a la altura de los talentos de actores como Alec Baldwin y Jeff Goldblum, entre otros. Más que digna secuela, muy recomendable.
Hay una tendencia a sobrevalorar el trabajo de los actores cuando se convierten en directores. Más aun sí el actor es famoso por hacer comedia y su película no lo es. Así es como John Krasinski consiguió que su película de terror Un lugar en silencio recibiera toda la atención que tal vez no le hubiera proporcionado un director no famoso. Pero la película estaba realmente bien y la taquilla también la acompañó. Lamentablemente decidieron hacer una segunda parte y de alguna manera arruinar aquella experiencia. Está claro que Krasinski eligió como director la opción de ser clásico, respetaron los géneros, y salir más que airoso del compromiso. Una película sobria y bien narrada con una secuela que repite el concepto. Se luce y responde a su fans con un gran prólogo donde aparece su personaje y luego vuelve a contar de forma eficiente otra historia en el mismo universo devastado con alienígenas especialmente sensibles en su audición. Si alguien dice que está bien, no se equivoca, si alguien dice que es menos de lo mismo, también tiene razón. Es ver el mismo truco una y otra vez, pero para mí un escalón abajo. Esperamos otra historia del mismo director y no más secuelas.
Se estrena en Argentina esta película española pocos días después de la muerte de Raffaella Carrá y lo que era un homenaje en vida se transforma en una comedia romántica con tono agridulce por las tristeza de que la cantante ya no esté. Pero la película es del 2020 y sí pudo Raffaella disfrutar de un resurgimiento de su figura, al menos en Europa. En condiciones normales tal vez se podría haber generador un verdadero furor, pero para ser exactos, Raffaella nunca fue olvidada. Hace poco vi nuevamente Bárbara (1980) la comedia musical que filmó en Argentina y aun con todos sus defectos su figura era tan arrebatadora y carismática y sus canciones tan luminosas que valió la pena ver una vez más. Quien quiera verla en un rol más breve y serio puede observarla junto a Frank Sinatra en El expreso de von Ryan (1965) Pero yendo a Explota, explota la historia transcurre en la España de Franco, al final de su dictadura. Una joven bailarina se encuentra con la oportunidad de actuar en televisión en el momento en el cual la censura pelea, sin saberlo, sus últimas batallas. La joven en cuestión es María (Ingrid García-Jonsson) quien ha huido de Italia dejando a su novio en el altar y conoce en España a un joven que resulta ser el hijo del censor. Sum mejor amiga, Amparo (Verónica Echegui) tiene toda la energía y la desfachatez para hacer que María se vaya animando a dar sus primeros pasos. Y la fuerza que lucha contra la censura, la amargura, el desamor y la oscuridad es la música de Raffaella Carrá. Sus canciones tienen la libertad que esa sociedad niega y una mirada vital del amor, la pareja y la vida que resulta doblemente valiosa en ese contexto y aun más a la distancia. Sus canciones son hábilmente explotadas, valga el juego de palabras, por el guión. Sin que sea un musical deslumbrante, la lluvia de colores y la enfuria erótica de la cantante se captan a la perfección. El discurso del amor que Raffaella Carrá esparció por el mundo hoy nos resulta evidente a todos, pero en aquel momento se lanzaba en diferentes grados de sutileza que en este film se manifiestan abiertamente. Para los que la admiramos la película tiene un regalo en la escena final que justifica todo. Lo que hubiera sido una alegría total se transforma ahora es un momento para que se nos caiga una lágrima de emoción. Valga como homenaje también esa lágrima, porque la alegría que ella nos dio igual nos acompañará siempre.