En 1968, Alabama, un niño se va a vivir con su abuela tras la muerte de sus padres. Un día, van a un supermercado y al niño se le acerca una bruja que intenta atraerlo con una serpiente y una barra de chocolate, pero su abuela lo llama y la bruja desaparece. Después de contarle a su abuela sobre el encuentro, el niño se entera de que las brujas son reales. Lejos de que el problema quede atrás, abuela y nieto terminan en un hotel donde se reúne una convención de brujas, incluyendo a la más poderosa de ellas. La película está basada en un libro de Roald Dahl, tiene guión de Robert Zemeckis, Kenya Davis y Guillermo Del Toro. Está dirigida por el propio Robert Zemeckis y ya hubo una adaptación que es citada aquí varias veces. Aquella versión de 1990 era más oscura e inquietante, pero se puede decir que en otros aspectos aquí se respeta más el texto. Como sea, la de 1990 es un film de culto algo sobrevalorado debido a su director Nicolas Roeg y está es directamente un desastre sin rumbo que se vuelve más irritante teniendo en cuenta los grandes nombres que participaron. ¿Cómo es que el director de Volver al futuro y Forrest Gump llegó a esto? No lo sabemos, pero ocurrió. La buena noticia es que cuesta creer que haga un film peor. Ha tenido algunos títulos fallidos, pero aun en esos casos Zemeckis sabía encontrarle la vuelta. Acá algunos planos bien resueltos pueden mostrar que hay un director, pero de ninguna manera uno a la altura de la carrera de Robert Zemeckis. La falta de orientación incluye a los actores, en especial a Anne Hathaway, definitivamente fuera de lugar, molesta todo el tiempo. Guillermo Del Toro quería que fuera un film de animación cuadro a cuadro y suena interesante. Para colmo de males, la película fue criticada por mostrar de forma negativa personas que tienen extremidades “cortadas”, lo que se conoce como ectrodactilia. La protagonista salió a pedir disculpas. Aunque nadie hace cine para herir sensibilidades, me pregunto cuánto le queda de vida al bochornoso cine actual si cada vez que se estrena algo hay que pedir disculpas a alguien. Lo malo sigue siendo la película, los pedidos de disculpa no afectan este desastre, solo afectarán el próximo.
Abigail (Christina Ricci), una madre soltera con dos hijos queda embarazada después de pasar una noche con Ben (Hamish Linklater). A partir de ese momento deberán decidir que hacer. No solo con el bebé, sino con la relación que aun no tienen. La comedia romántica independiente es un género en sí mismo. Con la libertad de poder ser un poco más agridulce que los films románticos industriales e incluso con margen para ser pesimista, esta clase de títulos suelen navegar por un tono mediano, simple, donde todo queda en menos de una pareja con química y un guión que tenga apuntes tiernos pero no edulcorados. 10 cosas que hacer antes de dejarte fracasa casi todo el tiempo en su cometido. Apenas puede producir una sonrisa y nada más. Con una duración de escasos ochenta minutos, la película se adivina fallida y sin encanto alguno. Olvidable y sin interés alguno.
El título Avalancha: desastre en la montaña promete una película de cine catástrofe y es una prueba más de la falta de respeto por los espectadores locales. Sí, hay avalanchas, pero la película, cuyo título original es The Climbers (Los escaladores), cuenta la historia de los escaladores chinos y su lucha por llegar a la cumbre del Everest. Es una película de aventuras, un drama, una película deportiva incluso, pero la idea de cine catástrofe pasa de manera lateral por la trama. La película está basada en los eventos de la primera expedición exitosa para escalar la cima del Monte Qomolangma (Everest), utilizando la ruta del norte (desde el Tíbet en China) en 1960. A pesar de los problemas que encontraron en el camino, tres montañistas chinos Fang Wuzhou, Qu Songlin y Jiebu, lograron llegar a la cumbre el 25 de mayo de 1960, convirtiéndose en los primeros escaladores que lo hicieron sin el suplemento de oxígeno cuando este se les agotó, siendo así en los séptimos, octavos y novenos visitantes del Everest. Sin embargo debido a que pierden la cámara mientras le salvan la vida a Qu Songlin, su logro no es aceptado por los alpinistas internacionales. La película cuenta también el proyecto de China de volver a realizar el ascenso más de una década más tarde, con mejores equipos y un despliegue aún mayor. La película, se nota desde el comienzo, elige la aventura por encima de la fidelidad histórica. Teniendo en cuenta que técnicamente no puede competir contra Everest (2015), la opción es un show entretenido lleno de escenas al límite, alejadas de la verosímil pero cerca del gran espectáculo. No es malo el resultado y la película es espectacular. Al mismo tiempo, toda la historia está teñida por un orgullo nacionalista que no se disimula. La película arranca con la Gran Hambruna y termina en los últimos años de la Revolución Cultural. El discurso patriótico lleno de orgullo es algo común en muchas cinematografías y China no es la excepción. La película no tiene el más mínimo espíritu crítico, al contrario, pero se centra en la reivindicación de lo valientes montañistas que encararon tan difícil empresa. Si a la película no le falta aventura, hay que decir que tampoco le falta melodrama. Todo es de una gran intensidad. Esta superproducción China tuvo, como era de esperarse, un gran éxito en su estreno y consiguió pasar por gran parte del mundo también por salas. La presencia de algunos rostros muy conocidos como Ziyi Zhang y más aun de la máxima estrella de China en una escena sorpresa al final (no diremos quien es, pero todo quien lo admira debe saberlo) son la prueba de que este producto de entretenimiento es también un evento nacional, motivo de orgullo.
Azul el mar cuenta la angustia que sufre una mujer al atravesar una crisis matrimonial, mientras añora un tiempo pasado en que sus hijos eran pequeños, y la pasión con su marido la hacía sentir viva. La familia, de vacaciones, vive una vida como la de cualquiera, funciona y disfruta de los momentos del veraneo junto al mar. Ese mar que parece contener todo el mundo interior de la protagonista. Sus miedos, sus deseos, su fuerza interior apagada, su ahogamiento también. Lo mejor de la película es la imponente presencia del mar, de esas aguas muy bien filmadas pero a la vez ubicadas con sentido dentro de la trama. Las escenas naturalistas de la vida de la familia se parecen tanto a tantas películas argentinas que vemos jueves tras jueves. Aunque la intención de la realizadora sea contraponer ambas cosas, lo cierto es que en el resultado se ve un enorme potencial visual, pero al mismo tiempo un camino ya recorrido muchas veces.
Los protagonistas, Poppy y Branch, descubren que no son más que una de las seis tribus de Trolls diferentes, repartidas en seis territorios y dedicadas a seis tipos diferentes de música: Funk, Country, Techno, Clásica, Pop y Rock. Un miembro de la realeza del rock, Barb, ayudada por su padre, el rey Thrash, desea destruir todos los otros géneros musicales para que el rock reine supremamente. Poppy y Branch, junto con sus amigos se dirigen a visitar a las demás tribus para unificar a los Trolls en armonía contra Barb, quien busca eliminarlos. Este es más o menos el argumento de esta secuela que supera al film anterior y resulta una divertida sorpresa. Cada paseo por un género es una serie de cambios estéticos y musicales espectaculares y las voces originales de cada uno de los personajes es un show en sí mismo. Anna Kendrick, Justin Timberlake, Jamie Dornan, Sam Rockwell, James Corden y Kelly Clarkson, entre otros, justifican la visión de la película en inglés. El cine también es esto, música y colores como en los grandes musicales del Hollywood clásico. El despliegue de personajes delirantes parece ilimitado y es terriblemente gracioso. Irresistible.
El matrimonio de Manolo y Candela Olmedo se instalan en el madrileño barrio de Malasaña, junto a sus tres hijos y el abuelo Fermín. Atrás dejan el pueblo y una historia dolorosa que quieren superar, al mismo tiempo que confía en la prosperidad de la capital para iniciar una nueva vida. Pero hay algo que la familia Olmedo no sabe: en la casa a la que se han mudado no están solos. Hay algo terrible que deberán enfrentar para poder sobrevivir. Otro ejemplo de cine de terror español contemporáneo que guarda similitudes con otros exponentes del género en ese país. Cuidada ambientación de época -la película transcurre en la década del setenta- y en general una aceptable calidad técnica. El problema grave e insalvable que la película tiene es que no confía ni en los actores ni en el guión, ni en la puesta en escena para crear una película de terror. Se supedita de manera absurda en el sonido y la música, pasando de un tono calmo a golpes de efectos terribles que producen más furia que miedo. Una patada en los oídos tra
Cecilia (Moro Anghileri) y su hijo emprenden un viaje. Al tercer día, luego de un choque, ella es encontrada deambulando sola, sin recordar lo que pasó durante este tiempo. Cecilia busca a su hijo y que la mete en el medio de una cacería salvaje, llevada a cabo por un fanático religioso (Gerardo Romano), con quien se enfrenta. El cine de terror argentino ya no es novedad, es todo un fenómeno y el realizador Daniel de la Vega tiene en su filmografía varios títulos en el género. Algunos más logrados que otros, pero siempre convencido del material que elige. Al 3er día no es uno de sus mejores films. La trama se adivina sin que esto tenga un beneficio para el espectador y las escenas no consiguen en ningún momento lograr momentos de terror. El elenco tiene algunas actuaciones breves pero buenas como la de Verónica Intile, pero en la mayoría de los casos es justamente la parte actoral la que limita mucho el resultado. Ni la protagonista convence, ni tampoco algunas participaciones como las de los actores veteranos Arturo Bonín y Rodolfo Ranni. No son los únicos rostros conocidos, por cierto. Gerardo Romano, por su parte, no da con un tono correcto en momento alguno y este es uno de sus peores trabajos. Es hora de pensar si sirve hacer un cine de terror local con caras tan conocidas como las que este film tiene. Una nueva generación o rostros menos conocidos podrían aportarle más valor a un género que no necesita famosos para funcionar.
Han pasado cuatro años desde que el brote de la epidemia zombie azotó a los pasajeros de un tren bala rumbo a Busan. Toda la península que forma Corea del Sur ha sido devastada y está en cuarentena. Un ex soldado llamado Jung-seok que vive en Hong Kong recibe una oferta que no puede rechazar para volver a la península. Allí se encontrará con un grupo de sobrevivientes y juntos deberán encontrar la manera de escapar. Para la secuela de la excelente Train to Busan se han realizado varios cambios. De hecho quien no haya visto aquel film, no tendrá el más mínimo problema con la historia de este nuevo título. La historia vuelve a ser sencilla, aunque menos focalizada que en la película del 2016. Hay más elementos en juego y eso le quita algo del rigor impactante que se veía en la primera. La historia está muy marcada por Escape de Nueva York (1977) de John Carpenter. Incluso la estética, no solo el argumento, tiene una impronta que se nota. Pero cuando uno ve los efectos especiales, la película se parece más a Escape de Los Ángeles (1995) también de Carpenter. Allí, los mencionados efectos eran poco realistas pero muy bellos. Y eso es lo que pasa aquí. Las escenas de autos y persecuciones son inverosímiles pero verdaderamente preciosas en lo estético. Una delicia que requiere la complicidad del espectador. Train to Busan 2 es divertida, claramente inferior a la anterior pero llena de ideas, con muy buenas escenas de acción y con un pequeño giro hacia las distopías de la ciencia ficción. Posee, como casi todo el cine coreano de género, un marcado gusto por lo melodramático, algo que sostiene hasta el final. Otra prueba de que el cine coreano tiene mucho para ofrecer en materia de entretenimiento.
Una chica tiene sueños de fama y llega a la ciudad a trabajar de bailarina, luego de que un empresario de relaciones públicas le promete ser su manager. Se transforman en amantes mientras él la instala en un lujoso departamento y la contacta con distintos poderosos para que alcance la fama buscada. En paralelo, un periodista de investigación busca la noticia que le permita salir de la decadencia en la que se encuentra. La televisión ya no busca la clase de periodismo que él hace. Los tres personajes se cruzarán y entrarán en una trama de poder, tráfico de influencias y sexo. La película no ofrece una sola escena que no sea un lugar común o algo ya visto. Ninguno de los roles principales va más allá de una caricatura y las actuaciones están afectadas por la misma simpleza obvia. Cuando la película busca ser un policial, es mediocre, cuando intenta decir algo importante, empeora. A pesar de los elementos reales que expone, todo se vuelve demasiado forzado y nada de lo que pasa produce la más mínima empatía. Al final, la película no se priva de hacer una bajada política obvia cargada de intención política.
Otra película de ciencia ficción rusa llega a la Argentina en este mes. Para sumarle misterio, se llama Sputnik, un nombre con muchos significados a los que en el 2020 se le sumó uno más. Pero aunque la película es de ese año, no tiene nada que ver con la vacuna, sino con el espacio, que es de donde el mundo se familiarizó con la palabra. Sputnik significa satélite en ruso, pero también significa compañero de viaje, por lo que el título de la película alude tanto al espacio como a lo que va a ocurrir allí. La historia comienza cuando dos astronautas están regresando a la Tierra. Algo ataca a la cápsula y el sobreviviente es aislado en una instalación militar soviética debido a sus extrañas conductas. Es el año 1983, todavía durante la Guerra fría, un incidente de esta clase debe permanecer en secreto tanto hacia afuera como hacia adentro de la Unión Soviética. La Dra. Tatyana Klimova, una joven psiquiatra que está en problemas por sus controvertidos enfoques profesionales es reclutada por el oficial a cargo, el coronel Semiradov, para ver si puede resolver que le ocurre al astronauta. Como se mencionó arriba, la palabra sputnik tiene doble significado y el conflicto central de la película gira en torno a esa compañía que el astronauta “ha traído” consigo. Intentando contener el desastre y a la vez tratando de aprovechar el hallazgo, los expertos buscarán la manera de entender a ese compañero de viaje que ha venido a la Tierra. La historia, que transcurre en instalaciones soviéticas de aquellos años, tiene esa arquitectura y esos colores agobiantes y decadentes que sumados a esta historia, generan claustrofobia y paranoia por partes iguales. Película de ciencia ficción y terror bien realizada y con buenos actores. Consigue aprovechar el clima opresivo de aquella época y tal vez sutilmente criticar el presente. Sin convertirse en una película fuera de serie, hace todo lo posible para no cometer errores ni caer en lugares comunes. Tiene algunas falencias, pero en promedio elige un tono y lo sostiene, asusta por momentos y arma una historia de forma clara y coherente, más de lo que hoy se suele ver en el género.