Javed es un adolescente británico de ascendencia paquistaní que se crió en la ciudad de Luton, Inglaterra. La historia arranca en 1987, en medio de la agitación racial y económica de la época, escribe poesía como un medio para escapar de la intolerancia de su ciudad natal y la inflexibilidad de su padre tradicional. Pero un día un compañero de clase le presenta la música de Bruce Springsteen y Javed ve paralelismos con su vida de clase trabajadora en las letras de The Boss. Una película que arranca como los clásicos del cine social de aquellos años y que troca en una historia optimista con toques de cine musical. La música por supuesto que ayuda y mucho, pero también hay que reconocer la película demuestra el valor de la música de Springsteen y su universalidad. Con pocos elementos, pero con mucha convicción, Blinded by the Light emociona y entretiene. Su idea es muy simple pero la lleva adelante con éxito.
Iris recibe en su casa a Maia, la hija de una amiga tucumana. Lo que parece un evento simple es el chispazo de una nueva etapa en la vida de ella. Iris vive con Jackie y con su mascota, el perro Caruso, en una existencia ordenada y sin sorpresas. Pero cuando la juventud asoma, también asoma la seducción, la vitalidad, la picardía. Comedia agridulce con momentos de gran inspiración. Una mirada inteligente y nada solemne sobre la fragilidad de los vínculos, sus espacios oscuros y la brisa vital del enamoramiento. La directora muestra este mundo de mujeres en escenas que no se parecen al tono habitual del cine argentino. Todo parece auténtico y cinematográfico a la vez. En cada instante hay verdad. Esta comedia sobre las relaciones humanas consigue la complejidad necesaria para asombrar pero sin perder por eso una narración transparente y sencilla. Cuando alguien sabe lo que quiere contar, se nota en la pantalla, y cuando alguien es auténtico con respecto al tema que trata, eso también se ve.
Dora la exploradora (Isabela Moner) llega al cine luego de ser durante años un clásico de la televisión para niños. Criada por sus padres en la selva, le ha llegado el momento de ir a la escuela secundaria. Pero sus aventuras como adolescente duran poco y Dora se verá obligada a llevar a sus amigos a una nueva aventura y búsquedas de tesoros. La película tiene mucha simpatía y una gran energía inicial. Divertida, vital, con algunos buenos chistes. Pero luego deberá tomar la decisión de mantenerse como un producto para chicos, ser una película de Indiana Jones o una comedia con guiños para el público adulto. En esa falta de rumbo la película comienza a perder potencia y queda en nada. Demasiada adulta para los más chicos, demasiado infantil para los adultos. Y por supuesto tampoco es un clásico del cine de aventuras. Es solo un ejemplo más de intento de explotar un éxito propio. En este caso, el negocio podrá funcionar, pero la película no.
Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile es el título original de esta film que aquí se estrena con el título de Ted Bundy: Durmiendo con el asesino. Sí, como si quisiera emular una ficción berreta en lugar de estar basada en la historia de uno de los asesinos más terribles de las últimas décadas. Se cuenta la historia de este carismático monstruo, asesino serial, cuyo juicio se convirtió en todo un evento que la película recrea de forma correcta en el guión pero de forma mediocre en la puesta en escena. Con la supuesta potencia que tiene el ponerse del lado de las dos mujeres que lo amaron, la película no encuentra en ningún momento el tono y se beneficia solamente cuando aparece el juez interpretado por John Malkovich. Dato curioso, todo lo ingenioso, veloz e interesante que dice el juez no es guión sino las verdaderas palabras que él dijo en el juicio. El juez hubiera sido mejor guionista seguro y tal vez mejor director también de esta película que se sumará a la larga lista de títulos vinculados con asesinos seriales pero sin ocupar de ninguna manera un lugar de privilegio.
Después de encontrar una cartera en el subte de Nueva York, Frances (Chloë Grace Moretz) averigua quién es la dueña y va a la casa a devolvérsela. La propietaria es una viuda europea llamada Greta Hideg (Isabelle Huppert), con quien Frances entablara una pequeña amistas que se transformará rápidamente en algo más siniestro. Frances intenta alejarse pero Greta la empezará a perseguir de forma sistemática. El director de la película es Neil Jordan, quien supo tener su momento entre la década del ochenta y del noventa. Nunca fue un cineasta de primer nivel, pero acá pasó definitivamente a la categoría de director del montón, incapaz de darle la más mínima identidad a la película. El único mérito que la película tiene es lograr que todo el talento de Isabelle Huppert se convierta en una serie de morisquetas sobreactuadas e lamentables. Lo que empieza como un film con cierto interés se convierte sin escalas en un importante bodrio de esos que ya eran insufribles hace treinta años atrás.
Mónica Galán interpretada a una actriz llamada Brisa. Está en un rodaje donde se la reconoce como la gran actriz que es. Pero más allá de su exitosa carrera profesional, su hijo adicto a las drogas representa para ella un enorme pesar. En estado lamentable, el joven vuelve y una y otra vez para pedir ayudar y robarle cosas, sin que Brisa sepa cómo resolver este drama. La directora Inés de Oliveira Cézar consigue una película estéticamente perfecta, pero a pesar de la belleza melancólica del blanco y negro, no tiene problema alguno en emocionar de forma casi permanente. La enorme complejidad de lo que se cuenta incluye un gran número de temas. El drama personal, los conflictos laborales, el cine dentro del cine, los viejos amores, las amistades, la realidad de los adictos a las drogas, todo esto está unido con una habilidad tal que nada queda desarmado o poco sólido. Incluso el mencionado blanco y negro por momentos convierte a Baldío en un film de estética film noir. Hay que insistir en la perfección técnica, algo poco habitual en el cine argentino, más habituado a una búsqueda de desprolijidad naturalista. Por supuesto que hay un elemento extracinematográfico que se termina metiendo en la película. Mónica Galán, la gran actriz del cine argentino, protagonizó este film sabiendo que sería el último. Esta despedida incluye un alto número de pequeñas apariciones especiales de grandes actores y un plano final tan bello como emocionante. No se necesita este dato extra para valorar Baldío, pero a modo de homenaje es bueno mencionarlo. Mónica Galán tuvo una despedida a su altura.
Luego de recibir un importante premio de literatura infantil, Clara necesita mudarse al campo con su familia, en busca de paz, cerca del lugar donde nació. Ahí se reencuentra con su viejo novio Ariel y su hermano Carlos, ambos amigos de la infancia. Esta historia de persona de éxito que vuelve a sus orígenes para encontrarse a sí misma es un punto de partida que ha sido utilizado muchas veces. Es un buen comienzo, un arranque que puede dar grandes resultados. La directora elige un tono sin estridencias, tal vez demasiado apagado. Pero el problema es una protagonista carente de cualquiera carisma, imposibilitada de transmitir la más mínima emoción o expresión que ayude a entender que tiene algún conflicto. Las películas pueden caer por muchos motivos, en este está claro que la gran culpa de que las cosas nunca terminen de encuentra un rumbo es la actriz.
Una mujer camina por el desierto. El paisaje es imponente, la poética voz en off arruina completamente la escena. La actriz (Emilia Attías) que habla e interpreta al personaje de actriz en la película destroza toda esperanza de una buena película. Aun así, el paisaje hace fuerza por hacerse un lugar con su enorme belleza. ¿Tan complicado es hacer una voz en off? Si algo no sale, algo como una voz en off, mejor sacarlo de la película. La actriz camina con zapatos de taco por el desierto. Lo hace durante diez minutos, hasta que llama más la atención eso que lo que le pasa. Un personaje raro (Adriana Salonia), extraño, sobreactuado y ridículo, con aires de personaje imaginario, la busca y le pide que vuelve a su vida de actriz exitosa. Menos de setenta minutos dura este largometraje que se vuelve largo, pesado, pero mayormente absurdo. Los paisajes luchan, insisto, por darle belleza a todo. No hay nada por hacer. La voz en off vuelve a aparecer para cerrar la historia. Aquí no ha pasado nada, la historia nunca interesa.
La película cuenta la historia de Aurora Sánchez heredera de una familia de revolucionarios y la evocación que ella hace de su gente. La historia que se inicia con la lucha de sus padres en la España republicana y su posterior arribo a la Argentina y luego pasa al Latinoamérica. Documental de narración torpe, deshilvanada, sin una sola interesante en lo narrativo. Confiando en una protagonista que no parece particularmente interesada en hablar a cámara. Confusiones ideológicas varias, mezclando la Guerra Civil Española, con el sandinismo, con el nefasto movimiento Todos por la patria que llevó adelante el ataque al Regimiento de La Tablada durante la democracia en Argentina. El sueño de una revolución que perdió el rumbo hace muchos años y que la película, tal vez sin querer, termina mostrando como algo lamentable. Los que lucharon contra el fascismo y la dictadura, en la misma bolsa que los mesiánicos fascistas que jamás buscaron la democracia en Latinoamérica. Sin duda es falta de talento cinematográfico de los realizadores. Pero una cosa es sentarse a debatir a nivel ideológico y otra es otorgarle valor cinematográfico al enésimo documental que se produce en Argentina sobre la frustración de una generación que aun hoy no reconoce sus propios errores ni intenta la más mínima crítica. Es incluso triste ver una película como esta, que a no ser porque se festeja a personas que asesinaron a inocentes, podría dar más vergüenza ajena que otra cosa. La única secreta esperanza es que los directores estén siendo sutilmente críticos de todo eso, pero lo dudo.
Once Upon a Time… in Hollywood tiene un doble sentido que alude tanto a los films de Sergio Leone como a la idea de cuentos de hadas. Es más fácil imaginar a Quentin Tarantino homenajeando al maestro del western spaghetti que evocando desde su título al universo de los cuentos. Al ver la película queda en claro que Tarantino es fiel a sí mismo pero también va buscando nuevas ideas y formas en sus relatos cinematográficos. Los protagonistas de la película son el actor Rick Dalton (Leonardo Di Caprio) y amigo, empleado y doble de riesgo Cliff Booth (Brad Pitt). Rick ha hecho algunas películas menores pero su fama es por haber sido la estrella de un exitoso programa de televisión, un western llamado Bounty Law donde interpreta a Jake Cahill, un cowboy caza recompensas. Durante esos años y los siguientes, Cliff ha sido su doble de riesgo. Su paso de la televisión al cine no ha sido exitoso y ahora hace pequeños roles de villano invitado en diferentes series. En paralelo a la historia de estos dos amigos y compañeros de trabajo la película cuenta la historia de Sharon Tate (Margot Robbie), actriz en franco ascenso en 1969, año en el que transcurre la película, casada con Roman Polanski. Tate y su marido viven en la casa contigua a Rick Dalton. Mientras vemos la angustia por el posible final de la carrera de Rick, vamos viendo el éxito y el luminoso futuro de Tate. Pero también hay otra historia, la del clan Manson, liderado por Charles Manson, que va apareciendo en varias escenas del relato. El clan Manson y Sharon Tate son personajes sacados de la realidad, Dalton y Booth son personajes con diferentes inspiraciones pero inventados por Quentin Tarantino. Lo primero que no sorprende pero resulta inusual para los tiempos que corren es que Quentin Tarantino no renuncia a su naturaleza en ningún aspecto. Su costado menos agradable y ambiguo sigue vigente, pero en el marco de un cine cada vez más pacato y acorralado por la corrección política, que alguien sea fiel a sí mismo es un lujo que se agradece pero que además se nota. No es que la película sea desagradable, al contrario, está filmada con estilo y su belleza es enorme. En épocas en las que el cine parece haber dejado de ser cine, Tarantino, como un puñado de directores que aún sobreviven, es el recordatorio de otra forma de entender la narración. Liberado del exceso de trucos con la línea de tiempo, el director cuenta de forma muy fluida y entretenida todas historias que ocurren en paralelo. Como siempre, se excede en la duración de algunas escenas y se regodea en algunos momentos alargando toda la trama. Pero siempre es divertida la película y también siempre resulta interesante lo que cuenta. Algo no tan común en Tarantino es que sus temas parecen asomar más allá de su desenfrenada cinefilia. Eso le da mucho más corazón a sus personajes y su historia. Rick Dalton es alguien que se pregunta todo el tiempo si ha llegado su fin, alguien cuyo futuro en Hollywood parece incierto y le atormenta el estar fuera de juego. Su amigo, más simple, sabe que tienen un destino en común, pero vive las cosas más relajado. Su vecina, Tate, es todo lo contrario. Es alguien que se pregunta todo el tiempo si acaso ha llegado su mejor momento, si su tan deseada fama alcanzará la cima y a cada paso se la ve feliz, luminosa, alegre. Viendo cómo está el cine hoy, Tarantino está más cerca de Rick Dalton que de Sharon Tate, aunque a ella la retrata con absoluto amor y fascinación. Así como fueron descriptos los personajes, así son las tres brillantes actuaciones protagónicas. A continuación se analizan las escenas finales de la película, quien no la hayan visto deberían dejar de leer acá porque se adelantan elementos claves de la historia. Cabría preguntarse hasta qué punto el espectador no cinéfilo podrá entender de la misma manera que el cinéfilo lo que pasa en la historia. Todo se entiende, pero dudo seriamente que quien no conozca a Sharon Tate y su vida puede valorar o interpretar de la misma manera toda la historia. También habrá quien no conozca a Roman Polanski, Sergio Corbucci, Steve McQueen, Dean Martin o las series El avispón verde o Mannix, entre otras docenas de referencias con cierta relevancia en la película. Pero sin duda la clave es Sharon Tate y el Clan Manson. Eso lo cambia todo. Había una vez… en Hollywood tiene varios rasgos de inteligencia a nivel guión y construcción de escenas que merecen ser destacadas. Un uso del suspenso muy inspirado y efectivo, a la vez que arma con sobriedad algunas puestas en escena perfectas. Pero lo que más sorprende de la película es su libertad para imponer el cine por encima de cualquier otra cosa. Ni la corrección política, ni la verosimilitud, ni tampoco los hechos reales en los que parcialmente se inspira lo desvían a Tarantino de sus ideas. O mejor dicho, lo encaminan hacia dónde quiere ir, lo ayudan a decir lo que quiere decir. Había una vez en Hollywood… dos hombres que parecían quedarse afuera del sistema y una actriz que parecía destinada a estrella… al final todos lograron recuperarse, convertirse en héroes ellos y seguir con una vida feliz ella. El final es la promesa de que Rick Dalton entrará en las ligas mayores finalmente, mientras Sharon y Roman podrán disfrutar de su fama y de su bebé. Ahí aparece el cuento de hadas del título, porque no fue así. Esa noche los monstruos del Clan Manson arrasaron con la vida de Tate embarazada de ochos meses y cuatro personas más. Quienes conozcan esa historia a fondo verán en este final es una manera en la que Tarantino nos da un final de cuento de hadas para uno de los episodios más horribles de la historia. El director salva a la actriz y sus amigos, llevando al Clan Manson a la casa de Rick Dalton, donde él y el propio Rick los repelen de forma violenta, sangrienta y catártica. Todo el dolor que aquella historia provocó es borrado en este final feliz de profunda melancolía. Tarantino no borra la historia, solo nos permite recordarla mientras nos da el perverso placer de ver como mueren los asesinos de la vida real a manos de nuestros protagonistas. En la década del sesenta terminó de irse el Hollywood clásico. Tarantino recorre nombres, fachadas, cines, todo lo mira como lo que era: la época en la que una película realmente tenía valor. Hacer cine, trabajar en cine, todo eso era importante. Los directores mediocres suelen hacer películas de Hollywood odiando a Hollywood, los que de verdad aman el cine, hacen lo que hace Tarantino: una declaración de amor. ¿Sino para que hacer una película en Hollywood sobre Hollywood? Emociona como casi nunca Quentin Tarantino aquí. Extraña una forma de realizar y entender el cine. Qué hoy parece tan lejana, olvidada, desechada. Había una vez… en Hollywood la trae nuevamente a la vida, como a sus protagonistas, en particular a la incomparable Sharon Tate.