La escuela secundaria Manuel Mujica Láinez de Villa Lugano, está ubicada en un lugar donde se registran los mayores índices de pobreza de la ciudad de Buenos Aires. Durante todo un año se filmó el día a día de un taller escolar con jóvenes, trabajando en el armado de un mapeo colectivo del barrio. A través del registro minucioso se construye la vida interna propia del aula, al mismo tiempo que surgen las problemáticas externas que viven los estudiantes. La película tiene como gran mérito mostrar el debate de los alumnos que, más allá de la bajada de línea obvia y si matices, de verdad exponen puntos de vista. Es más sincero el debate de esos alumnos que las discusiones políticas de políticos y cineastas que no son capaces de ver las cosas desde un punto de vista honesto y sincero. Hay diferentes puntos de vista de verdad, expresados con respeto, mostrando que no son tan sencillas las cosas cuando la realidad se vive de primera mano, sin especulaciones ni agendas. Se podría decir que la película no consigue a lo largo de toda su extensión la complejidad de esos debates, pero permite que esos debaten estén, lo que ya es un avance para los documentales políticos argentinos, más afectos a confirmar sus certezas previas que a encontrarse con algo novedoso o fuera de lo buscado al inicio del proyecto. El rescate de esos adolescentes más allá de cualquier prejuicio es el gran logro de la película.
Hay películas que tienen el éxito asegurado y esta secuela de Angry Birds es una de ellas. Por ese motivo alguien puede creer que van a tirarse a hacer la plancha y no esforzarse más que lo justo. Pues no es así, los personajes vuelen a las andadas y esta vez deben unir sus fuerzas con los villanos cerdos de color verde para enfrentarse a una fuerza mayor. Esta secuela del éxito basado en el videojuego desarrollado por Rovio mezcla la comedia más delirante con la estructura del cine de James Bond para dar como resultado una comedia que sorprende de punta a punta. Aunque algunos recursos, como la excelente utilización de la banda de sonido, los usa en exceso, el promedio de risas genuinas es muy alto. Hay mucha libertad y diversión en The Angry Birds Movie 2 y se nota desde el comienzo. No hay tanto temor a que los chistes puedan ser un poco incorrectos ni a los detalles ambiguos que harían temblar a cualquier productor de cine asustado por la corrección política. Comedia disparatada y de la buena, segunda parte.
En 1990 Luc Besson estrenó la película Nikita. El perfecto elenco estaba integrado por Anne Parillaud, Tchéky Karyo, Jeanne Moreau, Jean-Hugues Anglade y Jean Reno. La estética de esta historia policial y su tono agridulce la convirtieron en un verdadero clásico. Besson había llegado a su punto más alto y su siguiente film de ficción, El perfecto asesino, terminaría de darle prestigio y fama mundial. Luego tendría varios éxitos con películas populares, pero ninguna volvería a estar a la altura de Nikita. Las heroínas ambiguas de Luc Besson, que llegó a incluir a la mismísima Juana de Arco en su lista, se le suma ahora Anna, la protagonista de su nueva película. Anna es una chica joven y bella que de su vida marginal con aspiraciones de ser agente termina convirtiéndose en modelo. El mundo absurdo bien de la década del noventa y propio del cine de Luc Besson. Bueno, termina siendo modelo y agente, más específicamente asesina de la KGB. Anna tiene una jefa experimentada interpretada por una gran actriz, Anna tiene dos intereses románticos y Anna es la mejor asesina posible. Y Anna, que logró salir de una vida de autodestrucción, también tiene dilemas morales, además de ser una máquina de matar con la belleza de una modelo. Anna, es Nikita. Toda la película no es otra cosa más que una revisión del clásico de Luc Besson. Pero Nikita es una obra maestra y Anna es una estilizada adaptación con tono del siglo XXI. Es entendible que Luc Besson quiera volver a su film más logrado, pero de ahí a que lo logre hay una gran distancia. El entretenimiento funciona hasta que en las escenas finales se derrumba por culpa de una pérdida de ritmo producto de un edulcorado cierre. Lo mejor que tiene el film es recordarnos que existe Nikita y que tal vez sea hora de volver a verla.
Nanni Moretti es uno de los cineastas más originales e interesantes de las últimas décadas del cine italiano. Este nuevo estreno es un documental que cuenta la historia del golpe de estado que derrocó al gobierno de Salvador Allende en Chile, en septiembre de 1973. Existe una historia poco conocida sobre el papel de Italia durante aquel período de la vida chilena. El documental reconstruye el papel de la embajada italiana en Santiago de Chile en los meses siguientes al golpe, en particular como asilo para cientos de refugiados opositores a la dictadura militar de Augusto Pinochet, ofreciéndoles la posibilidad de ayudarlos a abandonar el país. Nanni Moretti intercala imágenes de archivo entre las cuales se destacan por mucho las del interior de la embajada, tal vez mucho menos conocidas que todo lo que se ha visto sobre aquellos años del gobierno de Augusto Pinochet. Luego realiza entrevistas a los sobrevivientes de aquellos años, incluyendo a los militares, algo no tan habitual en los documentales sobre las dictaduras sudamericanas. Aunque el montaje es exacto y los testimonios conmueven, no alcanza con esta nueva historia sobre un tema conocido. Santiago, Italia no es un documental que se destaque del promedio de documentales dignos en su factura que se han hecho a lo largo de los años. Moretti en persona aparece en un momento de la película discutiendo con un entrevistado y diciéndole “No, yo no soy imparcial”. Es verdad que no hay dos campanas para todos temas, pero algo de la simplificación que se ve en la película queda expuesto en ese momento. La habilidad narrativa de Moretti y la fuerza del tema salvan el film.
En un pequeño pueblo de la provincia de Buenos Aires, un grupo de vecinos se organiza para recuperar la economía de la zona, uniéndose en una cooperativa en la que van a invertir todos sus ahorros. Es Argentina en el año 2001, justo antes de la corrida bancaria y el Corralito. Todos los dólares que habían reunido se pierdan y este grupo de perdedores se dispersa luego de la colosal derrota, puntapié inicial de varias desgracias extra. Sin embargo descubren que un abogado del lugar y el gerente del banco se han quedado con los ahorros de todos los habitantes del pueblo. Este villano llamado Fortunato Manzi (cuyo apellido y su barba recuerdan al gran poeta del tango Homero Manzi) ha escondido el dinero en una bóveda en algún lugar cercano al pueblo. El grupo liderado por el ex futbolista Fermín Perlassi (Ricardo Darín) decide entonces robar al ladrón y su bóveda. Esta comedia dramática tiene el tono simple e inocente, pero también anclado en la realidad, que la convierte más en un film de género que una película de denuncia. El entretenimiento se lo da su condición de film de robo, pero toda su emoción se lo da su conexión con la realidad. Para un ciudadano argentino la película es muy movilizadora y consigue, con herramientas de cine, explicar lo que implica un desastre como fue el Corralito del 2001. Pero para quien no sepa nada de ese momento, la historia es universal y atemporal. Los poderosos engañan a los débiles, que un día se cansan y se rebelan. El humor del film es estándar, directo, por momentos demagógico, pero al mismo tiempo amable. Los perdedores son, antes que cualquier otra cosa, perdedores y eso los une más allá de cualquier otra posible diferencia. Imposible no identificarse en esta lucha entre David y Goliath. Y es esa conexión la que lleva a los momentos más emocionantes, que los hay varios, de la historia. Hay una gran inteligencia en lograr transmitir que detrás de los eventos históricos de un país, está la vida de la gente, sus sueños, su fragilidad, su fortaleza y sus tristezas. Qué lo que se ve como un gran golpe para una sociedad que logra superarlo, puede ser demasiado para alguien y simplemente darle un golpe final. Algunas risas y muchas emociones conviven con detalles menos prolijos, como el interés entre el hijo de Perlassi (Chino Darín) y la secretaria de Manzi. Y aunque el tono de Frank Capra a la argentina que puede verse en el film lo libera de cualquier realismo, hay en el desenlace algo de exceso que no terminar de cerrar. Pero en el total la película es divertida y movilizadora, con un elenco verdaderamente inspirado y con un narrativa impecable. A pesar de que en Argentina la sensación de derrota es parte del ADN, la película lejos de amargar es una experiencia emocionante y luminosa. Un pequeño tiro para el lado de la justicia, como dice uno de los personajes.
Durante los años 70, tres mujeres, esposas de mafiosos irlandeses de Nueva York, toman las riendas de los negocios de sus maridos cuando estos son encarcelados, convirtiéndose en las personas más poderosas de Hell´s Kitchen. La película está basada en el comic de la editorial Vertigo publicado en el año 2014, escrito por Ollie Masters, con dibujos de Ming Doyle y Becky Cloonan. El tono de la historia fluctúa entre la comedia, el drama y el film de gángsters. Respeta un poco de los códigos de cada género, pero se va volcando a un drama con menos humor y más tragedia. Sin duda tiene Las reinas del crimen un discurso feminista al estilo de la década del setenta, sin tanto llanto, sin tanta moralina, simplemente salir a tomar las cosas, decidir, actuar, avanzar, unirse y pelear. La descripción de la situación de la mujer es potente y auténtica, aunque la historia esté vista desde el siglo XXI. También hay que decir que no se busca un estilo realista. Qué por momentos tiene ese tono de ambigüedad moral y humor de Buenos muchachos y que le queda muy bien aunque sea algo perturbador por momentos. Justamente el humor negro es lo central para que la película funcione, pero al parecer en el año 2019 sostener eso hasta el final es demasiado complicado y el drama se tiene que imponer. Con problemas, algún que otro golpe de efecto y la mencionada solemnidad que asoma por momentos, Las reinas del crimen igual tiene estilo e instantes de originalidad. El elenco, claro, está particularmente inspirado, lo que le da más fuerza a todo el guión y cada una de las escenas.
Mejor que nunca (Poms) es una comedia que cuenta la historia de Martha (Diane Keaton), una mujer que se muda a una casa de retiro en un barrio donde todos están retirados como ella. Está enferma aunque prefiere no compartir esa información con los demás. Desde su llegada descubre las reglas aburridas y acartonadas del lugar, un espacio de aburrimiento para gente mayor. Solo su alocada vecina para saltearse algunas reglas y juntas comenzarán con el proyecto de crear un grupo de porristas sumando a varias vecinas de lugar. Comedia tribunera, con todos los lugares comunes pero también confiando en la simpatía de las actrices y la genuina honestidad del tema. En una lista de películas con protagonistas mayores, Mejor que nunca no figurará entre las mejores, pero tampoco entre las peores. Diane Keaton es la actriz única que ha sido siempre, fiel a su estilo que jamás abandonó en todas décadas. Ojalá tuviera un mejor guión alrededor, pero algunas buenas risas y un poco de emoción consigue por momentos esta pequeña película.
José Celestino Campusano ha realizado un cine de prestigio dentro del reducido espacio de los festivales de cine. Esta aclaración es para quien se sorprenda cuando encuentro elogios y valoraciones para el director de Hombres de piel dura como si se tratara de uno de los mejores directores del cine actual. Acá vuelve a mostrar todos sus defectos, sus contradicciones y en definitiva los límites que su cine tiene a la hora de llegar a un tema o contar una historia. La película transcurre en una zona rural de la provincia de Buenos Aires. Allí vive junto a su padre y su hermana Ariel, un joven gay que ha nacido y se ha criada en ese lugar. Al comienzo de su adolescencia fue seducido por el sacerdote católico de su comunidad. Ariel decide rebelarse contra el entorno de abusos de la iglesia y la ideología homofóbica y machista del lugar. Su padre, hombre de campo, insiste en que esté con mujeres, avergonzado por la condición homosexual de su hijo que no quiere aceptar. Campusano pasa del realismo más crudo y brutal a los giros más estándar y tradicionales del cine clásico. Por momentos es salvaje y por momentos es insólitamente inocente. Su constante insistencia en poner a no actores a decir parlamentos claramente artificiales y guionados choca una y otra vez, distanciando de forma no efectiva al espectador. No es distancia, simplemente falla su ensayo excéntrico y produce rechazo a la obra. Como siempre en su cine, la película consigue de todas maneras algunas buenas situaciones y estéticamente tiene no pocos hallazgos.
El cine para chicos o si se quiere el cine familiar, requiere el mismo rigor o incluso más que el cine exclusivamente para adultos. Tal vez los guiones puedan tener algunas libertades de verosimilitud, pero el relato debe ser fluido, dinámico, inteligente y visualmente cuidado. Los críticos de cine parecen olvidarse de eso y a la hora de la crítica se vuelven paternalistas e indulgentes, como sabiendo que los chicos no leen críticas pero los que hicieron la película tal vez sí. Cara Sucia con la Magia de la Naturaleza se suma a un largo historial de cine argentino para chicos bienintencionado que queda muy lejos de obtener un resultado con algún tipo de valor cinematográfico. La calidad técnica, el simplismo de las situaciones, la realización en exceso artesanal, todo lo que aquí y en cualquier lugar del mundo es sinónimo de película mala. Mariel, cuyo apodo es Cara sucia, pasa sus días disfrutando con su pequeño hermano en la selva misionera. Pero ese mundo bello y pacífico se ve amenazado con la llegada de la malvada Melany, una malvada ingeniera, dueña de poderes mágicos y también económicos. Ella quiere arrasar con el lugar y las máquinas de su compañía buscar adueñarse de toda la madera de la selva. Una clásica historia ecológica contada de mil formas diferentes en todos los países del mundo y no por eso agotada. La película jamás encuentra el tono y técnicamente está a años luz de sus pretensiones. Cuando la historia requiera la intervención de personajes animados, estos no lograrán la calidad mínima necesaria para deslumbrar desde lo técnico o desde lo artístico. Ni se aleja por completo del cine industrial más comercial, ni se lanza a una animación personal y única. Las actuaciones están lejos también de conseguir se convincentes y la villana interpretada por Laura Novoa es una payasada propia de un mala obra de teatro infantil y no se una película comercial. Otros rostros, como el de Gustavo Garzón, pasan sin pena ni gloria por la pantalla por unos pocos minutos. La voz de Rubén Rada le termina de dar, a través de la canción del film, un tono fuera de época, demodé, de otro momento del cine argentino. Todo el film parece salido de aquellos años pasados, cuando los cineastas mediocres y los críticos blandos se cuidaban mutuamente las espaldas en lugar de avisarle al público lo que les esperaba si pagaban una entrada para ver algo así.
En esta comedia se cuenta la historia de Dina (Betiana Blum) una mujer que lleva muchos años sin ver a sus tres hijos. Ni ellos parecen muy interesados en volver para ver a su madre controladora, ni ella puede ir a verlos debido a su miedo a volar. Entonces toma la decisión más extrema y disparatada: junto con sus amigos decide fingir su muerte y organizar un falso funeral para que ellos regresen. No importa aquí ni la verosimilitud del argumento ni tampoco un análisis moral de tan extrema decisión. Es una comedia de trazo grueso y el disparate está planteado desde el comienzo, no hay problema desde ese punto de vista. Los problemas pasar por otro lado. A pesar del elenco multitudinario, la película se ve muy amateur en su ejecución, un mal que aun hoy el cine argentino tiene en algunos de sus films. A veces un cine primitivo puede ser igualmente encantador o revulsivo. En el caso de la comedia, ser gracioso o no va más allá del presupuesto. Pero acá nada, absolutamente nada es gracioso. El universo variopinto de personajes, todos los estereotipos actualizados a los tiempos actuales, no dejan de verse como una comedia argentina antigua. No es un sainete, pero se ve fuera de época en el mal sentido. Es un verdadero milagro que en ese contexto Betiana Blum consiga igualmente hacer una actuación digna. Como una fortaleza inexpugnable, ella no se ve afectada ni por el diálogo, ni la imagen, ni el elenco menos conectado que ella. Eso se llama profesionalismo y talento, pero no alcanza para salvar a un film como este.